18/06/2008

Realizando nuestros especiales de Fotografías de precisión impecable, que puede visitar aquí y aquí, el frustrante elemento en común que compartían las imágenes era su desafortunado carácter anónimo. No sólo nos impidió darle el merecido crédito a cada uno de los fotógrafos, sino que nos dejaba a oscuras en cuanto al contexto de cada imagen, que en varias de ellas se antoja muy interesante. Un factor más peligroso, dada la naturaleza y enfoque de los especiales, sin embargo, era el hecho de que durante nuestra recopilación corríamos el riesgo de elegir fotografías manipuladas digitalmente. Fue sólo gracias a una cuidadosa inspección de los comentarios en las fuentes de estas imágenes que pudimos identificar aquellas cuya supuesta precisión y oportunidad en realidad tenían un origen artificial.

Ejemplo de imagen manipulada.

La manipulación de fotografías no es nada nuevo: a inicios del siglo pasado las primas Elsie Wright y Frances Griffiths engañaron a media Inglaterra, en especial a Sir Arthur Conan Doyle, al mostrar fotografías en donde las niñas eran acompañadas por pequeñas hadas. Tuvo que pasar más de medio siglo para que Elsie Wright aceptara que, pese a que juraba que en realidad habían visto hadas, cuatro de las cinco fotografías habían sido creadas utilizando ilustraciones recortadas sostenidas con alfileres. Ambas mujeres sostuvieron hasta su muerte, sin embargo, que la quinta fotografía era real.

Una de las famosas fotos de las hadas de Cottingley, de 1917. Aunque las niñas que tomaron la fotografía reconocieron que había sido una farsa, aseguraron hasta el fin que esta imagen no había sido manipulada.

No obstante, hasta la llegada de la era digital existía cierta legitimidad en la fotografía, una calidad de prueba irrefutable que ha comenzado a tambalearse. Por mencionar un ejemplo modesto, a finales de los ochenta la revista Club Nintendo solía invitar a sus lectores a enviar las mejores puntuaciones logradas en sus videojuegos tomando una fotografía a la pantalla, como prueba fehaciente de que los logros eran reales. Con los avances de la tecnología, una fotografía sería inadmisible actualmente, dada la facilidad con la se podría falsear la información.

En términos generales, la fotografía todavía mantiene una carga de credibilidad: la vasta mayoría de las personas espera que las imágenes que se les presentan sean un retrato de la realidad. En el caso del periodismo, a menudo resulta el ancla que solidifica toda la pieza, pues permanece una percepción de honestidad en la fotografía. Desafortunadamente, no falta quien explote los últimos remanentes de credibilidad de la fotografía para sus propios fines.

A finales de marzo del 2008 se suscitaron enfrentamientos violentos entre manifestantes tibetanos y autoridades chinas, iniciados por supuestos actos de violencia por parte de los tibetanos. Testigos pudieron identificar que el provocador era un oficial de policía disfrazado como manifestante, que blandiendo un cuchillo animaba a los protestantes a actuar violentamente. Las primeras imágenes mostraban claramente al agitador, y gracias a éstas el hombre pudo ser reconocido como un policía; sin embargo, páginas de internet y diario afines al régimen comenzaron a mostrar la misma imagen, pero ahora con el individuo eliminado digitalmente.

Las dos imágenes distribuidas por la embajada china: la de arriba muestra al “manifestante” violento. La de abajo, distribuida después de que se identificara al hombre como un policía disfrazado, lo elimina completamente.

De ordinario, las manipulaciones de imágenes se limitaban al entorno de la broma práctica, pero existe una creciente tendencia a falsear la realidad aprovechando la confianza que la gente deposita en la fotografía. El caso del gobierno chino es preocupante, pero es común encontrarlo, aunque de manera más sutil, a nuestro alrededor, para hacer la realidad más atractiva de lo que en realidad es. La compañía Dove lanzó una campaña que mostraba el estándar irreal que agencias de publicidad imponen a consumidores: un nivel de belleza que va más allá de cualquier maquillaje o crema, y que de hecho requiere de una reconstrucción total de los rasgos físicos.

El llamado arte de la fotografía solía encontrar su valor en capturar la belleza o cualidad inherente del sujeto retratado: al tener una de las grandes fotografías de antaño frente a si, el espectador podía sentirse sobrecogido al encontrarse partícipe de un momento quizá previo a su propio nacimiento, o al otro lado del mundo. Quienes se dedican a la fotografía por hobby o profesión, sin duda aspiran a este honesto ideal: el de que su habilidad y técnica se manifieste en un retrato sincero del objeto. Sin embargo, la ficción ha comenzado a adentrarse más y más en este medio previamente documental. Gracias a programas como Adobe Photoshop o GIMP es posible manipular lo capturado para que el resultado final muestre una visión específica. Se trata de toda una nueva rama artística: tomar una imagen normal y agregarle creatividad para lograr un producto distinto. Existen comunidades enteras dedicadas a la manipulación fotográfica, la más notoria siendo Worth 1000.

Una participación en los concursos de Worth1000.com

La llegada de la manipulación creativa de imágenes no es algo que deba mirarse con malos ojos: se trata de una vía que permite a los artistas capturar la imaginación al mostrar “la realidad” transformada de mil maneras posibles. Es posible que marque, sin embargo, la necesidad de alterar la actitud de la gente hacia la fotografía. Pese a que existen métodos hasta el momento infalibles para determinar si una imagen fue tratada con Photoshop (utilizando complejos algoritmos), el ojo desnudo es fácilmente engañable. La cualidad de evidencia de la que gozó la fotografía desde su creación y que se da por sentado comienza a adoptar tonalidades de gris.

¿Se debe desacreditar de una vez el valor de la fotografía como medio de capturar el mundo que nos rodea? No, en lo absoluto. Se seguirá dependiendo de la imagen para ilustrar, demostrar y ejemplificar por muchos años más. Después de todo, una imagen vale más de mil palabras. Sin embargo, en este siglo XXI conviene adoptar una actitud más crítica e inquisitiva, no dar la realidad mostrada en las imágenes como algo por sentado. Conviene ir pensando que quizá una fracción de esas mil palabras puede no ser tan honesta después de todo.

Pedro Arizpe/Milenio.com

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SAN FRANCISCO, EE.UU.- La firma estadounidense de software Adobe anunció hoy el lanzamiento de una versión gratuita y disponible en Internet de su popular programa para retoque de fotos Photoshop.

A diferencia de Photoshop, que está destinado a profesionales, Photoshop Express es más sencillo de manejar, señaló Adobe.

Se trata de un software basado en la red que funciona con cualquier navegador y sistema operativo y permitirá también a los usuarios almacenar hasta 2 gigabytes de imágenes y compartir fotos online.

“Photoshop Express permite a cualquiera que hace una fotografía digital conseguir con facilidad los resultados de alto impacto que han hecho famoso a Adobe”, dijo Doug Mack, vicepresidente de soluciones para consumidores de la compañía, en un comunicado.

Aunque este programa es gratis, Adobe espera que algunos los usuarios decidan adquirir la versión profesional del software por 99 dólares o la versión por suscripción de Photoshop Express que llegará en un futuro próximo.

El software gratuito basado en Internet es cada vez más popular en el sector y es ofrecido por todo tipo de compañías desde Google a Microsoft.

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Luis Hernández Serrano

I

Mi nieto de siete años se acostó en un campo de girasoles chiquiti­cos, que parecían margaritas, y me miró sonriente. Yo no tenía la cámara, pero su simpática imagen la llevo como una foto en mi cabeza, al igual que otras miles de escenas que han impresionado mi retina”.

Esta breve reflexión resume en cuerpo y alma a Ángel González Baldrich, uno de los más experimentados fotógrafos cubanos de todos los tiempos, en la primera entrevista de su vida. Desde hace casi cincuenta años firma sus gráficas con una sola palabra, como lo llama todo el mundo: Baldrich.

Nació en el barrio de Arroyo Apolo, en el municipio capitalino de Arroyo Naranjo, el 29 de julio de 1937. Su padre trabajaba en una ruta de guagua como jefe de línea, y lo llevaba con él a todos los lugares.

“No fui guagüero, aunque mi primer trabajo fue como mozo de limpieza de la ruta uno. No terminé el bachillerato y mi padre me dijo que tenía que trabajar. Yo limpiaba el piso de los ómnibus. Antes del año me quedé sin trabajo”.

A través de un amigo dibujante y diseñador de la publicitaria Mestre y Conill que vio sus dibujos y pinturas, comenzó a trabajar allí, y en su departamento de Fotografía se quedó fasci­nado cuando vio el proceso de impresión de las gráficas.

Con un fotógrafo al que califica de muy bue­no, Aladino Sánchez, aprendió a imprimir fotos. “No sé si tendría parentesco con el Aladino de la lámpara maravillosa, pero para mí al menos, era una magia lo que hacía en el laboratorio, no obstante a ser abogado de profesión. Al poco tiempo ya yo tomaba fotos en esa publicitaria, con mi primera cámara particular: una Ro­llieflex.

Cuenta que de muchacho, en las primeras fotos que tomó, empleó una cámara vieja de un vecino. Al poco tiempo se trasladó para la publi­citaria Siboney, frente al cine Acapulco, en Nue­vo Vedado, donde aprendió la técnica del reve­lado a color.

“La primera foto que me publicaron la tomé en la carretera que conduce a Bahía Honda, a un caballo que pastaba en primer plano y detrás se veía un valle y las montañas de la Sierra de los Órganos. La incluyeron en un anuncio comercial de las pastillas antiasmáticas Maico. Por lo menos salió en Bohemia”.

A Baldrich un día le dieron a revelar rollos con gráficas del Ejército Rebelde, e imprimió otras para propaganda del Movimiento 26 de Julio y en particular para el periódico clandestino Revolución.

“El 24 de diciembre de 1958 me dejaron ce­sante en aquella publicitaria y el triunfo del Pri­mero de Enero de 1959 me sorprendió desem­pleado nuevamente. Fui enseguida para allá y me dieron trabajo otra vez.

“Se unieron varias publicitarias en Radio­centro que poco después pasaron para frente al Hotel Nacional y con el transcurso de los meses se instaló allí la Comisión de Orientación Revo­lucionaria (COR), dirigida por César EscaIante, donde hice mis primeros pininos periodísticos.

“Ya como fotógrafo de prensa, mi primera gráfica se publicó en Pionero. Pero la foto mía de mayor repercusión fue un contraluz de Fidel, cuando inauguró la Escuela de Cuadros de la CTC, en La Coronela, a mediados de la déca­da del 70″.Estuvo inédita durante casi diez años, y a mitad de los 80 ocupó una primera página com­pleta de Juventud Rebelde. Tanto gustó ese contraluz que un profesor de Diseño que visitó el diario con sus alumnos, les dijo: “A esto es a lo que se le llama la imagen mínima”.

“La tomé de noche, a 15 metros de Fidel, antes de que subiera a la tribuna del acto. Una sola luz le daba en el rostro, de frente. Se te veía hasta el aliento al respirar, por el frío reinante. Yo tenía una Nikon recién estrenada y un lente de 300 milímetros. Fue tanto el foco de la gráfica que tuve que borrarle la respiración que se le congelaba en el aire”.

Baldrich recuerda cuando pasó a trabajar a la revista Mella. De esa época evoca sus reporta­jes por la Sierra Maestra durante la Crisis de Octubre en 1962, en páginas que se llamaron Mella en las trincheras.

No olvida a compañeros de esa publicación, como ChaIy Reyes, Frank Agüero, Peroga, Joaquín Ortega y a Juan DoIset. Baldrich ha realizad
o viajes de trabajo a varios países: Canadá, Alemania, lraq, Italia, España, Islas Cana­rias, Chile, México y Angola. El día de la fundación de Juven­tud Rebelde, en octu­bre de 1965, en que Fidel habló en el esta­dio Pedro Marrero, to­mó fotos bajo un agua­cero, con mucho cata­rro y 39 de fiebre.

II

“¿Tres de los mejores fotógrafos que ha tenido este diario? Reinaldo González, José Orozco (fallecido hace años) y Orlando Martí­nez Maqueira, quien murió recientemente, aún trabajando en Bo­hemia…, una irreparable pérdida.

“Para mí la fotografía ha sido todo en la vida. ¿Mis fotos más queridas? Además del contraluz de Fidel, otra que le tomé en el Pico Turquino, en 1965, cuando subieron los primeros médicos graduados por la Revolución. Solo se ve el fusil en el hombro de Fidel, un símbolo. Y la otra la tengo en un cuadro en la pared de mi cuarto: unos botes en la playa de Cojímar. La tomé cuando fui con Leonardo Padura a realizar un reportaje sobre Hemingway.

“¿Requisitos para ser fotógrafo? Observarlo todo con detenimiento, ser muy sensible ante lo bueno y lo malo, lo triste y lo alegre, lo pintoresco y lo grotesco. Querer llevar a la gente imágenes de lo que nosotros conocemos, y muchos por su trabajo no tienen el privilegio de ver.

“¿La emoción más grande? Cuando fui co­rresponsal de guerra en Angola, nos jugamos la vida. También cuando pasé el curso de piloto en Santa Fe, en aparatos como el Pipper, donde también voló el Che en 1960”.

Explica que antes en el laboratorio había que saberlo todo, para que las fotos salieran bien, y como cosa curiosa recuerda su reportaje a una farmacia china de la calle habanera de Zanja.

Dice que su plato fuerte es el paisaje y el retrato. Que es lo que le gusta, lo mejor que hace. Y menciona como sus fotógrafos favoritos, entre otros, a Osvaldo Salas, Raúl Corrales, José Tabío, Liborio Noval y Reinaldo González.

Si Baldrich hubiera tomado solo mil fotos anuales, en sus 47 años cámara en ristra, acu­mularía 47 000 en su vida profesional. Pero deben sobrepasar las 70 000. Y de ellas calcu­lamos que se han publicado en distintos órga­nos de prensa alrededor 8 000 ó 10 000. ¡Respetable estadística!

“Al privilegio de ser fotorreportero yo le llamo ‘maravilla’. Y parafraseando a Silvio, pienso que el fotógrafo ‘mira la tierra y sí ve más que tierra’, ve lo que el hombre ha hecho sobre ella con su trabajo y por ello merece fotos”.

Enfatiza en que Ios de su oficio no solo miran con los ojos, sino también con la mente y el corazón, aunque a él le gusta la improvi­sación, el “repentismo” en la fotografía.

“Sí, yo hablo poco, por mi carácter. Pero con­verso a través de las imágenes que capto. Hablo más con mis fotos que con mi boca. Me relaciono con los hechos y la gente poniéndolo todo dentro de mi cámara.

“¿Las fotos más difíciles? Algunas de las que me mandan a hacer. Y las más fáciles son aquellas que más me gustan: los trabaja­dores, los rostros, el mar, el paisaje, la natura­leza.

“Adoro el retrato porque el ser humano para mí es lo más importante. ¿Qué disfruto más? La foto que vaya hacer al día siguiente, el hecho nuevo, la incógnita de la nueva perso­na que vaya conocer y va a entrar en mi vida”.

Refiere que no extraña el cuarto oscuro, ni la ampliadora, ni el papel fotográfico, ni la química. Dice que fueron sus socios fuertes, pero llega­ron hasta un punto. Que son viejos compañe­ros. “Me despedí de ellos con cariño. Lo mismo debe ocurrirle a los redactores con la máquina de escribir y con el teletipo”.

Nos confiesa que pensó retirarse a los 60, hacer un bote y permutar para Guanabo, pero al enterarse de la llegada de la cámara digital y la computadora, escribió a la dirección del periódico y sugirió que adquirieran la técnica moderna.

“La foto digital es como tomar otro camino. Todos los días me asombra. Con lo nuevo se acabó aquel retoque a mano, pintando sobre la fotografía impresa, que te IIevaba media hora. Ahora todo se resuelve rápido con el mouse frente a la computadora: se quitan suciedades de los dientes, verrugas, cicatrices, manchas. Yo las arrugas de tu frente, por ejemplo, te las quito en un santiamén.

“Hay instantes tristes en que un niño llora porque la madre le pegó muy duro, y días felices como cuando el corresponsal nuestro de Ciego de Ávila, Luis Raúl, me dijo en su provincia: ¡Ah! ¿Usted es Baldrich? ¡Qué deseos tenía de conocerlo, me encan­tan sus fotos! Esas cosas para mí son diplo­mas del tamaño de la mesa esta. Me recompensan mucho.

“Mi oficio es una magia y mi cámara es mi vida entera. Siempre me ha
dicho la verdad, ha sido franca y abierta. En fin, la fotografía es mi gran amiga íntima”.

(Entrevista publicada en Juventud Rebelde, 12 de marzo de 2004)

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Si sigues nuestros trucos de fotografía, te harás una idea de lo que se puede conseguir usando un programa de edición para hacer retoques. Si es posible borrar a espontáneos que se meten en nuestras fotos sin previo aviso, lo lógico es que también podamos llenar de público la grada de un campo de fútbol. Pero hay que hacerlo bien, y no como en la foto de arriba.

El Ataque de los clones, de momento, sólo es una película de ciencia ficción. Y aún así, ser un clon no implica imitar perfectamente las posturas de sus demás gemelos.

Mira que hay fotos y fotos de gente animando en un partido, pero el creador de este ejemplo, publicado en el diario deportivo AS, debía de tener poco tiempo y usó pocos recursos para repetirlos varias veces.

Algunas personas se repiten hasta tres veces (puede que más), cada pocos píxeles y casi a la misma altura, como incitándonos a que recorramos una línea imaginaria con la mirada. Si al menos las hubiera separado un poco… Así cualquiera llena una grada, hombre.

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El salón Sonimagfoto, que empieza en Barcelona, ofrece una buena oportunidad para conocer las últimas novedades en este terreno

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Realizar fotografías de cuadros es otra de esas disciplinas fotográficas un tanto molestas. Pocos son los que se especializan -tanto en técnica como en equipo- en ella, pero son muchos los que en alguna ocasión la han practicado: ¿quién no ha ido alguna vez a una pinacoteca? Los problemas, en cualquier caso, siempre son los mismos: “pelotazos” de flash, colores irreales o cuadros cortados… Veamos si todo esto tiene solución. Por Eduardo Parra

Siempre habrá alguna ocasión en la que nos toque fotografiar un cuadro. En este reto, compactas y réflex digitales están casi a la par, puesto que los elementos técnicos que vamos a necesitar están tanto en las unas como en las otras. De idéntico modo, las pegas que nos va a poner un tipo de cámara también nos las va a poner la otra.

Empecemos por la luz

Lo primero que hay que tener presente es que tendremos que recurrir, siempre que nos sea posible, a un trípode. Los cuadros no se van a mover, por lo que con un punto de apoyo podremos servirnos de varios segundos de exposición.

Pero si en algo tenemos que ser escrupulosos a la hora de fotografiar un cuadro es en ser fieles, al cien por cien, a sus colores. Un cuadro de El Bosco tiene sus colores: negros que son negros y rojos que son rojos, miles de matices y decenas de tonalidades intermedias. Lo que no podemos hacer -o al menos, no debemos- es obtener una fotografía con negros pardos, rojos anaranjados o matices, a su vez, matizados.

Hay dos elementos principales que pueden falsear los colores: el balance de blancos y la luz reflejada.

El balance de blancos debemos, literalmente, clavarlo. No vale una aproximación. Si nuestra cámara dispone de un modo de ajuste manual, hemos de usarlo. Por regla general, la iluminación de los museos es uniforme y muy difusa, con lo cual no tendremos, en teoría, excesivos problemas. Estos pueden aparecer cuando, aparte de la iluminación artificial -tungstenos, generalmente-, existen ventanas que dejan pasar la luz blanca del sol. Atentos a este pequeño detalle, puesto que las combinaciones de luz pueden confundir a los equipos.

Nikon D100, f4, 1/160 s

Un balance de blancos erróneo puede inutilizar la foto, ofreciéndonos colores irreales.

La luz reflejada en las paredes es el segundo -y quizás el más grave- problema con el que podemos encontrarnos. Como casi siempre ocurre, los espacios no se diseñan pensando en los fotógrafos. En algunos museos las paredes están pintadas de colores distintos del blanco, provocando dominantes, fotográficamente hablando, terribles.

Para atacar este problema, la mejor arma es el retoque digital en el ordenador. Se toma una fotografía de muestra, con un blanco de referencia que luego se utilizará para hacer los ajustes (muchas veces, el panel de información que está junto a cada obra es más que suficiente). Sin un blanco de referencia, sería prácticamente imposible hacer una corrección fiable al cien por cien en el ordenador.

Nikon D100, f4, 1/60 s

Las paredes de colores son un terrible enemigo: pueden provocar que todas las luces queden “contaminadas” de color.

Otros detalles

En la fotografía de cuadros, el flash es uno de esos elementos casi siempre prohibidos, sobre todo si no disponemos de un buen par de flashes de estudio. Los flashes integrados son totalmente inútiles, salvo que recurramos a algún truquillo fotográfico. Y ello se debe a que los cuadros, sobre todo los más antiguos, están cubiertos por una capa protectora que los hace muy brillantes y propensos a los reflejos.

1. Nikon D100, f4 1/60 s, 400 ISO

2. Nikon D100, f4 1/60 s, 400 ISO

Con flash directo (1) o flash rebotado (2), los destellos y los cuadros no se llevan nada bien. Lo mejor es evitarlos.

Salvo cuando sea imprescindible utilizar el flash -por escasez de luz, por ejemplo-, la técnica más útil consiste en alejarse un poco hasta lograr que el destello salga por encima del cuadro, recortando la toma, si es necesario. Por desgracia, cuanto más nos alejamos, más posibilidades hay de que se introduzca en la exposición la luz ambiente, con lo cual volvemos al problema de la fidelidad del color. Para minimizar este último inconveniente, reduciremos al máximo la sensibilidad, cerraremos el diafragma y aumentaremos la velocidad, buscando que la única luz que llegue al sensor sea la propia del flash.

En lo que respecta a diafragmas y focales, la cosa es sencilla. Dado que el cuadro es plano, un diafragma abierto es ideal: ganamos luz y no corremos riesgo de perder foco. Tan sólo hay que tener cuidado de que nuestra abertura no cause “viñeteo” y, en caso de que lo haga, cerrar un poco el diafragma.

Olympus Camedia C-460 Zoom, f3.1, 1/6 s, 100 ISO

El uso de focales cortas, sobre todo en cámaras de gama baja, puede ocasionar distorsiones geométricas muy fácilmente vis
ibles en los marcos de los cuadros.

Con las distancias focales tampoco hay mayores problemas. Ante todo, deben evitarse los extremos -angular y tele- para minimizar las distorsiones geométricas. Por cierto, una buena focal para estos casos suele ser la de 50 mm, similar al ángulo de visión del ojo humano.

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El color bajo control

Una manera eficaz de corregir desviaciones globales de color en las fotografías es la igualación de valores RGB en los tonos neutros, y ello puede hacerse con total objetividad con la ayuda de dianas o cartas de muestras neutras. Así, realizaremos en cada sesión fotográfica una o más tomas de calibración, dependiendo de si van a variar o no las condiciones de iluminación. Por Paulo Porta

<!– function newImage(arg) { if (document.images) { rslt = new Image(); rslt.src = arg; return rslt; } } function changeImages() { if (document.images && (preloadFlag == true)) { for (var i=0; i<changeimages.arguments.length; src =” changeImages.arguments[i+1];” preloadflag =” false;” faro_01_over =” newImage(” faro_01_down =” newImage(” faro_02_over =” newImage(” faro_02_down =” newImage(” faro_03_over =” newImage(” faro_03_down =” newImage(” faro_04_over =” newImage(” faro_04_down =” newImage(” preloadflag =” true;” d=”document;” mm_p=”new” j=”d.MM_p.length,a=” i=”0;” src=”a[i];}}” a=”document.MM_sr;” i=”0;a&&i0&&parent.frames.length) {
d=parent.frames[n.substring(p+1)].document; n=n.substring(0,p);}
if(!(x=d[n])&&d.all) x=d.all[n]; for (i=0;!x&&i<d.forms.length;i++) x=”d.forms[i][n];” i=”0;!x&&d.layers&&i<d.layers.length;i++)” x=”MM_findObj(n,d.layers[i].document);” x=”d.getElementById(n);” j=”0,x,a=” mm_sr=”new” i=”0;iTodos sabemos la importancia que tiene evitar las dominantes de color debidas a la iluminación ambiental para que las fotografías muestren correctamente los tonos.

Las cámaras nos ofrecen funciones de balance de blancos automático o manual, ya que debido a la adaptación de nuestra vista al entorno podemos no ser conscientes -en el momento de hacer las tomas- de encontrarnos bajo una luz con una clara tendencia al naranja o al azul, que sí se hará evidente en la copia final.

La corrección de color global puede hacerse de muchas maneras, aunque podríamos diferenciar tres estrategias:

a) Corregir manualmente -a ojo- con cualquiera de las herramientas disponibles: Niveles, Curvas, Equilibrio de color, Variaciones, etcétera.

La ventaja es que controlamos el resultado en cada una de las fotografías. Por el contrario, esta metodología requiere bastante tiempo y el resultado puede no ser suficientemente objetivo, ya que en él influirán el monitor y la iluminación ambiental en el momento de realizar el ajuste.

b) Corregir con funciones automáticas como Niveles automáticos, Color automático, etcétera. Éste es, con mucho, el método más rápido, pero para mí el peor, ya que no interpreta la imagen.

Aunque podemos establecer el porcentaje de recorte -proporción de píxeles más oscuros y más claros que se ignoran en el cálculo- y los valores RGB del punto blanco, negro y gris de destino, los programas los asignarán a ciertas zonas sin saber si éstas debían aparecer neutras o no.

c) Utilizar muestras sobre algún tipo de diana o carta de parches de color. Quien haya incluido en una sesión de retratos alguna toma del modelo con una carta gris cerca del rostro, sabrá la seguridad que proporciona a la hora de analizar si las pruebas están correctas de tono.

Basándonos en esta última opción, el método que describiremos a continuación consiste en manejar tres referencias: una negra, otra gris y otra blanca. Existen dianas específicas, aunque también se puede probar primero con materiales más caseros.

Bastaría con pegar en un cartón gris un trozo de cartulina negra y otro de papel blanco, con ciertas precauciones: la cartulina negra se degrada rápidamente con la luz del sol, volviéndose rojiza. El papel amarillea con el tiempo, aunque más lentamente. El cartón gris hay que escogerlo con cuidado, aunque es fácil encontrarlo en papelerías con un tono suficientemente neutro y uniforme.

No es necesario para esta técnica que el parche gris tenga un 18% de reflectancia, sino simplemente que sea neutro. En todo caso, esta solución es bastante provisional.

Lo que no aconsejo es imprimir la diana. Incluso con una impresora bien calibrada y utilizando solamente tinta negra, el resultado es mucho menos estable y uniforme que el material industrial de papelería.

Diana flexible de superficie mate, diana casera en cartón y cartas Gretag Machbet e it8.

Las cartas de muestras son lo más fiable, aunque su problema puede ser el tamaño. No suelen sobrepasar los 15 centímetros, por lo que algunas -como la it8 de la imagen- se hacen impracticables salvo en tomas muy cercanas.

Procedimiento de ajuste

Una vez abierta en el programa de retoque la imagen con la diana, es conveniente hacer primero un ajuste de niveles, en especial si la foto está visiblemente sobreexpuesta o subexpuesta.

A continuación, se sitúan con la herramienta correspondiente las tres muestras: negra, gris y blanca. Los valores RGB en cada punto se mostrarán en la paleta Info.

Si el programa permite regular el tamaño de la muestra, debemos ponerla a 5 x 5 píxeles, por lo menos. Si no existe esta opción, se puede desenfocar una zona circular, donde vamos a colocar el punto de muestra.

En Photoshop, lo ideal es el filtro Promedio. De esta manera, las muestras no se verán afectadas por texturas o irregularidades en la superficie de la diana:

Obsérvese en la imagen que las muestras blanca y negra no tienen por qué ser las zonas más claras y oscuras de la fotografía. Aquí la diana estaba muy iluminada, así que el negro es poco oscuro, mientras que el blanco se acerca al límite.

Si recortásemos el punto negro con Niveles donde hemos colocado la muestra denominada #1, empastaríamos las sombras de la foto, y si lo hiciésemos sobre la zona más oscura de la imagen, que no es neutra, tendríamos un ajuste tonal automático incorrecto.

De lo que se trata, por tanto, es de igualar los valores RGB de las tres muestras. Por sistema, debemos igualar los valores del negro al más bajo de los existentes (en este caso 76), los del gris al mediano de los presentes (164), y los del blanco al más alto (en el ejemplo, como son muy cercanos al límite de la escala, los ignoramos e igualamos a 24
5, para dejar por lo menos 10 valores de margen). Lo mismo habríamos hecho con una muestra negra demasiado oscura.

Correcciones en el canal Rojo.

Con la herramienta Curvas hacemos los cambios numéricos en cada uno de los canales. Creamos tres puntos intermedios pulsando sobre la línea, y escribimos los valores de entrada y salida en las casillas que aparecerán abajo. Escribiremos incluso los valores que no cambian; si no se anclan, el ajuste puede hacer que varíen.

Aceptamos el ajuste cuando la paleta Info confirme la igualación de valores:

Fotografía de prueba, antes y después de la corrección.

Extender el ajuste

De igual forma que en el cuarto oscuro, al revelar una película la examinamos para tomar nota de qué fotogramas tienen las mismas características; luego elegimos uno que nos parezca representativo para hacer un par de pruebas de positivado, y después los procesamos todos con el mismo tiempo y diafragma. La corrección de color que acabamos de describir puede aplicarse a aquellas fotos tomadas en la misma sesión y en condiciones de luz y exposición semejantes.

Para ello, solemos tener la opción de guardar el ajuste de curvas y recuperarlo después en cada foto, o bien grabar una acción, si las fotos son muchas. En algunos programas también funcionan atajos de teclado. Así, la combinación Control+Alt+M, abre en Photoshop el cuadro de Curvas con los últimos parámetros ya puestos, que sólo hay que aceptar.

Corrección numérica en RAW: ¿es posible?

Con la perspectiva que en este momento ya tenemos de las ventajas de procesar las fotografías sobre datos de toma RAW, es previsible que los programas de retoque general y los conversores RAW no solamente se complementen, sino que acaben integrándose dentro de muy poco en un único tipo de programa.

Mientras tanto, es complicado sacar todo el partido a una técnica como ésta, basada en las muestras. No es usual que los conversores RAW permitan situar puntos de control. Camera Raw de Adobe sí lo hace, pero sobre un único píxel, y no permite hacer un ajuste de curvas por canales, con lo que resulta inútil.

La excepción, de momento, es Nikon Capture, con el que se pueden colocar los tres puntos de control y editar las curvas por canal. Sin embargo, al añadir los puntos intermedios, el programa muestra los valores numéricos, pero no permite teclearlos; solamente es posible mover la curva, con lo que la edición resulta francamente incómoda.

Con el resto de los programas específicos no es posible poner muestras ni ajustar curvas canal por canal. En algunos, ni siquiera se pueden editar numéricamente. Es sin duda uno de los puntos flojos de la conversión RAW, que las nuevas versiones de programas deberían subsanar.

Paulo Porta

<!– function newImage(arg) { if (document.images) { rslt = new Image(); rslt.src = arg; return rslt; } } function changeImages() { if (document.images && (preloadFlag == true)) { for (var i=0; i<changeimages.arguments.length; src =” changeImages.arguments[i+1];” preloadflag =” false;” faro_01_over =” newImage(” faro_01_down =” newImage(” faro_02_over =” newImage(” faro_02_down =” newImage(” faro_03_over =” newImage(” faro_03_down =” newImage(” faro_04_over =” newImage(” faro_04_down =” newImage(” preloadflag =” true;” d=”document;” mm_p=”new” j=”d.MM_p.length,a=” i=”0;” src=”a[i];}}” a=”document.MM_sr;” i=”0;a&&i0&&parent.frames.length) { d=parent.frames[n.substring(p+1)].document; n=n.substring(0,p);} if(!(x=d[n])&&d.all) x=d.all[n]; for (i=0;!x&&i<d.forms.length;i++) x=”d.forms[i][n];” i=”0;!x&&d.layers&&i<d.layers.length;i++)” x=”MM_findObj(n,d.layers[i].document);” x=”d.getElementById(n);” j=”0,x,a=” mm_sr=”new” i=”0;i

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Mural de García Espino en la UASD. SANTO DOMINGO.- El Gobierno decidió eliminar el mural plasmado en la parte exterior de la Facultad de Ciencias Económicas y Sociales de la Universidad Autónoma de Santo Domingo (UASD), ante las controversias creadas porque resaltaba la figura del ex presidente Joaquín Balaguer, lo cual motivó a grupos de izquierda a desfigurar el arte. La información la ofreció Félix Bautista, director de la Oficina de Ingenieros Supervisores de Obras del Estado, que tiene a su cargo la remodelación de esa unidad académica, al señalar que la decisión fue tomada ante las dificultades y controversias generadas con la obra creada por García Espino, que también muestra al ex presidente Juan Bosch, el extinto líder del Partido Revolucionario Dominicano, José Francisco Peña Gómez, y a otras personalidades. Bautista dijo que también se reestructurará el mural de Silvano Lora que permanece en el interior del Paraninfo de la Facultad de Economía, el cual será rodeado de algunos elementos arquitectónicos en armonía con todo el diseño del auditorio. Dijo que el presidente Leonel Fernández le ordenó proponer a las autoridades universitarias que el referido auditorio lleve el nombre de Silvano Lora, en honor al ilustre artista plástico dominicano, que forma parte de nuestro patrimonio cultural. El funcionario explicó que en lo adelante abrirá una licitación a través de las asociaciones de Artistas Plásticos y de Profesores de Artes de la UASD para llegar a un acuerdo sobre el arte que deberá plasmarse en el espacio que dejará la obra de García Espino. Insistió en que el mural de Silvano Lora permanecerá intacto y que para ello le propuso a una hija del pintor que buscara un restaurador del cuadro por el deterioro que presenta la obra. “La familia de Don Silvano y la Asociación de Profesores de Arte accedieron a buscar un muralista para que diera los retoques necesarios al mural para que haya una armonía arquitectónica con el nuevo diseño del auditorio de la Facultad de Economía”, explicó. En cuanto a la apertura de la Facultad de Economía, Bautista dijo tienen previsto entregarla en el mes de marzo.

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Fue un artista total. Pintó, diseñó y creó con la cámara imágenes insólitas. Surrealista, vanguardista, revolucionó la moda, la publicidad y el retrato. Man Ray liberó a la fotografía de sus funciones documentales. La elevó a la categoría de arte

Fue un artista total. Pintó, diseñó y creó con la cámara imágenes insólitas. Surrealista, vanguardista, revolucionó la moda, la publicidad y el retrato. Man Ray liberó a la fotografía de sus funciones documentales. La elevó a la categoría de arte

Yo creé a dadá cuando era niño y mi madre me zurraba. Yo podría proclamar que soy el autor de dadá en Nueva York”. Así se expresaba Man Ray (Filadelfia, 1890; París, 1976) en un texto para el catálogo de la gran retrospectiva de dadá en Düsseldorf que aparece reproducido en su autobiografía, titulada Autorretrato. Y de hecho, en lo fundamental, y a pesar de su progresiva asimilación con el surrealismo, puede decirse que Man Ray mantuvo su espíritu dadaísta hasta el final de sus días. El carácter combativo y provocador del movimiento dadá se ajustó perfectamente a la personalidad inquieta, individualista y un tanto contradictoria de Man Ray. Quien llegaría a ser uno de los principales responsables de la toma en consideración de la fotografía como arte, publicó un famoso opúsculo con el rotundo título de La fotografía no es un arte. Preguntado años después si seguía manteniendo esa opinión, respondió que había revisado un poco su actitud, llegando a la conclusión de que “el arte no es fotografía”. Probablemente sea esa actitud irónica y aparentemente distanciada, plagada de afirmaciones provocadoras, la que mejor defina no sólo su personalidad, sino también su trayectoria artística y la posición que ocupó en la vanguardia artística de la Europa de entreguerras. Su afán de experimentación y búsqueda había dado comienzo ya en Nueva York, sobre todo a raíz del descubrimiento del arte de vanguardia europeo en el Armory Show en 1913, y de su encuentro con Marcel Duchamp en 1915, con quien iniciaría una amistad y una colaboración que duraría el resto de sus vidas. En esa época inició una intensa militancia dadaísta y comenzó a aplicar nuevas técnicas en su trabajo, como sus pinturas aerógrafas, en las que colocaba objetos y plantillas sobre el lienzo que luego rociaba con pintura, o el método del cliché-verre para hacer impresiones de dibujos hechos directamente sobre el negativo. Y sobre todo empezó a utilizar la cámara para fotografiar objetos construidos, o descontextualizados y separados de su función originaria gracias al pie de foto (como la famosa imagen de la batidora de huevos titulada Mujer); objetos que después siguió realizando a lo largo de casi toda su vida, y a los que llamó “objetos de mi afecto”. Toda esta evolución iniciada por Man Ray en Nueva York encontraría su caldo de cultivo perfecto en el París de los años veinte.

De hecho, el núcleo fundamental de la obra fotográfica de Man Ray, y sus principales aportaciones al medio, tuvieron lugar de manera casi inmediata en Francia, a lo largo de apenas dos décadas: desde 1921, año de su llegada a París, hasta 1940, cuando vuelve a Estados Unidos forzado por la ocupación alemana. De este periodo son precisamente la mayor parte de las 84 obras reunidas en la exposición Luces y sueños, que puede verse ahora en Madrid tras haber visitado Girona y Valencia. Con el atractivo añadido de que la inmensa mayoría de las copias expuestas son vintages, primeros tirajes realizados por el propio autor o, en caso de ser posteriores, controlados por él mismo. En esta selección se encuentran casi todos los aspectos de su obra: el desnudo femenino, uno de sus temas predilectos; la fotografía de moda, de la que fue sin duda el gran renovador; su intensa y prolongada relación con Marcel Duchamp; sus autorretratos y los excelentes retratos que le dieron fama e impulsaron su carrera; la estrecha relación con sus modelos femeninos, en este caso con la bailarina mulata Ady Fidelin, que también fue su pareja durante unos años; el interés por los procedimientos técnicos ligados a la fotografía sin cámara, como sus conocidos rayogramas; su interés por los objetos banales y cotidianos, así como por los objetos construidos –“objetos de mi afecto”–, y su atracción por el ajedrez, tanto por la geometría del tablero como por las posibilidades de desarrollo formal de las piezas del juego, de las que llegó a diseñar y vender varios modelos.

e="text-align:justify;font-family:verdana;">Sus trabajos en exterior se limitaron prácticamente a tomar registro de su vida personal, de viajes y fiestas o de su círculo de amigos. Destacan entre estas imágenes, por su intensidad e interés, las que tomó en los veranos de 1936 y 1937, en Mougins y Antibes, de los encuentros y reuniones de un extraordinario grupo formado por Picasso y Dora Maar; Paul Éluard y su mujer, Nusch (con quien además realizó algunos de sus mejores desnudos); Roland Penrose y Lee Miller (que había sido su ayudante y amante algunos años antes), o Max Ernst, entre otros. Imágenes que reflejan fielmente la atmósfera creativa, libre y desinhibida en la que se desenvolvían.

Man Ray fue ante todo un fotógrafo de estudio, de taller, para el que la manipulación en el laboratorio, el reencuadre, la ampliación o el retoque eran elementos esenciales. Su interés primordial se dirigió hacia la ampliación del mundo de lo visible, hacia la exploración de la visión interior, propiciando la aparición de lo irreal y lo extraño, de lo fantasmagórico; la modificación de la identidad de las cosas, la irrupción de lo real poetizado. Para él, “el fotógrafo es un explorador maravilloso de los aspectos que nuestra retina no registra nunca. (…) He tratado de plasmar las visiones que el crepúsculo, la luz demasiado viva, su fugacidad o la lentitud de nuestro aparato ocular sustraen a nuestros sentidos”. Precisamente por eso, uno de los elementos que más destacan de su obra es la amplia gama de procesos que empleaba para manipular la imagen: como la rayografía (la colocación de objetos tridimensionales en el papel fotográfico que luego se expone a la luz), la solarización (entrada de luz en el negativo durante el proceso de revelado, que provoca que los contornos aparezcan muy contrastados y las formas representadas se conviertan casi en siluetas), la exageración del grano de la imagen, las distorsiones, las sobreimpresiones o las fragmentaciones a través de la ampliación de detalles. De hecho, una de sus principales obsesiones era cómo conseguir restar realismo a la imagen, lo que le llevó a fracturar la realidad, a crear escisiones, capaces de provocar nuevas asociaciones, significados y sensaciones.Pero lo verdaderamente destacado es que reunió y desarrolló todos estos procedimientos, que ya eran conocidos, pero aplicándolos de una manera diferente y con arreglo a un programa estético y creativo radicalmente nuevo, y sobre todo que consiguió introducirlos rápidamente y de un modo tremendamente eficaz en el ámbito de la fotografía comercial: la fotografía de moda, la publicidad y el retrato. Revistas como Bazaar, Vogue o Vanity Fair dieron entrada a esa nueva forma de mirar. En ese momento, la fotografía se hizo verdaderamente consciente de la importancia de la página impresa, y viceversa. Así, la obra de Man Ray no sólo supuso un avance definitivo en la consideración de la fotografía como un medio artístico autónomo, sino que también influyó poderosamente en el uso comercial y mediático de la imagen con sus nuevas referencias estéticas.

Lo curioso y significativo es que durante toda su vida deseara, por encima de todo, ser pintor, y finalmente fuera reconocido como fotógrafo. Él mismo describe, con cierta acritud, esa paradójica situación en la madurez de su trayectoria, poco antes de volver de nuevo a Francia en 1951: “A un pintor convertido en fotógrafo se le perdona fácilmente, pero un fotógrafo conocido, como era yo, que se convierte en pintor, aunque algunos lo reconozcan como pionero, siempre será mirado con recelo”.

Man Ray fue un personaje complejo que consiguió conciliar aspectos tan difíciles de equilibrar en su momento como la pintura y la fotografía, la experimentación y la actitud vanguardista con el uso comercial de la fotografía y su difusión en las revistas de moda de la época, la vida bohemia de artista con su condición de fotógrafo de la buena sociedad y su enorme facilidad para moverse en diversos círculos sociales, y manteniéndose, al mismo tiempo, neutral ante las diferentes querellas y divisiones que surgieron entre las filas de la vanguardia.

El epitafio que figura sobre su tumba en el cementerio de Montparnasse resume bien su compleja postura y posición artística: “Unconcerned but not indifferent”, que se podría traducir como “no implicado, pero tampoco indiferente”, o aún mejor, y como reflejo también de su postura vital, “despreocupado, pero no indiferente”.

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“Una solución que permita a los editores seguir la pista de los cambios realizados sobre una imagen digital.” Con estas palabras se refirió Tom Glocer, director general de Reuters, a la colaboración que la agencia está manteniendo con Adobe y Canon para crear un sistema que detecte cualquier manipulación realizada a una fotografía digital.

Redacción.- Una fotografía distribuida por Reuters en la que las nubes de humo sobre la bombardeada ciudad de Beirut habían sido clonadas y aumentadas mediante un programa de edición es, posiblemente, el último y más conocido detonante de esta iniciativa. El director general de Reuters, Tom Glocer, ha asegurado que la conocida agencia de noticias ya está trabajando con Adobe y Canon en un método que certifique la veracidad de las fotografías. En un discurso pronunciado en Tel Aviv a principios de este mes y reproducido en su blog personal, Glocer remarcaba la importancia de este tipo de medidas en la denominada “era del periodismo ciudadano”, en la que no sólo los profesionales son los encargados de suministrar las noticias y las imágenes. © Reuters El pasado mes de agosto, Reuters emitió un comunicado en el que reconocía haber publicado una imagen manipulada de los bombardeos isrealíes sobre Beirut. La agencia aseguró que no volvería a contar con la colaboración del fotógrafo que capturó la imagen original (arriba) y luego la retocó (debajo). De hecho, y tal como recuerda CNET, Reuters y Yahoo han llegado recientemente a un acuerdo que permitirá a los usuarios de Flickr enviar directamente sus instantáneas a la agencia de noticias. Verificación de Nikon y Canon Aunque desde Reuters no se han dado detalles concretos sobre esta tecnología ni su disponibilidad, lo cierto es que tanto Nikon como Canon ofrecen accesorios opcionales que habilitan una función similar en sus réflex profesionales. Tal es el caso del Canon Verification Data, cuya última versión (DKV-E2) vio la luz a principios de 2004. Compatible con la saga de las EOS-1D en sus diferentes versiones y actualizaciones, y también con las EOS 5D y 30D, el programa opcional es capaz de certificar si una fotografía ha sufrido cualquier tipo de cambio o retoque después de su captura. Nikon, por su parte, también ofrece una prestación similar mediante su programa Nikon Image Authentication Software, que fue presentado conjuntamente con la Nikon D2Xs este pasado verano.

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Los lugareños de 1902, cuando concurrían a su estudio fotográfico le decían “vengo a sacarme una foto”, tras el formal saludo al profesional en el arte de luz y sombra. Su primer salón el correntino Ramón Ruda Moreno lo instaló en la casona de San Martín entre Sarmiento. Para pasar luego a Santa Fe, en inmediaciones de Ayacucho y San Lorenzo. Después compró la propiedad de Agapito Pyke y Sánchez, por la calle Sarmiento, para establecerse definitivamente en Santa Fe, cerca del Hotel Ideal y de la librería “Universal”, del paraguayo Sosa. Era en 1933 ,decía su hija Aurora. Pleno centro de Posadas de costumbres singulares, como el hablar pausado. Y con la “ll”, no caye, sino calle .Modismos así como decir; “chaque” por cuidado. “te pillé”, “péina” ,asombro. “argel”, antipático, ” catè”, a lo rico, “yaguá” en guaraní significa perro, era negar, o desmentir dichos.

Mundo artístico
En ese submundo casi irreal para los asombrados lugareños, pasaron los años los posadeños y los misioneros del interior. Porqué no decirlo, también de Encarnación, Paraguay. Don Dorrego exhibía sus cuadros de enorme tamaño, con muestras de las señoritas mas bellas , al mejor estilo cinematográfico. Tenía una especie de galería artística.
Era maestro rural, pero un autodidacta en fotografía artística. Pues a ese oficio dedicó la vida con ahínco y arte, adelantándose a los tiempos. Estuvo 65 años con la técnica del retoque a lápiz negro, primero, y toques de color después. Iluminaba y corregía con lápiz negro y por último con todos los colores.
Ofrecía sus dotes de artista, tanto a los “caté”, clase media o de humilde condición social. Con magia disimulaba defectos, arrugas o embellecía sus fotografías.
De Ituzaingó ,Corrientes, llegó a Misiones en 1887, para ejercer como maestro rural, en Concepción de la Sierra. Pero su mayor pasión fue la fotografía. Se estableció años después en Posadas y pronto fue el fotógramo más requerido y codiciado por los pobladores. Conocido de todos , fotografiaba en su estudio a los recién casados por iglesia, pero atendía cualquier evento familiar. Don Dorrego murió a los 92 años, en 1970.

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La exposición estará conformada por un grupo de fotógrafos procedentes de diversas partes del mundo: Alemania, Estados Unidos, Israel, Rusia, Escocia y España. Lo más interesante de todo es sin duda la propuesta que estos artistas nos hacen.
Más allá de las cámaras que nosotros usamos y conocemos, estos artistas se acercan con un salto en el tiempo a los orígenes, en un acto de rebeldía ante tantos adelantos técnicos para reivindicar el arte y la creación por encima de tanta perfección tecnológica, para encontrar la libertad de la expresión total sin sujetarse a las directrices del consumo más brutal que se impone en contra de los valores éticos y morales de cualquier ser humano. No llegan a más de 150 años de fotografía e historia, van directos al cuarto de Leonardo Da Vinci, a pintar con luz como ya dibujaban muchos pintores en el renacimiento metidos dentro de la cámara oscura.
¡Sí!, Ya se usaba en la Edad Media esta cámara que aunque hoy nos cabe en la mano, tenía entonces unas dimensiones adecuadas al tamaño de una persona donde muchos hacían copias literales de la naturaleza en un exceso de realismo.
La creatividad y el uso de un lenguaje propio sin los cánones de la belleza que nos marcan las sociedades del consumo tecnológico, con una caja de madera, cartón o lata, con un agujero de alfiler en un trozo de latón, con ese ojo de lata sin mas, son capaces de recordarnos que la belleza de las cosas esta en los ojos del que mira con absoluta libertad a los paisajes naturales, humanos y cualquiera de este planeta en general. Que ahí está el detalle si nos interesa captarlo y ponerlo en calidad de arte a disposición de ojos de lata primero y a ojos humanos para su disfrute como mensaje escrito con nuestro propio y particular lenguaje.
Es una apuesta de futuro, del valor de lo simple, y de lo que realmente es bello, sin retoques, sin estridencias, sin escondrijos donde se oculta la verdad. Es en Noviembre, Wambir en la lengua oculta de nuestros antepasados y aborígenes para invitar a todos a un paseo por los orígenes de la fotografía y la fotografía estenopeica actual.
Los artistas participantes en esta primera muestra son; Anastasia Medvedeva (Rusia), Daniel Zrihen (Israel), David Cugnasca (Estados Unidos), Dmitry Rubinshteyn (Rusia), katie Cooke (Inglaterra), Joaquín Casado (Cataluña), J.M. Ribas i Prous (Cataluña), Henrieke I. Strecker (Alemania) y Ricardo Montesdeoca (Canarias).
La muestra será inaugurada el día 3 de noviembre a las 20:30h en la Sala de Exposiciones del Ateneo Municipal de Santa Lucia en la calle Colon Nº 18 en Vecindario. A las 21.30 los fotógrafos Ricardo Montesdeoca y Henrieke I. Strecker, invitada por el Ayuntamiento como representante del resto de los participantes internacionales, impartirán la conferencia “La actualidad del Pinhole Art”.

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