El auditorio de FUNGLODE acogerá la inauguración de una muestra basada en un clip multimedia en el que se incluyen trabajos premiados con el galardón del World Press Photo, el más importante del mundo en su categoría.

SANTO DOMINGO, República Dominicana.- El Grupo de Fotorreporteros del Centro de Estudios de Comunicación de FUNGLODE (CEC-FUNGLODE) inaugurará el próximo lunes primero de septiembre la “II Expo-Proyección de Fotografía de Prensa”, a partir de las 7:00 PM en el auditorio de la entidad no gubernamental, con entrada libre.

Tras el éxito de la primera edición, celebrada hace un año con motivo de celebrarse el “Mes de la Fotografía”, 18 fotorreporteros que trabajan en República Dominicana y otros vinculados al país que realizan labores en el extranjero han organizado una nuestra compuesta por 19 reportajes gráficos, para un total de 717 fotografías, montadas de manera digital con ambientación musical.

Galeria de FotosVea en multimedia
La Expo – Proyección de Fotografía de Prensa se ha convertido en la exhibición más importante de fotoperiodismo a nivel nacional y cuenta con el apoyo especial, a nivel de patrocinador, del Grupo León Jimenes.

Cabe destacar la participación de tres fotógrafos internacionales ganadores, entre otros premios, del World Press Photo, el galardón fotográfico más importante del mundo.

Se trata de Walter Astrada (Argentina), Carlos Barría (Argentina) y Emilio Morenatti (España). Todos los demás trabajos han sido realizados por fotógrafos dominicanos o extranjeros radicados en el país.

Además de diversas imágenes capturadas en República Dominicana, el público podrá apreciar trabajos realizados en Irak, Colombia, Afganistán, Palestina, Haití, España y Kenia.
(Fuente: Clave Digital)

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Por Luis Bonich

El “Mes de la Fotografía/Bariloche”, en su 12° edición intenta lograr como en el transcurso de estos años, ser el punto de encuentro, de cada vez más diversas propuestas fotográficas provenientes de todo el país.

La muestra comienza el 25 de Septiembre y se extenderá hasta el 25 de Octubre; fue declarada de Interés Parlamentario, por la Cámara de Diputados de la Nación, De Interés Provincial por la Legislatura de la Provincia de Río Negro y de Interés por el Consejo Deliberante Municipalidad S. C. de Bariloche. Mientras que el 18 de septiembre se inaugurará en la Secretaría de Turismo de la Nación. Suipacha 1111. Auditorio. Bs. As.

Contará con la presencia de los fotógrafos: Ataulfo Pérez Aznar, Don Ripka, Ricard, Martiniuk, Pablo Añeli, Martín Acosta, Mariano Salomón, Emiliano Lasalvia, Hernán Villar, Daniel Cabaza, Martín García y Ariel Ríos, Javier Mosquera, Agustina Roacio, Tamara Barrueco de Vansay, Natalia Henkel, Lucía López, Fabián Oger, Irina Dambrauskas, Axel Pincemin, Marcos Rodríguez, Raúl Cárdenas, Luis Seróni fotógrafos (emergentes) locales, y de Villa La Angostura.

La profesora Julieta Escardó, y por su puesto la participación de los fotógrafos profesionales, organizadores y mentores de este importante evento a nivel nacional Luis Bonich y Andrea Bravo.

También contaremos con la participación especial de Yael García Ruiz, la Dra. Analía Woloszezuk (Abogada), Alejandro Montes de Oca y Alejandro Reynoso.

A continuación, el programa oficial.

Prensa. Agente Oficial: Luciano Giudice.

“Mes de la Fotografía / Bariloche” 12° edic. 2008
Declaración de Interés Parlamentario, por la Cámara de Diputados de la Nación.
Declaración de Interés Provincial por la Legislatura de la Provincia de Río Negro.
Declaración de Interés por el Consejo Deliberante Municipalidad S. C. de Bariloche

Director y Coordinador: Luis P. Bonich. (Fotógrafo.)
Asistente en Fotografía: Andrea Bravo. (Fotógrafa.)
Asistente sala Frey: Yael García Ruiz. (Fotógrafa.)
Asesora Letrada: Dra. Analía Woloszezuk (Abogada)
Asesor en Fotografía: Alejandro Montes de Oca (Fotógrafo)
Asesor en Fotografía: Alejandro Reynoso. (Fotógrafo)

Sub.-Secretaria de Cultura: Lic. María Victoria Arroyo.
Prensa. Agente Oficial: Luciano Giudice. (Periodista.)

Programa Oficial.

18/09/08. 11hs. Presentación Oficial del evento, a la Prensa en la Secretaría de
Turismo de la Nación. Suipacha 1111. Auditorio. Bs. As.
25/09. 18,30hs. Inauguración Oficial del “Mes de la Fotografía – Bariloche”
Sala de Prensa de la Municipalidad: “Isabel Moreiras de Bustos”
19,30hs. Inauguración: “Objetivos” autor, Pablo Añeli, Fotógrafo,
Reportero gráfico. (Fotografías, pinturas y esculturas).
Sala “Isabel Moreiras de Bustos”. Libre y gratuito.
25/09 21hs. Taller de -Reportaje fotográfico- a cargo del Fotoperiodista.
Martín Acosta. (Vacantes limitadas, arancelado). (Inscripción)
(Lugar) Sala de Prensa Municipal. Centro Cívico.
26/09 11hs, Inauguración de “Intervalos y Movimientos” (Teatro y cine)
de Mariano Salomón, Fotógrafo y Psicólogo. Sala: “Cecilia Girgenti”
Museo de la Patagonia. Centro Cívico.
26/09 18hs: Taller de -Reportaje Fotográfico- a cargo de Martín Acosta
Fotógrafo, Reportero Gráfico, (Área de contenidos)
Escuela de Fotoperiodismo ARGRA). (Lugar): Universidad FASTA.
26/09 21hs. Proyecciones: a cargo de los fotógrafos invitados: Martín Acosta,
Emiliano Lasalvia, (La Nación), Pablo Añeli (Clarín), Mariano
Salomón, etc.
(Lugar): UFASTA. Av. Pioneros 38. Libre y gratuito.
27/09 09hs. Taller de -Reportaje Fotográfico- a cargo del Fotógrafo: Martín
Acosta. (Contenidos Esc. ARGRA). Lugar: UFASTA. Pioneros 38.
28/09 17hs. Final del -Taller de Reportaje Fotográfico-, a cargo de Martín
Acosta (Contenidos Escuela de la ARGRA) Sala Emilio Frey.
30/09 11hs. Inauguración de la muestra fotográfica: “Punta Lara” autor,
Ataulfo Pérez Aznar, Fotógrafo Argentino. Director de la Galería
Omega de La Plata. Sala: “Choneck” Museo de la Patagonia. C. Cívico.
1°/10 11hs. Distinción Honorífica al Fotógrafo Argentino Ataulfo Pérez
Aznar, por parte del Honorable Consejo Deliberante Municipal.
1°/10 12hs. Inauguración de la muestra de fotógrafos (emergentes) locales.
Sala del Consejo Deliberante Municipal. Libre y gratuito.
1°/10 18hs. Fotografía Documental: Seminario a cargo del Fotógrafo,
Ataulfo Pérez Aznar. (Vacantes limitadas. Arancelado).
(Lugar): Sala Emilio Frey. Centro Cívico.
2/10 11hs. Inauguración de la muestra fotográfica: “Desnudos” autores: de
Villa la Angostura y San Carlos de Bariloche.
Sala Emilio Frey. Centro Cívico.
2/10 18hs. Seminario de Fotografía Documental a cargo del Fotógrafo.
Ataulfo Pérez Aznar. (Lugar): Sala Emilio Frey. Centro Cívico.
2/10 21,30. “Suspiros”. Autor: Hernán Villar, Muestra Fotográfica.
(Lugar): -Mondilla- Gallardo 35. Inauguración.
3/10 18hs. Cierre del -Seminario de Fotografía Documental-. A cargo del
Fotógrafo: Ataulfo Pérez Aznar. (Lugar): Sala Emilio Frey. C. Cívico.
3/10 21hs. Proyecciones: Ataulfo Pérez Aznar, (presentará parte de su obra).
(Lugar): Sala Emilio Frey. (Libre y gratuito).
6/10 11hs. Inauguración de muestra colectiva “Un Viaje” (Arqueología). Museo
Paleontológico de Lamarque. Daniel Cabaza, Martin García y Ariel Rios. Pcia. Río Negro.
Sala: “Ex – Correo” Centro Cívico.
6/10 18hs. Inicio del Seminario: “Teoría de la Imagen” (Semiótica) docente:
Prof. Julieta Escardó. Fotógrafa Argentina, (Directora del “Centro
Ecléctico de la Imagen”) Bs. As. (Vacantes Limitadas, arancelado).
(Lugar): Universidad FASTA. Av. Pioneros 38.
7/10 17hs. Inauguración de la muestra, (a confirmar): Galería
Universidad FASTA.
7/10 18hs. Seminario de “Teoría de la Imagen” Semiótica. Prof. Julieta
Escardó. Vacantes limitadas, arancelado. Lugar: UFASTA.
8/10 9hs. Cierre del Seminario de “Teoría de la Imagen” Julieta Escardó.
UFASTA.
9/10 11hs. Inauguración Oficial de las muestras colectivas: “La Figura Humana”
de -Fotógrafos deEsquel y Asociación Fotógrafos Andino Patagónica”. Auspicia: -Agencia Cultura Río Negro- Centro Administrativo Bariloche.
(Lugar): Onelli y Vilcapugio. (Libre y gratuito).
10/10 21hs. Proyecciones: Documentales de Grandes Maestros de la Fotografía.
Presentación a cargo del Grupo Fotográfico Esquel. Sala de Prensa
Municipal. “Isabel Moreiras de Bustos” Centro Cívico.(Libre y gratuito)
14/10 11 hs. Inauguración de la muestra “ Gauchos Criollos” a cargo del
Fotógrafo: Javier Mosquera. Sala Tante Frida.
14/10 18 hs. Ensayo Fotográfico, Taller a cargo del Profesor: Don Ripka,
Fotógrafo Profesional, (reportero gráfico). (Director de la Agencia Sudaca
Photos) Vacantes limitadas, Arancelado.
(Lugar): Universidad FASTA. Av. Pioneros 38.
15/10 18 hs. Ensayo Fotográfico, a cargo del Fotógrafo. (EEUU – Argentino)
Don Ripka. (Lugar) Universidad FASTA. Av. Pioneros 38.
16/10 18 hs. Ensayo Fotográfico, cierre del Taller a cargo del prof. Fotógrafo;
Don Ripka. (Agencia SUDACA – PHOTOS).
17/10 15hs. “Iniciación a la Fotografía para niños”, a cargo de Andrea Bravo,
Fotógrafa profesional. (Argentina). Auspicia: Menger – Foto. (Vacantes
hasta 80 niños). (Libre – Gratuito.) (Lugar): Sala de Prensa “Isabel
Moreiras de Bustos”. Centro Cívico.
18/10 “Iniciación a la fotografía para niños” Salida de toma, a cargo de Andrea
Bravo, Fotógrafa barilochense; (Auspicia Menger – Foto). (Lugar) Sala de
Prensa Municipal. Centro Cívico. (Gratis).
21/10 10hs.Fotografía Digital, a cargo del Fotógrafo, Profesor: Ricardo
Martiniuk. (Especialista destacado). Niveles: Básico y avanzados.
Vacantes limitadas. Arancelado. (Lugar): UFASTA, Av. Pioneros 38.
22/10 10 hs. Fotografía Digital, a cardo del prof. Ricardo Martiniuk. UFASTA.
23/10 10 hs. Fotografía Digital, cierre del ciclo, a cargo del prof. Ricardo
Martiniuk. (Lugar): Universidad FASTA. Av. Pioneros 38.
24/10 “Iniciación a la fotografía para niños” Evaluación final de los trabajos
Realizados a cargo de: Andrea Bravo, (Fotógrafa) con la asistencia del
Fotógrafo: Luis Bonich. (Auspicia Menger – Foto). (Libre y gratuito).
25/10 Cierre del “Mes de la Fotografía – Bariloche” 12° edición, en el -Mercado
de la Estepa-. Autores: Agustina Roacio, Tamara Barrueco
de Vansay, Natalia Henkel, Lucía López, Fabián Oger, Irina
Dambrauskas, Axel Pincemin, Marcos Rodríguez, Raúl Cárdenas, Luis Seróni.
Lugar: ruta 40 sur y rutas 23. (Libre y gratuito.)

# Nota. La Organización del evento entregará, Certificados de valides curricular en todos los Seminarios y Talleres, a aquellos participantes que cumplan con la asistencia perfecta, a los mismos.
# Programa sujeto a modificaciones.
Colaboradores: Ariel Cárdenas, Patricia Villaseñor, Guillermo Partridge.
E-mail: mesdelafotografiaenbariloche@yahoo.com.ar

Pág. Web: www.mesdelafotografia.com.ar
TEL: 02944 – 15666605.

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A Tim Hetherington le apasiona experimentar con las imágenes en la pantalla del ordenador, rendido ante la revolución que ha impuesto internet y convencido de que “la fotografía en su formato tradicional pronto va a resultar irrelevante en los medios de comunicación”. El ganador de la última edición del World Press Photo no revela el menor atisbo de nostalgia a la hora de certificar la muerte del soporte impreso. “Lo que me interesa es contar una historia más que el formato”, explica este fotógrafo, documentalista y director de cine británico, que prefiere autodefinirse como un “creador de imágenes” y sobre todo “un narrador”.

Hetherington: “No me interesa retratar la violencia: prefiero buscar situaciones humanas entre tanta desolación”

Ha sido en cualquier caso la fotografía concebida para las páginas de una revista la que le mereció el galardón del prestigioso certamen. El retrato de un soldado estadounidense postrado en un rocoso búnker de Afganistán fue tomado en el valle de Korengal, junto a la frontera pakistaní, escenario de los combates más mortíferos entre las fuerzas de Estados Unidos y la insurgencia afgana. La imagen que recogió su cámara expone “la extenuación de un hombre y, por extensión, de toda una nación”, según el presidente del jurado, Gary Knight, al anunciar una decisión que no resultó del gusto de todos. A Hetherington le han llegado a reprochar que la fotografía en cuestión aparezca borrosa, pero él rebate que ese ligero desenfoque -fruto de la precaria iluminación en un búnker de 30 metros de altura por 10 de ancho- confiere tintes casi pictóricos a su trabajo.

La pieza forma parte de un reportaje encargado por la publicación americana Vanity Fair que, bajo el título En el valle de la muerte, reflejaba las condiciones de vida en el Segundo Batallón del 53º Regimiento de Infantería, al que Hetherington estuvo incrustado en el otoño de 2007. El autor está mucho menos interesado en la lectura política de la fotografía que en el “enorme sentimiento” que cree que encierra: “Mi trabajo”, subraya, “consiste en conectar con la gente, en su comportamiento en situaciones extremas. No pretendo dar un empujón a la agenda política, en todo caso generar un debate”. Por eso declina pronunciarse sobre las intervenciones militares en Afganistán o Irak.

Hetherington vierte esas reflexiones en una cafetería de Londres, ciudad que apenas pisa aunque aquí tiene su cuartel general, a las pocas semanas de la concesión del premio. Ese reconocimiento, admite, supone una plataforma formidable, aunque “también lo cambia todo por el enorme escrutinio. He decidido aprovechar sus réditos, pero me preocupa ser malentendido, no quiero que me encierren en una caja”. Resume esa aprensión en el constreñimiento que le supone ser catalogado como fotógrafo de prensa, porque él se considera un generador de diferentes formas de comunicación fotográfica, ajeno a etiquetas. “No me siento miembro de la comunidad World Press Photo”, sostiene en un sorprendente desmarque de la organización que ya le procurara otros dos galardones fotográficos en pasadas ediciones.

Nacido en Liverpool en 1970, Tim Hetherington se graduó en literatura inglesa por la Universidad de Oxford, y trabajó como editor y escritor de literatura infantil antes de pasar por la escuela de fotoperiodismo de Cardiff (Gales). Allí, señala, formó parte de “la última generación de estudiantes que reveló en blanco y negro”, un recurso que hoy considera relegado a mera pieza de museo. Su trayectoria como profesional de la imagen arrancaba en 1977, apoyándose en proyectos a largo plazo que en los últimos ocho años ha concentrado sobre todo en la geografía de África occidental, objeto de exposiciones, proyecciones digitales y películas, como Liberia, una guerra incivil (2004). Nunca quiso replicar la brutalidad de los conflictos que azotan a ese continente con imágenes explícitas, porque “no me interesa retratar la violencia: prefiero buscar lo ordinario, situaciones humanas entre tanta desolación”. Esa aproximación, considera, fue a menudo malentendida en las redacciones de los periódicos, donde dice no haber encontrado el eco para su trabajo. “Las imágenes ‘que piensan’ y que ‘permiten pensar’ han desaparecido de las páginas de la prensa escrita. Creo que sólo se da margen a las ideas del escritor y que impera un cierto esnobismo intelectual”, se despacha.

Hetherington acaba de regresar de los Emiratos Árabes Unidos, donde ultima una exposición conjunta de fotógrafos británicos y locales, La casa de mi padre, un recorrido por la agitada historia de los países de la península Arábiga a partir de su diversidad arquitectónica. Mientras devora una hamburguesa, con la misma premura con la que apura las únicas 24 horas que pasará en Londres en los próximos meses, explica que ya prepara las maletas para regresar a Afganistán durante el verano. Esa reiteración en el frente bélico fascina a los estudiantes que asisten a sus clases puntuales de fotoperiodismo, “realmente obsesionados con la idea de ir a los puntos calientes para retratar la violencia. Yo intento refutar ese sueño de héroe que para ellos encarna el fotógrafo de guerra”.

Hetherington piensa firmar un segundo reportaje sobre el despliegue estadounidense y al tiempo filmar la secuela del documental que el año pasado emitió el programa Nightline de la cadena americana ABC. Ahí reconoce que la concesión del World Press Photo ha contribuido a afianzarle, aunque irónicamente la fotografía premiada no aparecía entre las 12 páginas que la revista dedicó a aquel trabajo, aunque sí fue insertada en su edición digital.

¿Va a desplazar el vídeo a la fotografía en sus futuros trabajos? “Suelo elegir el formato que funcione mejor para la historia, que es lo realmente importante, aunque el mundo de las pantallas de la televisión o del ordenador y la fotografía en el futuro será lo mismo. En el pasado los abordé como universos separados, ahora quiero que converjan”. A lo largo de la conversación, Hetherington llega a sentenciar “el fin de la fotografía”, aunque acaba matizando que alude al necesario cambio de mentalidad de los profesionales de la imagen ante el vértigo que produce la irrupción de las nuevas herramientas digitales.

Hacemos un repaso a su producción, pero cuesta arrancarle una selección de sus propios trabajos. Su asistente, Nayla, nos revela que guarda especial cariño a la serie Healing Sport (1999-2002), uno de sus proyectos en torno al resurgimiento del deporte como antídoto ante los estragos de la guerra en países como Liberia, Sierra Leona o Angola. Las fotografías fueron tomadas en blanco y negro, una plataforma que no piensa volver a utilizar. “El blanco y negro es más abstracto. El color, en cambio, te aproxima a la historia. Trabajar en blanco y negro es uno de mis errores del pasado: es muy bonito pero creo que ya no resulta útil”. Al final se decide a escoger una imagen que capturó en pleno conflicto liberiano: un guerrillero se despide de su novia, en un momento de intimidad ajeno al caos. “Me gusta esta fotografía porque expresa que también en la guerra hay espacio para las emociones humanas, aunque en su día no fue apreciada (diversos medios la rechazaron)”. La instantánea formará parte de la recopilación de sus experiencias en Liberia en un libro, “una narrativa personal con fotografías y texto” que será publicada el próximo año, en lo que parece constituir toda una revancha.

Fuente: Elpais.com

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JOSÉ LUIS ESTÉVEZ – Santiago – 02/07/2008

La presencia de grandes fotógrafos internacionales en la Guerra Civil española convirtió a este acontecimiento en un momento clave en la historia del fotoperiodismo. Pero Robert Capa o Henri Cartier-Bresson no fueron los únicos que reflejaron con su cámara lo que sucedía en el frente o en las ciudades y pueblos. Un grupo de fotógrafos, bajo el nombre colectivo de Hermanos Mayo, trabajaron antes y durante la guerra para periódicos y publicaciones comprometidas con la izquierda y con el bando republicano.

Los cientos de fotografías realizadas constituyen un documento muy valioso sobre la guerra que ha permanecido prácticamente inédito. Un centenar de estas instantáneas podrán verse en una exposición que se inaugura el próximo 7 de agosto en la fundación Caixa Galicia de A Coruña, dentro de las actividades del certamen Olladas 08, que patrocina la Diputación coruñesa.

La agencia Hermanos Mayo estuvo formada por dos grupos de hermanos, los Souza y los Del Castillo, que trabajaron en Madrid en la década de los 30 y que volverían a reunirse en México después de la guerra, donde durante 50 años se dedicaron a la fotografía de prensa. El sobrenombre de Mayo se debe a la ideología de izquierdas de sus componentes. Francisco y Julio Souza publicaron sus fotografías entre 1931 y 1936 en periódicos liberales y revistas de izquierdas: El Liberal, El Heraldo de Madrid, Mundo Obrero y Juventud Roja.

Al estallar la guerra, los tres integrantes de Foto Mayo, Paco y Julio Souza y Faustino del Castillo, se incorporaron como reporteros gráficos en distintas unidades del banco republicano. Paco y Faustino trabajaron simplemente como fotógrafos, mientras que Julio también sirvió como artillero y pasó por Madrid, Guadarrama, Teruel o Valencia. Julio Souza es el único superviviente del grupo, tiene 90 años, y estará en A Coruña para la apertura de la exposición, junto al ministro de Cultura, César Antonio Molina.

Según explica Xurxo Lobato, director de Olladas 08, las fotografías que integrarán la exposición destacan por su valor documental. Muestran imágenes del frente, de la retaguardia o de ciudades y pueblos por los que pasaban los miembros de Hermanos Mayo. Madrid y Valencia son dos de los escenarios más habituales de estas fotografías. Tras la guerra, la mayoría de los positivos fueron a parar al archivo de la Biblioteca Nacional.

La exposición dedicada a los Hermanos Mayo cumple uno de los objetivos del certamen: la recuperación de la memoria histórica. Los otros dos propósitos quedan cubiertos con las dos muestras restantes que tendrán lugar dentro de Olladas 08. Miradas emerxentes se inaugura mañana en la iglesia de la Universidad de Santiago y muestra trabajos de cinco jóvenes creadores gallegos: Manuel Valcárcel, Alberte Peitavel, Antía Moure, Xosé Durán y Maribel Castro. Con la exposición de la obra del catalán Joan Fontcuberta que, a partir de agosto, se verá en la iglesia de la Universidad, se cumplirá con la intención del ciclo de dar a conocer el trabajo de grandes nombres de la fotografía.
(Fuente: elpais.com)

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18/06/2008

Realizando nuestros especiales de Fotografías de precisión impecable, que puede visitar aquí y aquí, el frustrante elemento en común que compartían las imágenes era su desafortunado carácter anónimo. No sólo nos impidió darle el merecido crédito a cada uno de los fotógrafos, sino que nos dejaba a oscuras en cuanto al contexto de cada imagen, que en varias de ellas se antoja muy interesante. Un factor más peligroso, dada la naturaleza y enfoque de los especiales, sin embargo, era el hecho de que durante nuestra recopilación corríamos el riesgo de elegir fotografías manipuladas digitalmente. Fue sólo gracias a una cuidadosa inspección de los comentarios en las fuentes de estas imágenes que pudimos identificar aquellas cuya supuesta precisión y oportunidad en realidad tenían un origen artificial.

Ejemplo de imagen manipulada.

La manipulación de fotografías no es nada nuevo: a inicios del siglo pasado las primas Elsie Wright y Frances Griffiths engañaron a media Inglaterra, en especial a Sir Arthur Conan Doyle, al mostrar fotografías en donde las niñas eran acompañadas por pequeñas hadas. Tuvo que pasar más de medio siglo para que Elsie Wright aceptara que, pese a que juraba que en realidad habían visto hadas, cuatro de las cinco fotografías habían sido creadas utilizando ilustraciones recortadas sostenidas con alfileres. Ambas mujeres sostuvieron hasta su muerte, sin embargo, que la quinta fotografía era real.

Una de las famosas fotos de las hadas de Cottingley, de 1917. Aunque las niñas que tomaron la fotografía reconocieron que había sido una farsa, aseguraron hasta el fin que esta imagen no había sido manipulada.

No obstante, hasta la llegada de la era digital existía cierta legitimidad en la fotografía, una calidad de prueba irrefutable que ha comenzado a tambalearse. Por mencionar un ejemplo modesto, a finales de los ochenta la revista Club Nintendo solía invitar a sus lectores a enviar las mejores puntuaciones logradas en sus videojuegos tomando una fotografía a la pantalla, como prueba fehaciente de que los logros eran reales. Con los avances de la tecnología, una fotografía sería inadmisible actualmente, dada la facilidad con la se podría falsear la información.

En términos generales, la fotografía todavía mantiene una carga de credibilidad: la vasta mayoría de las personas espera que las imágenes que se les presentan sean un retrato de la realidad. En el caso del periodismo, a menudo resulta el ancla que solidifica toda la pieza, pues permanece una percepción de honestidad en la fotografía. Desafortunadamente, no falta quien explote los últimos remanentes de credibilidad de la fotografía para sus propios fines.

A finales de marzo del 2008 se suscitaron enfrentamientos violentos entre manifestantes tibetanos y autoridades chinas, iniciados por supuestos actos de violencia por parte de los tibetanos. Testigos pudieron identificar que el provocador era un oficial de policía disfrazado como manifestante, que blandiendo un cuchillo animaba a los protestantes a actuar violentamente. Las primeras imágenes mostraban claramente al agitador, y gracias a éstas el hombre pudo ser reconocido como un policía; sin embargo, páginas de internet y diario afines al régimen comenzaron a mostrar la misma imagen, pero ahora con el individuo eliminado digitalmente.

Las dos imágenes distribuidas por la embajada china: la de arriba muestra al “manifestante” violento. La de abajo, distribuida después de que se identificara al hombre como un policía disfrazado, lo elimina completamente.

De ordinario, las manipulaciones de imágenes se limitaban al entorno de la broma práctica, pero existe una creciente tendencia a falsear la realidad aprovechando la confianza que la gente deposita en la fotografía. El caso del gobierno chino es preocupante, pero es común encontrarlo, aunque de manera más sutil, a nuestro alrededor, para hacer la realidad más atractiva de lo que en realidad es. La compañía Dove lanzó una campaña que mostraba el estándar irreal que agencias de publicidad imponen a consumidores: un nivel de belleza que va más allá de cualquier maquillaje o crema, y que de hecho requiere de una reconstrucción total de los rasgos físicos.

El llamado arte de la fotografía solía encontrar su valor en capturar la belleza o cualidad inherente del sujeto retratado: al tener una de las grandes fotografías de antaño frente a si, el espectador podía sentirse sobrecogido al encontrarse partícipe de un momento quizá previo a su propio nacimiento, o al otro lado del mundo. Quienes se dedican a la fotografía por hobby o profesión, sin duda aspiran a este honesto ideal: el de que su habilidad y técnica se manifieste en un retrato sincero del objeto. Sin embargo, la ficción ha comenzado a adentrarse más y más en este medio previamente documental. Gracias a programas como Adobe Photoshop o GIMP es posible manipular lo capturado para que el resultado final muestre una visión específica. Se trata de toda una nueva rama artística: tomar una imagen normal y agregarle creatividad para lograr un producto distinto. Existen comunidades enteras dedicadas a la manipulación fotográfica, la más notoria siendo Worth 1000.

Una participación en los concursos de Worth1000.com

La llegada de la manipulación creativa de imágenes no es algo que deba mirarse con malos ojos: se trata de una vía que permite a los artistas capturar la imaginación al mostrar “la realidad” transformada de mil maneras posibles. Es posible que marque, sin embargo, la necesidad de alterar la actitud de la gente hacia la fotografía. Pese a que existen métodos hasta el momento infalibles para determinar si una imagen fue tratada con Photoshop (utilizando complejos algoritmos), el ojo desnudo es fácilmente engañable. La cualidad de evidencia de la que gozó la fotografía desde su creación y que se da por sentado comienza a adoptar tonalidades de gris.

¿Se debe desacreditar de una vez el valor de la fotografía como medio de capturar el mundo que nos rodea? No, en lo absoluto. Se seguirá dependiendo de la imagen para ilustrar, demostrar y ejemplificar por muchos años más. Después de todo, una imagen vale más de mil palabras. Sin embargo, en este siglo XXI conviene adoptar una actitud más crítica e inquisitiva, no dar la realidad mostrada en las imágenes como algo por sentado. Conviene ir pensando que quizá una fracción de esas mil palabras puede no ser tan honesta después de todo.

Pedro Arizpe/Milenio.com

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Día de la Mujer Trabajadora

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La fotógrafa exhibe 179 imágenes en el Espacio de Arte Imago; los primeros planos, su especialidad

Para la fotógrafa Sara Facio el blanco y negro no sólo es muy creativo, sino que se trata también de una primera rebeldía porque “la vida es en color”, dice a LA NACION y sonríe esta consagrada artista argentina de quien acaba de inaugurarse la muestra antológica más importante de sus fotografías, en el Espacio de Arte Imago, y se podrá ver hasta el 29 de marzo.

La exposición reúne 179 imágenes imperdibles que van de 1960 a 2005 y que se agrupan en series de acuerdo con proyectos que la artista desarrolló en distintos momentos de su carrera, que abarcó también los ámbitos del periodismo y la publicidad. Facio hizo del retrato fotográfico en blanco y negro una marca inconfundible dentro de su vasta producción. En este sentido, son paradigmáticas las dos series De Brujos y Hechiceras y Escritores de América Latina.

Por ellas desfilan los rostros y sus particularísimas expresiones captadas por el instante fotográfico de Julio Cortázar, Alejandra Pizarnik, Doris Lessing, Pablo Neruda, Jorge Luis Borges, Quino, María Elena Walsh, Gabriel García Márquez, Silvina Ocampo, Adolfo Bioy Casares, Susana Rinaldi, Marta Minujín, entre muchas otras personalidades destacadas.

¿Por qué la elección del retrato como género fotográfico? “Me atrae mucho el rostro. Una cara es el paisaje más maravilloso”. Esa pasión por la expresividad del rostro queda de manifiesto no sólo en las series de figuras conocidas, sino también en otras series fotográficas cuya expresividad y comprensión están ancladas en los rostros de hombres, mujeres y niños anónimos.

Es lo que sucede por ejemplo en las series Los funerales del presidente Perón, Actos de Fe en Guatemala y Humanario. ¿Siempre la guió alguna búsqueda consciente al sacar una foto? “Como decía Picasso, yo no busco, encuentro. Puedo viajar en un taxi y más allá de lo que el taxista diga, interesante o no, su rostro tiene una expresión que me dan ganas de sacarle una foto.”

Comenta a LA NACION que las fotos expuestas en esta muestra son “las mejores que tomó”. ¿Qué hace a una fotografía ser mejor? “Que esté logrado el momento, el personaje. Captar la esencia del personaje”. En el texto del catálogo de la muestra, el crítico Rodrigo Alonso señala: “Sara Facio es una cultora de la fotografía directa, un tipo de producción que adscribe voluntariamente a la noción de imagen fotográfica como huella. Sus obras no reniegan de la realidad, por el contrario, la exaltan”.

Construir un campo

Su intenso vínculo con la fotografía llevó a la artista a ampliar su actividad y hasta convertirse en “el pilar más fuerte de la construcción del campo de la fotografía argentina”, en palabras de María Teresa Constantín, historiadora del arte y coordinadora de Artes Visuales del Espacio Imago de la Fundación Osde.

Sara Facio es miembro fundadora del Consejo Argentino de Fotografía desde 1978. Un poco antes, en 1973, fundó con María Cristina Orive la editorial fotográfica La Azotea, que aún dirige. En 1985 creó la Fotogalería del teatro General San Martín de la ciudad de Buenos Aires, que dirigió hasta 1998. Además, formó el patrimonio de fotografía del Museo Nacional de Bellas Artes que se inició con 50 obras de grandes fotógrafos universales que pertenecían a Facio y que ella donó al museo. Hoy, este acervo reúne 800 imágenes.

En una de las secciones de la muestra hay retratos de Facio que le sacaron otros fotógrafos. Una expresión de optimismo recorre esta serie que la muestra en distintas épocas. Nació en la Argentina en 1932, se graduó en la Escuela Nacional de Bellas Artes, fue asistente de Annemarie Heinrich y ganó numerosos premios. Despliega en hoy esa misma expresión optimista que acompaña con hablar y vestir elegantes.

¿En qué otras cosas se tradujo en su profesión la rebeldía además del hecho de preferir la fotografía blanco y negro a la de color para retratar la realidad? “Hay mucha rebeldía en la elección de los personajes que fotografié. Hace 50 años escribirle a Neruda o tocarle el timbre a Silvina Ocampo para poder sacarles fotos era arriesgado. O hacer el reportaje del peronismo sin ser peronista”.

Hace ya un tiempo se cayó y se rompió las dos muñecas. Aún está en rehabilitación. Más allá del accidente, dice que si siguiera sacando fotos tendría que hacer fotografía digital y para eso tendría que estudiar mucho y que tiene “derecho a descansar”. Sin embargo, su descanso parece ser relativo: “En este momento más que aprender una técnica, me motiva hacer libros que me interesen de buenos autores, curadurías de obras y continuar la colección del Bellas Artes”. Hacia allí va, para seguir encontrando.

Por Laura Casanovas

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Fotografía de Manuel Montes de la serie Lazos de sangre, 2007. / DA

El uso del blanco y negro viene a reforzar ese aspecto del desnudo clásico. “Y además, porque aunque la vida es en color, la fotografía en blanco y negro es más realista y tiene mucha más fuerza, que el color, y además, el color dulcifica la imagen de alguna manera y le da matices menos fuertes”, señala. Una de las ideas de Montes era simplificar todos los conceptos, desde la puesta en escena, escenografía, maquillaje, incluso la propia desnudez, para restar elementos a la fotografía hasta quedarse en lo más puro, en la esencia. “A la vez que iba eliminando componentes, también intenté trabajar sin luz, por eso traté con los mínimos requisitos de iluminación, utilizando básicamente una luz principal, que atacaba el motivo o el sujeto con un ángulo determinado, pero básicamente una sola”, indica.

El desnudo se ha convertido en habitual en el trabajo de Manuel Montes sólo en los tres últimos proyectos. En Creadores mostraba retratos de artistas canarios hechos a tamaño natural, desnudos, y expuestos en el Centro de Arte la Recova en la bienal pasada. Íntimo cotidiano fue la siguiente exposición, y estaba basada en desnudos sobre los que se proyectaban luces de colores. “El público tiene la percepción de que todos mis trabajos son de desnudos porque estos trabajos se hacen más populares, y la gente los conoce más”. Hace poco tiempo también hizo una serie en la que mostraba monumentos naturales de Tenerife, que “eran paisajes en el concepto clásico, en blanco y negro, procurando esquivar todos los signos de progreso y la intemporalidad, para eliminar todo lo que podían ser casas, tendidos eléctricos y procurando hacer las obras en su contexto natural”. También es fotoperiodista, por eso le gustan las fotos de calle y de viajes.

Jóvenes

Montes opina que los jóvenes fotógrafos de ahora se siguen interesando por el desnudo, solo que “este género requiere unos preparativos ciertamente complejos”, y añade “los desnudos necesitan un espacio, o muy solitario, o un estudio adecuado para hacerlo, y contar con la complicidad de los modelos, y requiere una puesta en escena más complicada de hacer que por ejemplo fotodocumento, paisaje u otra cosa que no necesita más elementos que la cámara y tú”.

Sobre estos nuevos fotógrafos dice que tiene una virtud, que es la versatilidad puesto que viene de distintas ramas de la formación, “no solamente de la fotografía, sino también de historia del arte, bellas artes, periodismo, y otras, e incluso pintores y escultores se reciclan y alternan su trabajo con la fotografía”.

Manuel Montes trabaja también en vídeo y cine, y al respecto dice que en estos trabajos audiovisuales han influido, en la manera de hacerlos, en su formación fotográfica. “Todo lo que sea trabajar con la imagen, ya sea de carácter electrónico, vídeo o cualquier otro tipo, la base fundamental es la fotografía, el análisis de la luz, la composición, el encuadre, todos esos elementos son fotográficos. En el cine una figura que pasa desapercibida es la del director de fotografía y sobre él recae el principal papel a la hora de innovar los productos audiovisuales, y esos profesionales fundamentalmente proceden del mundo de la fotografía”, aclara.

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Pachuca, Hgo.Agustín Víctor Casasola, quien fue fundador de la primera agencia fotográfica moderna del país (Agencia Casasola), y Rodrigo Moya, fotoperiodista que documentó el México de los años 50 y 60, recibieron la medalla al mérito fotográfico del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH).

En el contexto del octavo Encuentro Nacional de Fototecas, Gustavo Casasola, nieto de Agustín Víctor, recibió la medalla otorgada in memoriam a su abuelo, de quien destacó que “en 1912 fundó su agencia fotográfica” y su material, conformado por 12 mil 500 negativos, quedó esparcido en diferentes domicilios hasta que en 1976 fue rescatado y se entregó al Consejo Estatal para la Cultura y las Artes (Ceculta) de Hidalgo.

Rodrigo Moya, también galardonado con la presea, destacó que a lo largo de 14 años ha logrado compilar un acervo de 8 mil imágenes, las cuales han sido rescatadas por el Archivo Nacional de Fototecas.

Al recibir su reconocimiento, Moya se dijo “sorprendido”, ya que “nunca he participado en concursos y nunca he pensado en premios”.

Lourdes Parga Mateos, directora del Ceculta, dio a conocer que en el Encuentro Nacional de Fototecas participaron fotógrafos de 23 estados y destacó que sólo mediante este tipo de acciones se logra preservar el acervo histórico.

Adelantó que en noviembre se convocará al foro Ensayo Fotográfico, en el cual se considera la participación de jóvenes principiantes en el campo del fotoperiodismo, que se buscará combinar con la experiencia de grandes fotógrafos del país.

Este octavo encuentro, que concluye este viernes, reúne a conferencistas como Gerardo Suter.

También se abordan temas como la investigación fotográfica; la difusión de la fotografía y las nuevas tecnologías en ese ámbito.

Asimismo, se abrió el Museo de la Fotografía, donde el visitante puede conocer diversos procesos de impresión y sus cualidades, ya que gracias a la tecnología Epson se han podido incluir algunas imágenes de los siglos XIX y XX, como el retrato de la emperatriz Carlota o algunas vistas realizadas por fotógrafos viajeros durante la segunda mitad del siglo XIX.

También se exhiben fotografías originales de destacados autores como Manuel Álvarez Bravo, Pedro Meyer, Graciela Iturbide, Moya y Gerardo Suter.

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“Cuando el reportero gráfico tiene la cámara en la cara, está por lo que hace. No ve nada más. (…). La reacción es posterior, sobre todo en este caso, que fue terrible”, confesó años después. “Ves aquel espectáculo y empiezas a reaccionar y vomitar indignación contra el crimen”.

Sus palabras y sus imágenes, su condición de hombre y de cronista. Su forma partidaria de retratar el siglo XX español… La exposición Las vidas de un fotógrafo (abierta hasta el 6 de enero) cuenta esto y mucho más en el Centro Conde Duque de Madrid a través de más de 300 imágenes, carteles, diarios y entrevistas con David Trueba y Kim Manresa sobre su figura. El retrato lo completa su hijo Sergi de viva voz. “Mi padre era introvertido. Se entretenía viendo jugar a los niños en una plaza de Barcelona a través de una caja con un agujero. Le obsesionaban los encuadres. Quería ser cámara de cine”.

Pero cuando creció, Centelles empezó a trabajar en un laboratorio de fotografía y a colaborar con periódicos; llegó a la conclusión de que le sería más fácil buscarse la vida como reportero gráfico. La Leica, que compró en 1934 por 900 pesetas, obró después el milagro y le hizo olvidarse del cine. Con ella fotografió la vida cotidiana de la Barcelona anterior al alzamiento, pero también “su” Guerra Civil y “su” derrota. Ejerció el fotoperiodismo como juez y parte, así que no tuvo más remedio que exiliarse, y lo hizo cargado con una maleta llena de negativos. “Fue para evitar las previsibles represalias del Ejército franquista sobre los protagonistas de sus fotos”, afirma el comisario, Miquel Berga.

Centelles retrató su vida en el campo de concentración de Bram (Francia) y, una vez fuera, puso su experiencia al servicio de la causa y de un fotógrafo francés. “Colaboró con la falsificación de documentos para el grupo de resistentes españoles”, apunta Berga. Hasta 1944 no regresó a Cataluña y además sin sus negativos -los dejó a buen recaudo en la casa de unos amigos en Carcasona y no los recuperó hasta pasados unos años-. Centelles se libró de la cárcel, pero el franquismo lo condenó a no ejercer su profesión y tuvo que reinventarse a sí mismo; se hizo fotógrafo industrial y publicitario.

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En 1985 murió en Barcelona. No hacía ni un año que le habían concedido el Premio Nacional de Artes Plásticas. Un reconocimiento tardío.

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Escrito por Redacción Iberarte

El Centro de Fotografía Documental de Barcelona monta hasta el 28 de octubre el festival Tràfic en torno a la nueva fotografía documental BARCELONA-Ha sido un fenómeno silencioso pero implacable. En los últimos diez años no han dejado de surgir colectivos, asociaciones y fundaciones privadas que, desde posicionamientos distintos, parecen reclamar lo mismo: nuevos espacios para una nueva fotografía documental. Tenga o no una finalidad comercial, el fotógrafo se posicione frente a lo retratado y aporta un punto de vista singular. Hermana tranquila del fotoperiodismo, la imagen documental plantea un acercamiento a los temas de actualidad de manera más reflexiva y pausada. No se trata tanto de tomar una instantánea en un acontecimiento, sino de llamar la atención del público sobre diferentes aspectos del mundo actual, con una voluntad crítica. Contra la banalización Pero parece que vivimos tiempos poco dados a la reflexión, y mucho menos si es pausada. O al menos, es lo que sostienen algunos de los colectivos que participan esta semana en el festival Tràfic (que organiza talleres, exposiciones y proyecciones desde hoy hasta el 28 de octubre, en el CCCB). Sonia Balcells, que fundó junto a otros ocho profesionales el Centro de Fotografía Documental de Barcelona (asociación responsable de estas jornadas dedicadas a la imagen), nos cuenta que la idea nació “como reacción a las pocas oportunidades de mostrar nuestros trabajos en los medios de comunicación”. ¿El motivo? “La banalización del contenido en la mayoría las revistas y suplementos”. Y es que la prensa ha sido tradicionalmente el espacio natural para estas imágenes. Héctor Mediavilla, fotógrafo y miembro de la más reciente de estas asociaciones, Pandora, se muestra de acuerdo con su colega de profesión: “Se destina menos espacio y dinero a visiones alternativas de la realidad. Eso nos ha llevado a la necesidad de asociarnos para defender la disciplina de este proceso de frivolización. Pero también de inventar nuevas formas de mostrar nuestras imágenes, más allá del tradicional formato revista”. Sin la prensa Es el momento de independizarse de la prensa y buscar nuevos caminos, por el momento indefinidos y cercanos al mundo del arte. Por otra parte, Internet y los formatos digitales han impuesto una dictadura de la inmediatez, en los medios donde la rapidez es más importante que la calidad de las imágenes o de que éstas transmitan un determinado punto de vista o exijan un esfuerzo al espectador. Otros colectivos, sin embargo, ven en este acceso a la tecnología un aspecto positivo y clave para su creación. Así, Jessica Murray, cuya actividad se centra en organizar talleres con autores extranjeros, en la asociación Al•liquindoi, habla de un proceso de democratización de la fotografía: “Gracias a la tecnología digital, ha dejado de ser una técnica elitista. Ya no hacen falta grandes recursos para exponer en una galería, gracias a la impresión digital o las proyecciones”. Por su parte, Joanna Orzechowska, coordinadora de Nophoto, que agrupa a 14 fotógrafos, habla de “mayor presencia de la fotografía en nuestro país en los últimos años”, gracias a certámenes como PhotoEspaña, por ejemplo. Sumar esfuerzos Tras la creación de estos grupos se esconde también una necesidad humana. “La fotografía es una profesión muy solitaria”, nos cuenta Murray, “al cabo de un tiempo de dedicarse a ella, uno acaba teniendo la necesidad de reunirse con otros compañeros y discutir”. Para Mediavilla, ese es uno de los aspectos más duros de la disciplina: “El fotógrafo pasa media vida relacionándose con el mundo, enfrentándose a aspectos realmente duros de la sociedad. Pero luego toda la reflexión posterior, de selección y edición de las imágenes, la hacemos solos”. Son muchos los fotógrafos que ven en estos colectivos la posibilidad de colaborar junto con otros compañeros, aportando nuevas metodologías de trabajo. En ese sentido, la labor del colectivo Nophoto es ejemplar entre todos. “Los proyectos se crean en grupo. Creo que es muy interesante para todos los integrantes, ver cómo estos evolucionan desde la primera idea hasta la realización gracias a la comunicación y a las aportaciones de los miembros”, cuenta Joanna. Con un proceso de creación similar en mente nació Pandora, que aspiran a “potenciar el trabajo conjunto, a la vez que se respeta la libertad individual”.

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Tras una primera edición más que exitosa, Periscopio vuelve a la carga hasta el 9 de diciembre con la intención de convertir a Vitoria en el punto de exposición del mejor fotoperiodismo mundial. Una idea que sólo tiene un culpable, en el mejor sentido de la palabra, Paco Valderrama

Paco Valderrama en un instante -fotoperiodístico- de la presentación de Periscopio; al fondo, un autorretrato de Elliot Erwitt.FotoS: aritz garcía

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<!—->SPANISH: FOTO DISPONIBLE: Premios Internacionales De Fotografía / Premios Lucie Anuncia Los Ganadores De La Competencia Del 2007: Larry Louie De Edmonton, Alberta, Canadá Nombrado Fotógrafo Del Año – People<!—->

For Immediate Release
<!—->EDMONTON, Alberta Canada/EWORLDWIRE/Oct. 1, 2007 — Larry Louie de Edmonton Canadá fue nombrado Fotógrafo del Año – People en la categoría no profesional por sus imágenes “Mujeres del Tibet”. También es un finalista para el Premio Descubrimiento del Año en la Ceremonia Lucie Award en el New York Lincoln Center el 15 de Octubre de 2007 a las 6:00 p.m. Sus imágenes de Tibet y Nueva Guinea recibieron 3 Primeros Premios, 2 Segundos Premios, 4 Terceros Premios y 27 menciones de honor en diversas categorías.

Acerca de Larry Louie – Edmonton, Alberta, Canadá

Larry Louie – Las dos grandes pasiones de su vida son viajar y la fotografía. El amor de Louie por el viaje y la fotografía se desarrolló a una muy temprana edad con su primer Revista National Geographic. Nacido en Hong Kong y criado en Edmonton, Canadá, Louie estudió para ser médico optometrista. Al terminar la escuela de optometría, Louie experimentó un renovado entusiasmo y apreciación por la fotografía, especialmente la fotografía en blanco y negro, y el fotoperiodismo luego de visitar una exhibición en el Guggenheim Museum de Nueva York del trabajo de Josef Koudelka.

Louie realiza varios viajes al año a muchos diferentes lugares alrededor del mundo. Sus intereses especiales son en lugares poco conocidos en los que los nativos y su cultura y prácticas están rápidamente extinguiéndose.

Acerca de IPA (Premios Internacionales de Fotografía) / Premio Lucie:

IPA está formada por 18,000 miembros y afiliados de todo el mundo. La misión de IPA es premiar los logros de los mejores fotógrafos del mundo, descubrir los talentos nuevos y emergentes, y promover la apreciación por la fotografía. Los prestigiosos Premios Lucie (una ceremonia de Premiación de Gala, de la fundación de caridad sin fines de lucro), producida por el IPA, rinde tributo a los maestros de la fotografía y a los logros mas sobresalientes en fotografía durante el año.

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Santiago, septiembre 2007.- El fotoperiodista Ángel Guillermo Peralta Castillo y catedrático de la Universidad Tecnológica de Santiago –Utesa- dictará este martes 11 de septiembre una conferencia en la sede de la Universidad Autónoma de Santo Domingo- UASD- sobre el poder de la Fotografía de Prensa Digital.

La actividad se realizará este martes 11 de septiembre a las cuatro de la tarde, en el paraninfo de la Facultad de Humanidades de la Universidad Autónoma de Santo Domingo (UASD) en la Capital, de acuerdo al director de la Carrera de Comunicación Social, de la más vieja casa de estudios superiores Tony Pérez.

Peralta Castillo, hablará del poder de la imagen, su capacidad para narrar, la terrible belleza de transmitir emociones, las obligadas implicaciones morales, la precisión narrativa, estarán presentes ante nosotros, dijo Pérez.

Será para los estudiantes de periodismo, donde Peralta Castillo expondrá los conocimientos, acumulados a través, de sus años servicios como reportero gráficos explicó el director de la carrera de comunicación de la UASD, Tony Pérez

Tras el anuncio de la presencia del fotoreportero y profesor universitario, hay mucho fervor entre los estudiantes de la UASD, dijo Pérez.

El evento es organizado por la Dirección de la Carrera de Comunicación Social y la Asociación de Estudiantes Periodismo de la UASD, quienes manifestaron que la conferencia ha despertado el interés de cientos de estudiantes de la alta casa de estudio.

De acuerdo a los datos dados a conocer por Peralta Castillo, la fotografía ha cambiado el rostro del periodismo y acerca al público a la realidad inmediata, siendo esta como una misionera fiel de los acontecimientos que se suscitan en determinada demarcación geográfica, que la gente le interesa ver.

El conferencista

Ángel Guillermo Peralta Castillo, es reportero gráfico del periódico Listín Diario con sede en la Regional Norte en Santiago de los Caballeros, donde lleva 12 años de trabajo interrumpido.

Durante ese tiempo le ha tocado fotografiar cientos de sucesos, huelgas, forcejeos, palpando los cinturones de miserias del país, para luego darlo a conocer a su público receptor.

Peralta Castillo es licenciado en Ciencia de la Comunicación Social, Mención Periodismo de la Universidad Autónoma de Santo Domingo.

Durante su tiempo en estas carrera ha sido jurado de varios concursos de fotografía que ha organizado el Sindicato Nacional de Trabajadores de la Prensa (SNTP) con los auspicios de la empresa del Grupo León Jiménez.

De igual manera ha estado como jurado en los concursos de fotografías que ha organizado el Patronato de Rehabilitación y otros promovidos por la Corporación de Agua y Alcantarillado de Santiago (CORAASAN).

En la actualidad comparte su trabajo del Listín Diario con la de profesor de fotoperiodismo en la Universidad Tecnológica de Santiago (UTESA), donde lleva varios cultivando la enseñanza de la fotografía de prensa.

En la Universidad Católica Tecnológica del Cibao (UCATECI) de la ciudad de La Vega Real en el Cibao Central, es profesor de la asignatura campaña publicitaria de la escuela de Mercadotecnia.

El fotoperiodista y profesor universitario, ha impartido cientos de seminarios y conferencias sobre diversos tópicos de la fotografía de prensa y el periodismo digital.

En los últimos cinco años, está dedicado a la investigación de la fotografía desde su origen, su desarrollo, el uso y hasta el impacto de la fotografía digital.

Galardones

En el año 2000, obtuvo en primer lugar en el concurso de fotográfico La Palabra Gráfica que organizado por la Feria Nacional del Libro.

Y en el 2001, obtuvo el segundo lugar del concurso de fotografía de prensa del Sindicato Nacional de Trabajadores de la Prensa.

Mientras que en el año 2003, ganó el primer y tercer lugar del concurso del Sindicato Nacional de trabajadores de la Prensa- SNTP de Santiago que organizó el concurso de fotografía.

Autor:
MARCELO PERALTA

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