Arte joven tras la presea Eduardo León Jimenes
Grisbel Medina R.

MARÍA Y LILVE: MUJERES ARTISTAS, UNA PINTORA Y OTRA FOTÓGRAFA, FUERON SELECCIONADAS

Joan Alberdy, Pragmy, Lilve, Walder, Eridelvis, María, Wali y Nelson, jovenes seleccionados para el concurso de arte, posan en el Patio Caribeño del Centro León

SANTIAGO.- El concurso es concurso desde 1964. Desde hace cuatro años lo organiza el Centro Cultural Eduardo León Jimenes, domiciliado en Villa Progreso, Santiago. Se trata de una bienal artística prestigiosa, de la convocatoria apadrinada por una entidad privada que, el año entero, acompaña la formación y el lucimiento de artistas a través de conferencias, talleres, sesiones de pensamiento crítico, invitaciones a protagonizar Arte en Proceso, entre otras cosillas que lo hacen particular.

En página completa, la dirección del Concurso de Arte Eduardo León Jimenes publicó la selección del jurado internacional. Michéle Dalmace, Evelyn Carmen Ramos y José Roca evaluaron 406 obras de 185 artistas. Su veredicto: escogieron 66 obras de un total de 50 artistas. Y, tal como se publicó, “el jurado tuvo en cuenta la calidad de la técnica y conceptual de las propuestas, resaltando la ambición y energía que se percibe en las obras, así como una manifiesta preocupación por temas locales”.

De los 50, hay artistas cibaeños y muy jóvenes que caminaron con su obra bajo el brazo, hasta la ficha de inscripción. Muy feliz está Miguel Hernández porque su pieza “Conversación en la óptica” fue elegida. Miguel es nativo de Nagua y reside en Estados Unidos. Su pieza es una instalación que en un juego tipográfico compone denuncias y expone la vitamina para soplar el desarrollo social. Walder Gómez, fotógrafo de prensa que ha cultivado exitosamente el ángulo artístico, está que se ríe con la muela de atrás.

Sus ocho fotos agrupadas en el título: “ExclamacionesÖataduras de danzas”, figuran en la lista a premiar en octubre. Las bailarinas de la Escuela Ecos fueron captadas mientras se empinaban admirablemente en la pasada edición de la Feria Internacional del Libro. Walder es autodidacta. Talleres y seminarios acentuaron su mirada profesional. De alma sensible y comprometida, Gómez ha colgado sus obras en diversas salas internacionales y ha ganado diversos premios dada la calidad de sus tomas y aprecio por el entorno.

Instalación
Joan Alberdy Padilla Mendoza es de Río San Juan. El año pasado ganó premio con el videoarte “Neo-Verónica”. Tiene 29 años y estudió en Altos de Chavón. ¿Qué opinas del Concurso Eduardo León Jimenes? Es el más serio del país, responde rapidito. Y, completa: “Aquí le dan seguimiento a los artistas y las obras. Son muy profesionales. A través del Arte en Proceso pude ayudar a otros a entender cómo es el proceso de creación”.

Con ricitos gelatinados, Joan Alberdy cuenta que su obra se relaciona con las “cosas virtuales que aceptamos como concretas”, y cita el ejemplo de la división de la isla Hispaniola. Consciente de que la escogencia lo ubica ante los ojos del país, Padilla considera que la bienal da muchas veces más promoción que cualquier individual.

Wali Vidal, María Román, Nelson Batista y Eridelvis López son un cuarteto dinámico, que comenzó a proyectarse desde el patiecito de Casa de Arte. Allí, ellos y ella, retiraron premios del Concurso Nacional de Arte Joven de Helvetas, organizado en Casa de Arte. Autodidacta y con ojos hermanos de la miel, Wali fue becado por la Fundación Altos de Chavón donde estudiará luego de ganar varios concursos. De su autoría escogieron dos piezas grandísimas. “A mí tienen que darme una pared grande”, asegura sonriéndose. “El concurso nos provoca creatividad, mucho fosforeo, cada quien desea mostrar lo mejor. Estoy orgulloso de mis pinturas. Soy un agradecido de todo lo que me rodea”, manifiesta con la mirada y los labios rebosados de ternura.

Eridelvis López, quien dibuja siete murales en la Universidad O&M, presentó una pintura con una crítica futurista “de lo que puede que pase con el Metro de Santo Domingo”, a la cita que considera organizada y una platea luminosa para difundir su obra. María Román, destacada artista abrigada hoy de la maternidad, ganó Mención de Honor en dibujo en la pasada versión. Es artista-educadora del Centro León y ahora presentó el videoarte “We’re living in America” ante el criterio del jurado de premiación. Nelson Batista también bebió la savia educativa de la Escuela de Bellas Artes y llevó sus “juguetes” al concurso de Helvetas en Casa de Arte. En su obra trata “la problemática del transporte urbano, visto de una forma sarcástica”. Sobre la convocatoria dijo que existen “pocas instituciones y eventos de esta naturaleza que apoye y le dé seguimiento a los experimentos, a lo que hacemos. Somos científicos y este es el medio para darnos a conocer”.

Lilve García de Angelis y Pragmy Marichal García llegaron, posaron y crearon juntos. Y fueron escogidos. La obra “DES Iluminación del margen histórico”, fotografía e imágenes digitales, es la apuesta de ambos profesionales de la arquitectura. La pieza “es una crítica social al desbalance en la sociedad en sentido de los recursos”, confiesa Lilve, la artista seleccionada hace dos años en el Centro León y premiada en el Homenaje a la Ancianidad, concurso del Hospicio San Vicente de Paúl.
(Fuente: Listin Diario)

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Por Luis Bonich

El “Mes de la Fotografía/Bariloche”, en su 12° edición intenta lograr como en el transcurso de estos años, ser el punto de encuentro, de cada vez más diversas propuestas fotográficas provenientes de todo el país.

La muestra comienza el 25 de Septiembre y se extenderá hasta el 25 de Octubre; fue declarada de Interés Parlamentario, por la Cámara de Diputados de la Nación, De Interés Provincial por la Legislatura de la Provincia de Río Negro y de Interés por el Consejo Deliberante Municipalidad S. C. de Bariloche. Mientras que el 18 de septiembre se inaugurará en la Secretaría de Turismo de la Nación. Suipacha 1111. Auditorio. Bs. As.

Contará con la presencia de los fotógrafos: Ataulfo Pérez Aznar, Don Ripka, Ricard, Martiniuk, Pablo Añeli, Martín Acosta, Mariano Salomón, Emiliano Lasalvia, Hernán Villar, Daniel Cabaza, Martín García y Ariel Ríos, Javier Mosquera, Agustina Roacio, Tamara Barrueco de Vansay, Natalia Henkel, Lucía López, Fabián Oger, Irina Dambrauskas, Axel Pincemin, Marcos Rodríguez, Raúl Cárdenas, Luis Seróni fotógrafos (emergentes) locales, y de Villa La Angostura.

La profesora Julieta Escardó, y por su puesto la participación de los fotógrafos profesionales, organizadores y mentores de este importante evento a nivel nacional Luis Bonich y Andrea Bravo.

También contaremos con la participación especial de Yael García Ruiz, la Dra. Analía Woloszezuk (Abogada), Alejandro Montes de Oca y Alejandro Reynoso.

A continuación, el programa oficial.

Prensa. Agente Oficial: Luciano Giudice.

“Mes de la Fotografía / Bariloche” 12° edic. 2008
Declaración de Interés Parlamentario, por la Cámara de Diputados de la Nación.
Declaración de Interés Provincial por la Legislatura de la Provincia de Río Negro.
Declaración de Interés por el Consejo Deliberante Municipalidad S. C. de Bariloche

Director y Coordinador: Luis P. Bonich. (Fotógrafo.)
Asistente en Fotografía: Andrea Bravo. (Fotógrafa.)
Asistente sala Frey: Yael García Ruiz. (Fotógrafa.)
Asesora Letrada: Dra. Analía Woloszezuk (Abogada)
Asesor en Fotografía: Alejandro Montes de Oca (Fotógrafo)
Asesor en Fotografía: Alejandro Reynoso. (Fotógrafo)

Sub.-Secretaria de Cultura: Lic. María Victoria Arroyo.
Prensa. Agente Oficial: Luciano Giudice. (Periodista.)

Programa Oficial.

18/09/08. 11hs. Presentación Oficial del evento, a la Prensa en la Secretaría de
Turismo de la Nación. Suipacha 1111. Auditorio. Bs. As.
25/09. 18,30hs. Inauguración Oficial del “Mes de la Fotografía – Bariloche”
Sala de Prensa de la Municipalidad: “Isabel Moreiras de Bustos”
19,30hs. Inauguración: “Objetivos” autor, Pablo Añeli, Fotógrafo,
Reportero gráfico. (Fotografías, pinturas y esculturas).
Sala “Isabel Moreiras de Bustos”. Libre y gratuito.
25/09 21hs. Taller de -Reportaje fotográfico- a cargo del Fotoperiodista.
Martín Acosta. (Vacantes limitadas, arancelado). (Inscripción)
(Lugar) Sala de Prensa Municipal. Centro Cívico.
26/09 11hs, Inauguración de “Intervalos y Movimientos” (Teatro y cine)
de Mariano Salomón, Fotógrafo y Psicólogo. Sala: “Cecilia Girgenti”
Museo de la Patagonia. Centro Cívico.
26/09 18hs: Taller de -Reportaje Fotográfico- a cargo de Martín Acosta
Fotógrafo, Reportero Gráfico, (Área de contenidos)
Escuela de Fotoperiodismo ARGRA). (Lugar): Universidad FASTA.
26/09 21hs. Proyecciones: a cargo de los fotógrafos invitados: Martín Acosta,
Emiliano Lasalvia, (La Nación), Pablo Añeli (Clarín), Mariano
Salomón, etc.
(Lugar): UFASTA. Av. Pioneros 38. Libre y gratuito.
27/09 09hs. Taller de -Reportaje Fotográfico- a cargo del Fotógrafo: Martín
Acosta. (Contenidos Esc. ARGRA). Lugar: UFASTA. Pioneros 38.
28/09 17hs. Final del -Taller de Reportaje Fotográfico-, a cargo de Martín
Acosta (Contenidos Escuela de la ARGRA) Sala Emilio Frey.
30/09 11hs. Inauguración de la muestra fotográfica: “Punta Lara” autor,
Ataulfo Pérez Aznar, Fotógrafo Argentino. Director de la Galería
Omega de La Plata. Sala: “Choneck” Museo de la Patagonia. C. Cívico.
1°/10 11hs. Distinción Honorífica al Fotógrafo Argentino Ataulfo Pérez
Aznar, por parte del Honorable Consejo Deliberante Municipal.
1°/10 12hs. Inauguración de la muestra de fotógrafos (emergentes) locales.
Sala del Consejo Deliberante Municipal. Libre y gratuito.
1°/10 18hs. Fotografía Documental: Seminario a cargo del Fotógrafo,
Ataulfo Pérez Aznar. (Vacantes limitadas. Arancelado).
(Lugar): Sala Emilio Frey. Centro Cívico.
2/10 11hs. Inauguración de la muestra fotográfica: “Desnudos” autores: de
Villa la Angostura y San Carlos de Bariloche.
Sala Emilio Frey. Centro Cívico.
2/10 18hs. Seminario de Fotografía Documental a cargo del Fotógrafo.
Ataulfo Pérez Aznar. (Lugar): Sala Emilio Frey. Centro Cívico.
2/10 21,30. “Suspiros”. Autor: Hernán Villar, Muestra Fotográfica.
(Lugar): -Mondilla- Gallardo 35. Inauguración.
3/10 18hs. Cierre del -Seminario de Fotografía Documental-. A cargo del
Fotógrafo: Ataulfo Pérez Aznar. (Lugar): Sala Emilio Frey. C. Cívico.
3/10 21hs. Proyecciones: Ataulfo Pérez Aznar, (presentará parte de su obra).
(Lugar): Sala Emilio Frey. (Libre y gratuito).
6/10 11hs. Inauguración de muestra colectiva “Un Viaje” (Arqueología). Museo
Paleontológico de Lamarque. Daniel Cabaza, Martin García y Ariel Rios. Pcia. Río Negro.
Sala: “Ex – Correo” Centro Cívico.
6/10 18hs. Inicio del Seminario: “Teoría de la Imagen” (Semiótica) docente:
Prof. Julieta Escardó. Fotógrafa Argentina, (Directora del “Centro
Ecléctico de la Imagen”) Bs. As. (Vacantes Limitadas, arancelado).
(Lugar): Universidad FASTA. Av. Pioneros 38.
7/10 17hs. Inauguración de la muestra, (a confirmar): Galería
Universidad FASTA.
7/10 18hs. Seminario de “Teoría de la Imagen” Semiótica. Prof. Julieta
Escardó. Vacantes limitadas, arancelado. Lugar: UFASTA.
8/10 9hs. Cierre del Seminario de “Teoría de la Imagen” Julieta Escardó.
UFASTA.
9/10 11hs. Inauguración Oficial de las muestras colectivas: “La Figura Humana”
de -Fotógrafos deEsquel y Asociación Fotógrafos Andino Patagónica”. Auspicia: -Agencia Cultura Río Negro- Centro Administrativo Bariloche.
(Lugar): Onelli y Vilcapugio. (Libre y gratuito).
10/10 21hs. Proyecciones: Documentales de Grandes Maestros de la Fotografía.
Presentación a cargo del Grupo Fotográfico Esquel. Sala de Prensa
Municipal. “Isabel Moreiras de Bustos” Centro Cívico.(Libre y gratuito)
14/10 11 hs. Inauguración de la muestra “ Gauchos Criollos” a cargo del
Fotógrafo: Javier Mosquera. Sala Tante Frida.
14/10 18 hs. Ensayo Fotográfico, Taller a cargo del Profesor: Don Ripka,
Fotógrafo Profesional, (reportero gráfico). (Director de la Agencia Sudaca
Photos) Vacantes limitadas, Arancelado.
(Lugar): Universidad FASTA. Av. Pioneros 38.
15/10 18 hs. Ensayo Fotográfico, a cargo del Fotógrafo. (EEUU – Argentino)
Don Ripka. (Lugar) Universidad FASTA. Av. Pioneros 38.
16/10 18 hs. Ensayo Fotográfico, cierre del Taller a cargo del prof. Fotógrafo;
Don Ripka. (Agencia SUDACA – PHOTOS).
17/10 15hs. “Iniciación a la Fotografía para niños”, a cargo de Andrea Bravo,
Fotógrafa profesional. (Argentina). Auspicia: Menger – Foto. (Vacantes
hasta 80 niños). (Libre – Gratuito.) (Lugar): Sala de Prensa “Isabel
Moreiras de Bustos”. Centro Cívico.
18/10 “Iniciación a la fotografía para niños” Salida de toma, a cargo de Andrea
Bravo, Fotógrafa barilochense; (Auspicia Menger – Foto). (Lugar) Sala de
Prensa Municipal. Centro Cívico. (Gratis).
21/10 10hs.Fotografía Digital, a cargo del Fotógrafo, Profesor: Ricardo
Martiniuk. (Especialista destacado). Niveles: Básico y avanzados.
Vacantes limitadas. Arancelado. (Lugar): UFASTA, Av. Pioneros 38.
22/10 10 hs. Fotografía Digital, a cardo del prof. Ricardo Martiniuk. UFASTA.
23/10 10 hs. Fotografía Digital, cierre del ciclo, a cargo del prof. Ricardo
Martiniuk. (Lugar): Universidad FASTA. Av. Pioneros 38.
24/10 “Iniciación a la fotografía para niños” Evaluación final de los trabajos
Realizados a cargo de: Andrea Bravo, (Fotógrafa) con la asistencia del
Fotógrafo: Luis Bonich. (Auspicia Menger – Foto). (Libre y gratuito).
25/10 Cierre del “Mes de la Fotografía – Bariloche” 12° edición, en el -Mercado
de la Estepa-. Autores: Agustina Roacio, Tamara Barrueco
de Vansay, Natalia Henkel, Lucía López, Fabián Oger, Irina
Dambrauskas, Axel Pincemin, Marcos Rodríguez, Raúl Cárdenas, Luis Seróni.
Lugar: ruta 40 sur y rutas 23. (Libre y gratuito.)

# Nota. La Organización del evento entregará, Certificados de valides curricular en todos los Seminarios y Talleres, a aquellos participantes que cumplan con la asistencia perfecta, a los mismos.
# Programa sujeto a modificaciones.
Colaboradores: Ariel Cárdenas, Patricia Villaseñor, Guillermo Partridge.
E-mail: mesdelafotografiaenbariloche@yahoo.com.ar

Pág. Web: www.mesdelafotografia.com.ar
TEL: 02944 – 15666605.

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Los cuatros dominicanos expuestos en la muestra, inaugurada por la señora Ki, coordinadora general de la muestra, son de Eligio Pichardo, Yoryi Morel, Ramón Oviedo y Clara Ledesma. La participación dominicana se produjo, dijo Héctor Galván, en coordinación con el Museo Nacional de Arte Moderno y su directora María Elena Ditrén. Galván dijo que la apertura de la muestra constituyó un evento importante para la plástica latinoamericana ya que se incluyen cuadros de Botero, Guayasamín, Frida Khalo, Diego Rivera, y Orozco entre otros maestros de la plástica latina.

“La inclusión de obras de estos maestros dominicanos en el marco de una muestra tan selectiva, es un reconocimiento a la plástica nacional.” Dijo Galván. El Viceministro de Cultura, Turismo y Deportes representaron al Poder Ejecutivo y tuvo palabras de elogio para la exposición y sus organizadores incluyendo a los embajadores de cada nación representada en la muestra.

Explicó Galván que la señora Ki, coordinadora general de la exposición, ofreció una visita guiada ofreciendo explicaciones de las características de las obras de Botero, Guayasamín, Frida Khalo, Diego Rivera, Orozco, Ramón Oviedo, Clara Ledesma, Eligio Pichasrdo y Yoryi Morel, las cuales engalanaban varias magnificas salas del Museo de Arte Nacional del Palacio de Deoksugung, ubicado en el mismo centro de la ciudad de Seúl.

Los comentarios sobre las obras de los pintores de cada país fueron completados en conversación informal con los críticos por los embajadores de Colombia, República Dominicana, México, Uruguay y otros países. Una vez finalizado este tour, los presentes fueron invitados a una recepción en la segunda planta del Museo, al compás de la música interpretada por un trío de cuerdas.

Al cierre de la actividad la coordinadora de la muestra entregó los catálogos oficiales del evento.

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Luis Beiro –

“MI ESTILO SE LLAMA COMO YO, GUILLO PÉREZ, Y NO SE PARECE AL DE NINGÚN OTRO”
Guillo Pérez, maestro de la pintura dominicana e internacional.

SANTO DOMINGO.- Su esposa actual, Amalia, es una mujer que respira altura no sólo por su elegancia al vestir ni por el esmerado trato al visitante. Ella sabe descubrir en la intensidad de los pequeños ojos azules del maestro, el rigor de su decir.

Ella no sólo es la madre de sus cuatro últimos hijos, sino también su colaboradora más cercana. En los últimos años lo ha visto mancharse una y otra vez en taller como aquel muchacho que por los años cincuenta pintaba la imagen de las Águilas Cibaeñas en banderolas, cartulinas y maderos para ganarse la vida. Ella, además de esposa, es su confidente y amiga. Ella es la mejor anfitriona y la que hizo posible este encuentro.

Guillermo Esteban Pérez Chicón, mocano de nacimiento, primo y alumno de Yoryi Morell, me esperaba con su guayabera azul y su rostro curtido por el rigor de una lejana juventud llena de incertidumbre que le obligó a carestías y sacrificios personales con tal de abrirse una ruta por sí mismo.

Infancia y adolescencia
Guillo Pérez, el único varón de una familia de ocho hermanos, aprendió el arte de su padre, Francisco Guillermo Pérez Tavárez (Fan) un trabajador eventual que se las ingeniaba durante los doce meses del año en “inventárselas” para sobrevivir.

Guillo Pérez muestra sus obras al asesinado presidente chileno Salvador Allende, en Santiago de Chile.

“No me puedo olvidar que él convirtió mi casa en un pequeño taller y tenía como compañero de oficio a un carpintero llamado Antonio Rodríguez. Ellos me enseñaron a hacer objetos de madera que luego yo llenaba de colores con pintura de aceite y los llevaba a vender por las calles de Santiago de los Caballeros. Pero antes de esa experiencia, mi padre instaló en mi casa una fábrica de dulces caseros gracias a la cual mantuvo a la familia por varios años”.

Su padre también era aficionado a la música y entre sus artistas favoritos estaba el compositor santiaguez Gabriel del Orbe quien años más tarde se convertiría en su maestro.

De esa experiencia Guillo aprendió el valor del “picoteo” para poder vivir con cierto decoro una sociedad donde los empleados tienen sueldos de miseria. Vive convencido que “Aquí, el que no vive del “picoteo”, se muere”, .

Mientras me habla de su infancia en Santiago, Republica Dominicana, de manos de su madre vendiendo todo tipo de objetos, pintando en letreros, carteles y pegando anuncios y propaganda comercial en las paredes, no puedo ocultar mi respeto hacia ese hombre que a pesar de ser un triunfador no ha perdido su aire campesino, como tampoco lo perdió su pintura.

El artista
Guillo Pérez mira a los ojos de su interlocutor tal y como lo hacen las personas que no tienen nada de que arrepentirse. Y mientras me confiesa de su formación autodidacta descubro en él el orgullo por cada una de sus obras realizadas:

“Mi primer cuadro lo vendí a la Galería Auffant en Santo Domingo por cuatro pesos. Esa institución después se convirtió en mi representante y a ella le guardo eterna gratitud por haber confiado en mi. Yo soy de la galería Aufant. Allí conocí a Justo Liberato, quien desinteresadamente me acredita en el mercado del arte y me hacía los contactos para que yo pudiera vender mis cuadros cuando yo venía a la capital los fines de semana. Hoy mis cuadros tienen un precio estándar de 300 mil pesos, según el tamaño. Yo no he dejado de pintar nunca, hay cuadros que se me han complicado en terminar y se han demorado más tiempo del debido, eso es común en el arte, pero como promedio yo terminaba unos 3 cuadros al mes. Hoy tengo mi galería y mi escuela, la cual atiende mi hijo Willy Pérez que salió pintor como yo. Con el paso de los años, he dejado la docencia, pero a mi me gustó dar clases porque a pesar de ser autodidacta en materia de pintura, siempre fui profesor, primero en la Escuela Nacional de Arte y después en mi propio centro docente. Me encanta enseñar. Creo que trasmitir a los demás lo que uno sabe es la mayor satisfacción de un artista. Me gradué en Santiago en nivel básico y medio, así como de la Academia de Yoryi Morel. En 1942 fui al seminario Padre Fantino, en el Santo Cerro de La Vega, pero abandoné esos estudios porque mi verdadera vocación era la pintura”.

Un pueblo heróico
El maestro Guillo Pérez tocando el violín.

Guillo Pérez vive orgullo del coraje de su pueblo: “Este es un pueblo luchador, de temple y de dignidad, no hay otro pueblo como este”. Me relató su experiencia en la Guerra de Abril, cuando vivía en la entonces en la calle Santomé 136, en plena zona constitucionalista. Su fusil entonces seguía siendo el pincel, pero salía todos los días a vivir la experiencia de ver a su pueblo resistir heroicamente: “Eso fue tremendo. Nadie se imagina lo que pasó allí Vi mucha muerte y destrucción. Andaba de un lugar a otro y de todo lo más me llamó la atención era el optimismo de la gente, y después, la forma en que enfrentaban a las tropas invasoras. Vi a un pueblo valiente, desgarrado, sufrido, sin un centavo. Yo estaba en la guerra de curioso. Yo no fui guerrillero, ni soy guapo, ni soy matón. Yo andaba por ahí, por el malecón, viendo los horrores de la guerra y los expresaba con mis dibujos, con mis pinceles y mis colores. Fui siempre un gran espectador de la vida para poder contar los momentos en que he compartido con mi pueblo y con las gentes importantes”.

Me habla con el mismo acento con que saludó al precedente Salvador Allende en el Palacio de La Moneda. Ahora sus ojos me recuerdan la ciudad de La Habana, donde fue recibido “como un príncipe” y donde pudo almorzar con Mariano Rodríguez, otro grande la pintura caribeña que, como él, trabajó el tema de los gallos. En ese viaje, sostuvo un encuentro con el presidente cubano Fidel Castro, quien fue hasta donde él estaba y lo felicitó. Le dijo que le había caído muy bien, que le gustaban sus cuadros y su cara se correspondía con la de un poeta y le dijo que él se sentiría muy orgulloso si hubiera sido un artista de su categoría.

“Los gallos son un elemento que se incorporan después a mi pintura, pero no es el tema central. Mi verdadero eje temático es la caña de azúcar con el ingenio y todo lo que tiene que ver con la zafra. Mi raíz como artista es campesina y está en el mundo azucarero. Tengo ese universo de sabiduría del campo cibaeño dominicano que ensayé después con Yoryi Morell. Aunque yo era un autodidacta, nunca dejé de estudiar”.

Y en realidad no miente. Lo que pasa es que en determinada etapa de su carrera, tal vez la que inició su despunte internacional estuvo marcada por su magia creativa alrededor de la figura del gallo. Sin embargo, el grueso de sus símbolos se encuentran entre los elementos del cañaveral. Ahí, el maestro es mucho más distintivo y electrizante. Lo mismo que en las palmas y paisajes agrestes. Guillo Pérez no es un pintor urbano a pesar de que en su obra se reflejan ciertas experiencias de las calles y casas de Santo Domingo. Pero lo más importante y creativo se relaciona con el mundo campesino, ese que le sale por cada poro de la piel con fuerza entrañable.

Padre de familia
Violinista, jugador de baloncesto y, sobre todo, amante de vivir intensamente el mundo de la creación artística, el maestro Guillo Pérez se siente orgulloso por haber procreado tres familias, las cuales ha mantenido y mantiene de manera decorosa gracias a la venta de sus cuadros: “A los 17 años contraigo matrimonio con Rosa García, con quien tuve una hija llamada Rosa Albeni. Después, me casé con Ana Rojas con quien procreé 4 hijos, Willy, Miguelina, Fanny y Angela, y actualmente mi compañera es Amalia Linares con quien tengo 4 hijos, Guillermo, Miguel, Francisco y Amalia”.

No bebe, ni fuma, ni va a teatros ni a conciertos musicales. Su hobby es pintar y “visionar cosas” como el mismo le llama al arte de pasar sus horas libres mirando fotos de pinturas universales o leyendo libros de su interés.

Su vida ha sido una espiral de transparencia que no se ha ensombrecido ni moral ni humanamente. Hombre en todas las circunstancias de la vida, ha sabido venir de abajo sin pensar demasiado en las piedras interpuestas en su camino. Como todo artista, ha tenido sus temporadas buenas y malas, pero siempre con la frente en alto y con tremenda fe en los demás. Ha logrado lo más difícil, triunfar en su país.

Vive agradecido a los coleccionistas de arte y empresarios de Santo Domingo y Santiago que generosamente han invertido, tanto en su obra y en la obra de los pintores dominicanos: “Gracias a los Grullón, a los Espaillat y a muchos otros los pintores dominicanos hemos vivido con dignidad y hemos podido realizar nuestra obra, por eso siempre les guardo mucha gratitud. Yo me he sentido siempre y me considero el Goya dominicano”.

MEMORIAS
“Yo he vivido de piropo en piropo entre los grandes maestros y críticos de arte. Jaime Colson cada vez que me veía se deshacía en elogios. Abil Peralta, Cándido Gerón y Marianne de Tolentino han escrito maravillas sobre mi obra.

Quiero mucho a mis compañeros, a Elsa Núñez, a Bidó, a Dionisio Blanco a Rosa Tavárez y a otros más que yo admiro. Este respiro artístico y filosófico que yo tengo y que me viene de herencia, ese calor nacional histórico, me hace decir que los dominicanos somos los artistas más grande que hay en América. Este pueblo dominicano me ha querido desde que yo nací”.

“En uno de mis viajes de Santiago a Santo Domingo Justo Liberato queda impresionado por uno de mis cuadros y me lleva ante Gilberto Hernández Ortega para que se incluya en una bienal.

Entonces él me dice una frase que no podré olvidar jamás: Cuánto talento hay aquí, cuánta inquietud.. .. Y al conocerme me dijo: Se ha dado talentoso ese muchacho… sigue por ese camino”.

“Yo comencé pintando en una mesa cualquiera, en un patio, sin hora fija, pero después fui adquiriendo la disciplina, hacía los bocetos. Fui el primer dominicano que exhibió en tierra santa fui yo, y me fui solo para una montaña a las seis de la tarde para respirar allá la sabiduría de Cristo”.

“Yo dejé la pintura abstracta por razones económicas. Los pintores abstractos de mi etapa éramos Peña Defilló, Silvano Lora y yo. Después mi pintura se volvió “abstractizante. Pero yo he dejado nada, yo he seguido siendo Guillo Pérez en cada etapa de mi carrera”.

“Fui pintor abstracto y muy elogiado, por cierto. Tuve una etapa en que experimenté en la pintura abstracta con mucha constancia porque como artista nunca deseché ninguna forma. También fui fotógrafo y muralista”.

(fuente: Listin Diario)

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PROYECTO MURALÍSTICO CUENTA LA HISTORIA DEL MUNICIPIO Y OTROS HECHOS
Yismeiry Polanco, a la izquierda, lleva un mes pintando en los murales de su comunidad. Francisco Javier Durán, a la derecha, da fe del interés juvenil en la obra y ruega una escuela de arte para Tamboril.

TAMBORIL, Santiago.- Les contagió la Ruta de los Murales de la Provincia Hermanas Mirabal, antigua Salcedo. Las pinceladas que la comunidad vecina exhibe con orgullo y difundió por los cuatro costados el año pasado inspiraron los trazos que pueblan hoy el liceo secundario Braulio Paulino de Tamboril.

La juventud del municipio, perteneciente a Santiago, se cansó de que su gente sólo fuese mencionada cuando la tragedia tocara las venas del pueblo, cuando un asesinato “le diera pa’ bajo” a la vida de un compueblano o una crecida del río arrastrara la fe, los jarros y casas del municipio patentizado en 1875. Por eso, escudados en la iniciativa de Sonia Guzmán, maestra de educación artística, y el impulso de Francisco ñPepe- Grullón, los pinceles y latas de pintura se guarecen en la sombra de las ginas que retan el calor veraniego en esta parte del Cibao.

Allí, en el entorno del liceo, se cuenta la historia de Tamboril y se ilustran episodios universales gracias a los murales que jóvenes pintan y defienden. Francisco Javier Durán, uno de los artistas que completa el recuadro dedicado al deporte, tiene 28 años y estudió en Bellas Artes de Santiago. Mientras el radito emite a Joan Manuel Serrat y su “Caminante no hay camino, se hace camino al andar”, confiesa que, por cuenta propia, mucha gente se ha unido a la obra.

El joven se gana la vida haciendo tatuajes. Este proyecto lo tiene tan entusiasmado que descuidó la aguja del “tatoo” para hacer el amor con los pinceles que han llenado de vida, asombro y esperanza el liceo donde se dan clases en tres tandas.

“Mi sueño es que Tamboril tenga una escuela de arte”, ruega Francisco antes de asegurar que Grullón, el muy conocido Pepe, “ha dado clases de pintura en la clínica donde trabaja”.

Ese mismo médico, que con sobrado esmero muestra el dibujo de La Ceiba, el árbol sagrado desde tiempos indígenas, y el retrato del poeta Tomás Hernández Franco, nativo del lugar, ha salido del patio “a quitarse los trapos para hacer una cesárea”. Y así se empata la historia y el presente en un proyecto que, según la profesora Sonia Guzmán, será interactivo y útil en clases tanto para la infancia como para charlas de secundaria.

Yismeiry Polanco Martínez pinta al lado de sus amigas Marlennys Cepeda y Lisenny Martínez Peña. La primera lleva un mes pegando su talento junto al acrílico en el Liceo Braulio Paulino. “Para nosotras esto es muy importante. Quisimos pintar la historia de Tamboril para no olvidarla”, dice la joven de cola larga protegida por la gorrita que le saca la lengua al sol.

Cada mural es una clase cultural, una charla de historia y ponencia de geografía. Al ser Guazumal la cuna de la familia León Jimenes, hay un espacio dedicado a La Aurora, aquella casona donde se sembró y germinó el tronco y ejemplo de laboriosidad y solidaridad que encarna la empresa regida por José León Asencio.

En total, once murales fueron inaugurados el pasado domingo en un acto donde se mostró el nuevo rostro del liceo mandado a pintar por la Oficina Supervisora de Obras del Estado. Esta dependencia gubernamental actuó después de palpar cómo jóvenes y adultos del pueblo, revalorizaban los colores y el futuro del liceo.

LOS ATRACTIVOS

Personajes e historia
Las pinceladas, también apoyadas por la Oficina Senatorial de Santiago y Eco-Arte del Centro León, reunieron a jóvenes con talento artístico, algunos con más experiencia en el oficio, pero todos y todas emocionados por favorecer el terruño que habitan, por aportar su creatividad en el lienzo que aman.

El mural ocupa el interior de la pared que protege el liceo. Por el apoyo de residentes de Tamboril, las pinceladas se propagan al exterior donde el artista visual Mac Junior, cuyas obras han sido seleccionadas en la Bienal León Jimenes, trabaja en el boceto del barrio que reflejará con sus trazos.

Ya listo está el árbol de La Ceiba, la vena de agua del río Guazumal, las aves criollas como el pájaro carpintero, el guaraguao y La Peña, la montaña del municipio.

Otros atractivos históricos y actuales de la comunidad son: el ferrocarril, sembradíos de tabaco, la casa de Horacio Vásquez y Trina de Moya; el almacén donde comenzó La Aurora (semilla del Grupo León Jimenes, donde le leían a obreros y obreras mientras trabajaban) y las tres mariposas simbolizando los aleteos antitrujillistas de las hermanas Mirabal.

La silueta con bastón del sátrapa tampoco falta, pero, como nuestro pueblo no deja morir la alegría, al lado del dictador está el merengue, dijo Pepe Grullón. Afuera también estará el Mural de la Patria con capítulos de la historia dominicana.

(Fuente: listindiario.com.do)

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DEL 20 DE JUNIO AL 13 DE SEPTIEMBRE
Las fotografías pintadas de Renner conquistan el oratorio de Sant Feliu

* La obra del artista austriaco provoca el desconcierto mediante escalas alteradas

PALMA.- La Galería Kewenig (Oratorio de Sant Feliu) acoge desde el próximo viernes las “fotografías pintadas” y “pinturas fotografiadas” del artista austríaco Lois Renner, una obra que provoca el desconcierto mediante escalas alteradas y que supera la división del arte en géneros.

De estilo inclasificable, Renner (Salzburgo, 1961) juega en la muestra “Ni contigo ni sin ti”, que permanecerá en Palma hasta el próximo 13 de septiembre, con todas las posibilidades que brindan los diferentes géneros.

El artista austriaco altera la lógica de las relaciones entre objetos y se modifica la perspectiva mezclando, alternando e integrando la fugacidad de la fotografía con el carácter atemporal de la pintura.

Su raíz pictórica, evidente en las dimensiones de sus obras, es el principio y principal característica de Renner, que consigue presentar los C-Prints en Diasec como piezas únicas.

Según los organizadores de la muestra, Renner, catedrático de Fotografía Artística en la Escuela Estatal Superior de Representación de Karlsruhe, busca en sus fotografías el “instante fotográfico” en el que los modelos espaciales son “un cosmos”, cuyos componentes se relacionan entre sí.

Todo un universo creado y diseñado por el propio artista que ‘esculpe’ sus fotografías, crea, literalmente y a golpe de martillo, sus escenarios y recicla sus creaciones en mil y una formas de arte, partiendo desde la maqueta básica pasando por la fotografía, la pintura, la escultura e incluso el videoarte como se puede comprobar en el vídeo.

Los trabajos de Renner están incluidos en las más importantes colecciones de todo el mundo; La Essl Collection, Agnelli Collection, Speyer Family Collection, Collection of the Landesbank Hessen Thüringen, UBS Art Collection, Collection of the DZ Bank, Thyssen-Bornemisza Contemporary Art Foundation, Rheingold Collection e innumerables museos austriacos.

FUENTE: PERIODICO DIGITAL ELMUNDO.ES

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Las pinturas “inacabadas” del español José Manuel Ciria llegarán a partir del próximo martes al Museo de Arte Moderno (MAM) de Santo Domingo, Republica Dominicana, donde se expondrá una muestra de este artista bajo el título “Rare Paintings. Ciria”, informó esta institución.

Se trata de 34 pinturas de la serie “La Guardia Place”, cuyo nombre alude a la ubicación del taller de Ciria en Manhattan, Nueva York.

En una nota el MAM explicó que, según el artista, la denominación “rare painting” hace referencia a “una pintura cruda e inacabada que evita la sensación de rotundidad, dando a la retórica del texto visual el deseo de otros énfasis”.

La serie mantiene la constante de la definición del color, los espacios a través de la línea que nunca interrumpen las áreas adyacentes y define contornos, dando como resultado formas concretas que, aisladas, se convierten en temas principales.

El comisario de la exposición, Carlos Delgado, señaló que en esta muestra, “el artista se encuentra en la génesis de un fascinante proceso de investigación avalado por su férrea capacidad de explorar con éxito los diversos epígrafes que glosan su evolución”.

“Y así, al final de este recorrido por la obra reciente de José Manuel Ciria, hemos vuelto al punto de partida, es decir, al campo de reflexión conceptual como foco de la creación plástica”, agregó.

Para el MAM, esta exposición “pone en evidencia que José Manuel Ciria, a través de su trayectoria creativa, se ha convertido en uno de los protagonistas de la renovación pictórica de España”.

“A partir de la abstracción que inspira la mayor parte de su obra, la incorporación de objetos y cuerpos humanos ha ido ampliando el campo de la representación, conjuntamente con la utilización de múltiples soportes y materiales y una gama de colores recurrentes, en la que sobresalen el blanco, el verde, el negro y, sobre todo, el rojo”, señaló la institución.

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Los hechos e incidentes biográficos de un artista constituyen la parte menos importante de su geografía vital.
Damián Arias Matos

En la Sala Federico Izquierdo del Palacio Consistorial de Santiago de los Caballeros, República Dominicana se presenta, desde este jueves 12 de junio, la Exposición “Dominicanto” del Maestro Ricardo Toribio.

Los hechos e incidentes biográficos de un artista constituyen la parte menos importante de su geografía vital. Los accidentes de la vida cotidiana pertenecen a los vulgares. Del artista importa y debe importar su biografía creativa.

Por eso de Ricardo Toribio solo diremos que nació un 11 de abril de 1965 en Monte Adentro, Santiago de los Caballeros. Todo lo demás e inartístico que le ha pasado no lo hace excepción entre los comunes mortales.

Acaso por eso nos describe en estos “Dominicantos”, los montes, las cañadas, los ríos, y las llanuras de su mapa creativo.

El nombre mismo, fruto de la conjunción de dominicano y de canto, acusa o deja entrever, por un hilillo tentador, que se trata de mostrar la musicalidad, el lirismo creativo y las iconografías de lo dominicano.

El título de una exposición puede ser una pista pero también una trampa. Acaso debería prohibírseles a los artistas que titulen sus exposiciones. Sería mejor anunciar que se mostrarán unas nuevas creaciones, unos nuevos partos e incitar a la gente a ir a verlos.

El arte, el buen arte, es tan inútil como desprovisto de nacionalidad. Es una especie de anacoreta sin cédula de identidad ni domicilio, llamado a rodar por el mundo, narrando, gritando o susurrando a los oídos cómplices, las miserias, temblores y vaivenes de la humana condición.

Por ello asumimos el arte como anacional, como desprovisto de la marca del espacio geográfico en que nace, aunque tenga, invariablemente, las marcas y estigmas del pueblo que los pare.

En el arte hecho en la diáspora, asoma siempre la cabeza del padre, algún lunar, algún antojo, alguna sombra o brillo distintivo, pero no por eso se debe dividir el arte en ismos, clasificándolo geográficamente.

Lo antes dicho pretende explicar que los dominicantos de Toribio no persiguen una expresión estética únicamente dominicana. Insular y nacionalista. Toribio no ata sus creaciones a los colores del patio solamente. El que es un gran colorista, se refugia en la paleta caribeña para desplegar sus creaciones sobre el agredido lienzo.

Ricardo Toribio es un artista total. Maneja tanto la pluma como el pincel, en una conjunción poco común. Los señores del pincel generalmente no se llevan bien con la pluma ni con el uso de la palabra.

Pero Ricardo también es compositor y ejecutante de la guitarra y varios instrumentos de percusión, siendo maestro empírico de música para sus hijos, con el grupo musical La Parcelita.

Además es Sociólogo de profesión, aunque, nos atrevemos a afirmar que su verdadera profesión es la pintura, siendo galardonado en 1996 con el Primer Lugar en el Concurso de Afiches. Ganando ese mismo año el Primer Premio de Pintura en el Concurso de Arte Eduardo León Jimenes.

Ricardo es también poeta y escritor de fina prosa. Sabe hilvanar palabras tejiendo frases de manera magistral. Una conversación con él nos hace conocer más y más del mundo, en frases profundas pero presentadas con sencillez.

La aldea colorida, árboles y senderos, casas que parecen volar, caminos y paisajes preñados de lirismo están presentes en estas obras, como mostrando el mundo ideal que el Maestro Toribio sueña.

El mismo maestro, con palabras propias, nos define a Dominicanto diciendo ¨es una isla, vista desde el cielo, pero cuando te acercas te das cuenta, que este brillante lucero es un archipiélago, lleno de pequeñas islas que flotan sobre la laguna azul, bajo un árbol llenito de estrellas, y una de esa estrellas bella viene diario a visitar

Por eso en dominicanto todos los días es pa celebrar la fiesta de la luz, y el color es mas brillante que en todo lugar, los seres que habitan aquí también son de colores, y llegaron hasta aquí en pequeñas y grandes embarcaciones, vinieron los rojos, los amarillos, los azules, y poco a poco se han mezclado, y ahora los seres son entre lo claro y lo oscuro,

Entre el día y la noche, entre la luna y el sol en fin una nación, de seres multicolor, quienes reciben con alegría a todos los que vienen en busca del sol,

Tráigame a mi una matita quien me venga a visitar para recordar su visita y sabérsela cuidar, y si acaso la plantita al fin se pueda prender, les guardare una guanábana para que quieras volver por que en dominicanto esta creciendo un paraíso el sueño esta despertando invadiendo de esperanza hasta ultimo rincón, mas allá del infinito, el bosque vino de turista encantando la nación, por eso en Dominicanto se celebra con amor como está creciendo el bosque si nos aprendemos este son, esa higuera de mango se la puede usted comer, su abuelo sembró la matita creo que fue eso, antes de ayer¨.

Veintiún trabajos componen esta muestra individual de Ricardo Toribio que trae a Santiago gracias a la Subsecretaría de Cultura, luego de colgarla en Casa de Teatro. Acerquemos el oído, reverentes, a escuchar estos dominicantos de Ricardo Toribio.

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Parque de Baní, finales del siglo XIX. Foto de Frank Adrover
El primer fotógrafo español que estuvo en Santo Domingo en el siglo XIX, fue Frank Adrover Mercadall (1861-1924) pintor y modelador, natural del municipio de Villa Carlos, Menorca, Isla Balear, quien vino al país en agosto de 1887, trayendo consigo el adelanto de las placas secas, la técnica del clisé, de las fotos iluminadas y coloreadas con acuarela, quien tuvo estudio artístico en Mahón en la calle Deyá 4, casi esquina General Mola.

Frank Adrover Mercadall vino a Santo Domingo luego de estar una temporada como fotógrafo itinerante en Colombia, Venezuela y Puerto Rico. Recorrió las regiones del Sur, el Cibao y el Este del país. Es autor de la famosa foto de Lilís, muerto de cuerpo entero, de la cual refiere su hija Belkiss Adrover: “Hizo (…) una postal comercial, ilustrada además con las monedas y papel moneda (billetes), acuñados por el Gobierno de Heureaux, acompañada de una literatura explicativa, la cual tuvo una gran acogida, y sin proponérselo, Adrover contribuyó, en el correr de los años, a dar término a una controversia entre historiadores, demostrando que “Lilis” no recibió ningún balazo por la boca. Sus labios gruesos se hallaban absolutamente indemnes y su rostro normal”.

Adrover recorrió “Baní, San José de Ocoa, San Juan de la Maguana, la Vega, San Francisco de Macorís, Puerto Plata y San Pedro de Macorís”.

El registro visual y legado documental de Frank Adrover Mercadel (el Archivo Adrover) comprende fotos coloreadas sobre cartulina, fotos sobre cristal coloreadas al óleo, impresas sobre metal (daguerrotipos), fotos iluminadas a la acuarelas… sin dudas fue el precursor de la fotografía moderna en la República Dominicana, en una época en la cual el fotógrafo tenía que realizarlo todo: la fotoquímica, la mecánica, el revelado, el copiado, etc., jugar con la luz natural, los baños y la sensibilidad del papel fotográfico. Su legado tuvo un destino adverso, ya que el ciclón San Zenón destruyó los baúles que su esposa Edelmira Feliz y Objío guardaba.

Adrover tuvo en Santo Domingo dos Estudio-Galería: en San Carlos, y en Santa Bárbara. Cultivó amistad con Abelardo Rodríguez Urdaneta “a quien enseñó muchos de los principios, entonces modernos, del arte fotográfico traídos por Adrover de Europa; como el uso del color y la luz artificial”. Cultivó una estrecha amistad con el publicista, editor e ilustrador don Bienvenido Gimbernad y el historiador colonialista don Américo Lugo

Abelardo había trabajado en el taller fotográfico de Julio Pou (1862-1940), el fotógrafo oficial de Ulises Hereaux – Lilís-. Para el año de 1913 ejecutó el busto de Duarte. La escultura Uno de tantos la inició en 1903, a la edad de 36 años. Adrover Mercadel, que era un fotógrafo itinerante, vivía ya en la ciudad de Santo Domingo, en la calle Arzobispo Meriño cerca de Santa Bárbara, asesoró a Rodríguez Urdaneta, cuyo estudio se encontraba en la calle Consistorial, en el vaciado de yeso de esta obra.

El 2 de mayo de 1891 en el periódico El Porvenir de Puerto Plata apareció publicada la siguiente nota: “FOTOGRAFO ADROVER. Su permanencia en esta ciudad será de 15 días. Los aficionados y público en general, aprovechen esta ocasión. Los trabajos de su taller son esmerados y de tono parecido y correcto, así lo atestigua clientela que la ha honrado. Horas de trabajo: De 7 a 12. Calle Beller, es. Colón. Puerto Plata, 2 de mayo 1891”.

Posteriormente, en al año de 1887 apareció este suelto: “Adrover. Fotógrafo español y excursionista en todos los puntos de la República. Posee todos los adelantos del arte fotográfico, y está en capacidad de hacer trabajos como los de las principales capitales de Europa y Norteamérica. Además ofrece bustos de barro, pinturas y fotografías al gusto de los más inteligentes. Ejecuta trabajos al crayón, paisajes al óleo, y en fotografías interiores y exteriores de haciendas, y sobre todo: especialidad en retratos instantáneos para niños, así como cuanto sea posible en los campos de la fotografía, pintura, escultura, etc.

“Gran novedad en trabajos fotográficos hechos por la noche con luz artificial, como retratos, interiores y exteriores de monumentos. Y Adrover trabaja en Galería o a domicilio, según precios convencionales”.

Banahí Adrover y hermano Frank Adrover, autorretrato

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Los cuadros de Goya sobre el 2 de mayo lucen en todo su esplendor en la pinacoteca madrileña

Los cuadros de Goya Los fusilamientos del 3 de mayo en la montaña del Príncipe Pío y El 2 de mayo o la carga de los mamulecos han sido colgados y lucen con todo su esplendor, tras su restauración y limpieza, en las salas del Museo Del Prado que albergarán la exposición Goya en tiempos de guerra.

A primera hora de la mañana, las dos obras han sido trasladadas desde el antiguo taller de restauración del museo hasta las salas de la exposición, que abrirá sus puertas al público el próximo martes.

La intervención realizada permite disfrutar de “un lujo en el colorido, una maravilla”, según Manuela Mena conservadora de Pintura del siglo XVIII y Goya del Prado.

El maestro aragonés “siempre es un lujo, pero en estos cuadros lo que impresiona más es la riqueza del color, sin que apenas haya utilizado color. Son colores muy básicos y muy pocos: tierras, rojos, blancos y algún azul y con eso es capaz de conseguir todas las tonalidades. Las dos obras van a impactar muchísimo, como nos impactan a nosotros que estábamos todo el día delante de ellas”

Uno de los aspectos más importantes de la restauración es que se pueden leer los dos cuadros perfectamente, “algo fundamental para la valoración de un artista, recuperar lo que él quiso hacer”.

Eso ahora se ve muy bien por las líneas de color, las fuerzas, las tensiones, el movimiento que pone a las figuras.

La idea de Goya se aprecia perfectamente”, comentó la conservadora para quien un museo como el Prado tiene la obligación de presentar sus obras, sobre todo las fundamentales como estas, del mejor modo posible “y ahora están en el mejor modo posible”.

Aunque el estado de conservación de los cuadros era “fantástico”, los barnices estaban muy amarillos “y las capas eran bastante gruesas, con lo que no se veían bien ni los colores, ni la perspectiva, ni el sitio donde estaba situada cada figura”, recordó Manuela Mena, quien subrayó que con el paso del tiempo las obras tenían problemas diferentes.

Esto hacía que cada cuadro actuara de forma independiente, que cada uno tuviera más personalidad propia.

“Ahora te das cuenta que necesitan el uno del otro, son una pareja, como un díptico. El uno se continua en el otro y viceversa. Las líneas de luces, la línea de los muertos, las perspectivas, la ciudad al fondo han adquirido un nuevo sentido”.

La intervención realizada en El 2 de mayo o la carga de los mamelucos ha sido mayor al tener un daño más grande “pues había perdido una parte del lienzo y con ello de la superficie pictórica”. La intervención llevada a cabo en los años cuarenta entraba en conflicto con la pintura de Goya.

“Interfería en los rojos que él había pensado para dirigir la mirada del espectador a determinados centros de la composición. Las dos manchas rojas a la izquierda desviaban la atención de lo que era la verdadera esencia del cuadro de Goya”.

A través de fotos antiguas y con tecnología digital “se ha llevado a cabo la reintegración de esas zonas vacías a través de un sistema de pequeños plumeados, de rayitas pequeñas de diferentes colores, que en la cercanía se ven muy bien y en la distancia se integran en el conjunto de la obra y permiten la lectura total de la composición”.

Sobre la ubicación de las obras una vez que finalice la exposición, la conservadora comentó que previsiblemente será la misma, aunque “lo que si vamos a pensar muy bien son las alturas, que pueden cambiar un año de otro y con ello los visitantes podrían contemplar cómo funcionan las obras del arte, como las pensó Goya. Una obra cambia completamente incluso por un cambio de un centímetro.

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Juan Carlos Ulate / Reuters

Vidas. María de la Trinidad Calderón, conocida como la Abuela de la barriada de La Carpio, en San José de Costa Rica. Tiene 87 años, llegó a la capital costarricense hace 16 años procedente de Nicaragua, y se instaló, al igual que muchos de sus compatriotas, en esta zona deprimida de la ciudad. Se mantiene vendiendo verduras en la calle.

Juan Medina / Reuters

Edward James Olmos durante una conferencia de prensa en la madrileña Casa de América, que proyecta un ciclo de sus filmes.

GALERIA DE ARTE DE NSW / EFE

Heath Ledger en un retrato pintado por Vincent Fantauzzo. La pintura protagonizada por el recientemente fallecido actor australiano es una de las obras finalistas de los premios Archibald 2008 en Australia.

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Día de la Mujer Trabajadora

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Una disputa legal impedirá la subasta del cuadro “Trovador” de Rufino Tamayo, que debía realizarse el lunes y en la que Christie’s esperaba obtener una suma sin precedentes para el artista mexicano.

Christie’s confirmó el lunes que la Corte Suprema del estado de Virginia había bloqueado la subasta de “Trovador” y otras tres obras propiedad del Randolph College.

Un grupo de personas que se oponen a la venta acudieron a los tribunales y el caso llegó a la Corte Suprema, que prohibió el remate de esas obras a la espera de que se defina la situación.

Los directivos de la universidad esperaban obtener un ingreso de por lo menos 32 millones de dólares en la subasta de “Trovador”, “Men of the Docks” (Trabajadores de puerto) de George Bellows, “A Peaceable Kingdom” (Un reino apacible) de Edward Hicks y “Through the Arroyo” (A través del arroyo) de Ernest Hennings. Se esperaba que “Trovador” fuese vendido en 2 o 3 millones de dólares, cifra récord para Tamayo.

“Nos sentimos decepcionados por la orden del tribunal”, dijo Christie’s en un comunicado. “Esperamos tener la oportunidad de ofrecer a la venta estas excepcionales pinturas en una fecha posterior, a fin de apoyar los esfuerzos de Randolph College para asegurar su futuro”.

El tribunal dio a los demandantes un plazo hasta el 3 de diciembre para mantener la orden mediante el pago de una garantía de un millón de dólares, una décima parte de la suma que había fijado inicialmente un juez de primera instancia.

Los demandantes consideran que no sería ético que el centro de estudios vendiese obras de su Museo de Arte Maier con fines de lucro.

“Hay un contrato ético entre los donantes (de las obras) y un museo”, declaró Ellen Agnes, ex directora adjunta del museo y una de las demandantes. “Uno usa estas obras como herramienta educativa. Los museos no consideran sus obras un artículo financiero”.

La portavoz de la universidad Brenda Edwon dijo que dos de los cuadros fueron donados y los otros dos comprados, y que ninguna de las obras tiene restricción alguna acerca del uso que se les debe dar.

El hecho de que no haya restricciones explícitas es irrelevante, según quienes se oponen a la venta.

“Los donantes no fijaron restricciones porque jamás nadie habría imaginado que esto podía suceder”, manifestó Laura Katzman, quien renunció en abril como profesora de arte estadounidense y directora del progrema de estudios de museos de Randolph.

Randolph dijo que decidió poner los cuadros a la venta porque enfrenta una difícil situación económica.

Se pensaba que el óleo de Tamayo sobre lienzo de 153,4 por 127 centímetros, de 1945, rompiese el récord previo del artista mexicano, establecido en la misma casa de subastas en 1993 con la pintura de 1955 “América (Mural)”.

La obra, en la que aparece un músico cantando con su guitarra mientras dos mujeres lo miran desde atrás, “refleja su estilo característico de formas semiabstractas y maestría de color”, dijo Christie’s en un comunicado.

“Este icónico trabajo es la pintura más importante de Tamayo que se subasta en una década”, aseguró.

En esta ocasión Christie’s se jacta de presentar su más valiosa colección de arte latinoamericano, y estima ventas por hasta 22 millones de dólares entre el lunes y el martes.

Se destacan de entre 300 lotes “una rara aparición en el mercado” de Remedios Varo, “Exploración de las fuentes del río Orinoco” (1959), que la rematadora espera vender por entre 400.000 y 600.000 dólares.

El cuadro muestra a una mujer con la mirada fija navegando en un vehículo mágico por un nebuloso Orinoco de Venezuela. “Tiene un aura inolvidable y místico que hace referencia a los sentimientos de transición y separación de Varo”, dijo la casa de remates.

Del colombiano Fernando Botero, figura un trabajo de principios de su carrera, “El domingo por la tarde” (1967) de su serie de picnics, cuyo valor de preventa estimado es de 1,4 a 1,8 millones de dólares.

Asimismo están “El cuarto”, un retrato de una corpulenta mujer vestida con lencería, que podría venderse por entre 800.000 dólares y 1,2 millones, y la escultura “Pedro a caballo”, que muestra a un niño sobre un caballito de juguete y cuyo valor estimado es de 200.000 a 300.000 dólares.

Por su parte, el cuadro “Las floreras” (1933) del mexicano Alfredo Ramos Martínez, que Christie’s describe como “un maravilloso ejemplo del estilo californiano del artista, que emplea figuras geométricas, pureza de líneas, una paleta reducida y una fuerte narrativa”, podría rematarse por entre 800.000 dólares y 1,2 millones.

Además, se presentan obras del uruguayo Joaquín Torres García, el mexicano Diego Rivera, los chilenos Roberto Matta y Claudio
Bravo, y el cubano Wifredo Lam, entre otros destacados artistas.

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`Youth culture´, la crítica visión de Andrist sobre la cultura juvenil / Edi Andrist

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Luis Hernández Serrano

I

Mi nieto de siete años se acostó en un campo de girasoles chiquiti­cos, que parecían margaritas, y me miró sonriente. Yo no tenía la cámara, pero su simpática imagen la llevo como una foto en mi cabeza, al igual que otras miles de escenas que han impresionado mi retina”.

Esta breve reflexión resume en cuerpo y alma a Ángel González Baldrich, uno de los más experimentados fotógrafos cubanos de todos los tiempos, en la primera entrevista de su vida. Desde hace casi cincuenta años firma sus gráficas con una sola palabra, como lo llama todo el mundo: Baldrich.

Nació en el barrio de Arroyo Apolo, en el municipio capitalino de Arroyo Naranjo, el 29 de julio de 1937. Su padre trabajaba en una ruta de guagua como jefe de línea, y lo llevaba con él a todos los lugares.

“No fui guagüero, aunque mi primer trabajo fue como mozo de limpieza de la ruta uno. No terminé el bachillerato y mi padre me dijo que tenía que trabajar. Yo limpiaba el piso de los ómnibus. Antes del año me quedé sin trabajo”.

A través de un amigo dibujante y diseñador de la publicitaria Mestre y Conill que vio sus dibujos y pinturas, comenzó a trabajar allí, y en su departamento de Fotografía se quedó fasci­nado cuando vio el proceso de impresión de las gráficas.

Con un fotógrafo al que califica de muy bue­no, Aladino Sánchez, aprendió a imprimir fotos. “No sé si tendría parentesco con el Aladino de la lámpara maravillosa, pero para mí al menos, era una magia lo que hacía en el laboratorio, no obstante a ser abogado de profesión. Al poco tiempo ya yo tomaba fotos en esa publicitaria, con mi primera cámara particular: una Ro­llieflex.

Cuenta que de muchacho, en las primeras fotos que tomó, empleó una cámara vieja de un vecino. Al poco tiempo se trasladó para la publi­citaria Siboney, frente al cine Acapulco, en Nue­vo Vedado, donde aprendió la técnica del reve­lado a color.

“La primera foto que me publicaron la tomé en la carretera que conduce a Bahía Honda, a un caballo que pastaba en primer plano y detrás se veía un valle y las montañas de la Sierra de los Órganos. La incluyeron en un anuncio comercial de las pastillas antiasmáticas Maico. Por lo menos salió en Bohemia”.

A Baldrich un día le dieron a revelar rollos con gráficas del Ejército Rebelde, e imprimió otras para propaganda del Movimiento 26 de Julio y en particular para el periódico clandestino Revolución.

“El 24 de diciembre de 1958 me dejaron ce­sante en aquella publicitaria y el triunfo del Pri­mero de Enero de 1959 me sorprendió desem­pleado nuevamente. Fui enseguida para allá y me dieron trabajo otra vez.

“Se unieron varias publicitarias en Radio­centro que poco después pasaron para frente al Hotel Nacional y con el transcurso de los meses se instaló allí la Comisión de Orientación Revo­lucionaria (COR), dirigida por César EscaIante, donde hice mis primeros pininos periodísticos.

“Ya como fotógrafo de prensa, mi primera gráfica se publicó en Pionero. Pero la foto mía de mayor repercusión fue un contraluz de Fidel, cuando inauguró la Escuela de Cuadros de la CTC, en La Coronela, a mediados de la déca­da del 70″.Estuvo inédita durante casi diez años, y a mitad de los 80 ocupó una primera página com­pleta de Juventud Rebelde. Tanto gustó ese contraluz que un profesor de Diseño que visitó el diario con sus alumnos, les dijo: “A esto es a lo que se le llama la imagen mínima”.

“La tomé de noche, a 15 metros de Fidel, antes de que subiera a la tribuna del acto. Una sola luz le daba en el rostro, de frente. Se te veía hasta el aliento al respirar, por el frío reinante. Yo tenía una Nikon recién estrenada y un lente de 300 milímetros. Fue tanto el foco de la gráfica que tuve que borrarle la respiración que se le congelaba en el aire”.

Baldrich recuerda cuando pasó a trabajar a la revista Mella. De esa época evoca sus reporta­jes por la Sierra Maestra durante la Crisis de Octubre en 1962, en páginas que se llamaron Mella en las trincheras.

No olvida a compañeros de esa publicación, como ChaIy Reyes, Frank Agüero, Peroga, Joaquín Ortega y a Juan DoIset. Baldrich ha realizad
o viajes de trabajo a varios países: Canadá, Alemania, lraq, Italia, España, Islas Cana­rias, Chile, México y Angola. El día de la fundación de Juven­tud Rebelde, en octu­bre de 1965, en que Fidel habló en el esta­dio Pedro Marrero, to­mó fotos bajo un agua­cero, con mucho cata­rro y 39 de fiebre.

II

“¿Tres de los mejores fotógrafos que ha tenido este diario? Reinaldo González, José Orozco (fallecido hace años) y Orlando Martí­nez Maqueira, quien murió recientemente, aún trabajando en Bo­hemia…, una irreparable pérdida.

“Para mí la fotografía ha sido todo en la vida. ¿Mis fotos más queridas? Además del contraluz de Fidel, otra que le tomé en el Pico Turquino, en 1965, cuando subieron los primeros médicos graduados por la Revolución. Solo se ve el fusil en el hombro de Fidel, un símbolo. Y la otra la tengo en un cuadro en la pared de mi cuarto: unos botes en la playa de Cojímar. La tomé cuando fui con Leonardo Padura a realizar un reportaje sobre Hemingway.

“¿Requisitos para ser fotógrafo? Observarlo todo con detenimiento, ser muy sensible ante lo bueno y lo malo, lo triste y lo alegre, lo pintoresco y lo grotesco. Querer llevar a la gente imágenes de lo que nosotros conocemos, y muchos por su trabajo no tienen el privilegio de ver.

“¿La emoción más grande? Cuando fui co­rresponsal de guerra en Angola, nos jugamos la vida. También cuando pasé el curso de piloto en Santa Fe, en aparatos como el Pipper, donde también voló el Che en 1960”.

Explica que antes en el laboratorio había que saberlo todo, para que las fotos salieran bien, y como cosa curiosa recuerda su reportaje a una farmacia china de la calle habanera de Zanja.

Dice que su plato fuerte es el paisaje y el retrato. Que es lo que le gusta, lo mejor que hace. Y menciona como sus fotógrafos favoritos, entre otros, a Osvaldo Salas, Raúl Corrales, José Tabío, Liborio Noval y Reinaldo González.

Si Baldrich hubiera tomado solo mil fotos anuales, en sus 47 años cámara en ristra, acu­mularía 47 000 en su vida profesional. Pero deben sobrepasar las 70 000. Y de ellas calcu­lamos que se han publicado en distintos órga­nos de prensa alrededor 8 000 ó 10 000. ¡Respetable estadística!

“Al privilegio de ser fotorreportero yo le llamo ‘maravilla’. Y parafraseando a Silvio, pienso que el fotógrafo ‘mira la tierra y sí ve más que tierra’, ve lo que el hombre ha hecho sobre ella con su trabajo y por ello merece fotos”.

Enfatiza en que Ios de su oficio no solo miran con los ojos, sino también con la mente y el corazón, aunque a él le gusta la improvi­sación, el “repentismo” en la fotografía.

“Sí, yo hablo poco, por mi carácter. Pero con­verso a través de las imágenes que capto. Hablo más con mis fotos que con mi boca. Me relaciono con los hechos y la gente poniéndolo todo dentro de mi cámara.

“¿Las fotos más difíciles? Algunas de las que me mandan a hacer. Y las más fáciles son aquellas que más me gustan: los trabaja­dores, los rostros, el mar, el paisaje, la natura­leza.

“Adoro el retrato porque el ser humano para mí es lo más importante. ¿Qué disfruto más? La foto que vaya hacer al día siguiente, el hecho nuevo, la incógnita de la nueva perso­na que vaya conocer y va a entrar en mi vida”.

Refiere que no extraña el cuarto oscuro, ni la ampliadora, ni el papel fotográfico, ni la química. Dice que fueron sus socios fuertes, pero llega­ron hasta un punto. Que son viejos compañe­ros. “Me despedí de ellos con cariño. Lo mismo debe ocurrirle a los redactores con la máquina de escribir y con el teletipo”.

Nos confiesa que pensó retirarse a los 60, hacer un bote y permutar para Guanabo, pero al enterarse de la llegada de la cámara digital y la computadora, escribió a la dirección del periódico y sugirió que adquirieran la técnica moderna.

“La foto digital es como tomar otro camino. Todos los días me asombra. Con lo nuevo se acabó aquel retoque a mano, pintando sobre la fotografía impresa, que te IIevaba media hora. Ahora todo se resuelve rápido con el mouse frente a la computadora: se quitan suciedades de los dientes, verrugas, cicatrices, manchas. Yo las arrugas de tu frente, por ejemplo, te las quito en un santiamén.

“Hay instantes tristes en que un niño llora porque la madre le pegó muy duro, y días felices como cuando el corresponsal nuestro de Ciego de Ávila, Luis Raúl, me dijo en su provincia: ¡Ah! ¿Usted es Baldrich? ¡Qué deseos tenía de conocerlo, me encan­tan sus fotos! Esas cosas para mí son diplo­mas del tamaño de la mesa esta. Me recompensan mucho.

“Mi oficio es una magia y mi cámara es mi vida entera. Siempre me ha
dicho la verdad, ha sido franca y abierta. En fin, la fotografía es mi gran amiga íntima”.

(Entrevista publicada en Juventud Rebelde, 12 de marzo de 2004)

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La casa de subastas Sotheby’s tiene previsto sacar a la venta por US$1 millón un cuadro que una mujer encontró en la basura en Nueva York, EE.UU.

Elisabeth Gibson encontró tirada en la calle la obra “Tres personajes” (1970) del pintor mexicano Rufino Tamayo, que en 1987 había sido robada de casa de sus propietarios.

Hace cuatro años Gibson iba camino a tomarse un café cuando distinguió la pintura entre bolsas de basura en su vecindario en el Upper West Side neoyorkino.

Al principio la mujer dudó en llevárselo ya que pensó que era demasiado grande para su apartamento.

“Era una enorme, poderosa y bella pintura y me dije: ‘No está bien que esté en la basura’”, le explicó Gibson a la agencia de noticias Reuters.

Recompensa

Elisabeth Gibson

Al principio la mujer dudó en llevárselo ya que pensó que era demasiado grande.
La afortunada mujer descubrió que se trataba de una pintura robada investigando en el sitio de internet “Antiques Roadshow FYI”, y después de que el experto August Uribe hiciese un programa especial sobre el cuadro en el canal de televisión PBS.

La obra fue devuelta a sus dueños, quienes entregaron a Elisabeth Gibson una recompensa de US$15.000.

Se espera que la pintura recaude entre US$750.000 y US$1 millón en la subasta que Sotheby’s celebrará el próximo 20 de noviembre.

Precisamente este jueves se inaugura en el Museo de Arte Contemporáneo de México la mayor retrospectiva de Rufino Tamayo de los últimos diez años.

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Mauro Fariñas, en la galería, antes de la inauguración. Foto: Judit M. Marín

Han pasado más de dos meses desde que El Cultural hiciera público el ganador del su VII Premio de Fotografía anual. Seleccionado entre los más de cien proyectos recibidos, Mauro Fariñas (Madrid, 1982) fue el favorito con su serie All tonight´s Woes (Todas las aflicciones de esta noche), una sucesión de instantáneas que descubren esos momentos de la intimidad donde nada ocurre. Son instantes espiados y revelados por un intruso, el propio Mauro Fariñas, una idea surgida en Finlandia, donde el fotógrafo ha engendrado su estilo. Ayer, Fariñas estrenaba el premio: una exposición individual en la galería Marlborough organizada por El Cultural. Nervioso por “su estreno” y con ganas de “que el día de hoy termine”, Fariñas nos desvela su forma de trabajar y sus influencias minutos antes de la inauguración: “Hay quienes dicen que mis fotos tienen algo de David Lynch. No lo creo, tengo más presente a Christopher Doyle”.

Pregunta: Desde que comenzó sus estudios en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca, no ha dejado de experimentar. ¿Persiste en ello?
Respuesta: Creo que la experimentación nunca termina, es inherente al artista y siempre está presente. Sin embargo, a medida que pasa el tiempo, uno va concretando sus líneas de trabajo. Eso es algo que permite la Facultad de Cuenca, donde el plan de estudios es libre y están abiertos al desarrollo de nuevos proyectos, fundamentalmente en el campo de la fotografía.

P: ¿Qué pretende insinuar al espectador?
R: Trato de escoger momentos abiertos, instantes concretos de la intimidad donde no sucede nada fuera de lo normal. La iluminación me ayuda, utilizo un juego de luces y de sombras que generan una atmósfera de intrusismo por parte del espectador. Quiero transmitir la sensación de que algo sucede, pero no está claro qué. Pretendo establecer un diálogo entre la obra y el espectador para que éste quede desconcertado.

Alrededor de lo íntimo
P: Sus dos series giran en torno a ese concepto, en torno al universo íntimo ¿Cuál es el punto de partida de esta temática?
R: Mi experiencia en Finlandia, una ciudad muy oscura donde las ventanas de las casas son muy grandes para que entre la luz. A través de ellas puedes ver lo que hace cada vecino en su casa a diario.

P: Entonces, ahí es donde tomó el papel de intruso, del que mira a través de la mirilla…
R: Al revés, era el observado. Al principio, cuando llegué a Helsinki, mi casa no tenía cortinas. De ahí surgió la propia fotografía que he experimentado, de ahí el acto de mirar, era muy fácil enlazarlo.

P: El punto en común de las series es la idea de la intimidad. Sin embargo, también hay elementos desiguales. En Through the peeping Hole (A través de la mirilla), algunas de sus fotografías presentan collages y son imágenes captadas desde el interior. En la segunda serie, All tonight´s woes (Todas las aflicciones de esta noche), son tomadas desde fuera y desaparece la idea de visión fragmentada, ¿Qué pretende comunicar?
R: En la primera utilicé el collage porque trabajé a nivel conceptual de referencias. Aludo al cine, a la pintura y a la escultura creando un collage de referencias, un arte de contenido. En la segunda serie me desvié de esa línea, quería centrarme en fotografías que pareciesen fotografías, que no dieran lugar a confusión, por eso no los utilizo. Además miro desde afuera, creo que se debe a la influencia del pintor Edward Hopper por el juego interior-exterior y por la iluminación muy dirigida. Además, quiero enfatizar la parte de voyeurismo que tiene la fotografía.

P: Algunos críticos de El Cultural han comentado la influencia de Caravaggio en esa segunda serie, por su efectismo en la iluminación.
R: Pero es que resulta difícil que Caravaggio no influencie (risas).

Planificación del trabajo
P: Y qué hay de su forma de trabajar, ¿cómo la define?
R: Muy lenta. Desde que decido iniciar el proyecto hasta que la toma está hecha, pasa mucho tiempo. Antes de disponer el escenario tengo que estar seguro de que todo va a salir bien porque es un trabajo que requiere de mucha preparación. Por eso los construyo en casa, me encuentro más cómodo. Con el tiempo fui cogiendo confianza y busqué otros lugares, aquéllos que me llamaban la atención. De primeras siempre soy yo el que me pongo delante de la cámara y voy probando los distintos ángulos.

P: Estuvo en Seúl realizando un proyecto de tres meses. Imagino que allí no había tiempo para tanta planificación …
R:Tuve que soltarme bastante. Cuando llegué para hacer el proyecto en sólo tres meses todo se desbarajustó, tuve que improvisar… pero fue interesante y divertido. Hasta ese momento yo había trabajado muy lentamente, algo que allí no me podía permitir.

P: En Finlandia pudo trabajar con la fotógrafa Aino Kannisto, ¿alguna influencia?
R: Yo me puse en contacto con ella cuando tenía la primera serie pensada. Conocía su trabajo y estaba muy interesado en ella. Lo que más aprendí de Aino Kannisto fueron los trucos, muchos consejos a nivel de práctica de estudio.

Actitud crítica
P: El premio conlleva la organización de esta indiviual en la galería Marlborough. ¿Como se siente exponiendo aquí?
R: Esta galería siempre trae a artistas consolidados. Siento que he dado cuatro pasos en vez de uno, cosa que en realidad no es así porque esto es algo puntual. Los premios ayudan al artista novel porque hacen que en un momento determinado tu nombre aparezca, sin embargo, la cosa se queda ahí. Después de eso, continúa esa competición por ver quien llega a las galerías. Ese es el problema, el de la falta de espacios expositivos.

P: ¿Que le sugiere la figura del crítico?
R: La considero importante porque ac
erca la creación artística al público. No tengo nada en contra del crítico, pero sí por el sistema de muchas becas y premios que tenemos en España, donde es el artista -a petición del certamen- el que elabora un discurso teórico-crítico en relación a la obra que va a presentar al concurso. Quizás es en estos discursos donde se usa un lenguaje y una terminología que hacen ilegible el arte contemporáneo.

P: Algún proyecto…
R: Proyectos siempre hay. Ahora me apetece trabajar en blanco y negro porque siempre lo más comentado es el color. En principio seguiré con el mismo concepto.

MOLERO, Ianire

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