Fotografía Dominicana » Pablo Picasso

El beso (1969)

Juan Guzman — Tue, 22 Apr 2008 02:53:00 +0000

El beso de Pablo Picasso, en la casa de subastas Sotheby en Londres. Sera subastada el proximo 7 de mayo en Nueva York y se espera que alcance un precio de entre 7 y 12 millones de euros

No related posts.

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

Jacqueline escapa del purgatorio

Juan Guzman — Wed, 02 Apr 2008 15:41:00 +0000

Un libro reinvindica la figura de la esposa de Picasso

VICTORIA COMBALÍA - Barcelona –

La verdad sobre Jacqueline Picasso es obra de Pepita Dupont, periodista de Paris Match y gran amiga de Jacqueline Roque, la ultima mujer del pintor malagueño. El libro quiere recuperar la memoria de quien fue calificada por muchos como la cancerbera de Picasso, y que murió el 15 de octubre de 1986, 13 años después de la muerte de su marido, disparándose un tiro en la cabeza.

El argumento de Pepita Dupont contra esta opinión tan negativa es que Jacqueline no hizo más que seguir la voluntad del artista. Acusada de no haber dejado asistir a los hijos de Picasso, salvo Paulo, al entierro de su padre, Pepita recuerda que ellos habían iniciado anteriormente un pleito para estar seguros de heredar su fortuna, lo que indignó sobremanera al pintor. La verdad es que, siendo supersticioso como buen andaluz que era, Picasso no había hecho testamento: ?Me moriría al día siguiente si lo hago?, le dijo al crítico de arte John Richardson.

De acuerdo a la ley francesa, sólo heredarían a su muerte su mujer legal y su único hijo legítimo, Paulo, hijo de la bailarina Olga Kokhlova. Pero en l959, Picasso solicitó que sus hijos ilegítimos llevaran su nombre, lo que consiguió en l961. Y al final, como se sabe, todos heredaron, y mucho. En cuanto a la acusación de que Jacqueline no dejaba entrar a Pablito, hijo de Paulo, Pepita explica que, en realidad, era un toxicómano que había intentado robar en Nôtre-Dame-de-Vie.

Jacqueline nos es descrita por su amiga como sincera, honesta y desprendida, así como alguien a quien no se le ha agradecido suficientemente ni su entera dedicación a Picasso ni su generosidad con los museos (cabe decir aquí que el Ayuntamiento de Barcelona le dio la Medalla de Oro de la ciudad en l983 ?tres años antes de morir? y le hizo una exposición en su honor, en l990, es decir, cuatro años después de su suicidio).

Jacqueline Roque había nacido en l926 en París, de padre electricista y de una madre costurera que se vio obligada a hacer de portera en un lujoso inmueble del barrio XVI. Cuando Jacqueline tenía tan sólo dos años, su padre las abandonó. Al decir de Pepita, una figura influyente en su vida fue la de su tío el abad Bardet, quien le enseñó la importancia de la modestia, la renuncia y la humildad. Virtudes que, sin duda, habrían de serle útiles en su pugna por lograr el corazón de Picasso frente a las otras aspirantes a principios de los años cincuenta.

A sus 20 años, Jacqueline se casó con Andre Hutin, ingeniero, aunque enseguida el matrimonio resultó un fracaso. En l948 nació su hija Cathy, con quien Jacqueline mantuvo unas relaciones siempre difíciles. La familia vivió durante un tiempo en África, en el actual Burkina Faso, hasta que Jacqueline abandonó a su marido, sospechando que le era infiel. Se separaron y Jacqueline se trasladó al sur de Francia, donde había de conocer al pintor malagueño a través del matrimonio Ramié.

El libro dice que no quiere entrar en detalles escabrosos, pero los hay, y muchos. Así, el lector se entera de que Françoise era llamada por Picasso Julot en lugar de Gilot (tener un Jules, en francés, es tener un amante) y de sus múltiples relaciones amorosas: con el escritor Claude Roy, con el filósofo Costas Axelos y con el pintor Luc Simon, con quien Françoise llegará a casarse y a tener una hija.

Jacqueline dejó leer a Pepita las cartas que Françoise envió a Picasso cuando estaba en su viaje de novios con Luc Simon, aunque en ellas, sorprendentemente, Françoise le decía que quería recomponer su vida con él. Para muchos, la relación de Françoise fue la más fría e interesada: Pepita cita a Geneviève Laporte (otra amante ocasional de Picasso) afirmando que Françoise se había hecho presentar a Picasso a través del actor Alain Cuny, desmontando así la idea de un encuentro fortuito.

¿Y por qué no publicó esta correspondencia?, le preguntó como es natural Pepita a Jacqueline: ?Nunca hay que rebajarse o justificarse?, le respondió Jacqueline. Una vez que te han manchado, eso ya es para toda la vida?.

Esperemos que ahora no le pase lo mismo a Cathy Hutin, quien sale más que malparada de este libro. Cathy no debió de tener la atención suficiente de parte de Jacqueline, quien decidió dedicarse en cuerpo y alma al genio malagueño. Lo que se desprende del libro es una gran antipatía mutua ente ella y Pepita, a quien Jacqueline llevaba a las recepciones oficiales y en quien confiaba.

Cathy está vista aquí como alguien frío e interesado únicamente en el dinero, y como una hija que hace caso de las ultimas voluntades de su madre. La polémica tras la publicación del sulfuroso libro en Francia no se ha hecho esperar: Catherine Hutin-Blay ha presentado ya hasta tres denuncias contra Pepita Dupont por algunas de las revelaciones de la obra.

Con González y Mitterrand como presidentes respectivos de Francia y España, se devolvieron a España dos lienzos del artista malagueño muy significativos para nuestro país: Aux espagnols morts pour la France (hoy en el Reina Sofía) y Los tejados de Barcelona (hoy en el Museo Picasso de Barcelona). Y hace tan sólo pocos meses, la propia Catherine Hutin-Blay dejó en depósito en el Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC) de Barcelona ocho piezas de su colección, aunque tan sólo por un año.

Por otra parte, el libro ofrece muchos episodios de interés, desde la propia boda de Jacqueline y Pablo Picasso (el 2 de marzo de l961), con dos únicos testigos y una señora de la limpieza como único público, hasta la anécdota de Pasqual Maragall pidiendo cinta adhesiva para embalar una obra que Jacqueline regaló al museo de Barcelona.

O el propio episodio de la muerte de Jacqueline, que haría las delicias del mejor escritor de thrillers del mundo. En su polémico escrito, Pepita Dupont no niega ni el alcoholismo final de Jacqueline, ni su debilidad psicológica ni su soledad, aunque también rememora felices escenas cotidianas.

En resumen: lean el libro, se hablará de él. Hay materia para rato.

No related posts.

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

Recuperan obras de Picasso

Juan Guzman — Wed, 08 Aug 2007 23:30:00 +0000

“Maya con una muñeca”, retrato de una de las hijas de Picasso, fue recuperado.

La policía francesa halló dos cuadros y un dibujo de Pablo Picasso que fueron robados del apartamento de su nieta en París en febrero de este año.

Los trabajos, cuyo valor en conjunto asciende a más de US$67 millones, incluyen un retrato de una sus hijas, titulado Maya con una muñeca.

Así mismo, se recuperó un retrato de la segunda esposa del artista cubista, Jacqueline Roque, con quien se casó en 1961. La pieza fue llamada Retrato de Jacqueline.

Las piezas están “aparentemente en buenas condiciones”, dijo Olivier Baratelli, el abogado de Diana Widmaier-Picasso.

Tres personas fueron arrestadas en París y están esperando los cargos relacionados con el robo.

Las obras fueron sustraídas el pasado 26 de febrero del apartamento de Widmaier-Picasso.

Lea también: Roban cuadros de Picasso

El dibujo recuperado es el titulado “Marie-Therese a la edad de 21″.

Las tres creaciones del artista español se consideraron demasiado famosas para ser ofrecidas en el mercado.

Blanco regular

“Retrato de Jacqueline” es un retrato de la segunda esposa de Picasso.

Maya, nacida en 1935, fue la segunda hija de Picasso. Su madre, Marie-Therese Walter, fue una de las compañeras del pintor y escultor malagueño durante 1927 y 1944.

El artista completó el retrato de Maya en 1938.

Las obras de uno de los íconos del arte español están entre las más valiosas en el mundo y son frecuente blanco de los ladrones.

En 1989, la casa de otra de sus nietas, Marina Picasso, fue asaltada.

En ese robo se sustrajeron 12 cuadros valorados en más US$17 millones.

Las piezas fueron después recuperadas.

Fue en 1976 cuando se produjo el robo más grande de obras de Picasso: 118 piezas fueron sacadas de un museo en la ciudad sureña de Francia, Aviñón.

Su obra maestra Niño con pipa, de 1905, se mantiene como el cuadro más costoso vendido en una subasta. La pieza costó US$104,2 millones.

Picasso murió en Mougins, Francia, en 1973, a los 91 años

Las juventudes cruzadas de Picasso, Miró y Dalí. Florencia expone las influencias y encuentros entre los tres artistas...

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

TRILOGíA POP

Juan Guzman — Fri, 02 Mar 2007 00:21:00 +0000

Más de 130 obras recuerdan las ínfulas del arte popular
Redacción Clave Digital

A 27 años de la muerte del español Rafael Solbes, 21 del dominicano Frank Almánzar y 20 del norteamericano Andy Warhol, los afanes po socializar las obras de arte quedaran expuestas en el Museo de Arte Moderno.

La retrospectiva integra a los escondidos representantes del “pop” dominicano, también contagiados por la mecanización y producción en serie. Esta triple colectiva, que abre el 28 de febrero y cierra el 20 de abril, podría ser la exhibición histórica del centro cultural.

Simbiosis de cuatro décadas
¿Qué tienen en común los dominicanos Giovanni Ferrúa, Antonio Toribio, Darío Suro, Frank Almánzar, Carlos Sangiovanni, Jorge Severino, Silvano Lora, Adolfo Piantini, Martín López y Soucy de Pellerano?

Sus obras, instaladas en el sótano del Museo de Arte Moderno (MAM), son declaradas exponentes del pop-art, por los críticos Danilo de los Santos y Laura Gil.

Agrupadas con el título Lo propio y popular: pop art dominicano, suman 20 las obras que, según de los Santos, “parafrasean los datos de la cultura urbana, abarcan la asimilación del lenguaje visual de la publicidad y el consumo, hasta la estampa religiosa y los íconos de la dominicanidad”.

La investigación que determinó que eran éstos los “pop” tomó más de un año. Determinó que fue en 1960 cuando el estilo comenzó a propagarse, “llega con los aires de libertad” apunta la escritora Chiqui Vicioso, y culmina en el 2000.

La directora del MAM, María Elena Ditrén, adelanta que la colectiva reivindica a los artistas que han contribuido en el desarrollo del arte local, que hasta el momento no han sido estudiados. La museografía seleccionó el Duarte de líneas de Almánzar para comenzar el recorrido, pese a que la obra se hizo una década después que las de Ferrúa, Toribio y Suro, quienes coquetearon, pero no cohabitaron con el pop. Es el “revolucionario de los carteles” el representante máximo. Vicioso apunta sus recursos: del impresionismo tomó el puntillismo, de la escuela Bau-hau las líneas simples, del socialismo la masificación.

Warhol, por vez primera
Más de 70 obras del genio del pop-art, Andy Warhol, llegaron el pasado martes al país, tras una semana de espera, y serán resguardadas con recelo. Debe recordarse que uno de sus retratos sobre Marilyn Monroe fue vendido por US$17,3 millones en 1998, y que en 2005 el de Elizabeth Taylor costó US$12.6 millones.

La cotización en el mercado, sumado a que es la primera vez de Warhol en República Domincana, provoca que el MAM redoble la seguridad. Traer la exhibición requirió dos años de negociaciones entre Cuni Art Gallery y el MAM, con la colaboración de la embajada de Estados Unidos. El curador Faustino Quintanilla seleccionó obras emblemáticas, como la lata de sopa Campbell’s, sus Jackies (composición de ocho imágenes de Jacqueline Kennedy, tomadas antes y después del asesinato de su marido, John F. Kennedy) y retratos de la Monroe (uno de los 13 que hizo). Algunos pertenecen a coleccionistas de Estados Unidos y Europa. Este jueves 22 se conmemorarán 20 años de la muerte del controversial artista.

Extracción de comics
Usando íconos de los medios de comunicación de masas y de la historia de la pintura, el pop-art también dejó huellas en España. Equipo Crónica -integrado por Rafael Solbes, Manuel Valdés, y Juan Antonio Toledo- es el grupo donde fluyó la corriente. Las más de 40 obras que se exhibirán en el segundo nivel del MAM, fueron seleccionadas por la directora del Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM), Consuelo Císcar Casabán. Los estilos de Solbes (fallecido), Valdés y Toledo abordan el cartelismo y las tintas planas. Utilizan el pastel, las técnicas mixtas de grafito, arena, papel, acrílica, óleo, guache y la escultura en cartón-piedra y bronce. Sus temáticas recurren a la cultura policial, personajes de Walt Disney y recreaciones de Diego Velásquez, Pablo Picasso y el propio Andy Warhol.

Diálogo con Chiqui Vicioso: “Frank Almánzar socializó el arte”

1. ¿Frank Almánzar, el artista, no se liberó de sus ideales?

Frank venía de una familia antitrujillista de La Vega. Su padre, Tiburcio Almánzar, construyó el mausoleo de las hermanas Mirabal. Su único hermano fue secuestrado y asesinado por la dictadura. Cuando la familia se mudó a la capital continúo su proceso de radicalización. En la Ciudad Colonial conoció y se integró a una cédula del Partido Socialista Popular (PSP) y como era estudiante de Diseño Gráfico hizo las primeras portadas del periódico del partido. También, el famoso afiche de Freddy Valdez, formado con números. Ideales y artista eran uno.

2. ¿De dónde provenía su musa?

Como parte de su militancia y trabajo, consiguió una beca para estudiar en la Unión Soviética, en la escuela de diseño más famosa, la Bau-hau. ¿Por qué selecciona el diseño sobre la pintura convencional? Tenía una conciencia ideológica socialista y quería socializar la obra de arte. Sabía que la única manera de hacerlo era a través de la gráfica, porque con un molde podía imprimir miles de ejemplares y así le quitaba valor de pieza única a la obra de arte. Él socializó el arte en el país.

3. ¿Admiraba a Andy Warhol, pese a su ideología socialista?

En lo absoluto. No le importaba que viniera del capitalismo. Para él, las artes no tenían ideología. Recuerda que Borges apoyó a Pinochet y eso no me hace renegar del gran escritor, tampoco lo renegó Frank, que lo admiraba.

4. ¿Cuál era la definición de Frank Almánzar sobre el pop-art?

Él lo veía como una extensión del gran movimiento de la Bau-hau. Lo concebía como una aplicación ideológica del concepto de socialización del arte.

No related posts.

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

La directora del Reina Sofía reconoce que el Museo no está al 100% y alega que la institución está más valorada fuera

Juan Guzman — Tue, 19 Dec 2006 11:49:00 +0000

La directora del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Ana Martínez de Aguilar, aseguró hoy ‘que la opinión generalizada de que el Reina Sofía va mal sólo la comparten algunos’ y añadió, que después de mantener relaciones directas con los ‘importantes’ directores de museos de todo el mundo, su sensación es que ‘el Reina Sofía está más valorado fuera que dentro’. ‘Veo que en Alemania, Inglaterra, Estados Unidos o Sudamérica se tiene una gran valoración de este Museo’, argumentó Martínez de Aguilar para quien el Reina Sofia se puede equiparar con los mejores museos del mundo.

‘En general, nos trasmiten que se ha mejorado la calidad de las exposiciones, el montaje de las mismas e incluso la señalización, pero esto no quiere decir que el Museo esté al cien por cien y que no tenga problemas’, reconoció la directora, quien alega que esta instutición pública está pasando por un momento de ‘transición’ tras las obras de ampliación y los proyectos que se incluyen en el Plan Museológico del Museo que pretende mantener un planteamiento cronológico de las obras encuadradas en los distintos movimientos artísticos y ‘atender a un compromiso con el presente’ con distintas exposiciones periódicas.

En esta misma línea, confesó que las ‘mayores angustias’ que ha vivido en estos últimos meses han sido por temas arquitectónicos y confirmó que se habían cambiado todas las cubiertas del edificio Nouvelle. ‘Tengo que hacer un reconocimiento para el Ministerio de Cultura que no ha querido entrar en dimes y diretes y en culpas sobre la cuestión de las cubiertas’ ‘No se han escatimado esfuerzos y en las partes que se necesita máxima seguridad está garantizada’.

REORGANIZACIÓN

En una comida con la prensa para presentar la reorganización de la colección y el nuevo recorrido expositivo por la segunda planta, Aguilar aseguró que espera que en el 2008 estén todos los proyectos estén terminados, aunque argumentó que no tenía una ‘barita mágica’ para garantizar la conclusión de los plazos porque todo depende de la arquitectura.

En palabras de la directora, el Museo estará marcado por la presencia de dos obras centrales de la institución: el Guernica y la escultura de Richard Serra, que se ha vuelto a construir tras su desaparición cuando se depositó en una empresa especializada en el almacenaje de obras artísticas y que antes de colocarse en la sala A1, viajará a Estados Unidos para formar parte de una retrospectiva que se dedicará al artista norteamericano.

La reorganización de las colecciones del museo presenta en la segunda planta un recorrido por el origen y desarrollo de la modernidad artística española a través de una selección deobras fundamentales desde finales del XIX hasta la guerra. La contribución de Picasso, Gris, Miró y Dalí, fue determinante en el desarrollo del cubismo y del surrealismo.

Alrededor de esos cuatro nombres tan significativos se articulan propuestas estéticas, tendencias y trayectorias que explican el arte de vanguardia español en su contexto nacional e internacional. Asimismo, la emblemática obra Guernica de Pablo Picasso y su legado constituyen el núcleo que vertebra la colección. La directora del Reina Sofía confía en que toda la reorganización de las colecciones estará terminada para el 2008 aunque matizó que ‘la arquitectura condiciona a todo el edificio’.

ADQUISICIONES

Dentro de los esfuerzos conseguidos por el Museo, Ana Martínez de Aguilar resaltó las adquisiciones realizadas durante el 2005 y 2006 ‘para reforzar los puntos fuertes, contextualizar las obras, cubrir huecos o apostar por nuevas experiencias??. Entre las obras adquiridas en pintura destacan El retrato de Dora Maar, de Pablo Picasso , uel ‘Marrón con huellas de dedos laterales’ de Tápies o el ‘Dream III’ de Pablo Palazuelo. En escultura, el Museo ha adquirido, en estos dos últimos años, piezas de Chillida, Pablo Gargallo, Antonio López, Richard Deacon o Blanca Muñoz. También esta institución ha comprado un dibujo de Salvador Dalí y dos de Giorgio Morandi y material fotográfico, vídeo y video instalaciones de artistas nacionales e internacionales.

También destacó que el Museo Reina Sofia había aumentado, este año, un 15 por ciento el número de visitantes en su sede central.

Terra Actualidad – Europa Press

Eugéne Atget, minucioso retratista del París más oculto Eugéne Atget, minucioso retratista del París más oculto La Fundación...

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

Consolidan en Museo archivo de Siqueiros

Juan Guzman — Wed, 22 Nov 2006 11:30:00 +0000

Uno de los programas más importantes que desarrolló la Sala de Arte Público Siqueiros (SAPS) este año fue una base de datos con documentos y fotografías sobre la obra del muralista mexicano David Alfaro, que lo convirtió en el más completo que se conoce, informó la directora del recinto, Itala Schmelz.
Al hacer un balance sobre los logros del año que está por concluir, Schmelz explicó que por primera vez fue revisado el archivo en su totalidad, para enriquecerlo con fichas técnicas que no tenían, con lo cual se logró consolidar una base de datos que en será puesta a disposición del público para su consulta.
Este proyecto, explicó la funcionaria, se llevó a cabo con el apoyo de la Fundación Getty, quien ofreció una beca para llevar a cabo la revisión del archivo tanto de los documentos personales del artista, como cartas, escritos y material hemerográfico, así como del material fotográfico propiedad del muralista.
Este, dijo, consta de unas 11 mil imágenes y miles de documentos, entre revistas y periódicos nacionales y extranjeros que dan cuenta del trabajo del muralista.
La base de datos, detalló, cuenta también con documentos muy valiosos en el sentido epistolar, correspondencia que mantuvo Siqueiros con gente muy célebre como poetas, pintores y políticos, así como manuscritos muy interesantes, filmes de programas de televisión, entrevistas y material sonoro.
Antes, refirió, existían datos sueltos y ahora se cuenta con una base de datos completa, con toda la información del artista, a fin de que pueda ser consultada tanto por investigadores o especialistas como por personas que simplemente quieran enterarse de la obra de Siqueiros.
De renovarse la beca, comentó Itala Schmelz, se continuará trabajando en el archivo de tal manera que mejore sus condiciones de resguardo y conservación, a fin de que esté en condiciones de ser consultado abiertamente a partir, tal vez, del 2008.
Una de las ideas, dijo, es tener una computadora disponible al público con esta base de datos para que sea consultada y tal vez, con el tiempo, poder subirlo a Internet, “existe el deseo, pero aún está muy lejos de llevar a cabo este último punto” , reconoció.
Quizá el archivo más importante sobre David Alfaro Siqueiros es el que posee la Sala de Arte Público, subrayó la funcionaria, tras destacar que existen otros tantos en diversos países, pero éste es el más completo y por lo mismo se ha convertido en referencia obligada de muchos estudiosos de su obra tanto mexicanos como extranjeros.
“Lo que me parece más atractivo del archivo de Siqueiros no es solamente el asunto biográfico, Siqueiros era un hombre de su tiempo, al adentrarse a él uno entiende mucho del siglo XX, de la Guerra Civil Española, de la Revolución Mexicana, de las Guerras Mundiales, la política mexicana y de la conformación de los sindicatos” , indicó.
En la parte cultural, señaló, el consultante se encuentra con poetas como Pablo Neruda, con Pablo Picasso y muchos otras personalidades de su época que abren un periodo de la historia muy interesante.
Siqueiros, continuó, no sólo fue un personaje con una gran personalidad, fue un artista pensante y por ello es interesante estudiarlo como tal, pues su pensamiento en torno al arte sigue vigente, de tal forma que aún es consultado para el montaje de obras en diversas galerías.
Otro de los proyectos que se tienen en puerta y que se verán concretados en 2007 será el montaje de ocho exposiciones, entre las que resaltan muestras con animales vivos, sin que ello ponga en riesgo su estabilidad como seres vivos.
Tres artistas, dijo, que trabajan junto con el Instituto de Biología de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) , proponen al recinto una obra que incluye animales vivos, en este caso es una especie de cangrejos ermitaños, en cuya concha crece una planta, con lo cual se da una especie de convivencia entre la flora y la fauna.
La muestra se llamará “La biósfera” y sus autores, artistas mexicanos, van a plantear esta especie de biósfera en la frontera entre México y Estados Unidos, que pueda observarse desde la Sala de Arte Público.
Esta especie de convivencia que existe entre el animal y la planta, expuso Itala, los artistas lo quieren traspolar para darle un sentido metafórico-político, para señalar la convivencia entre los mexicanos y los estadounidenses, en cuya sociedad existe toda clase de interacción, sea social, económica, política y de trabajo.

No related posts.

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

Las subastas de Nueva York arrancan en medio de conflictos legales

Juan Guzman — Wed, 08 Nov 2006 12:52:00 +0000

Retrato de Ángel Fernández de Soto (1903), de Pablo Picasso.
Las subastas neoyorquinas, donde se aspira a perpetuar la lujuriosa lluvia de millones en la que nada el mercado del arte, arrancaron ayer con un inesperado terremoto judicial. Por la mañana, la conmoción llegaba con la noticia de la suspensión de la venta del cuadro de Picasso Retrato de Ángel Fernández de Soto (1903), considerado la joya de la corona entre los que se subastarán esta noche en Christie’s. Pero tras la tormenta llegó la calma: a mediodía, el juez del distrito de Nueva York Jed S. Rakoff, el mismo que se hizo célebre en Estados Unidos por declarar la pena de muerte inconstitucional hace cuatro años, zanjaba el asunto volviendo a poner el retrato en el mercado. Su venta podría rondar hoy los 60 millones de euros, según estiman los expertos.
El viaje de la legalidad a la alegalidad para regresar al punto de partida arrancó el pasado viernes. Julius H. Schoeps, descendiente del banquero judío Paul von Mendelssohn-Bartholdy, presentaba una denuncia en los juzgados de Nueva York para paralizar la venta de la obra y reclamar su propiedad. El cuadro, también conocido como El bebedor de absenta, había estado en manos de la familia Mendelssohn hasta la llegada al poder de los nazis.
En octubre de 1934, cuando el banquero se vio forzado a abandonar Alemania, su exquisita colección de arte fue vendida precipitadamente. Justin K. Tannhauser, un célebre y arriesgado marchante de la época, íntimo amigo de Picasso, fue el encargado de poner en el mercado las obras de Mendelssohn. El cuadro del pintor español fue adquirido en 1936 por la firma neoyorquina M. Koedler & Co, cuando los precios se arrastraban por los suelos. Un mes después lo compraba el coleccionista William H. Taylor, quien a su vez se lo vendía en 1946 a la familia Stralen. Donald y Jean Stralen lo mantuvieron en su colección hasta 1995, cuando la obra aterrizó en manos del compositor británico Andrew Lloyd Weber, en una subasta en Sotheby’s. Weber pagó 29,1 millones de dólares y lo cedió a su fundación, quien a su vez ha anunciado que destinará la recaudación de la venta a la formación de jóvenes compositores.
Reventa
Andrew Lloyd Webber descalificó ayer como “falso, sin sustancia legal” el intento de paralizar la venta pública del cuadro de Picasso. Desde que se anunció su reventa, el pasado verano, el cuadro se ha exhibido en las principales capitales internacionales del Reino Unido hasta recabar en la sede de Christie’s de Nueva York.
Se palpaba ayer indignación en el entorno de Lloyd Webber. La fundación tuvo noticias de la inesperada demanda sobre la procedencia del cuadro este mismo lunes. “El picasso no es propiedad de un individuo. La Andrew Webber Art Foundation compró la pintura en buena fe en 1995. Nunca antes se habían elevado dudas sobre la propiedad del lienzo”, advirtió la fundación en un comunicado.
Conxa Rodríguez, que documenta el origen y la historia de este óleo en su libro El ángel de Picasso, coincidía ayer en señalar que “no se conocía hasta la fecha ninguna reclamación” sobre la propiedad del mismo.
Si se cumplieran todas las predicciones, este retrato de uno de los mejores amigos del pintor podría convertirse en el tercer cuadro de Picasso más caro vendido en una subasta, tras Muchacho con pipa y Dora Maar con gato.
Las reclamaciones de antiguos propietarios, como la que actualmente enfrenta a la Fundación Thyssen con Claude Cassirer por el pisarro Rue Saint Honoré, después del mediodía, continúan goteando precisamente cuando el mercado del arte atraviesa por su momento más boyante. Las cifras que se pueden alcanzar convierten los cuadros de los grandes maestros en objetos de deseo cuyo valor se ha multiplicado vertiginosamente en apenas unos años. La expectación es tal que en Christie’s han tenido que habilitar espacios extra para poder acoger a los potenciales compradores que han advertido de su presencia en las subastas de este mes.

Las juventudes cruzadas de Picasso, Miró y Dalí. Florencia expone las influencias y encuentros entre los tres artistas...

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

Malaga indaga el origen de ´Las señoritas´

Juan Guzman — Mon, 06 Nov 2006 13:30:00 +0000

Fragmento del cuadro ´Las señoritas de Avignon´ pintado por Pablo Picasso en 1907.
Pablo Picasso comenzó en el verano de 1906 a gestar la pintura que rompió definitivamente con el arte tradicional. Acabó Las Señoritas de Avignon un año después tras una etapa de búsqueda constante y múltiples influencias, entre ellas, las de las fotografías eróticas Antonio Esplugas.
La Fundación Picasso-Casa Natal de Málaga, que tiene su sede en la plaza de la Merced, expone el Cahier número 7, uno de los 16 cuadernos repletos de bocetos que el artista realizó como trabajos preparatorios para la pintura. El Cahier fue adquirido este mismo año por el Ayuntamiento de Málaga en una galería suiza procedente del lote que le correspondió en el reparto de la sucesión Picasso a la nieta del artista, Marina Picasso. El cuaderno contiene un total de 84 dibujos en sus 60 hojas de papel blanco rayado. Picasso gastó 10 céntimos en la libreta y escribió en la tapa con letra de colegial aplicado Dessins (dibujos) de Monsieur Picasso .
El artista realizó los dibujos entre mayo y junio de 1907, cuando ya había tomado forma la composición del cuadro con las cinco mujeres semidesnudas que posan en un pequeño escenario enmarcado con cortinajes de color rojo y azul.
Generalmente se ha identificado el estilo que anuncia el cubismo en Las Señoritas de Avignon con el interés que el arte africano despertó en Picasso, que no solo visitaba a menudo el museo del Trocadero de París, sino que coleccionaba esculturas de madera de arte tribal ya desde 1906. Mariluz Reguero, directora de la fundación, ha articulado la exposición en torno al cuaderno de 1907, añadiendo 12 esculturas de arte negro procedentes del Museo de Antropología de Madrid. Pero, y lo que es más sorprendente, la especialista explora una influencia mucho menos conocida y presenta 13 fotografías eróticas de Esplugas que representan a jóvenes desnudas o semicubiertas con mantillas con los brazos en alto, tras la nuca. Este tipo de fotos circulaban en las trastiendas de los estudios de fotografía de Barcelona y no es nada descabellado suponer que Picasso, que según confesión propia comenzó a frecuentar los prostíbulos de la ciudad a los 14 años, las conocía.
Esplugas (1852-1929) fue uno de los más representativos fotógrafos de la Barcelona de finales del XIX. Hijo de un profesor de dibujo, abrió su gabinete fotográfico, fue pionero de las fotos aéreas en 1888 cuando fotografiaba a las personas que subían al globo cautivo de la Exposición Universal; se dedicó a retratar a artistas y toreros pero también al desnudo artístico, eufemismo para una floreciente industria del sexo que se desarrollaba en torno a la Rambla.
Reguero explica que el cuadro de Las señoritas de Avignon “empezó siendo una escena de bañistas partiendo de Cézanne y después, tras ver unos dibujos de Dégas, a partir del tercer cuaderno empieza a ser un burdel”.

Las juventudes cruzadas de Picasso, Miró y Dalí. Florencia expone las influencias y encuentros entre los tres artistas...

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

De Picasso a China

Juan Guzman — Wed, 25 Oct 2006 23:49:00 +0000

Serigrafía de Pablo Picasso.
Großansicht des Bildes mit der Bildunterschrift: Serigrafía de Pablo Picasso.
Eventos culturales en Alemania durante los próximos meses: un panorama de todo lo que hay que ver.
Braque – Miró – Picasso
Los protagonistas de la modernidad
Museo de Grabados Pablo Picasso Münster
Münster
ntemporáneo. La Guggenheim Foundation es hoy, con cinco museos –en Nueva York, Venecia, Berlín, Bilbao y Las Vegas– la primera institución realmente global dedicada a las artes plásticas. La colección permanente de la Guggenheim Foundation está constituida por obras de siete importantes colecciones privadas, numerosas donaciones y adquisiciones.

http://www.kah-bonn.de
Humanismo en China. Un retrato fotográfico
Staatsgalerie Stuttgart, Stuttgart
Muchacho mira río contaminado en China. Bildunterschrift: Großansicht des Bildes mit der Bildunterschrift: Muchacho mira río contaminado en China. Con 590 imágenes documentales tomadas por fotógrafos chinos en los últimos cinco decenios, esta exposición muestra seres humanos en China sobre el telón de fondo de la modernización social. La exhibición, organizada por el Guangdong Museum of Art, Guangzhou, abarca cuatro grandes áreas temáticas: la vida, las relaciones humanas, el deseo y el tiempo.

Emil Nolde. Parejas
Emil Nolde Bildunterschrift: Großansicht des Bildes mit der Bildunterschrift: Emil Nolde En una vasta muestra son exhibidas por primera vez representaciones de parejas de Emil Nolde. El museo Kunsthalle de Emden, Frisia Oriental, exhibe unas 40 pinturas de todos los periodos creativos del artista. Muchos de esos trabajos, de vibrantes colores y sumamente expresivos, son mostrados por primera vez en público.
http://www.kunsthalle-emden.de

Francis Bacon. El poder de lo fáctico
Obra de Francis Bacon. Bildunterschrift: Großansicht des Bildes mit der Bildunterschrift: Obra de Francis Bacon. El museo Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen K20, en Düsseldorf, muestra una retrospectiva del pintor británico Francis Bacon (1909-1992), con 60 obras de los años 1945 a 1991 y material fotográfico de su taller. En el centro de la exposición se hallan sus inquietantes y fascinantes estudios sobre el cuerpo humano: tanto retratos de amigos y amantes impregnados de recuerdos como estudios de criaturas anónimas.

The Heartbeat of Fashion. Fotografía de la moda 27.09.2006 – 07.01.2007 , Hamburgo
Bildunterschrift: En esta exposición en el museo Deichtorhallen, en Hamburgo, se muestran fotografías de 1847 hasta hoy. El objetivo es, a partir de más de 370 trabajos de unos 100 artistas, reflejar ejemplarmente la historia de la fotografía de la moda en el sentido más amplio. En ese contexto, la muestra hace visibles la transformación del medio fotográfico como testimonio de época, poniendo el acento en la moda y los cambios en la percepción del ser humano.

http://www.deichtorhallen.de

Las juventudes cruzadas de Picasso, Miró y Dalí. Florencia expone las influencias y encuentros entre los tres artistas...

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

Un Picasso roto de un codazo

Juan Guzman — Thu, 19 Oct 2006 14:28:00 +0000

El cuadro había sido vendido por US$139 millones, pero la venta debió anularse.

Un magnate de casinos en Estados Unidos tuvo que anular la venta finalizada de su Picasso, valorado en US$139 millones, después de que, de un codazo, abriera accidentalmente un agujero en el centro del cuadro.
El incidente ocurrió cuando Steve Wynn mostraba el cuadro Le Reve -El Sueño- del famoso pintor español a huéspedes en su oficina de Las Vegas el mes pasado.
(…) era un agujero negro del tamaño de un dólar de plata
El magnate, que sufre de retinitis pigmentosa, una enfermedad ocular que afecta la visión periférica, rompió el cuadro dejando un orificio del tamaño de una moneda.
Aparte de que la pintura quedó arruinada, la venta previamente acordada tuvo que ser cancelada.
El estadounidense conservará la pintura que compró en 1997 por US$48,4 millones e intentará repararla según informó su portavoz.
El cuadro, pintado en 1942, es un retrato de Marie-Thérèse Walter, amante del pintor.
“Ruido terrible”
Wynn había completado la venta de la pintura de 1932 al coleccionista de arte Steven Cohen.
El precio de US$139 millones hubiera sobrepasado por US$4 millones al anterior record por la venta de cuadro entre coleccionistas privados. En julio pasado, el retrato de Adele Bloch-Bauer, pintado en 1907 por Gustav Klimt, fue vendido por US$135 millones.
El cuadro Muchacho con Pipa de Pablo Picasso, por el que se pagó US$104,1 millones en 2004, mantiene el record del mayor precio alcanzado por una pieza de arte vendida bajo el martillo.
Wynn, conocido por gesticular con las manos al hablar, mostraba la pintura en su oficina cuando la golpeó con su codo derecho, dijo su portavoz Denise Randazzo.
La directora y guionista Nora Ephron presenció el incidente y escribió sobre el hecho en un blog en su sitio en la internet.
Según Ephron, Wynn levantaba la mano, entonces, “en ese momento, el codo chocó hacia atrás directamente en el lienzo. Se oyó un ruido terrible”.
“Abofeteada en el centro… era un agujero negro del tamaño de un dólar de plata. ‘Miren lo que he hecho’ dijo Wynn. ‘Gracias al cielo fui yo’.
Wynn, un prominente coleccionista de arte, construyó los famosos balnearios The Mirage y Bellagio en Las Vegas en la década de los 90.

No related posts.

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

Londres rinde homenaje a Hockney como retratista

Juan Guzman — Thu, 12 Oct 2006 08:32:00 +0000

David Hockney, ante la obra ‘Mr. and Mrs. Clarke and Percy’ (1970). (Foto: AFP)
LONDRES.- David Hockney es sin duda uno de los grandes cultivadores del retrato contemporáneo, y la capital británica dedica desde hoy una gran exposición a este artista inglés, nacido en 1937, que sigue sorprendiendo año tras año con su vitalidad, frescura y ansias de experimentación.
Más de 160 obras, entre pinturas, dibujos, grabados, libros de apuntes y ‘fotocollages’, realizadas entre 1954, fecha del primer autorretrato, y el 2005, integran la retrospectiva que permanecerá abierta al público hasta el 21 de enero en la National Portrait Gallery.
La exposición incluye algunos de los retratos más íntimos, desde los autorretratos de su juventud, o los que hizo de sus padres y de su círculo de amigos artistas, hasta los de sus amantes de su feliz época californiana o los más recientes, pintados directamente en unas pocas sesiones, sin soporte fotográfico ni dibujo preparatorio.
Figuran en ella obras ya icónicas como un grupo de dobles retratos de gran formato, entre los que destaca el titulado ‘Mr and Mrs Clark and Percy’, influido en su tratamiento de la luz y del espacio por el arte del renacentista Piero della Francesca. Es una obra que rezuma el espíritu vital y optimista del ‘swinging London’ de los 60 hasta el punto de que se ha convertido en una especie de imagen icónica de esa época.
Están también los de los compañeros con los que estudió bellas artes, ellos mismos figuras importantes del movimiento pop-art —Richard Hamilton o Kitaj, entre otros—, así como de poetas y escritores como W.H. Auden, Stephen Spender o W.H. Auden.
Hay imágenes de su luminosa etapa californiana, como el cuadro titulado ‘Peter saliendo de la piscina’, que representa a su amante masculino de espalda, emergiendo desnudo del agua, así como varios dibujos también de desnudos masculinos de un virtuosismo picassiano y una sensualidad próxima a la lírica del griego Cavafis.
Experimentador pero, ante todo, paisajista
Hockney ha sido siempre un dibujante excepcional e incansable, además de un continuo experimentador que ha trabajado en distintos medios como la fotografía, el grabado, el ‘fotocollage’ o la cámara oscura para regresar, sin embargo, siempre a la pintura como ha demostrado en la serie de paisajes que hizo durante el último año en su Yorkshire natal y que se expone en otra galería londinense.
La obra ‘My parents’ (1977). (Foto: EFE)
El artista británico rara vez ha realizado retratos por encargo sino que se ha limitado a pintar una y otra vez a personas a las que se siente próximo, y esa proximidad afectiva a sus modelos se refleja claramente en toda la obra expuesta.
Hockney se manifiesta además a lo largo de toda su carrera como un extraordinario colorista, claramente influido por Matisse y Bonnard, de igual modo que como dibujante sigue una línea que va de Holbein a Ingres y llega a Pablo Picasso.
La admiración de Hockney por Picasso se hace directamente visible en un cuadro como su ‘Autorretrato con guitarra azul’, inspirado por ‘El Viejo Guitarrista’, del genio malagueño, o en los dos dibujos que le dedicó a raíz de su muerte en 1973 en los que aquél se representa a sí mismo junto a su ídolo.
Hockney, que ha hecho una de sus raras apariciones ante la prensa con motivo de la exposición, ha afirmado que en toda la obra de Picasso, incluida la de su última etapa, “puede verse su energía creadora”.
Hockney se definió a sí mismo como una persona “muy visual” en una cultura que “no lo es”, por más que muchos crean, según dijo, lo contrario.
Sobre la vigencia del arte del retrato como género en la era de la fotografía, Hockney, que ha experimentado también con este última, afirmó que “la pintura exige un tiempo de exposición mucho más largo, lo que permite hacer cosas más profundas e interesantes”.

Eugéne Atget, minucioso retratista del París más oculto Eugéne Atget, minucioso retratista del París más oculto La Fundación...

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

El museo Picasso revisa la poderosa presencia femenina en la obra del pintor malagueño

Juan Guzman — Mon, 02 Oct 2006 20:52:00 +0000

‘Picasso. Musas y modelos’ estudia el papel de la mujer en la plástica el artista a través de 70 obras de arte
El Museo Picasso de Málaga inaugura hoy la exposición Picasso. Musas y Modelos, una revisión del papel de la mujer como sujeto artístico en la obra del pintor malagueño. La exposición reflexiona a través de 70 obras sobre la poderosa presencia femenina en la plástica el artista, en la que de un modo permanente aparece como musa y modelo.
Los principales motivos representados en las obras expuestas son retratos y desnudos que el artista realizó a principios del siglo XX, cuando su principal musa era Fernande Olvier. Muchas de estas obras han sido rara vez expuestas y proceden tanto de colecciones públicas como privadas.
A lo largo de su vida, Pablo Picasso realizó un gran número de obras en las que la mujer fue protagonista. En ellas, el artista supo plasmar la personalidad de cada una de sus modelos. Delicadamente sensuales o profundamente carnales, temperamentales o serenas, estas mujeres no se limitaron a posar, sino que, a través de la mirada del maestro, adoptaron un papel activo en su creación, convirtiéndose así en musas, en fuentes de inspiración del hombre que las pintó, las reinventó y las amó.

Las juventudes cruzadas de Picasso, Miró y Dalí. Florencia expone las influencias y encuentros entre los tres artistas...

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

Cultura gratuita llevó a que Madrid se mantuviera insomne

Juan Guzman — Tue, 26 Sep 2006 05:08:00 +0000

Los museos Reina Sofía (foto), El Prado o Thyssen Bornemisza, entre otros, abrieron sus puertas a todo el mundo. Foto: Archivo El Litoral.
Miles de madrileños y visitantes de la capital de España pasaron la noche del sábado en vela, embebidos en la oferta cultural de la “Noche en Blanco”, una invitación gratuita para asistir a museos, galerías o conciertos y recitales de música y poesía y charlas literarias.
EFE
Esta experiencia cultural inédita en Madrid sirvió para que el movimiento nocturno de la capital, que ya es notable cualquier fin de semana, se multiplicara hasta el punto de formar grandes atascos de tráfico y largas colas de personas que deseaban pasar por las puertas abiertas de decenas de recintos.
La “Noche en Blanco” de Madrid sigue la senda de la iniciativa “Noches blancas Europa”, inventada por París en 2002 y en la que han participado ya Riga, Bruselas y Roma.
A las nueve y media de la noche, una descarga de fuegos artificiales anunció la apertura de la velada y, entonces, la noche sabatina algo fría de comienzos de otoño atrajo a personas de todas las edades y procedencias, que se apretujaron, en algunos casos más de una hora, para entrar sin pagar a museos como El Prado, Reina Sofía o el Thyssen-Bornemisza.
El Reina Sofía exhibió, con visitas guiadas, las exposiciones de Manolo Valdés, Gordon Matta-Clark y Pablo Picasso, con la que el centro de arte rinde homenaje a este último pintor español en el 125° aniversario de su nacimiento.
En el Thyssen, que descubrió una valiosa colección pictórica del siglo XX en la visita “Arte para una noche joven”, la nota fue puesta por un concierto improvisado de los músicos Wade Matthews, Alexandra Rombola, Julio Camarena e Ingar Zach, que experimentan con guitarras, percusiones e instrumentos de viento.
Mientras, en el Prado, un mimo improvisaba para hacer más corta la entrada al centro, que abrió las salas de Goya, de escultura clásica o la exposición “El tesoro del Delfín”, un extraño conjunto de piezas de mesa heredadas por Felipe V de su padre, el Gran Delfín de Francia.
Poesía en el parque
El contraste al alboroto y luminosidad de la noche lo puso el ambiente misterioso y lúgubre de un sombrío Jardín Botánico, en el que diversos poetas como Ángel González o Luis Antonio de Villena amenizaron al público con la lectura de algunos de sus versos, acompañados por la música exótica de grupos como La Musgaña, que animó la velada con sonidos de otras épocas con instrumentos como la zanfona, las flautas étnicas, el cistro o el laúd griego.
El Ejército de Tierra también se sumó a la iniciativa y abrió el Palacio de Buenavista, sede de su cuartel general, para ofrecer varias actuaciones musicales y las explicaciones de sus guías sobre la historia y curiosidades del palacio.
La primera “Noche en Blanco” acogió también la inauguración del Teatro Circo Price, que abrió sus puertas al público para develar el aspecto del nuevo circo estable de Madrid, cuya máxima atracción es su sala circular, con plataformas elevables para foso, escena y orquesta, y un aforo de 2.554 personas.
En el Teatro Real, cientos de visitantes pudieron contemplar las entrañas de su escenario, su inmensa caja escénica y la maquinaria que hace posibles los cambios de decorado.
Cerca de allí, mientras las esculturas vivientes de los Jardines de la Plaza de Oriente amenizaban el paseo, cientos de personas aguardaban su turno para entrar en el Palacio Real, en cuya capilla se sucedieron distintos conciertos protagonizados por el recién restaurado órgano, que se encargaron de tocar el organista de honor, el maestro José Peris; el concertista panameño Jafet Ortega Trillo y el alicantino Miguel Bernal Ripio.
Al mismo tiempo, en la cercana Plaza Mayor arrancaban las visitas guiadas del “Recorrido por el Madrid Histórico. Las noches de Madrid: Leyendas y misterios”, mientras que en la Casa de la Panadería se abría la exposición “El Fuero de Madrid”, una muestra de los fondos del Archivo de la Villa del siglo XIII.
En otra de las plazas, en la de Santa Ana, el Teatro Español llenó su aforo en el primer pase de “Merma nunca muere”, un espectáculo de teatro visual inspirado en las grotescas marionetas de Joan Miró, que después salió a la calle para mezclarse con el público que no pudo entrar al patio de butacas.
En los Jardines de la Plaza del Descubrimiento sonaban los acordes de la “Sinfonía Fantástica” de Berlioz, interpretada por la Banda Sinfónica Municipal, y en el Centro Cultural de la Villa el bailaor Rafael Amargo ofreció su recital flamenco “Íntimo”.
En la inabarcable oferta de la noche madrileña, la Filmoteca Nacional ofreció un ciclo de “Cine mudo y cortometrajes”, la Agencia EFE exhibió una selección de su archivo fotográfico, titulada “Madrid y las artes”, y el Centro Conde Duque proyectó una creación de la artista letona Katrina Neiburga, inspirada en la película “La ley del deseo”, de Pedro Almodóvar.
Las autoridades de Madrid, que habían dispuesto un servicio especial de autobuses llamado “Línea Blanca” y habían montado un dispositivo policial, sanitario y de movilidad para la celebración de la “Noche en Blanco”, anunció al amanecer del domingo que la velada había transcurrido sin incidentes.

Madrid atrapado por primera vez Sale a subasta la ‘fotografía’ más antigua de la ciudad,...

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

(Mexico) Charla entre grandes…

Juan Guzman — Wed, 23 Aug 2006 17:29:00 +0000

José Luis Cuevas y Gonzalo Rojas, se juntaron después de hacía algunos años para hablar sobre uno de esos monstruos del arte.
Cuando se juntan a platicar dos grandes personalidades es muy probable que se escuchen frases importantes, cuando dos gigantes de las artes se juntan en una charla nacen grandes ideas, pero cuando esos dos “monstruos” de la cultura se disponen a platicar sobre otro genio de las artes plásticas, a uno como espectador no le queda más que escuchar y aplaudir.
José Luis Cuevas y Gonzalo Rojas, o viceversa, se juntaron después de hacía algunos años para hablar sobre uno de esos monstruos del arte que se dan cada dos o tres siglos
La obra de Pablo Picasso surgió como un mero pretexto para que el público regiomontano fuera el espectador de la reunión de tres grandes de las artes que muy pocas veces se dan en nuestra ciudad.
Picasso, Cuevas y Rojas, un marco perfecto para hablar sobre dibujos, grabados, pinturas y poesía, ingredientes perfectamente cocinados para que más de 50 personas se dieran cita al Museo Metropolitano de Monterrey a presenciar el encuentro de tres grandes.
A estos tres grandes genios de las artes se les unió la regiomontana Janeth Clariond, quien con buen tino supo enmarcar la trilogía de personajes que la rodeaban.
Quizás no fue la gran charla que el público asistente esperaba, pues mientras que el maestro José Luis Cuevas ocupó gran parte de la charla exponiendo sus vivencias muy a la par a la vida de Picasso, al que nunca pudo conocer en persona siendo que vivieron algunos años en la misma ciudad, mientras que el aprendiz, como él mismo de autodenominó, Gonzalo Rojas solamente esbozó un poco de la magia con que domina a las letras al leer algunos poemas de su autoría.
“De la obra de Picasso ni hablar, no se puede decir nada más de ese ‘animal’ (sic) que es único que perdura y perdurará, sin duda alguna.
Talentos como el de Picasso se da cada dos o tres siglos, eso es seguro”, comentó Gonzalo Rojas al término de la charla, mientras era asediado por decenas de regiomontanos en busca de la fotografía o el autógrafo del recuerdo.
“Picasso es un artista inmortal, los pintores de su época jamás pensamos que realmente fuera a morir, cuando supimos la noticia de su fallecimiento no lo podíamos creer porque para nosotros él era un ser inmortal, ahora su obra perdurará por siempre aunque él ya se nos haya ido”, expresó José Luis Cuevas, mientras era escuchado por la audiencia durante la charla.
Bajo esta línea de pensamiento, tanto el poeta como el dibujante, se fue guiando la charla en la sala donde el Museo Metropolitano de Monterrey mantiene una exposición del multifacético artista español, que igual es denominado como el padre del cubismo, que como escultor e incluso, de escritor.
Incluso parecía que las 31 piezas, entre grabados y litografías, que integran esta muestra y que forman parte de la colección del museo José Luis Cuevas, estaban muy al pendiente de lo que ambos artistas comentaban al respecto de su creador.
Picasso, el más grande, ésa era la respuesta única a la que llegaron tanto el poeta como el dibujante.
Por último, el encuentro entre Cuevas y Rojas no podía dejar de lado los mutuos reconocimientos que ambos artistas se brindaron el uno al otro, alabanzas que más que ser meramente un acto protocolario, mostraron ciertos lazos de amistad que unen a ambos creadores.
“Es para mi una noche muy emocionante, hacía tiempo que no nos veíamos, desde aquel 1992 cuando se le condecoró con el premio Octavio Paz en su primera edición.
Gonzalo Rojas es, para mí, el mejor poeta en vida que existe de toda el habla hispana”, aseguró Cuevas.
Por su aparte, el maestro Rojas respondió “Me gustó mucho lo que dijo Cuevas, siempre es un agrado escucharle y verle, fue un gusto tenerlo tan cerca y escuchar sus cometarios en este lugar”, sentenció el maestro, de poca habla pero sobrada pluma.
De esta manera, entre halagos y andanzas entre José Luis Cuevas y Gonzalo Rojas, el pretexto de Picasso nos permitió tener reunidos en una misma sala a donde grandes de la pintura y la literatura, respectivamente, dejando en claro que, para hablar de un grande se necesitan a dos de la misma grandeza.

Collage de grandes fotógrafos Colectiva de fotografía en la galería Marlborough ‘Juicio Final’, obra...

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

Exhiben obra de favorito de Hitler

Juan Guzman — Sun, 23 Jul 2006 01:18:00 +0000

Una visitante observa la escultura ‘Romanichel” (“Gitano”), de 1928.
Una controvertida exposición de la obra del escultor favorito de Adolfo Hitler, Arno Breker, se inauguró en la norteña ciudad alemana de Schwerin.
Se trata de su primera retrospectiva pública desde la Segunda Guerra Mundial.
La muestra ha recibido fuertes críticas, entre ellas del presidente de la Academia de las Artes de Berlín, Klaus Staeck, quien, como protesta, canceló una exposición de su obra en Schwerin programada para 2007.
Los opositores señalan los estrechos vínculos de Breker con el ex líder nazi y dicen que por eso sus obras no se deberían exhibir.
Pero otros, incluidos el Premio Nobel de Literatura Gunther Grass, plantean que ya era hora de que se debatiera el legado de Breker.
Superhombres
Sus estatuas gigantescas de superhombres arios todavía adornan el Estadio Olímpico de Berlín y, en su momento, su obra fue alabada por artistas como Jean Cocteau y Salvador Dalí, a quienes también esculpió.
Hitler posa con el escultor Arno Breker (der.) y el arquitecto Albert Speer (izq.) en París, el 23 de junio de 1940.
Hitler junto a Breker (der.) y Speer (izq.) en París, el 23 de junio de 1940.
Sus defensores dicen que Breker usó su influencia con Hitler para salvar a Pablo Picasso de los campos de concentración.
Pero otros recuerdan imágenes como una famosa fotografía en que Breker posa junto a Hitler y al arquitecto Albert Speer al lado de la parisina torre Eiffel en 1940, cuando Francia estaba ocupada por los alemanes.
Breker, nacido en 1900, estudió arquitectura y escultura en Dusseldorf, antes de mudarse a París en 1927.
En los años 30 regresó a Alemania y recibió numerosas comisiones del Tercer Reich.
Muchas de sus esculturas fueron destruidas después de la guerra.
Unas 70 obras pertenecientes a la familia del escultor, quien murió en 1991, estarán expuestas en la Schleswig-Holstein Haus de Schwerin hasta el 22 de octubre.

No related posts.

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

Chile cumple sueño de Allende con nuevo Museo de la Solidaridad

Juan Guzman — Tue, 18 Jul 2006 22:27:00 +0000

SANTIAGO (Reuters) – Después de 33 años de su muerte, el sueño del ex presidente Salvador Allende de acercar el arte moderno a la gente finalmente se plasmaba el martes con la apertura de un museo en Chile, único en su tipo en el mundo y que en el pasado fue un edificio de la dictadura que lo derrocó.
El Museo de la Solidaridad Salvador Allende, en Santiago, es una colección de obras y piezas donadas por artistas de todo el mundo, que expresaron su apoyo al ex mandatario que se suicidó al verse acorralado durante el golpe militar de Augusto Pinochet el 11 de septiembre de 1973.
“Este museo, en cierta forma, instala la figura de Allende en el sitial que se merece. Cada vez la ciudadanía reconoce más en él un montón de cualidades y virtudes que, de alguna manera, en 17 años de dictadura lo habían sepultado,” dijo la hija del ex gobernante Isabel Allende.
“Este era un sueño de mi padre, de acercar el arte contemporáneo al mundo popular. Esperamos cumplir ahora ese sueño al inaugurar esta sede definitiva tras un paso errante de las obras por diversos lugares en las últimas décadas,” agregó la diputada socialista.
Un año antes de que Allende fuera derrocado por Pinochet, el ex presidente socialista inauguró una muestra de obras donadas por artistas internacionales y locales, que apoyaban su su proyecto social, y que denominó “Museo de la Solidaridad.”
Pero con la instauración del regimen militar desapareció el museo y las obras quedaron confinadas en bodegas y reparticiones públicas en Chile y bajo la clandestinidad.
Fuera del país, además, se crearon los “Museos de la Resistencia Salvador Allende,” que acogieron nuevas donaciones, mientras algunos exiliados se agruparon para enviar al país otras obras una vez que se restaurara la democracia en Chile.
UNICO EN SU TIPO
Después de dos fallidos intentos en democracia por plasmar el frustrado sueño de Allende, finalmente bajo el gobierno del ex presidente Ricardo Lagos y con el aporte de España y Francia, se adquirió un edificio en un barrio que a principios del siglo pasado fue ocupado por la aristocracia santiaguina.
El nuevo museo, una casa señorial remozada completamente, será el escenario definitivo para exhibir obras donadas por artistas como Joan Miró, Antoni Tapies, Roberto Matta, Frank Stella, Alexander Calder, Pablo Picasso y Oswaldo Guayasamín, entre otros.
“El museo tendrá una de las mejores colecciones de artistas contemporáneos de América Latina (…) sólo comparable con México o Colombia,” dijo José Balmes, pintor y director del nuevo museo.
“Pero el gran significado es que el museo albergará obras donadas por los propios artistas. No hay ningún museo en el mundo, ninguno, en que las obras hayan sido regaladas por los propios artistas,” agregó.
El sueño de Allende también cobijará uno de los pasajes más oscuros de la historia de Chile, pues los encargados del museo decidieron dejar intactas y a la vista del público las instalaciones en las que operó una de las unidades de la Central Nacional de Inteligencia (CNI) de Pinochet.
“(En el subterráneo) están las huellas de la dictadura, la central telefónica y de espionaje que comunicaba a todos los agentes del país y decidimos dejarlo tal cual,” dijo Balmes.
Pero documentos claves hallados entre las paredes de la antigua casa, que mostrarían como operó el aparato represor, fueron entregados hace meses a la justicia chilena.
“Este museo nos evoca que la vida tiene muchas vueltas, que los grandes proyectos tienen que trascender, que después de ser un centro de operaciones de la dictadura, ahora cumplirá una noble función,” agregó la diputada Allende.

Koen Wessing: Chile, imagenes indelebles. Del 9 de marzo al 30 de abril estará abierta...

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

La fotógrafa Isabel Muñoz cuenta sus imágenes en el taller Picasso

Juan Guzman — Tue, 11 Jul 2006 18:06:00 +0000

La sensualidad del cuerpo. Encuadres sugerentes. Las fotografías de Isabel Muñoz son vida. Cuentan
historias. Transmiten sentimientos. Son testimonios. Hasta el domingo, la fotógrafa barcelonesa imparte el taller Pablo Picasso organizado por el Museo de Arte Contemporáneo Unión Fenosa, Macuf. Veinte jóvenes artistas, con diversos procedencias, descubrirán nuevos lenguajes, nuevos caminos. Explorarán nuevas técnicas y trabajarán procesos de platinotipia, un sistema utilizado en el siglo XIX y principios del XX.

ELENA PONTE A CORUÑA
Iberia la obligó a llegar tarde. Pero la fotógrafa Isabel Muñoz, encargada de impartir este verano el Taller Pablo Picasso del Museo de Arte Contemporáneo Unión Fenosa, Macuf, no perdió ni un minuto. Lo primero que hizo fue reunirse con sus alumnos. Durante una semana trabajarán de manera intensa. Por ello, lo más importante para la artista, es conocer sus trabajos, conocer de primera mano sus inquietudes. Así, dice, puede saber qué buscan y cuáles son sus expectativas.

Asegura que los resultados del taller son de largo recorrido. Pasado el tiempo, señala. Ella ofrece su experiencia tras más de veinte años detrás del objetivo. Para Muñoz, la fotografía es vida y el medio que utiliza para compartir, para contar lo que siente. La fotógrafa del cuerpo, dice que estos son meros pretextos para hablar de la vida, de los sentimientos, de los afectos. Sus fotos cuentan vidas.

En el taller, explica, trabajarán con los bailarines de la escuela de danza de A Coruña. Para que cada alumno, dice, pueda, desarrollar su proyecto y su propio lenguaje. Me gustaría ayudarlos a salirse de sus obsesiones , explica la fotógrafa que cree firmemente que la fotografía vive un momento mágico con muchas ventanas que se abren. Una de ellas, la técnica digital. De hecho, Muñoz fusionará lo analógico y digital en sus clases. De como utilizar el sistema digital, explica, para poder mejorar las imágenes analógicas. También trabajarán procesos de platinotipia que permite añadir a la imagen la sensualidad del papel de acuarela y salado.

Isabel Muñoz cree que un fotógrafo es cada persona que fotografía con el corazón . Así, sentimientos, y pasión se convierten en el hilo conductor de su obra.

Está empeñada en crear magia en su nuevo grupo de alumnos. Porque cuando hay empatía, subraya, pueden salir muchas cosas.

El blanco y negro, las tomas directas y las composiciones delicadas son las señas de identidad de la fotógrafa Isabel Muñoz. Una artista que lleva más de veinte años fotografiando cuerpos en movimiento. Viajera incansable ha recorrido diferentes continentes retratando distintos testimonios. Sus imágenes son todo un homenaje al cuerpo. Bailarines, atletas, miembros de tribus, monjes, toreros. Todos bajo el objetivo de la fotógrafa barcelonesa. Su primera exposición tuvo lugar en 1986 y desde entonces no ha dejado de exponer y cosechar grandes premios como el World Press Photo, en 2000, o la medalla de Oro Alejandría. Todo su trabajo se articula en grandes series: Tango, Flamenco , Oriental , Tauromaquias , Lucha turca . África , Danza cubana entre otras. Sus obras siempre reflejan el diálogo entre cuerpos. Es considera por la crítica como una experta en contar historias con sus imágenes. Ha contado la historia de los bailarines, de los monjes asiáticos, de las mujeres iraníes,… en un encuadre que siempre deja una puerta abierta a la sugerencia.
Es uno es esos fotógrafos que buscan con sus trabajos rescatar la invisibilidad de otros pueblos, de otras formas de vida. Un documentalismo lleno de autenticidad.

Ida Kar : Fotografa Bohemia Un centenar de imágenes, algunas inéditas, de la fotógrafa de...

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

El Hermitage de San Petersburgo muestra los años ochenta en el trabajo de de Kooning

Juan Guzman — Sun, 09 Jul 2006 00:12:00 +0000

Del 4 de junio al 24 de septiembre en el Hermitage Museum de San Pertersburgo

más de 20 pinturas
Willem de Kooning (Rotterdam, 1904 – Spring, 1997) está considerado como uno de los representantes más notables del expresionismo abstracto, movimiento que lleno de energía desarrolla una estética lejana a la figuración y centrada en la experimentación de la manifestación de las emociones a través de diferentes formas de abstracción. De Kooning, aunque de origen holandés, constituye uno de los padres norteamericanos de este movimiento, que en su caso cuenta con creadores como Henri Matisse (Le Cateau – Cambresis, 1869 – Niza, 1954), Wasily Kandinsky (Moscú, 1866 – Neuilly-sur-Seine, 1944) o Pablo Picasso (Málaga, 1881 – Mougins, 1973) como incuestionables referencias; extrayendo de cada una de ellos aspectos diferentes que quedan asimilados dentro de una obra que posee un lenguaje definitivamente propio.
Si bien dentro del expresionismo abstracto surgieron varias vertientes diferentes, de Koooning con su distinguible imagen se orienta en todo momento hacia el denominado action painting donde se observa, al igual que en el trabajo de Robert Motherwell (Washington, 1915 – Provincetown, 1991), Frankz Kline (Pensilvania), 1910 – Nueva York, 1962) o el gran Jackson Pollock (Cody Wyoming, 1912 – Nueva York, 1956), la gestualidad y el automatismo como motivaciones principales para crear las imágenes. Mientras que la otra tendencia del expresionismo abstracto, el color field painting, se orienta al estudio del color como elemento cargado de potencialidad expresiva, tal como lo demuestran Mark Rothko (Dvinsk, 1903 – Nueva York, 1970) o Clifford Still (Grandin, North Dakota, 1904 – Baltimore, 1980), entre otros.
A pesar de haber pasado de Kooning a la historia del arte por sus importantes aportaciones en los años cincuenta y sesenta, y hacerse famoso por una de sus temáticas desarrolladas, las mujeres, esta exposición que se presenta actualmente en el Hermitage Museum centra su atención en una de las etapas menos conocidas del artista, sus últimos años. Así, las más de 20 pinturas de de Kooning realizadas entre 1981 y 1988, y el tríptico que realizara para la iglesia de San Pedro en Nueva York, dejan ver una pincelada y un uso del color que hablan de un carácter más sereno y maduro en su trabajo pero sin perder su esencia, su ímpetu expresivo que queda ahora transformado en formas un poco más sosegadas.

George Eastman vigente a 79 años después de su muerte El inventor estadunidense George Eastman, pionero de la fotografía y...

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

Christie’s vende ocho "picassos" por 35 millones dólares

Juan Guzman — Wed, 21 Jun 2006 05:26:00 +0000

ELPAIS.es – Cultura
Imagen del cuadro ‘Los girasoles marchitos (Otoño Verano II)’, pintada por Schiele (1890-1918) en 1914
Pablo Picasso y Egon Schiele han sido los protagonistas de una gran subasta de arte impresionista y moderno celebrada ayer en la sede londinense de Christie’s, en la que la casa de subastas ha recaudado más 160 millones de dólares (más de 127 millones de euros).
El cuadro más caro de la velada ha sido una obra maestra del pintor expresionista austríaco que fue incautada por los nazis en la Segunda Guerra Mundial y que ha permanecido desaparecida durante más de sesenta años, ha sido vendida por 21,7 millones de dólares (17,2 millones de euros). Los girasoles marchitos (Otoño Verano II), pintada por Schiele (1890-1918) en 1914, ha duplicado el precio previsto por los expertos de la casa de subasta, que ha logrado así la cifra más alta registrada en una puja en la sede londinense de Christie’s.
El segundo lienzo más caro ha sido Homme á la pipe et amour, pintada en 1969 por Picasso (1881-1973), una pintura de vivo colorido y caprichosa inspiración adjudicada por 7.858.552 dólares (6,2 millones de euros).
Del pintor español se han vendido otros siete cuadros, tres de los cuales figuraron entre los diez más caros de la velada, aunque otros cuatro “picassos” se han quedado sin comprador. Entre los que sí se han adjudicado figura una obra temprana, Au Moulin Rouge (1901), por 6.620.056 dólares (5,2 millones de euros), y Tete d’homme (1971), vendido por 6.413.640 dólares (más de 5 millones de euros). En total, los ocho “picassos”, de distintos periodos del artista, han superado los 35 millones de dólares (28 millones de euros).
Subasta numerosa
Además de Picasso, el arte español ha estado representado por el surrealista Oscar Domínguez (1906-1957), del que se han vendido cuatro cuadros por 2,7 millones de dólares (2 millones de euros), un lienzo de Juan Gris (1887-1927) titulado en francés La nappe blanche (1916) se vendió por 2.235.320 dólares (1,8 millones de euros) y un óleo de Salvador Dalí (1904-1989) titulado Retrato de Gala con langosta, pintado en torno a 1934, que ha alcanzado los 592.708 dólares (más de 470.000 euros).
Entre otras joyas de esta gran subasta ha destacado, sobre todo, el paisaje de Paul Cézanne Maisons dans la verdure, pintado hacia 1881, que se ha adjudicado por más de 6,1 millones de euros. La obra perteneció a su amigo y también artista Pierre-Auguste Renoir, quien al parecer lo intercambió por otro suyo. Es además, una obra de transición del Cézanne impresionista al post-impresionista y marca el momento en que el gran precursor del arte moderno explora nuevas formas de representar la realidad tridimensional en sólo dos dimensiones.
En los lotes que se han subastado había también un cuadro de Renoir de 1884 titulado L’Eté; Jeune femme dans un champ fleuri, que se vendió por 7.032.888 dólares (5,58 millones de euros) y una obra de Amedeo Modigliani (1884-1920) titulado Le buste rouge (1913), que ha alcanzado los 6.723.264 dólares (5,3 millones de euros), además de varias obras de Manet, Pisarro y un bodegón pintado por Van Gogh.

No related posts.

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

Un Klimt se vende por un récord de 135 millones de dólares

Juan Guzman — Mon, 19 Jun 2006 07:43:00 +0000

WASHINGTON (Reuters) – Un retrato pintado en 1907 por Gustav Klimt ha sido adquirido por el magnate de los cosméticos Ronald S. Lauder por 135 millones de dólares (unos 107 millones de euros), la suma más alta jamás pagada por un cuadro, informó el periódico The New York Times.
Continúan artículo y comentarios
El precio supera los 104,1 millones de dólares pagados en 2004 en una subasta de Shoteby’s por ‘Muchacho con pipa’, pintado por Pablo Picasso en 1905, añadió el diario en su edición del lunes.
El retrato de Adele Bloch-Bauer, esposa de un industrial judío de la industria azucarera, está considerado una de las obras maestras de Klimt.
El cuadro estuvo en el centro de una batalla de restitución entre el Gobierno de Austria y una sobrina de Bloch-Bauer, que sostenía que había sido incautada junto a otras cuatro pinturas por los nazis durante la Segunda Guerra Mundial, señaló el Times.
En enero, las cinco obras fueron entregadas a la sobrina, Maria Altmann, de 90 años, que vive en Los Angeles, y a otros miembros de la familia, añadió.
La venta es objeto de acuerdos confidenciales y Lauder no confirmó el precio en una entrevista telefónica, dijo el diario. Sin embargo, expertos familiarizados con las negociaciones, que hablaron con el diario bajo la condición de anonimato, dijeron que el magnate pagó 135 millones de dólares por el retrato.
‘Es una adquisición que se produce una vez en la vida’, dijo Lauder, fundador hace 5 años de la Neue Galerie, un pequeño museo ubicado en Manhattan dedicado enteramente al arte alemán y austríaco donde se exhibirán los cinco cuadros de Klimt desde el 13 de julio al 18 de septiembre.
Actualmente se encuentran colgados en el Museo de Arte del Condado de Los Angeles.*

No related posts.

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.