Fotografía Dominicana » Novia

Korda, más que el fotógrafo del Guerrillero heroico

Juan Guzman — Tue, 28 Oct 2008 10:38:42 +0000

GUADALAJARA, JALISCO.- Las mujeres fueron las que motivaron a Alberto Korda (1928-2001) a dedicarse a la fotografía, sin embargo, fue una imagen bien distinta, la del Che, la que hizo de este

fotógrafo cubano todo un referente. Su fotografía del líder revolucionario tomada en una concentración política en La Habana se ha reproducido en todo soporte imaginable hasta en el más recóndito lugar del planeta. Pese a ello, la trayectoria de este artista inconformista y coherente esconde otras muchas joyas.

Su sueño inicial era convertirse en fotógrafo de moda para estar cerca de las féminas más bonitas. Lo logró. Así, con una cámara de 35 milímetros de su padre, se lanzó a la aventura en la década de los 50. Su primera modelo, su novia Yolanda.

Korda, conocido, desconocido (Editorial La Fábrica) es un libro-homenaje que ahora traza un recorrido por las facetas más importantes y algunas poco conocidas de su vida, como su afición a la fotografía submarina. Recoge más de 437 imágenes, muchas de ellas inéditas: “Yo he amado la belleza de la mujer tanto como la belleza moral de la Revolución”.

En la última entrevista que concedió antes de morir a Mark Sanders en 2001 (recogida en el libro), recordaba cómo inició su labor en los Studios Korda en La Habana, cómo detrás de la cámara buscaba siempre su particular visión de la belleza, ésa que empezó a plasmar en su sección de la revista Carteles.

Por aquel entonces, la ciudad del Malecón estaba tomada por el turismo y los casinos, miles de americanos iban a jugar o saciar su lujuria en los numerosos burdeles. Era la isla de Fulgencio Batista.

Pero con la Revolución, todos los esquemas cambiaron para este hijo de un empleado ferroviario y un ama de casa. La imagen de una niña pobre a la que sus padres no le podían comprar ni siquiera una muñeca le revolvió por dentro. “Me acordé del discurso de Fidel sobre la realidad social en Cuba en el que dijo que con la Revolución no habría niñas sin muñecas. En ese momento decidí dedicar mi vida y mi obra a la Revolución”, contaba a Sanders. Alberto Díaz Gutiérrez, su nombre verdadero, tenía entonces 30 años.

Fue la sombra del mandatario cubano durante una década, aunque nunca llegó a ser el fotógrafo oficial. Le siguió por medio mundo, incluido el viaje a Washington en el que puso una ofrenda floral en el Memorial Lincoln. Brasil, Panamá, Uruguay, Venezuela y la URSS fueron también destinos a los que acompañó a Fidel Castro.

Precisamente en este periodo captó la que sería la imagen que marcó su vida: Guerrillero heroico. En 1960, apenas nadie deparó en ella, fue poco antes de que Ernesto Guevara fuera asesinado en Bolivia cuando la imagen se convirtió en parte de la historia de la fotografía. Para el autor, simplemente “fue un instante de suerte”.

Muchas de las imágenes que aparecen en el libro Korda, conocido, desconocido nunca han sido publicadas y de algunas incluso se desconocía su existencia. En 1968, las autoridades cubanas intervinieron Studios Korda y se perdió la pista a muchos de sus archivos. Ahora, gracias al trabajo de sus amigos y de su hija mayor, Diana Díaz, ha visto a luz este pequeño gran homenaje de 400 páginas.

(Fuente:informador.com)

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Robert Capa retrató una muerte rea

Juan Guzman — Mon, 29 Sep 2008 04:49:28 +0000

EMILI J. BLASCO (ABC.es)
Aquel día de sol, a poco más de un mes de comenzada la Guerra Civil española, Robert Capa estuvo con un grupo de milicianos. Era el 5 de septiembre de 1936, y la Leica del fotógrafo de origen húngaro y firme compromiso de izquierdas disparó numerosas veces. Hasta ahora sólo se conocía la imagen titulada «Muerte de un miliciano», que rápidamente se hizo famosa en todo el mundo y contribuyó a ganar apoyos internacionales para la causa republicana.
Las particularidades de la imagen -la extraña posición de la figura que cae, la ausencia visible de herida de bala, la falta de referentes espaciales, la presencia de la cámara tan inmediata a la acción- hicieron que pronto se levantaran sospechas de falsedad, en medio de una lucha de trincheras propagandista. Más de 70 años después, por fin el secreto de la toma queda desvelado con los negativos previos y posteriores a aquella singular imagen. Todo sugiere que «Muerte de un miliciano» es genuina.
Cuarenta fotografías sacadas aquel día por Capa y su novia Gerda Taro estaban metidas en la maleta descubierta recientemente en México, que contenía todo un tesoro de miles de negativos atribuidos a Capa, Taro y el también fotógrafo David Seymour, «Chim». En total, 127 rollos con material enteramente inédito sobre la Guerra Civil, cuyo hallazgo fue comparado en enero por el Centro Internacional de Fotografía de Nueva York a «encontrar el Santo Grial». Las cuarenta fotos relacionadas con Cerro Muriano, el punto de la provincia de Córdona donde murió Federico Borrell García, el miliciano de la Columna Alcoyana que Capa convirtió en símbolo de la España antifranquista, se exihibirán en el Barbican de Londres a partir del 17 de octubre.
Entre ellas, figura una instantánea captada poco antes antes del disparo que acabaría con la vida de Borrell. En ella se ve a éste levantando su fusil junto a otros compañeros, posando ante la cámara de Capa, que entonces contaba con 22 años. Una imagen posterior muestra a un segundo soldado muerto, lo que vendría a corroborar que ciertamente hubo fuego enemigo.
«Estas imágenes y un detallado trabajo de investigación van lejos en apoyar que la foto es real», afirma Cynthia Young, que ha organizado la exposición del Barbican. Para ella, la duda tendría sentido si Capa no hubiera hecho nada más notorio en aquellos años, pero su trabajo en el desembarco de Normandía lo confirma como alguien con un alta «calidad y estilo».
Todo indica que «Muerte de un miliciano» fue puro accidente. Capa y Taro, que también captó a Borrell antes de su muerte, estaban en el frente entre las filas republicanas simulando acciones de guerra cuando de pronto se produjeron inesperados disparos de las tropas franquistas. En las secuencias previas al ataque, los milicianos adoptan poses de vencedores o en lucha por la victoria; difícilmente se harían el muerto, como vencidos por el enemigo.
Federico Borrell, un anarquista de 24 años nacido en la población alicantina de Benilloba y apodado el Taino, fue reconocido después por su hermano a pesar de que en la famosa fotografía su rostro aparece borroso. Los datos oficiales así lo corroboraban, al datar su muerte el 5 de septiembre de 1936; fue el único miembro de la Columna Alcoyana en morir ese día en la lucha de Cerro Muriano.
Capa envió los negativos de esa jornada a su estudio de París. «Muerte de un miliciano» fue publicada por primera vez en la revista francesa «Vu», con un pie en el que se describe a los soldados «apretando sus fusiles, bajando la ladera. De pronto, su remontada fue interrumpida, una bala silvó y su sangre fue derramada en su suelo nativo». Luego aparecería en la revista norteamericana «Life», con el lema: “La cámara de Robert Capa capta un soldado español en el instante en que es derribado por una bala en la cabeza», que confundía la borla de la gorra militar con una trozo del cráneo estallado.
El negativo utilizado para esas reproducciones no volvería a parecer. El resto del carrete de Cerro Muriano y otros trabajos de Capa, Taro y «Chim» fueron custodiados por el diplomático y general mexicano Francisco Alvarez, que luchó con Pancho Villa. La maleta fue llevada de París a Marsella y de allí a México, donde no fue reabierta por los herederos del general hasta los años 90, aunque sin percatarse de su importancia. Sólo hace unos meses, los negativos llegaron al Centro Internacional de Fotografía de Nueva York, fundado precisamente por el hermano de Capa, Cornell. Robert Capa, cuyo nombre original había sido el de Andrei Friedman y entre cuyos logros profesionales está la creación de la agencia Magnum, murió en 1954 desempeñando su trabajo en Vietnam, con la creencia de que sus joyas de la Guerra Civil española habían sido destruidas por los nazis en su ocupación de París

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Sensual en el altar.

Juan Guzman — Thu, 29 May 2008 16:39:00 +0000

Amelia Luz / EFE
Una modelo con un traje de novia del diseñador Pepe Botella durante la Pasarela Gaudí Novia.

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Está grave por accidente EU fotógrafo que estuvo en RD

Juan Guzman — Mon, 10 Sep 2007 15:12:00 +0000

El joven fotógrafo norteamericano Justin Vela, quien estuvo hace dos meses invitado en El Nacional como parte de sus recorridos internacionales, se encuentra grave tras sufrir un accidente en la capital de Estados Unidos.

Vela, de padre salvadoreño, está en la sala de cuidados intensivos de un hospital neurológico especializado en Washington, a donde fue trasladado anoche en helicóptero tras sufrir un accidente de carretera el viernes en la noche.

El fotógrafo sufrió serias lesiones en la cabeza, según informó Cristóbal Sosa Hernández, quien fuera su anfitriona en Santo Domingo, como parte de un intercambio de la organización Hábitat para la Humanidad.

La señorita Hernández solicitó a quienes puedan hacerlo, que oren por la vida del fotoperiodista.

Una vez que terminó su servicio para Hábitat, Vela decidió quedarse unas semanas en el país para tomar fotos de República Dominicana, por lo que solicitó ser recibido en El Nacional. Entre los servicios que cubrió estuvo el paro nacional del Frente Amplio de Lucha Popular. Vela es fotógrafo “free lance” de la agencia World Picture News, que sirve imágenes de alta calidad técnica y noticiosa a los grandes diarios y revistas de Estados Unidos y Europa.

Durante su estadía como voluntario en el Departamento de Fotografía de El Nacional compartió conocimientos y experiencias con los fotógrafos de este diario, a quienes ofreció un taller sobre la foto instantánea-noticiosa.

Junto a Franklin Guerrero, quien le sirvió de guía, cubrió los incidentes de esa paralización y particularmente se lució al captar la marcha de los dirigentes del Falpo en Capotillo, a las 3:00 de la tarde del día de la huelga.

Igualmente sirvió para tomar las fotos de reportajes a entidades sin fines de lucro como el Instituto Contra la Ceguera por Cataratas, una institución de beneficio social ubicada en la avenida Nicolás de Ovando esquina Ortega y Gasset, dirigida por el doctor Tomás Vargas.

De Santo Domingo se dirigió primero a Puerto Plata, donde fue recibido por el fotógrafo Ramón Peña, quien le guió por los lugares de interés social de La Novia del Atlántico. También estuvo en San Juan de la Maguana y en Haití.

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Muñecas sin rostro: mejor cara de artesanía de RD

Juan Guzman — Sat, 08 Sep 2007 13:33:00 +0000

DEYANIRA POLANCO -listindiario.com

SANTO DOMINGO.- Tienen el cuerpo de las latinas, con pronunciada cintura, trajes largos, trenzas y un hermoso sombrero o una canasta de fruta en la cabeza, pero su cara es una incógnita, no tiene rasgos, son “las muñecas sin rostro”, una artesanía criolla, que se vende y exhibe tanto en el país como en el extranjero y que se ha convertido en un símbolo de la cultura y el arte quisqueyano. Hechas por las manos de escultores campesinos con un ingrediente muy particular, el barro, estos cada día perfeccionan su terminación con los hornos que utilizan y el empeño de gente que elabora un producto cada vez más acabado y de mayor calidad.

Por qué no tienen rostro? Porque, de acuerdo con los creadores y vendedores, reflejan la mezcla de cultura de los dominicanos heredada de los aborígenes, españoles y africanos. Por eso, no definen su fisonomía, de manera que el rostro será el que le dé su imaginación.

Son demandadas por turistas extranjeros y dominicanos que viajan al exterior, para llevarlas como obsequio a sus amigos y familiares. Los españoles, italianos, estadounidenses y franceses son los que más solicitan ese tipo de artesanía, de acuerdo con los vendedores.

En el mercado modelo, ubicado en la avenida Mella de la Capital, y principal plaza comercial de ventas de artesanía del país, las muñecas sin rostro son exhibidas y vendidas en todas sus variedades. También en los gift shop, ubicados en las zonas turísticas como Bávaro-Punta Cana; Puerto Plata, Juan Dolio, La Romana, Barahona y Santo Domingo, en este último, principalmente en la Zona Colonial, en las proximidades de la Catedral Primada de América como es el Gift Shop Recuerdos Dominicanos, el museo de la Artesanía y otros lugares.

Este símbolo de las raíces dominicana, es la reina de la alfarería y con su belleza es capaz de seducir y lograr ser colocada en los hogares, centros de trabajo y cualquier lugar donde se exhiban artesanías y obras de arte.

Hay más de cien modelos de muñecas sin rostro diferentes, desde la más clásica, que representa a la marchante dominicana (mujer que vende productos alimenticios en las calles y mercados), hasta las que

Majan café, llevan rosas en las manos o listas para una tarde de té, para una reunión o un cumpleaños. Lo cierto es que sus creadores han seguido innovando y hoy las han creado hasta con sus parejas, vestidas de novia, embarazadas o como jovencitas roquera que usan pantalones anchos y blusas cortas. Todas deslumbran en las tiendas por el colorido de sus trajes y los detalles ..

Los precios oscilan entre los $30 pesos (menos de un dólar ) hasta mil 500 pesos, como las elaboradas en un material conocido como Porcelanicrón, una mezcla que, entre otras cosas, contiene harina extraída del trigo y requieren un cuidado especial ya que atraen a los roedores e insectos.

Las muñecas han sido elaboradas durante décadas por artesanos de la comunidad de Moca, provincia Espaillat, ubicada al norte de la República Dominicana.

En este pueblo se trabajan otras artesanías a mano, con diferentes materias primas además del barro, la madera y la cerámica. Ellos fabrican floreros, recipientes para diferentes usos, cuadros, portarretratos y soles, entre otros.

Los vendedores dicen que los turistas de Francia, Alemania, Inglaterra y Estados Unidos prefieren entre todas a las muñecas a las sin rostros, siendo la más demandada por ellos la que representa a la frutera.

Estas coquetas muñequitas, junto a las prendas elaboradas con Ámbar, larimar y coral, conquistan a los visitantes de las tiendas de regalos y Gift Shop del país. ¡Y es que no hay quienes se resistan a sus atractivos, vistosidad y precios!.

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‘TIEMPO DE GITANOS’ ES ACOGIDA CON APLAUSOS

Juan Guzman — Wed, 27 Jun 2007 14:03:00 +0000

Kusturica estrena su ‘ópera punk’ en París

Un momento de la representación. (Foto: EFE)

PARÍS.- El estreno de la primera ópera punk del cineasta serbobosnio Emir Kusturica en la Ópera de la Bastilla en París fue recibido con una gran ovación el martes por la noche. La obra de más de dos horas de duración se basa en la exitosa película ‘Tiempo de gitanos’, por la que Kusturica ganó en 1989 el premio al mejor director en el Festival de Cannes.

Cuando el cineasta salió al escenario tras la representación, el público se puso en e pie y aplaudió. También su grupo de “rock gitano”, la No Smoking Orchestra, fue ovacionado, así como la orquesta sinfónica The Garbage Serbian Philarmonia.

Emir Kusturica. (Foto: AFP)

Ambas agrupaciones acompañaron la trágica historia del niño gitano Perhan con un salvaje y divertido punk étnico y con melancólicos sonidos balcánicos.

“Creo que la ópera me gusta más que el cine. La ópera me permite saltar al abstracto y se corresponde por eso mucho más con mi concepción artística. Me siento bien en este mundo abstracto”, dijo el director. Y así Kusturica sume al espectador en un colorido mundo operístico, en el que se baila y se bebe mucho y en el que junto con niños gitanos jugando al fútbol recorren el escenariogansos graznando.

Para los papeles protagonista del joven gitano Perhan y su novia Azra, Kusturica, que nació en Sarajevo, eligió a Stevan Andelkovic y Milic Todorovic, dos jóvenes prometedores cantantes de su patria.

La representación se nutre sobre todo de la música. Mientras en la película Kusturica podía jugar con la cámara para crear dinamismo, tensión y sorpresa, ahora el ex bajista de rock recurre al pop balcánico, el jazz, el folk gitano, el punk y el rock, que mezcla en un fuego de artificio acústico, que genera mucho ambiente y ritmo pero también seriedad y melancolía. También está lograda la mezcla entre los típicos instrumentos de rock con los instrumentos de cuerdas y de vientos de la orquesta.

La obra no tiene mucho de ópera en el sentido clásico. “Posiblemente se ubique más bien entre la opereta y el musical. Pero todo eso hay que verlo más bien en el espíritu de un Monty Python”, dijo Kusturica antes del estreno.

Varios actores durante el estreno. (Foto: EFE)

El cineasta reconoció que presentarse en un teatro tan establecido como la Bastilla le dio algo de miedo. Pero aseguró que las condiciones de trabajo fueron óptimas. “Nosotros no somos necesariamente puntuales y bien organizados siempre. Y ellos aceptaron nuestro ritmo y nos dejaron total libertad”. El trabajo fue muy divertido, lo que se nota en su ópera punk. La producción se podrá ver otras 12 veces hasta el 15 de julio.

Efímeros aplausos o destierro por ostracismo. Ancestrales construmbres fueron transformadas en normas de convivencia. Normas simples,...

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Novias del siglo XX

Juan Guzman — Mon, 25 Jun 2007 03:35:00 +0000

Museo. 26.09.2006

El vestido de novia ha caminado paralelo a los cambios familiares, sociales y económicos del siglo XX. En nuestro Museo hemos sido testigos de ésta evolución.

El siglo XlX se despide con vestidos serios y oscuros para dar paso al vestido de novia largo y nada escotado de los años 1900, de color blanco, no como un símbolo de pureza e inocencia, sino en señal de riqueza y opulencia.

Es a partir de 1910 cuando el largo de las faldas disminuye y abundan los trajes oscuros completados con velos y mantillas, también negros. Tres lustros después, con la llegada de “los años locos”, las novias apuestan por vestidos de líneas lánguidas que se ajustan al cuerpo. Los vestidos, más cortos, se adornan con grandes velos recogidos a en la cabeza con una especie de casquete.

La I Guerra Mundial pone austeridad a los vestidos de novia. El traje sastre o los vestidos de dos piezas son el atuendo de las novias que complementan la el modelo con ramos y tocados de flores imitadas en tela.

La auténtica revolución en la moda nupcial la marca el diseñador francés Crhistian Dior, Gracias a él, los vestidos de los años 50 pasan por modificaciones drásticas. Las faldas aún más largas y amplias de lo común están pensadas para hacer una mujer más femenina y es ya en los 60 cuando proliferan las largas colas en los vestidos, siempre blancos.

La década de los años 70, el tiempo del amor libre y de la revolución sexual, aporta a las novias de un estilo casi infantil. Los trajes son con botones y los escotes cambian por los cuellos Peter Pan. Aparecen las mangas, largas o cortas, rematadas en puños, y los variados ramos de flores y velos cortos.

Es a partir de ésta época cuando los vestidos vuelven a ser muy elaborados y los diseñadores de moda dejan volar su creatividad y las pasarelas se llenan de trajes glamurosos.
Hoy los diseñadores se alimentan de esa historia. Se inspiran con lo más clásico y también con las tendencias más vanguardistas para presentar a las futuras esposas con un sinfín de posibilidades y sugerencias

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GAUDÍ NOVIAS 2007

Juan Guzman — Fri, 01 Jun 2007 11:07:00 +0000

Estrella. La modelo checa Karolina Kurkova mira a los fotógrafos mientras luce un vestido de novia de Patricia Avendaño en la pasarela barcelonesa.

Azul. Kurkova desfila con un vestido de fiesta de la diseñadora gallega Patricia Avendaño.

Sofisticación Dos vestidos de novia de línea clásica y elegante diseñados por Victorio Lucchino y exhibidos en la pasarela barcelonesa.

Luces y focos. Karl Lagerfeld ha presentado por primera vez en Barcelona sus diseños nupciales, que se distribuirán en España de la mano de Rosa Clará.

El desfile. Varias modelos desfilan por la pasarela luciendo los diseños de Rosa Clará.

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Por primvera vez en Argentina se verá una muestra de Duchamp

Juan Guzman — Thu, 05 Apr 2007 10:37:00 +0000

Una exposición de Marcel Duchamp, que incluye 120 obras y algunos de sus más importantes “ready-mades”, se exhibirá por primera vez en Argentina el año que viene, en coincidencia con los 90 años de la estadía del vanguardista francés en Buenos Aires.

La Fundación Proa será la encargada de albergar a mediados de 2008 esta exposición, cuya inauguración significará la reapertura al público de ese espacio artístico ubicado en el barrio de La Boca, ya que se encuentra en pleno proceso de ampliación y remodelación de sus salas.

Se trata de la primera vez que llega al país una exposición de este importante artista perteneciente a las vanguardias del siglo XX, precursor del dadaísmo y responsable de obras tan importantes en la historia del arte como “Desnudo bajando una escalera” o “Fuente” (el famoso mingitorio).

Pese a que ya se habían visto algunas obras de Duchamp en la muestra “Dadá y surrealismo” en 2004 en el Malba -sobre varios artistas de esas corrientes-, la de Proa constituirá la primera exposición del francés no sólo en Argentina sino también en América latina, y recorrerá sus principal obra.

Gran influyente en la evolución del arte de vanguardia del siglo XX, Duchamp realizó varias obras en la línea del fauvismo, fue aceptado por los surrealistas e incursionó en el “ready-made”, que sacaba de su contexto a los objetos de uso cotidiano para convertirlos en obras de arte, como su primera pieza, “Rueda de bicicleta” sobre una banqueta.

“No tiene caracter de retrospectiva ya que ninguna de sus obras pictóricas formarán parte de la exposición. El interés es dar un panorama de su obra producida después de la etapa pictórica, a partir de 1913, y focalizar en el redescubrimiento del objeto”, explicó a Télam la coordinadora de la muestra, Cintia Mezza.

Una de las obras más destacadas de Duchamp, “El Gran vidrio” -cuya llegada ya está confirmada-, promete ser la atracción principal de la muestra, no sólo por su importante tamaño e ineludible impacto visual, sino también pr la mitología que la rodea, acerca de que el original -realizado en óleo y alambre sobre espejo- se rompió camino a una exposición y Duchamp decidió dejarlo así, “con esa huella del transcurrir”.

“Además de muchos de los más importantes ‘ready-mades’, se van a exhibir los dibujos preparatorios o las miniaturas que hacía de esos trabajos. Esta especie de copia y réplica, cómo el jugaba con ese concepto y la infinidad de múltiplos -por decirlo de alguna manera- de las obras u objetos”, señaló Mezza.

La exposición se realiza justo cuando se cumplen 90 años del fugaz y misterioro paso por Buenos Aires (1918) del artista francés nacionalizado estadounidense, que suscitó infinidad de conjeturas y suposiciones aunque pocas certezas.

Se sabe que Duchamp (1887-1968) dejó su huella en esta ciudad rioplatense entre 1918 y 1919, cuando habitó en una casa de la calle Alsina 1743, a la vez que tuvo su taller en Sarmiento 1507, donde hoy funciona el Centro Cultural
General San Martín.

Para muchos fue en Buenos Aires donde el genial artista realizó el estudio y diseño de su futura obra “El Gran Vidrio”, también titulado “Los novios desnudando a la novia”, fechado en 1923. Además, desde aquí regaló a su hermana un “ready-made” realizado en el atelier de Sarmiento.

Sin embargo, para decepción de muchos, no eran puros elogios lo que Duchamp sostenía de esta ciudad, como se nota en una carta fechada desde aquí: “Buenos Aires no es más que una gran población provinciana con gente muy rica sin pizca de gusto, que todo lo compra en Europa, hasta las piedras de sus casas. No hay nada hecho aquí… “, se quejaba el francés.

Mezza aseguró que se intentará exhibir varios documentos e incluso algún material fotográfico. “Si no, los vamos a reproducir de alguna forma, a través de una material didáctico, que de cuenta de esa estadía interesante de Duchamp en Buenos Aires”.

Procedentes de instituciones públicas y coleccionistas privados de Estados Unidos, Francia, Estocolmo y Argentina, las piezas que se exhibirán en Proa viajarán luego a Brasil, para presentar la misma muestra.

(Télam)

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El Museo Esteban Vicente celebra el noviazgo entre lo textual y lo plástico

Juan Guzman — Thu, 05 Apr 2007 10:24:00 +0000

MANUEL DE LA FUENTE. MADRID.

A veces ha sido un idilio, otras un escarceo, y muchas un matrimonio de conveniencia. Pero desde el mundo clásico, imagen y palabra han compartido la habitación de los sueños y hasta es posible que para algunos hayan compartido la cama de los deseos. Con esta pareja de hecho como protagonista, el Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente de Segovia ha inaugurado la exposición «La palabra imaginada», cuyo comisario es Francisco Carpio.

La muestra quiere ser un cumplido repaso de las relaciones entre dos sugerentes planetas; el planeta del mundo visual de las artes plásticas y el planeta de lo textual, de la literatura. «Hemos estado dos años organizando la exposición», explica el poeta y novelista José María Parreño, a la sazón director del museo segoviano. «Con ella queremos mostrar -continúa Parreño- las relaciones entre la palabra y la plástica, que no siempre se han visto, y también hemos querido mostrar a un puñado de escritores como pintores. De hecho, hay obras indistinguibles en las que es complicado señalar hasta dónde llega lo plástico y dónde empieza lo poético. Hay poetas visuales que prácticamente hacen pintura en sus páginas, y viceversa».

La exposición está articulada en cuatro grandes apartados. A saber: «Antecedentes», dedicados a las figuras de vanguardia, es el primero de ellos. El segundo espacio es el denominado «El texto en la imagen», con tres subapartados: «La palabra plana» (pintura, fotografía, dibujo, obra gráfica); «Orografías de la palabra» (escultura, instalaciones) y «La palabra eléctrica» (trabajos de neones, vídeo y cajas de luces). Un tercer gran apartado de la exposición está dedicado a la poesía visual, y recoge ejemplos de las principales figuras españolas en este campo. Finalmente, el cuarto apartado es «Artistas que escriben».

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El Museo Esteban Vicente celebra el noviazgo entre lo textual y lo plástico

Juan Guzman — Tue, 03 Apr 2007 11:52:00 +0000

MANUEL DE LA FUENTE. MADRID.

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Bryan Adams fotografía a la novia de Fran Rivera para ‘Vogue’

Juan Guzman — Sat, 24 Feb 2007 11:35:00 +0000

: Foto: VOGUE

De no ser por Bryan Adams y su faceta de fotógrafo, la primera entrevista concedida a la prensa por Blanca Martínez de Irujo seguramente se hubiera producido algo más tarde. Pero Vogue se lo propuso: “¡Y Vogue es Vogue! Y que, además, lo fuera a hacer Bryan AdamsFrancisco Rivera Ordóñez en la edición española de marzo de la revista.
En su casona de Brunete, en la Dehesa Milla, y vestida de Yves Saint Laurent, Gucci y Hermès, la prima hermana de la exmujer del torero se sincera como nunca lo había hecho sobre su enamorado (“la persona más noble que hay en la Tierra”); su hija de 8 años (“Blanquita es lo más importante de mi vida”), y su relación con la duquesa de Alba tras convertirse en la novia de Fran (“Mi tía Cayetana ha sabido entenderlo”).
Además, Blanca, que ha cambiado el mundo de la publicidad por el de las velas y ha montado su propio negocio con una amiga, habla de su relación con los medios de comunicación: “Una de las primeras cosas que me dijo Francisco fue: ‘Te pido por favor que no veas los programas ni leas las revistas’. Ahora me doy cuenta de que tenía razón”. ¡era la pera!”, explica la novia de

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Marc Anthony y Jennifer López

Juan Guzman — Sat, 17 Feb 2007 13:05:00 +0000

Fabián W. Waintal (Fuente Revista Ritmo SOcial-Listin Diario)

Evitando el huracán de publicidad que había tenido en otros romances anteriores, Jennifer López ya había decidido dejar de hablar públicamente sobre su vida privada, desde que se casó con Marc Anthony. Pero cuando el trabajo los involucra directamente, tampoco pueden evitarlo. Es el caso de la nueva película ‘El Cantante’, donde también en la ficción interpretan el papel de esposa y marido detrás de la verdadera historia del precursor de la música salsa, Héctor Lavoe.

Habiendo presentado la película en el Festival Internacional de Cine en Toronto, sin fecha de estreno mundial determinada, la feliz pareja se dispone a hablar sobre los íntimos detalles en la ficción y realidad de la armonía musical en su matrimonio.

- ¿El proyecto de filmar ‘El Cantante’ había surgido mucho antes de que ustedes estuvieran juntos como pareja….?
Jennifer López: – Sí (Interrumpe). Perdón, mejor te dejo terminar la pregunta.

- ¿Al ser Jennifer también la productora ejecutiva, ya había entonces algún interés personal cuando tomó la decisión de elegir a Marc Anthony como el protagonista de la película?
Jennifer López: – Debería haberte parado antes (riéndose). A mí me había llegado el guión porque ‘Puchi’ (la esposa de Héctor Lavoe) pensó que yo podía interpretarla a ella en cine y recién después me ofrecí a producir la película. Y cuando tomé el proyecto en mis manos es cierto que yo lo llamé personalmente a Marc por teléfono. Me acuerdo que estaba en mi oficina y le pregunté “¿Vas a filmar esta película o no?”. Y él me contestó “Sí, sí, seguro”. Así fue como pasó todo, mucho antes de que estuviéramos juntos.

- ¿Y por qué eligió a Marc Anthony entonces?
Jennifer López: – Yo siempre supe que Marc es un magnífico actor. Nadie más puede cantar así, con toda esa pasión y sentimiento. Sabía que él podía protagonizar una película aunque nunca le habían dado la oportunidad. Y aunque me haya llevado hasta el límite en su estilo tan parecido a Héctor Lavoe, me quedé impresionada cuando vi el resultado final en la pantalla.

Marc Anthony: – No quieras saber cómo me sentía cada día, pensando “Estoy haciendo algo. Estoy en medio de un proceso tan difícil de articular.”

- ¿No hubo complicaciones personales al trabajar juntos?
Marc Anthony: – En ese sentido, desde muy temprano me di cuenta del lujo de tener una compañera que sabe lo que quiere. Usualmente uno entra al estudio y a lo sumo ensaya la letra con otra persona y cada uno pone lo suyo. Pero Jen me brindó muchísima más información para ayudarla y viceversa. Ella apretó los botones. Es un lujo conocer tan bien a la otra protagonista. Los dos sabíamos los botones precisos que debíamos presionar. Y por primera vez, me di cuenta lo sano que éramos como pareja.

Jennifer López: – Así de locos como somos.

Marc Anthony: – No, de verdad. Haciendo todo eso, volvíamos a casa y me daba cuenta que éramos normales.

Jennifer López: – Yo le decía que se imaginara que el día de hoy fuera igual dentro de 20 años. (Riéndose). Al menos estaba segura que podíamos durar el fin de semana.

Además de la música, Marc y Jennifer tienen mucho en común. Con raíces puertorriqueñas, los dos nacieron en la misma ciudad de Nueva York, con muy poco tiempo de diferencia. 16 de septiembre de 1968, él. 24 de julio de 1969, ella. También habían trabajado juntos anteriormente, cuando él apareció con ella en un video musical que insinuaba lo opuesto a la realidad con el título ‘No me ames’.

La experiencia en el matrimonio (y divorcio) es otro punto en común. Jennifer había estado casada dos veces. Primero con el desconocido modelo y actor Ojani Noa; después con el bailarín Cris Judd; sin contar los famosos noviazgos con Sean ‘Puffy’ Combs y Ben Affleck.

Y Marc Anthony ya había tenido su primera hija con una policía de Nueva York, antes de casarse dos veces (sí, dos veces) con su primera esposa Dayanara Torres Delgado.

El 5 de junio del 2004, apenas seis meses después del anunciado compromiso oficial entre Jen y Ben Affleck y exactamente cuatro días después del divorcio oficial de Marc con Dayarana, ocurrió lo menos esperado. En una fiesta informal donde ni siquiera los invitados conocían el gran secreto, Marco Antonio Muñiz (léase Marc Anthony) y Jennifer Lynn López intercambiaron anillos con un nuevo casamiento. Y aunque los peores críticos apostaban otro súbito divorcio, se los puede ver aquí todavía juntos, sin ánimos de darles la razón en ningún futuro cercano.

- ¿Cómo se ven dentro de veinte años?
Marc Anthony: – ¿Dentro de veinte años? Para ese entonces imagino que alguien va a filmar una película sobre mí. (Se ríe.)

Jennifer López: – Nos veo mucho más allá de 20 años. Los dos somos personas muy creativas, supongo que seguiremos haciendo lo mismo.

- ¿Un amor tan profundo y destructivo como el de Héctor Lavoe y Puchi puede sobrevivir en el tiempo?
Jennifer López: – Obviamente funcionó. Sobrevivió por 20 años. Y en los últimos momentos, como digo en el final de la película, aunque ella no estuvo con él todo el tiempo, siempre vivió para él. Nunca dejó de quererlo. Y lo sé por lo que escuché en sus grabaciones, algunos meses antes de morirse. Si le preguntabas a ella, te decía que había tenido el mejor matrimonio del mundo. No aparece en la película, pero ella siempre decía que Héctor era el mejor padre, el mejor esposo, que nunca le había traído problemas con otras mujeres. Uno se pregunta ¿de verdad? Ese era su sentimiento. El amor era real aún cuando no pudo confrontar la batalla de las drogas o la infidelidad con otras mujeres, como cuando no podía encontrarlo y tenía que perseguirlo con un revolver hasta alguna casa de drogas. No le importaba. Él era su hombre y ella estaba donde se suponía. Él la pudo haber dejado muchísimas veces y nunca lo hizo. Nunca lo hizo.

- ¿Cómo fue interpretar a la pareja de Marc Anthony, también en la ficción?
Jennifer López: – Fue un desafío interpretarla en diferentes etapas de su vida. Pero me ayudaron unos 11 CDs que me habían dado, con ella hablando con el guionista. Solamente la oía, no la
veía, pero siendo puertorriqueña, yo tampoco la apreciaba (riéndose). Nadie en mi familia… bueno, alguien la debe haber querido. Con Héctor se necesitaban, así como también eran lo peor para cada uno. Había mucho amor. Y creo que su amor por Héctor es lo que la mantuvo con él durante tanto tiempo. Lo bueno es que no era perfecto. Ella no era perfecta y él tampoco. Así era todo.

- ¿Ayudó Jennifer a Marc desde su puesto de productora?
Marc Anthony: – Jennifer me ayudó mucho. Primero que todo, estoy agradecido que no me haya exigido subir de peso (como Héctor Lavoe). Mi madre ya lo viene intentando desde hace 30 años. Pero Jen, desde muy temprano, me había ayudado porque ella había filmado otra película parecida con ‘Selena’ y me contó como no quiso imitarla, aunque yo tampoco quería hacerlo igual. Héctor tenía un estilo muy particular. Su imagen es demasiado fuerte en la comunidad latina y yo no quería que la gente se olvidara de él y pensara que me están viendo a mí. Ella me dio el mejor consejo “Aprende todo de él y después olvídalo”. En el momento que me lo dijo, no lo entendí, pero con el paso del tiempo me sirvió muchísimo saber lo que hacía Lavoe en diferentes situaciones.

El destino de Jennifer López también había cambiado por completo cuando protagonizó otra película sobre la vida de una cantante, ‘Selena’. Con un éxito inmediato, se había convertido en la actriz latina mejor pagada, cuando recibió un millón de dólares por aquella misma película. Independizándose del estereotipo hispano, también logró cruzar las barreras de Hollywood con el pie derecho, protagonizando el mismo año la película ‘Blood and Wine’ con Jack Nicholson y la siguiente ‘Out of Sight’ con George Clooney.

En la música duplicó la misma atención imponiendo el ritmo de ‘If You Hade My Love’, recibiendo un disco de platino apenas dos semanas después del lanzamiento del CD ‘On the 6’, en la misma época en que el pop latino se había puesto de moda gracias a ella y Ricky Martin.

En el 2001 el CD ‘J.Lo’ también debutó en el primer puesto al mismo tiempo que en el cine lideraba el ranking de recaudaciones con la película ‘The Wedding Planner’. Lo mismo ocurrió al año siguiente, con el CD ‘This is Me… Then’ y la película ‘Maid in Manhattan’.

Aprovechando todas y cada una de las oportunidades que se le cruzan por su camino, Jennifer López también es dueña del restaurante ‘Madres’, tiene una línea de ropa propia y diferentes perfumes con su nombre, además de conservar su trabajo en cine con la productora Nuyorican Productions que filmó ‘El Cantante’ en el papel de productora ejecutiva.

- ¿Cómo hace Jennifer para hacer tanto al mismo tiempo? ¿Hay algún tema en particular que le interesa más que el otro? ¿La canción, el cine, el papel de empresaria?
Jennifer López: - Mi corazón es el que me señala el tema en que me quiero concentrar en cada momento. Depende lo que sienta. A veces siento que todo tiene que ser música, como me está pasando en los últimos meses, ahora mismo, terminando mi álbum en inglés. Unos meses antes, había estado trabajando en un guión que me parece fantástico, con otra película que quiero hacer y producir. Depende del momento. La gente me pregunta cosas así todo el tiempo y me resulta difícil contestar porque no planeo nada en particular. Nunca había planeado tener una línea de ropa. No es algo que soñé de chica. Simplemente soy una persona creativa y hago lo que amo. Me gusta crear cosas de la nada, aunque sea un perfume, una canción o una película, un personaje o la producción de una película desde cero. Lo que sea. Si lo siento, voy y lo hago. Lo cierto es que no me encierro. No me planteo que no puedo hacer esto o lo otro, porque hago lo otro, que no puedo cantar porque soy actriz. O soy cantante y por eso no debería crear un perfume. Lo hago porque lo siento. Si se me ocurre escribir una historia esta misma noche, me quedaré despierta escribiendo hasta que termine la historia a las tres de la mañana. Así soy yo.

- El resto de la gente tiene ‘apenas’ 24 horas para vivir ¿Cómo logra hacer tanto en tan poco tiempo?
Jennifer López: – Hago lo que siento en el momento. (Riéndose). Y lo hago rápido.

Marc Anthony: – Hace 27 años que estoy en este negocio y jamás he visto a alguien con tanto enfoque y claridad como ella. Yo me siento y la veo desde un paso más atrás. Es fascinante la forma en que no deja nada por la mitad. Ni siquiera una conversación. Es una virtud. Jen es una apasionada en todo, aunque sólo sea un perfume. Es una mujer increíble.

- ¿Qué tan difícil es el trabajo de producción en comparación con el de actriz y cantante?
Jennifer López: – Se requiere muchísima energía. Durante el proceso que duró cinco años, hubo muchos momentos donde me planteé “¿por qué estoy haciendo esto? ¿Por qué tengo que seguir con esta batalla?”. Pero cada vez, volvía y escuchaba la música o veía los documentales y me daba cuenta que necesitábamos mostrarlo.

Marc Anthony: – Me acuerdo cuando ella planteaba esas preguntas. “¿Por qué? ¿Por qué?”. Y sólo tenía que escuchar la música para responderse “Esta es la razón”.

La película muestra la evolución de la música salsa a la par de la vida de Héctor Lavoe: Desde su mudanza de Puerto Rico a Nueva York, pasando por la relación con una sufrida esposa Nilda ‘Puchi’ hasta el abuso con narcóticos (cocaína y heroína) y la posterior muerte, en 1993, por complicaciones de SIDA. Pero la dramática historia cuenta con el mejor ingrediente musical, mezclado en la ‘salsa’ que mantendrá vivo su nombre, igual que el cine. “Tomábamos cocaína (en la película) pero el set de filmación era muy familiar” remarca Jennifer López. “Héctor Lavoe era el cantante de los cantantes”, comenta Marc con el agregado de J.Lo “tratamos de capturar su vida”.

- ¿El nombre de música salsa fue una sugerencia de marketing puro?
Marc Anthony: – Me acuerdo que Tito Puente no podía soportar la palabra salsa. Pero quedó en el tiempo y creo que el apodo capturó el sonido. Es una palabra que describe la música.

- ¿Hasta qué punto los influyó a ustedes, como latinos y puertorriqueños la música salsa de Héctor Lavoe?
Marc Anthony: – Yo me crié con la música de Héctor Lavoe, desde que tenía tres o cuatro años. Su música es como la banda de sonido de mi vida. Y tuve el placer de conocerlo en persona, un par de años antes de que haya fallecido. Seis meses antes, yo había grabado mi primer CD de salsa. Y me acuerdo que él decía “No lloren cuando muera, quiero que canten, quiero escuchar música, tambores, quiero una celebración”. Fue impresionante salir del funeral, escuchando los tambores. Daba miedo, pero ahí me di cuenta el impacto que este hombre había tenido en la gente.

- ¿Cuándo filmaron la película de su vida, no tuvieron miedo a las comparaciones con las últimas biografías exitosas de ‘Ray’ y ‘Walk The Line’?
Jennifer López: – Al principio de cualquier proyecto, es peligroso fijarse en las otras producciones que hay. Es un tema para el departamento de marketing. Nosotros somos
artistas y lo que hacemos, viene del corazón y nos pareció lógico contar esta historia. Desde el principio, sabía que yo tenía que hacerlo, era para mí, igual que Marc. Uno no piensa en el resto, pensando que vamos a llegar más tarde que las otras biografías. ¿A quién le importa? Lo importante es hacer una buena película y contar una historia que precisa ser contada.

Marc Anthony: – Las dos son buenas películas (‘Ray’ y ‘Walk The Line’) pero la nuestra es algo completamente diferente.

- Para terminar: ¿Por qué creen que la gente debería ver esta película?
Marc Anthony: – Filmamos la película ‘El Cantante’ por muchísimas razones. Era una historia que necesitaba ser contada. Y tal vez provoque cierto interés de conocer nuestra música salsa para quienes todavía no la conocen. Eso realmente es excitante.

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EL ORFEBRE DE LOS FAMOSOS

Juan Guzman — Wed, 24 Jan 2007 11:11:00 +0000

El orfebre argentino Juan Carlos Pallarols sigue empleando las técnicas heredadas de sus antepasados para tallar obras de arte que llegan al corazón de los famosos.

Un espejo que usaba el Papa Juan Pablo II para afeitarse, un cáliz ceremonial para el actual pontífice Benedicto XVI, el bastón de Néstor Kirchner para su asunción como presidente de Argentina en 2003 o unas rosas de plata talladas con las que mostró su amor a Melanie el actor Antonio Banderas… El orfebre argentino Juan Carlos Pallarols sigue empleando las técnicas heredadas de sus antepasados para tallar obras de arte que llegan al corazón de los famosos.

Con sendas rosas de plata talladas por este artista del metal, Antonio Banderas y el príncipe Guillermo de Holanda expresaron su amor a Melanie Griffith y Máxima Zorreguieta. “El actor español me pidió que tallara una rosa blanca que introdujo en un ramo con flores naturales para Melanie”, afirma el orfebre en su taller situado en el barrio de San Telmo, en Buenos Aires. En tanto, la rosa que el heredero de la corona holandesa regaló hace unos años a su entonces novia argentina tenía 32 pétalos, ya que ella cumplía esa edad.

“Máxima me mandó después una carta de agradecimiento donde me decía que la obra era lindísima y que le gustaría quedarse toda la vida con 32 pétalos”, sonríe complacido Pallarols.

El comienzo: la paciencia
Juan Carlos Pallarols aconseja a sus clientes paciencia, con el fin de disponer del tiempo necesario para dibujar previamente sobre el papel el trabajo que le encargan, utilizando elementos que tengan que ver con fisonomía, historia y gusto de esas personas.

“Eso produce una obra única. No hay dos cerebros ni dos corazones iguales”, afirma. Un ejemplo de ello es el trabajo que hizo a pedido del rey Juan Carlos de España, quien visitó en los años noventa el taller del orfebre en Buenos Aires. “Yo le pregunté qué tipo de estilográfica quería. A él le había gustado un trabajo de tejido de un cuchillo de cuero. Le reproduje esa textura a golpe de cincel”, afirma Pallarols. Dice con orgullo que ha visto en algunas fotografías al rey Juan Carlos utilizando su pluma para firmar.

Pallarols también talló el regalo que el gobierno de Argentina hizo al príncipe Felipe de España y a su hoy esposa, Leticia Ortiz, con motivo de su boda, en mayo de 2004: Una bandeja y un mate para beber la infusión sudamericana. Para Felipe González también diseñó un mate decorado con motivos muy personales. Un periodista amigo le dio algunas pistas de lo que podía tallar en la obra que iba a realizar para el entonces presidente del gobierno español. “Mi amigo me dio una serie de claves y me dijo: ‘escribe la palabra Isidoro (el sobrenombre con el que se conocía al líder socialista en ámbitos políticos). Felipe quedó muy sorprendido. Me preguntaba: ¿pero, cómo sabes esto? ’, explica Pallarols.

Un farolito para juan pablo II
El Papa Juan Pablo II fue otra de las personalidades homenajeadas en el taller del artista argentino. El fallecido pontífice recibió un espejo que usaba todas las mañanas para afeitarse. “Pero el regalo que más le impactó es un farolito chiquito que hice por encargo de unas monjas polacas que le conocían. Le escribí un villancico en polaco. Era un farolito típico para unas fiestas navideñas que le llegó al corazón”, señala .En otras de sus obras, el orfebre logró sumar la colaboración de miles de personas. Fue el caso del bastón que talló para Néstor Kirchner con motivo de su asunción como presidente de Argentina en 2003. “Yo lo que valoro es la gente. La obra se enriquece por los demás. Tomé el cincel y ellos golpearon”, explica el orfebre. En el bastón presidencial trabajaron más de 30,000 argentinos y en el cáliz para el Papa Benedicto XVI, colaboraron 212,000 personas.“Trabaje allí donde iba. En teatros y plazas. Miles de personas participaron sin ser católicos. Gente que había perdido la esperanza se sumó a este proyecto para dar un sentido a su vida”, sostiene.El dibujo del cáliz fue hecho por el hijo de Juan Carlos, Adrián.

También para Lady Di
Su próximo proyecto de envergadura es tallar la cara de Eva Duarte, “Evita”, quien fue esposa del presidente Juan Domingo Perón, considerada una de las personalidades más importantes de la historia política argentina. Pallarols quiere convocar a sus compatriotas a reproducir en chapa de plata el rostro de la “abanderada de los pobres”. “Quiero recorrer todo el país convocando a los peronistas y no peronistas.

En 1952 su padre, Carlos Pallarols, se embarcó en el proyecto de hacer por encargo un sarcófago que cubriera el cuerpo embalsamado de la primera dama argentina, fallecida de un cáncer con tan solo 33 años. Pero en 1955, un golpe militar expulsó a Perón del poder y Carlos Pallarols se vio obligado a fundir su obra, en la que tanto había apostado. Nunca cobró este trabajo y quedó arruinado.

Juan Carlos Pallarols también trabajó para la princesa Lady Di, el ex presidente de Estados Unidos Bill Clinton, la modelo argentina Valeria Mazza, los cantantes españoles Joan Manuel Serrat y el tenor Plácido Domingo, las actrices Jane Fonda y Sharon Stone e intelectuales como el escritor argentino Jorge Luis Borges.

“A Borges le hice cosas sencillas. Pero el trato era más que nada la charla, la admiración. Me hacía criticas muy sanas. No siendo vidente, él tocaba las formas de lo que tallaba. Apreciaba más la forma que la decoración, recuerda el orfebre. La relación establecida con el escritor ciego le inspiró para planear “una exposición de piezas en cámaras cerradas donde la gente tenga que meter las manos y tocarlas, y por el tacto descubrir qué está expuesto”. Será un homenaje a Borges, que es el que me dio la idea, señala.

Juan Carlos dice sentir “una profunda admiración” por su abuelo y su padre, los cuales oficiaron de maestros. “Lo único que puede salvar a la humanidad es la educación. A mí me enseñaron para que participara en el campeonato del mundo todos los días. Las cosas mediocres no se deben hacer”, sostiene. El orfebre explica que aprendió en el taller familiar, jugando. “Tengo esa sensación tan agradable de no saber si era juego o trabajo”, destaca. Tallar piezas de platería supone “un vértigo y expectativas constantes de que cada golpe modifica la obra, y para ello se necesita pasión”, señala Pallarols El orfebre ha logrado conservar las costumbres y el oficio artesanal de la familia. Una parte difícil del oficio es convencer al empleado de que se tiene que despojar de todos los vicios del siglo XXI, olvidarse de que hay una cosa que se llama ordenador, de hacer todo rápidamente, para que la entrega sea total”, sostiene.

En el taller de San Telmo la gran mayoría de las herramientas empleadas -cinceles, buriles, bruñidores y punzones- son las que utilizaban el abuelo y bisabuelo de Pallarols. “Mi padre me aconsejó que no le hiciera caso a quienes me decían que debía modernizar las máquinas y adaptar mi forma de trabajar a la mecánica industrial”, señala.

Historia de fam
ilia
El español nacido en Cataluña, Vicente Pallarols, un antepasado remoto de Juan Carlos, fue el que inauguró la saga de reconocidos orfebres en 1750, en la ciudad de Barcelona (noreste de España). Varios de sus herederos fueron a probar suerte a Argentina, aunque después regresaban a Barcelona para formar una familia, hasta que uno finalmente decidió quedarse en el Río de La Plata.

“José Pallarols, mi abuelo, llega a Buenos Aires en 1908 y tiene la suerte de que lo contratan para realizar un montón de obras porque se iba a celebrar (dos años después) el centenario de la revolución independentista de Argentina”, explica Juan Carlos Pallarols. El orfebre catalán “se enamoró de la platería indígena, con la técnica española y el gusto americano” y comenzó a hacerse famoso. Su hijo, Carlos, un prodigioso dibujante, continuó con la tradición y se radicó en Buenos Aires, donde se casó con una emigrante gallega y nacieron sus hijos, entre ellos Juan Carlos. Carlos Pallarols fue creador de una bellísima obra para Evita, esposa del presidente Juan Domingo Perón y fallecida en 1952. El trabajo consistía en una mascarilla de lámina fina a modo de sarcófago que cubría el cuerpo momificado de Eva Perón. Pero la revuelta militar de 1955 en contra de Perón terminó con el sueño de exponer la obra, ya que los Pallarols se ven obligados a fundirla.

Prácticamente arruinada, la familia tuvo que mudarse y con la ayuda de unos frailes amigos instaló su taller en un convento franciscano, en la provincia de Corrientes, donde, desde niño, Juan Carlos aprendió el arte de tallar con el cincel.

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se casarán Tom Cruise y Katie Holmes.

Juan Guzman — Fri, 17 Nov 2006 11:42:00 +0000

Alessandro Bianchi / Reuters
La pareja asistió la noche de este miércoles a una cena con el alcalde de Roma. Se casarán este fin de semana en un castillo cerca de la capital italiana.

Tony Gentile / Reuters
Los invitados al enlace también han comenzado a llegar a la capital italiana. Como Jim Carrey y su novia, Jenny McCarthy, que han arribado al aeropuerto de Ciampino este miércoles.

Max Rossi / Reuters
La boda de ‘TomKat’. Un camión lleva flores al Castillo Odescalchi en Bracciano, al norte de Italia, donde este fin de semana se casarán Tom Cruise y Katie Holmes.

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Reporteros a Italia por boda Cruise-Holmes

Juan Guzman — Thu, 16 Nov 2006 20:11:00 +0000

ROMA – El Castillo Odescalchi cercano al Lago de Bracciano, probable escenario para la boda de Tom Cruise y Katie Holmes el fin de semana, ya había atraído a otros famosos como la corresponsal de CNN Christiane Amanpour y el cantante italiano Eros Ramazzotti.
La especulación sobre el evento Cruise-Holmes programado para el sábado se redujo el martes a la construcción romántica medieval del siglo XV, con su biblioteca de techos pintados al fresco y una a logia con vista al lago 40 kilómetros al norte de Roma, mientras la prensa internacional se congregaba en la tranquila ciudad.
Cruise, de 44 años, astro de las películas “Misión: Imposible”, llegó a Roma el lunes con unas 10 personas.
Las autoridades y residentes locales se han negado a pronunciar palabra, y el alcalde de Bracciano sólo ha reconocido que la ciudad recibió una solicitud para despejar la plaza frente al castillo.
Cuando Amanpour se casó con el entonces vocero del Departamento de Estado estadounidense James Rubin en agosto de 1998, unos 180 invitados, incluyendo a John F. Kennedy Jr., asistieron a la recepción en el castillo.
Y unos meses antes, en el mismo lugar, Ramazzotti desposó a la animadora de televisión Michelle Hunzicker ante un grupo de celebridades que incluyó a la estrella del rock Tina Turner y al motociclista Max Biaggi.
Otrora hogar de príncipes y papas, la imponente residencia es ahora usada para convenciones, cenas y recepciones. Con sus seis torres, salones, jardines, y una capilla cercana, el castillo tiene una capacidad para hasta 1.400 invitados. Su museo, que incluye frescos y muebles antiguos, está abierto al público.
Cruise y Holmes, de 27 años, se comprometieron en junio del 2005. El 18 de abril tuvieron una hija, Suri.
Holmes, quien protagonizó la serie televisiva “Dawson’s Creek”, estuvo previamente comprometida con el actor Chris Klein. Cruise también estuvo casado antes con la actriz Mimi Rogers y tuvo un seguido noviazgo con la estrella española Penélope Cruz.

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Juan de la Cruz revela el humor oculto en las bodas

Juan Guzman — Mon, 06 Nov 2006 13:39:00 +0000

De la Cruz, con su perro Flamenco, en Spectrum Sotos.
El arte surge en los lugares más extraños, y por los motivos más insospechados. De la fotografía de bodas a la fotografía artística parece mediar un abismo, pero el empeño de Juan de la Cruz en no aburrirse en su trabajo hace que desaparezca esa distancia. Los que quieran comprobarlo pueden acudir a la Galería Spectrum Sotos, hasta el próximo 29 de noviembre, para contemplar la selección de fotografías de Bodas 1979-1999.
Los pilares de la obra de Juan de la Cruz son la originalidad y el buscar la mejor fotografía posible en cada ocasión, hacer arte de cualquier cosa. Parte “de la vocación frustrada de ser fotógrafo artístico y director de cine”, a la que se vio obligado a renunciar, para poder comer, y venderse como “mercenario” en las bodas. Pero no por eso iba a renunciar al arte, así que en sus reportajes iba colando, entre lo más tradicional, fotografías que él quería hacer, normalmente “desde el lenguaje del humor, que es algo muy serio”.
Para ello se basa en la idea de que “una buena fotografía se puede conseguir en cualquier parte, no hace falta ir a India para conseguir buenas obras. India, que la fotografíen los indios”, bromea. Para él, su paisaje idílico ha sido su tierra natal, Murcia, “que no es tanto Europa meridional como África septentrional”, según de la Cruz. Porque allí las fiestas, y en concreto las bodas, se celebran “por todo lo alto, tirando la casa por la ventana”.
Sus instantáneas recogen lo que nadie se imaginaría en un álbum de boda, como las vecinas que se reúnen a la sombra para cotillear sobre lo guapa (o fea) que va la novia, o la abuela que limpia una mancha en el suelo para que no salga en la foto. Sus paisajes son lugares significativos para los novios, no paisajes ideales. Todo un esfuerzo de originalidad que le ha valido amplios reconocimientos desde que se inaugurara la exposición, hace siete años.
Entonces, un arquitecto con el que también colaboraba –”hago fotografía aplicada, soluciono problemas, no solo de bodas”– le animó a exponer su obra, y consiguió que Joaquín Ruiz, de la galería H2O de Barcelona, la aceptara. Tras el debut, la muestra comenzó a viajar, y pronto ganó el Primer Premio en la prestigiosa feria Fotoespaña de Madrid. El éxito le llevó también a publicar el libro Vivan los novios, en el que sus instantáneas se acompañan de textos de Gomaespuma, que también puede adquirirse en Spectrum.
Con todo este bagaje llega a Zaragoza, una ciudad relacionada con su próximo proyecto, ya que el zaragozano Antonio Ansón colaborará con él en el tercer volumen de la colección Cuarto Oscuro, editada por la Universidad de Zaragoza; un libro que agrupará sus primeras fotografías –”las que hice cuando no sabía nada, y por eso, las mejores”– bajo el título de Pan, Vino y Azúcar.

Eugéne Atget, minucioso retratista del París más oculto Eugéne Atget, minucioso retratista del París más oculto La Fundación...

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Rescata un creador la nostalgia por una Praga ”mágica y plácida”

Juan Guzman — Tue, 31 Oct 2006 14:33:00 +0000

El medio tono, los grises, son las atmósferas que Oscar Menéndez aprendió a captar, con profundo placer estético, en la capital de Checoslovaquia. Aquí una de las 44 fotografías del cineasta incluidas en el libro Praga-Imágenes
La nostalgia invade al cineasta Oscar Menéndez cuando recuerda su estancia siendo estudiante de cine en la mágica ciudad de Praga, de 1958 a 1961.
Antes de pasar a las imágenes en movimiento, había que aprobar la materia de fotografía en la especialidad de foto fija.
Entonces Menéndez tomó su cámara y se lanzó a las calles y las plazas, de noche y de día, para retratar su entorno, no como una obligación, sino como un profundo placer estético.
De regreso a México mostró algunas de sus fotografías en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), donde estudiaba.
Con el tiempo, sin embargo, se guardaron. Desde hace unos años Menéndez fundó una modesta editorial en Cuernavaca, llamada La Rana del Sur, que produce dvd de sus películas.
Asimismo edita libros sobre el estado de Morelos, la situación campesina y social.
Ventajas de la digitalización
Ahora que Oscar Menéndez revisó su archivo decidió sacar la serie de Praga.
Gracias a la digitalización, expresa el artista, en la actualidad es posible producir libros gráficos a un costo accesible.
Así nació Praga-Imágenes, ”al parecer el primer libro mexicano, hecho por mexicanos, sobre esa ciudad”, manifiesta con orgullo.
Las 44 fotografías, a la manera de una secuencia cinematográfica, revelan el puente del rey Carlos, el castillo, las tabernas, el río Moldava y sus canales, y las 100 torres de oro entre la niebla.
El volumen está dedicado a ”nuestro inolvidable amigo” Mauricio Achar, quien ”nos apoyaba en todo”.
En la presentación de su obra, Menéndez recuerda cómo, después del Festival de la Juventud en Moscú, en 1957, llegó por primera vez a Praga, ciudad que lo deslumbró.
Al regresar a México descubrió que la embajada checoslovaca había lanzado la primera convocatoria para estudiantes mexicanos que quisieran ir a estudiar al país socialista.
Con el apoyo de la UNAM, el joven pudo acceder a una beca. Era la época de oro del cine checo.
También aportan textos personas que estuvieron en Praga en la misma época, como el grabador Adolfo Mexiac, quien confiesa: ”No sé de quién fue novia primero, yo siempre la consideré mía en el corazón y me sigo adhiriendo a esa promiscuidad de los que la hemos amado”.
Pocos automóviles
El periodista Guillermo Zamora, por su parte, relata un encuentro desconcertante durante su estancia en esa ciudad rumbo a Moscú.
De Roberto López Moreno se publica el poema Diurno a Julius Fucik, también periodista que cayó prisionero durante la invasión de Hitler a Checoslovaquia y fue ejecutado en Berlín. Logró dejar testimonio de su sufrimiento gracias a que su carcelero le proporcionó papel y pluma y se encargó de sacar los textos de la prisión.
Asimismo escriben Ricardo Ferré D’Amaré, Gloria Cejka Luna, de padre checo y madre mexicana; Félix García y Kenia Velázquez.
El entrevistado lamenta que no se haya podido incluir Carta de amor a Praga, del crítico de arte Antonio Rodríguez.
En las imágenes de Oscar Menéndez se aprecia una Praga que muchos de ellos vivieron: ”Plácida, bellísima, con muy pocas personas. Además, en todas las fotos que presento no se ve un solo automóvil. No es que no habiese, pero eran muy pocos”.
Fue en Praga donde el cineasta aprendió a captar las atmósferas: ”Lo que pasa es que la luz de México es totalmente diferente. Cuando regresé, dije, qué es esto, una luz luminosa, brillante, contrastada.
”Allá es en medio tono, son los grises. Evidentemente trato de aplicar esas atmósferas aquí y están en algunas películas mías.”
Invitación de Octavio Paz
La vida de Menéndez, no obstante, estuvo a punto de tomar otro rumbo: ”Una vez que los compañeros nos fuimos de vacaciones a París, saludamos a Octavio Paz, quien era agregado cultural en la embajada de México. Llevé las fotos que hacía en Praga. A Paz le gustaron mucho y me dijo: ‘oiga, ¿por qué no se queda en París? Conozco a (Henri) Cartier-Bresson y podría trabajar muy bien acá’.
”Me quedé pensando, qué atractivo que Octavio Paz diga una cosa de éstas. Estaba dispuesto, de alguna manera, a hacerse cargo de mí en París. Hubiera cambiado mi vida por completo.
”No me arrepiento de nada, pero lo tomo como estos grandes pasos que a veces tiene uno en la vida, que le cambian totalmente su trayectoria. Regresé a Praga porque tenía que seguir estudiando cine.”
Aunque Menéndez ha vuelto a Europa varias veces, nunca ha querido pisar de nuevo Praga, porque ”se me hace una traición a lo que había visto. Prefiero quedarme en el pensamiento con la Praga que viví, con toda la nostalgia, y no ver lo que pasa ahora que es otro momento histórico. El mundo cambia, pero no la memoria del hombre que quiere conservar esas imágenes, esos espacios, esas vivencias”.
Praga-Imágenes fue presentado hace unos días en el Museo de la Ciudad de México, en el contexto de la sexta Feria del Libro en el Zócalo.

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Esta Semana en el Centro Leon de Santiago

Juan Guzman — Wed, 25 Oct 2006 14:14:00 +0000

Laudo de Premiación

El Jurado de Premiación del XXI Concurso de Arte Eduardo León Jimenes, integrado por María Elena Ditrén, Rocío Aranda y Carlos E. Palacios, reunidos en las oficinas del Centro León de la ciudad de Santiago de los Caballeros, República Dominicana, luego de un exhaustivo y minucioso examen de tres días de trabajo revisando las 79 obras de los 59 artistas seleccionados, conforme al documento de las Bases del Concurso previamente publicado por la empresa patrocinadora y la institución organizadora, HA DECIDIDO A UNANIMIDAD:
(1) OTORGAR UN GRAN PREMIO ENTRE TODAS LAS OBRAS PARTICIPANTES, de acuerdo al Inciso (b) del Artículo 18, Capítulo VII, de las Bases antes mencionadas, a la obra Sin título de Raquel Paiewonsky. Los miembros del jurado consideraron que esta pieza se distingue del resto por su poderosa fuerza conceptual, relacionada con el tema de la diferencia a través del cuerpo, resaltando problemas no resueltos en torno a la identidad y los géneros. Por otra parte, resulta muy innovadora su mirada sobre el discurso fotográfico, renovando un original punto de vista sobre el retrato y entendiendo a la fotografía como una “puesta en escena” en la cual es posible fusionar múltiples lenguajes como el performance y la pintura, logrando una disolución de los límites del género fotográfico. Finalmente es considerable destacar el interés de la artista por presentar un trabajo técnicamente impecable, lo que refuerza los alcances de su discurso artístico.
(2) OTORGAR CINCO PREMIOS IGUALITARIOS SEGÚN GÉNERO ARTÍSTICO, de acuerdo al Inciso (a) del Artículo 18, Capítulo VII, de las Bases antes mencionadas:
Premio de Videoarte a: Joan Alberdy Padilla por su obra Neo-Verónica, por cuanto la misma ofrece una reflexión semiótica muy extrema en torno a la crisis de la imagen en el arte contemporáneo. De la misma manera establece una tensión entre la obra y el espectador a través de una paradoja sobre la imagen, su ausencia y su reconstrucción mental. Cabe destacar su impecable factura técnica y la inteligencia de esta original propuesta, que por otra parte plantea un cruce conceptual muy sutil en torno al icono y su percepción contemporánea.
Premio de Escultura a: Marco Giuseppe Riggio Fernández por su obra Fenotipo. Es destacable en esta propuesta su inteligente y delicado desarrollo de la forma en el espacio a partir de una gran sutileza en el empleo y en la resemantización de un material orgánico. De este modo, metaforiza el viaje aludiendo a los movimientos migratorios que caracterizan a las sociedades contemporáneas y que a su vez forman parte de la cultura insular del Caribe y de la identidad dominicana en particular, en una obra que alude a contenidos sociales e identitarios sin ser anecdótica ni didáctica, sino profundamente intuitiva e inteligente.
Premio de Instalación a Jorge Luis Pineda Pérez por su propuesta Afro, ya que demuestración con el espacio, logrando una definición de la instalación muy precisa. Conceptualmente, Jorge Pineda maneja con seguridad ideas ligadas a la raza, la cultura urbana de la negritud como registro de una identidad, bajo códigos visuales muy contemporáneos.
Premio de Dibujo a Inés Tolentino por su obra Tom tom tómbola. Por la frescura del dibujo, la seguridad del trazo y por la mezcla innovadora de múltiples recursos dentro de las fronteras de esta técnica. Asimismo, la construcción espacial dinámica y fluida, cargada de referencias conceptuales y narrativas desmitificadoras de una visión de los cánones y los tópicos relacionados con la obra de arte.
Premio de Pintura a Fernando Varela por su obra La palabra callada XII, por cuanto demuestra un impecable dominio del género en todos sus aspectos formales y técnicos, por la concepción de lo pictórico como un lenguaje cifrado, en una obra laboriosa pero a la vez sutil, desde una pintura que se plantea como una escritura y como una huella. Asimismo, esta obra es la constatación de un lenguaje personal que demuestra seguridad y maestría.
(3) OTORGAR CUATRO MENCIONES DE HONOR correspondientes a las siguientes obras y de acuerdo al Inciso (c) del Artículo 17, Capítulo VI, de las Bases antes mencionadas:
Mención de Honor a Lilve Karina García De Angelis por su fotografía:
C-13 A.
Mención de Honor a Johnny Mayo Bonnelly Sagredo por su escultura:
Arte po po popular.
Mención de Honor a María Román por su serie de dibujos:
Una isla invadida.
Mención de Honor a Rafael Pérez (Chepe) por su pintura:
Aves no voladoras.
(4) Este Jurado de Premiación, de acuerdo al Inciso (b) del Artículo 17, Capítulo VI de las Bases antes mencionadas, decidió declarar desierto el Premio de Fotografía y también declara como desierto el Premio de Cerámica.
Firmado en el Centro León, Santiago de los Caballeros, República Dominicana a los dieciocho días del mes de octubre de 2006,

Rocío Aranda
María Elena Ditrén
Carlos E. Palacios

————————————-
ESTA SEMANA
Tertulia Caribeña
Comer como un dominicano
El arroz en la paila dominicana
El moro, el locrio, el arroz blanco y el asopao, son sólo algunas de las variantes que se cuecen en la cocina dominicana

Fecha: Martes 24 de octubre
Hora: 7:30 p.m.
Lugar: Patio Caribeño del Centro León
El maestro de la cocina Mike Mercedes compartirá su experiencia de más de 50 años como chef y conversará sobre la influencia del arroz en las recetas dominicanas.
El arroz es considerado por muchos como el alimento básico de la República Dominicana, por su importancia en la alimentación y en la generación de riquezas en los sectores agrícolas e industrial. El uso principal es como arroz blanco, conformando junto a las habichuelas y la carne el plato nacional conocido como la “bandera dominicana”, otro de los temas que ha sido tratado en el marco de las Tertulias Caribeñas dedicadas a conocer los secretos de Comer como un dominicano.•

Cine Club
Despabílate mi amor
Fin del ciclo de cine sobre el universo del importante creador del séptimo
arte en Argentina, Eliseo Subiela

Fecha: Miércoles 25 de octubre
Hora: 7:00 p.m.
Lugar: Auditorio del Centro León
El film muestra dos caras: la de la evocación nostálgica y el retrato actual de los personajes de ayer, colmado de emoción, de sinceridad, de hallazgos expresivos (los encuentros de un periodista con su ex novia, hoy mujer de su viejo amigo), y el de los desvelos personales del protagonista, sobrecargado de textos poéticos que suelen interponerse en el avance de la acción. Como si hubiera un film de imágenes y otro de palabras; uno conmovedor, elocuente, paradójicamente más poético porque se apoya en sugerencias, en el compromiso emotivo de los intérpretes, en la agudeza de los apuntes, en la lucidez de la observación, en el dulce paladeo de la nostalgia; el otro, más compuesto y menos convincente porque se diría sujeto no a lo que Subiela ve (o siente) sino a lo que Subiela quiere ver.•

Conversatorio
La parada de las aves migratorias en la República Dominicana

Pedro Rodríguez, miembro de la Sociedad Ornitológica de la Hispaniola descubrirá el origen y las rutas de migración que recorren algunas especies de aves a su paso por la República Dominicana. A propósito del Festival Mundial de las Aves.
Fecha: Jueves 26 de octubre
Hora: 7:00 p.m.
Lugar: Auditorio del Centro León

El Festival Mundial de las Aves celebra la increíble variedad y belleza de las aves existentes en nuestro planeta, resaltando su importancia para las personas y culturas. La celebración, que se lleva cabo durante todo el mes de octubre, fomenta la conservación de las aves a través de distintas actividades como el conversatorio que se llevará a cabo en el Centro León en colaboración con la Sociedad Ornitológica de la Hispaniola, donde Pedro Rodríguez, conversará sobre las distintas paradas que realizan en la República Dominicana algunas especies de aves a la hora de migrar de un ecosistema a otro.•

Video Café
Merengues en Reservas

Un concierto donde Francis Santana, Frank Cruz, Vinicio Franco y Joseíto Mateo interpretan los principales merengues tradicionales de la República Dominicana. En el marco de la celebración del 65 aniversario del Banco de Reservas de la República Dominicana

Fecha: Viernes 27 de octubre
Hora: 8:00 p.m.
Lugar: Patio Caribeño del Centro León
La reciente producción del volumen I de Merengues en Reservas será proyectada en el marco del espacio del Video Café del Centro León en conmemoración del 65 aniversario del Banco de Reservas de la República Dominicana.
Esta presentación en pantalla gigante promete ser un buen espectáculo en el que los artistas Francis Santana, Joseíto Mateo, Vinicio Franco y Frank Cruz interpretarán merengues que marcaron una época importante en la historia del género musical. Entre los temas que interpretarán los conocidos cantantes están Caña brava, El negrito del batey, Compadre Pedro Juan, La chiva blanca, Arroyito cristalino, La empalizá, María Tomasa, Feliciana, Juana Mecho, Los algodones y Sancocho prieto.
Con esta presentación, se persigue la difusión de un género musical que forma parte de la cultura popular dominicana y contribuye a mantener en la memoria colectiva nuestras más genuinas características como pueblo.•

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Usan palacio como escenario fotográfico

Juan Guzman — Sun, 08 Oct 2006 11:13:00 +0000

Chihuahua.- Por su belleza arquitectónica y la historia que alberga el palacio de Gobierno, en punto de atracción tanto para novias y quinceañeras que desean plasmar ese día tan importante en una foto justamente en este recinto nacional.
Principalmente los fines de semana, se puede contemplar, además de turistas y ciudadanos que visitan el palacio gubernamental quines no se retiran sin retratarse primero, también se puede observar a fotógrafos profesionales que utilizan este lugar como escenario para plasmar las imágenes de recién casados, y quinceañeras.
Cabe señalar, que el palacio de Gobierno conquista por su arquitectura neoclásica construido a finales del siglo 19 con cantera labrada, su exterior esta compuesto por piedra tallada.
Hay un espacioso patio interior con pasillos adornados por murales que relatan la historia de Chihuahua, desde la época de la conquista hasta la reforma.
A un lado de la escalera, en el lugar exacto donde fue fusilado Don Miguel Hidalgo y Costilla, se puede observar el llamado “Altar a la Patria”, el cual está representado por una llama eterna.
Asimismo otros puntos llamativos para los recuerdos de bodas y XV años, son: La Quinta Gameros, los Jardines del Cidech y el parque del arte.

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