Fotografía Dominicana » Museo de Arte Moderno

Las pinturas “inacabadas” de José Manuel Ciria llegan a Santo Domingo

Juan Guzman — Tue, 17 Jun 2008 21:29:35 +0000

IBLNEWS, AGENCIAS

Las pinturas “inacabadas” del español José Manuel Ciria llegarán a partir del próximo martes al Museo de Arte Moderno (MAM) de Santo Domingo, Republica Dominicana, donde se expondrá una muestra de este artista bajo el título “Rare Paintings. Ciria”, informó esta institución.

Se trata de 34 pinturas de la serie “La Guardia Place”, cuyo nombre alude a la ubicación del taller de Ciria en Manhattan, Nueva York.

En una nota el MAM explicó que, según el artista, la denominación “rare painting” hace referencia a “una pintura cruda e inacabada que evita la sensación de rotundidad, dando a la retórica del texto visual el deseo de otros énfasis”.

La serie mantiene la constante de la definición del color, los espacios a través de la línea que nunca interrumpen las áreas adyacentes y define contornos, dando como resultado formas concretas que, aisladas, se convierten en temas principales.

El comisario de la exposición, Carlos Delgado, señaló que en esta muestra, “el artista se encuentra en la génesis de un fascinante proceso de investigación avalado por su férrea capacidad de explorar con éxito los diversos epígrafes que glosan su evolución”.

“Y así, al final de este recorrido por la obra reciente de José Manuel Ciria, hemos vuelto al punto de partida, es decir, al campo de reflexión conceptual como foco de la creación plástica”, agregó.

Para el MAM, esta exposición “pone en evidencia que José Manuel Ciria, a través de su trayectoria creativa, se ha convertido en uno de los protagonistas de la renovación pictórica de España”.

“A partir de la abstracción que inspira la mayor parte de su obra, la incorporación de objetos y cuerpos humanos ha ido ampliando el campo de la representación, conjuntamente con la utilización de múltiples soportes y materiales y una gama de colores recurrentes, en la que sobresalen el blanco, el verde, el negro y, sobre todo, el rojo”, señaló la institución.

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Celebran aniversario 50 del Guggenheim

Juan Guzman — Thu, 13 Sep 2007 14:18:00 +0000

NUEVA YORK (USA).-El museo de arte moderno Solomon R. Guggenheim, diseñado por el legendario Frank Lloyd Wright, está siendo sometido a una remodelación exterior, por un monto de 29 millones de dólares, que se espera será completada a tiempo para su aniversario número 50 en el 2009.

La Fundación Guggenheim dijo que una revisión de dos años sobre el estado del edificio alzado en 1959 señala que se encuentra en buen estado, pero deben de rellenarse varias grietas en el exterior, protegerse su concreto y tratar contra la oxidación sus partes de acero.

El proceso de evaluación incluyó retirar 11 capas de pintura exterior, revelando cientos de grietas, la mayoría causada por fluctuaciones de temperatura.

“Frank Lloyd Wright, quien siempre se mantuvo a la vanguardia tecnológica y muchas veces se adelantó a su época, es también conocido por los fallos en sus edificios, muchas veces de naturaleza estructural”, dijo Pamela Jerome, de la firma Wank Adams Slavin Associates LLP, una de las varias que participaron en la evaluación, de acuerdo con una declaración dada a conocer por el museo el martes.

“Aunque son necesarias algunas reparaciones en reforzamientos, nuestra investigación encontró que el diseño radical de Wright para el Guggenheim carece de reproche alguno”, agregó.

La fundación dijo que la restauración tuvo que considerar al edificio tanto como una obra de arte, como una estructura arquitectónica.

“Estructuralmente esto presentó varios retos que requerían de soluciones creativas, entre ellas el uso de fibras de carbón” como material de reforzamiento, capaz de resistir la temperatura y el viento, dijo. “Wright fue uno de los proponentes de nuevos métodos y materiales de construcción, por lo que se piensa que hubiera aprobado el uso de este material”.

El museo continúa abierto durante las labores de restauración. Buena parte de su interior fue restaurado en 1992. (Museo Guggenheim: www.guggenheim.org/ Fundación Frank Lloyd Wright: www.franklloydwright.org/

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Abierta la convocatoria para la 24 Bienal Nacional de Artes Visuales 2007

Juan Guzman — Sat, 30 Jun 2007 13:14:00 +0000

Está dedicada a la artista Soucy de Pellerano

SANTO DOMINGO, D.N.- La Secretaría de Estado de Cultura y el Museo de Arte Moderno anunciaron la convocatoria para la 24 Bienal Nacional de Artes Visuales 2007, dirigida a artistas dominicanos, residentes o no en el país, y artistas extranjeros que han vivido en República Dominicana por un mínimo de cinco años.

La actividad consistirá en una exposición central con las obras seleccionadas por el jurado y en una serie de eventos paralelos como exposiciones, coloquios, visitas guiadas, encuentros y talleres. La Bienal será inaugurada el 16 de agosto de este año, a las 7:30 de la noche, en el Museo de Arte Moderno.

La organización otorgará un gran premio/diploma de honor y quinientos mil pesos para un ganador y ocho premios igualitarios sin distinción de categoría de 250,000 pesos.

La fecha límite para la entrega de las obras será el viernes 13 de julio, a las 8:00 de la noche del presente año 2007. El jurado, cuya decisión será inapelable, dará a conocer en un acto público las obras premiadas dentro del plazo de quince días laborables subsiguientes a la inauguración de la Bienal.

Cada obra enviada a la Bienal deberá estar acompañada de un formulario que tendrá las generales del participante y una ficha técnica de la obra. Al momento de la entrega, cada artista deberá proporcionar un CD con un resumen de su currículo actualizado en formato Word. Además, cada artista tendrá derecho a participar simultáneamente en cualquiera de las categorías establecidas y podrá concurrir con tres obras en total, las cuales serán depositadas en el Museo de Arte Moderno.

Sólo se recibirán obras inéditas, que no hayan sido presentadas en exhibiciones públicas o concursos anteriores, públicos o privados, en el país o en el extranjero y cuya ejecución no date de más de dos años antes de la presente convocatoria.

El comité organizador de la 24 Bienal Nacional de Artes Visuales 2007 está integrado por el secretario de Cultura, José Rafael Lantigua, quien lo preside; la directora del Museo de Arte Moderno, María Elena Ditrén; la presidenta de la Fundación Museo de Arte Moderno y el presidente de los Amigos del Museo de Arte Moderno.

También integrarán el comité un representante del Colegio Dominicano de Artistas Plásticos, un representante de la Asociación Dominicana de Críticos de Arte, el director nacional de Artes Visuales, el director de la Escuela Nacional de Bellas Artes, tres agentes culturales de las artes plásticas seleccionados por la Secretaría de Estado de Cultura y un representante del Ayuntamiento del Distrito Nacional.

Los artistas podrán participar en las siguientes categorías: pintura, escultura, dibujo, obra gráfica, fotografía, video y/o multimedia, cerámica, instalación, acciones plásticas, visuales, sonoras y performance.

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Documenta 12: arte sin fronteras

Juan Guzman — Tue, 26 Jun 2007 14:19:00 +0000

Manuel Toledo
BBC Mundo, Kassel

Vea las imágenes

Una de las exposiciones de arte contemporáneo más importantes del mundo, Documenta 12, se acaba de inaugurar en Kassel, Alemania.

La muestra, que se celebra cada cinco años, reúne más de 500 obras de artistas de todo el planeta.

“Mi primer objetivo fue dejar de centrar la atención en el arte europeo, occidental, estadounidense”, le explicó a BBC Mundo el curador de Documenta, Roger M. Buergel.

“Pero no quería mostrar a artistas africanos o indios o árabes superficialmente. Quería mostrar la profundidad histórica de geografías culturales sobre las que no tenemos ningún conocimiento”, dijo.

Mi primer objetivo fue dejar de centrar la atención en el arte europeo, occidental, estadounidense

Roger M. Buergel, curador de Documenta

Según Buerguel, “es saludable que dejemos atrás el canon occidental porque ya no se puede considerar a China o India como el tercer mundo: dentro de poco superarán a Occidente”.

“Tenemos que adentrarnos en las tradiciones artísticas de esas culturas porque también nos ayudan a comprendernos a nosotros mismos”, añadió.

Pabellón G

Documenta 12 cuenta con seis espacios expositivos en Kassel y, por primera vez en su historia, tiene un “pabellón” fuera de Alemania.

Los platos de Adrià supuestamente pueden crear una experiencia estética.

El llamado “Pabellón G” es el restaurante elBulli, en Cala Montjoi, en el nordeste de España, cuyo chef, Ferran Adrià, fue para muchos una de las más sorprendentes elecciones en la lista de artistas de esta exposición.

“Para decirlo en pocas palabras: creo que es un genio”, le dijo Buerguel a la BBC.

“Yo no quería centrarme en el arte mismo o en el objeto, sino en la experiencia estética y es por eso que en esta exposición el público importa mucho”.

“Ferran es capaz de crear una experiencia estética y para mí estaba claro, después de yo haber trabajado en Barcelona, que lo necesitaba”, señaló el curador.

Lea también: Ferran Adrià conversa con BBC Mundo

Experiencia directa

La preocupación por darle prominencia al encuentro directo del público con la obra de arte es algo que se observa con facilidad en todos los pabellones.

En varios casos, Buergel distribuyó las obras de un mismo artista en diversos pabellones.

Ésta no es de esas muestras abarrotadas de información donde los espectadores no tienen espacio ni para respirar.

Por el contrario, a veces podría parecer qu
e la información es insuficiente, por ejemplo, al no incluirse la edad o la proveniencia de los artistas en las etiquetas junto a sus obras.

“No creo que el arte tenga mucho que ver con la información, ni creo que mirar etiquetas le ayude a uno; lo que hay que hacer es mirar al propio arte”, dijo Buerguel.

No creo que el arte tenga mucho que ver con la información, ni creo que mirar etiquetas le ayude a uno; lo que hay que hacer es mirar al propio arte

Roger M. Buergel

“Documenta 12 no es una olimpiada ni tiene que ver con nacionalidades: no me importa que un artista sea de Nigeria, de Turquía o de Isle of Man, lo que me interesa es que su obra cree algo, dentro de una exposición, que yo considere significativo”.

El curador destacó que, como uno de los objetivos de Documenta 12 es promover la educación artística, “hemos hecho un enorme esfuerzo por crear un catálogo que tenga sentido y que no esté sobrecargado de ensayos inútiles, sino que ofrezca la información básica que uno necesita si quiere adentrarse más en una obra determinada”.

Aire de misterio

La reacción del público en general y de los especialistas que han hablado con BBC Mundo ha sido muy positiva.

“Voracidad máxima” es el nombre de esta instalación de Dias & Riedweg.

“Esta Documenta me gusta mucho porque tiene un aire de misterio”, dijo Alma Ruiz, curadora del Museo de Arte Moderno de Los Ángeles, Estados Unidos.

“Es una exposición que no se revela muy fácilmente en cuanto a su contenido y que nos hace pensar mucho”.

“El curador ha dejado caer, a través de la exposición, toda una serie de señales, de pequeños mensajes, que tenemos que ir hilando para luego componer una historia”, señaló Ruiz.

Según ella, “la selección de artistas es diferente a la que se hizo este año en la Bienal de Venecia y nos presenta un cuadro nuevo sobre el arte”.

Lea también: Venecia, entre la guerra y la paz

América Latina

Para Ruiz también es importante el grupo de artistas latinoamericanos que se exponen en Kassel.

“El curador se ha interesado mucho en Latinoamérica, en artistas que son muy meritorios, por ejemplo, la brasileña Mira Schendel, a quien presenta desde varios puntos de vista, con esculturas, con algunos de los libros que ella hizo, con sus monotipias, por lo cual uno puede tener una idea bastante completa”.

Una de las piezas más bellas de Documenta es de la artista brasileña Iole de Freitas.

“Además, se ve que él ha seleccionado a los artistas que le han gustado, aunque no sean de mucho renombre”.

“Ha seleccionado, por ejemplo, a León Ferrari, un artista argentino, que tiene casi 90 años y que ha trabajado muchísimo tiempo en Argentina, pero no había tenido proyección internacional hasta hace poco, primero en Houston, Texas, y en la Bienal de Sao Paulo y ahora en la Bienal de Venecia y en Documenta”.

“A Juan Dávila, que es de Chile, pero vive en Australia, que es un artista muy político y por lo cual lo inserta, a lo largo de la exposición, debido al impacto que tienen sus obras, en pequeñas dosis”.

“También de Iole de Freitas, una artista brasileña, hay una instalación espectacular, que me parece una de las obras más bellas que hay en Documenta”.

Al mismo nivel

Ella Fontanals-Cisneros, una de las grandes coleccionistas de arte latinoamericano y presidenta de la Fundación CIFO, con sede en Miami, Estados Unidos, también destacó el hecho de que haya muchos artistas de América Latina en Kassel.

El chileno Juan Dávila es uno de los artistas que recibe mayor prominencia en Documenta.

“Documenta nos da una visión global de lo que está pasando y de lo que ocurrirá en los próximos años en el arte contemporáneo”, le dijo a BBC Mundo.

“En el contexto internacional, los artistas latinoamericanos están al mismo nivel que los estadounidenses, los canadienses o los europeos”.

“Hoy en día son otros artistas más en el contexto global, que no son vistos a través del concepto de grupo étnico o por país”.

Fuerza heurística

Uno de los artistas latinoamericanos cuya obra se exhibe en estos días en la Bienal de Venecia y en la feria de Basilea, Suiza, el cubano René Francisco, también viajó a Kassel para ver Documenta.

“Pienso que se marca una diferencia en Documenta con respecto a la Bienal de Venecia en que se concentra un poco más en descubrir zonas que están un poco escamoteadas por los nombres viciados de artistas y de tendencias”, le dijo a BBC Mundo.

La exposición estará abierta hasta el 23 de septiembre.

“Es sintomático que en Documenta no se repitan tantos nombres famosos”.

“En Venecia algunas piezas me impresionaron, cosas que lo ponen a uno como artista a prueba de lo que está pasando, pero en general la bienal no me inspiró, no sentí lo que llaman una fuerza heurística”.

“Se nota que hay un interés en Europa de crear exhibiciones potentes y ojalá que Documenta influya sobre las otras y no las otras sobre Documenta”, concluyó.

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Andres Serrano y Sylvia Plachy inauguran sus exposiciones en el Círculo de Bellas Artes en el marco de PhotoEspaña

Juan Guzman — Wed, 30 May 2007 21:58:00 +0000

MADRID, 30 (EUROPA PRESS)

Los fotógrafos Sylvia Plachy y Andres Serrano inauguraron hoy respectivas exposiciones en el Círculo de Bellas Artes en el marco del PhotoEspaña. Olivia María Rubio, comisaria de la muestra, ha destacó la importancia de la obra de Serrano y la oportunidad única de ver sus series más famosas.

Por otra parte, Mireia Sentís y Joaquín Gallego han hablado “De reojo”, la exposición de Plachy que muestra por primera vez en España las fotografías de esta fotógrafa neoyorkina. Un trabajo que se expone sin aparentes hilos conductores, sólo guiados por el feeling o por la intuición del que mira. Han comentado que el título responde al modo de Sylvia de realizar las fotos, cuando nadie se lo espera, como quien mira de reojo.

Andres Serrano desde principios de los años ochenta ha abordado con sus imágenes los asuntos más controvertidos y polémicos del mundo contemporáneo. “El dedo en la llaga”, exposición coproducida por ARTIUM, Tecla Sala de L”Hospitalet del Llobregat y PHotoEspaña, es la primera retrospectiva que se celebra en España sobre su trabajo.

Los fluidos del cuerpo, la exclusión, el fanatismo, la religión, la enfermedad o la muerte, están presentes en las series que se presentan en esta muestra, entre las que se encuentran Nómadas, El Klan, Budapest, las obras sobre fluidos y nuevas imágenes de La Morgue. Quizás por eso la obra de Andres Serrano se haya visto a menudo bajo el prisma de la polémica, como cuando su nombre saltó a la fama internacional a raíz de la denuncia que dos senadores hicieron de su obra Piss Christ (1987) ante el Senado de los Estados Unidos en 1989.

CONTROVERSIA La elección de los temas y el modo de tratarlos han situado igualmente su obra en los parámetros de la controversia. La contundencia de sus imágenes se apoya en los mecanismos de la publicidad: en el recurso a la iluminación y, sobre todo, en el uso que hace del lenguaje; en la precisión de los títulos y en la utilización, en definitiva, de las palabras de un modo a la vez breve y elocuente.

Andres Serrano (Nueva York, EEUU, 1950) ha recibido la Medalla de Oro del Art Directors Club y su obra se ha expuesto en los principales centros de arte del mundo, como el MoMA, los museos de Arte Contemporáneo de Nueva York y Chicago, el MACBA o el Museo de Arte Contemporáneo de Zagreb.

Pese a tratarse de una autora imprescindible en el panorama fotográfico estadounidense, los trabajos de Sylvia Plachy nunca se habían presentado en España. Especialmente atentas al movimiento, sus imágenes captan escenas a medio suceder que crean una tensión misteriosa con la realidad. De reojo intenta reflejar esta manera de abordar la fotografía, que más que contar historias permite imaginarlas. La exposición está compuesta por más de 100 imágenes que repasan el trabajo en color y blanco y negro de la artista, incluyendo obras nunca publicadas.

La retrospectiva arranca con imágenes del libro Unguided Tour, que recoge las mejores fotografías de Plachy que encabezaron entre 1982 y 1993 el índice del semanario neoyorquino The Village Voice. Estas secuencias anónimas, en las que no parece ocurrir nada especial, atrajeron el interés de muchos lectores que descubrían en ellas una realidad poco representada: la cotidiana. Le siguen las series recogidas en Red Light (Luz roja) _sobre la industria del sexo_ y Self Portrait with Cows Going Home (Autorretrato con vacas yendo a casa), sobre su tierra natal, que tuvo que abandonar durante la revolución húngara.

Sylvia Plachy (Budapest, Hungría, 1943) ha colaborado con publicaciones como The New Yorker, Newsweek, Wired, Life o The New York Times y su obra está representada en colecciones de centros de arte como el Museo Metropolitano de Nueva York, el MOMA o el Museo de Arte Moderno de San Francisco, y ha expuesto en Francia, Inglaterra, Alemania, Hungría, Canadá, Japón y Estados Unidos.

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Los rostros de Sara Facio

Juan Guzman — Sat, 26 May 2007 19:47:00 +0000

Autor: fada
fotografia.net

Sara Facio es una fotógrafa argentina, un tanto controvertida, que desde hace años viene congelando para la historia algunos de los personajes más destacados de la cultura argentina.

Julio Cortázar, escritor argentino

Su obra fotográfica fue vista en Museo Nacional de Bellas Artes de Argentina, en el Museo de Arte Moderno de San Pablo, Brasil; en el Centro George Pompidou de París, en The Photographers Gallery de Londres. También se destaca por su trabajo como curadora y gestora cultural de la Fotogalería del Teatro Municipal General San Martín, de Buenos Aires y el Museo Nacional de Bellas Artes.

Pero su trabajo más monumental es aquel que lleva adelante con a través del sello editorial fotográfico, La Azotea, junto a María Cristina Orive, con quien intentan dar a conocer la producción de fotógrafos latinoamericanos olvidados por la historia.

Aquí un paseo visual por las obras que más me gustan de esta artista.

Pablo Neruda, escritor chileno

Lo que yo hago en fotografía es para lograr que el día que yo me muera no digan que se murió una vaca sino que se murió una persona que vio eso. Y lo que yo vi está en mis fotos. Como si dijera “ésta es mi ciudad, mi gente, la que admiro, la que me gusta”. Ese es mi Canon.

María Elena Walsh, escritora infantil argentina

Los muchachos peronistas, retrato de la juventud peronista del ‘70

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En el Museo de Arte Moderno

Juan Guzman — Sun, 29 Apr 2007 12:58:00 +0000

Mercader y Yoryi Morel

Aura Celeste

Vivir con imaginación es vivir reinventando. Estar abierto a la vida, al tiempo, al mundo. Apostar todo a la búsqueda del “divino cinabrio”, jugar sin perder ni ganar. Seguir jugando. Infinitamente. Vivir el azar, no forzar ni reforzar nunca nada. Eso es libertad, eso es franquear las puertas de la percepción, eso es acción/imaginación. José Mercader es un imaginero de la risa y de la velocidad mental. Un fugitivo de la república y del turbión existencial, cuya práctica artística nos deja ver los punzantes efectos, o más bien, los depurados y deliciosos niveles de elaboración simbólica con que se manifiesta la misma consciencia nacional a través de su más expresiva visualidad.

Cada vez que nos visita tengo que pensar. Cada ocasión en que retorna desde las regiones hiperbóreas de la fuga, Mercader me desquicia, me hace recuperar la risotada y la memoria.

La risotada estalla ante las afiladas imágenes del absurdo. La memoria guarda los días más bellos de nuestras vidas, los días iguales de “la pulga” los domingos, de la Uasd, de Silvano Lora pintando sus murales en El Conde cada sábado en la tarde. Mercader hace que casi me vuelva adicto a la nostalgia. Cuando sé que está en la mediaisla me remonto mucho antes y todavía más atrás de la perestroika, de la caída del Muro de Berlín, de los martes de la poesía, de los días fugitivos de la Zona Colonial, de Miguel de Mena y la revista Cachivache, de Luís-terror-Días “arrebatao” cantando “la bomba”, “el guerrero”, “los mormones” y “Vickiana” con Freddy Ginebra anunciando los premios en Casa de Teatro.

La mismidad de Mercader se hunde en lo más profundo de la psiquis nacional. Su retroalimento proviene de ciertos espacios míticos de Santo Domingo como el Altar de la Patria, el Palacio Nacional, el Parque Colón, el Palacio de Justicia, Güibia, el Obelisco, La Tacita, Dumbo, Paco, el kilómetro 0, el parque Independencia_ Lugares de la paranoia, la amnesia y la esquizia colectivas, donde polizontes, eminencias y putas ondean los trapos del honor, los huesos de la ética y las más recientes cicatrices del estado posmoderno. Mercader también me parte el alma y hace que me retuerza de la risa, de rabia y de dolor cuando nuestros políticos, jueces, cardenales, sacerdotes, herejes, soldados, abogados de Dios y del Diablo, empresarios, farsantes, poetas, héroes, policías, reinas, chulos y performers, desfilan por la galería de sus espectrológicas, esperpénticas y encantadoras transfiguraciones.

Como artista, Mercader es un rebelde y un provocador. Por ejemplo, me hace pensar en Carlos Goico y en la exposición que casi nunca le hago porque, al decir de mi adorada Martha, siempre estoy “sesgado” por lo que amo, admiro y respeto demasiado. Y eso es, precisamente, lo que me pasa en el caso de mi amigo y delirante “Fauno de las Uvas de Oro”. Y, no se por qué, pero, pienso igualmente en la profetica serie de “Los Macuclillos” que con tanta acidez e ironía presentara José-Chichi-García Cordero hace más de diez años en el MAM. Se trata de los auténticos personajes de una tragicomedia metafísica. Rostros fríos de calieses, espectros de miradas siniestras, ojos pálidos, ojeras de piratas, mejillas de sombras, ángeles de corazones corrompidos. Definitivamente, no hay quien se salve. Chichi y Mercader ponen en abismo la realidad maravillosa de nuestra polisíntesis, el simulacro ancestral y cotidiano de nuestra sociedad.

Asímismo, Mercader me hace reflexionar sobre el único jefe de la policía nacional (BSP) que se ha atrevido a borrar “las fichas” del espanto. Y el policía es apreciado. Tanto así que los muchachos de Gualey, al pegajoso ritmo de “reggeton” y en actitud admirativa, le llaman “El Científico”. Y que conste: antiguamente en barrios como Cristo Rey, Capotillo y Espaillat, a los jefes y ex jefes de la PN le llamaban asesinos. Por eso, cuando estoy frente a sus deliciosas y terribles caricaturas de algunos de los más connotados políticos del patio, digamos: JB, HM, HD, VSB, RA, MOB, VC, AAC o LFR, tengo que pensar en un pueblo aterrorizado por films como “Jurasicpark”, “los dueños del país” o y “el regreso de los zombies”, pero igualmente en las dramáticas transformaciones sociales que definen y enriquecen los variados y espectaculares matices culturales de nuestro presente.

Invitado especial de la X Feria Internacional del Libro Santo Domingo 2007, José Mercader presenta en el Museo de Arte Moderno su exposición de caricaturas en distintos formatos titulada: “Caricaturola/homenaje a Daumier”, compuesta por más de 130 obras representando personalidades públicas, tanto del ámbito social, político y deportivo como cultural y artístico, facturadas con sorprendente precisión y gracia al óleo sobre tela. Esta es una exposición que nadie puede dejar de ver si quiere salvarse. Porque Mercader es tan rebelde como el mismo Jesucristo, como el Che, como Amaury: el le hace ver al buey sus garrapatas, espanta las moscas del mercado y promueve el amor sin límites más allá del reino de los cielos, aunque recientemente sea reconocido por sus memorable exposiciones en el Museo de Arte Moderno y en Casa de Teatro, así como por sus milagrosos trabajos publicados en la prensa nacional.

Desde hace más de dos décadas reside en Québec, Canadá. Sus publicaciones aparecen regularmente en el semanario Clave y por internet en www.rebelion.org

Pero es mi querido Koldo, quien mejor nos habla del duende exterminador y siempre risueño de Mercader. Aquí dejamos algunos de sus fragmentos para los lectores de Areito:

LAS TRES Y TANTAS VIRTUDES DE JOSÉ MERCADER

“_Si el esperpento, como dijera Valle Inclán, es en el campo de la literatura la exposición de la realidad a la lógica matemática de un espejo cóncavo (el culo de un vaso de vino, por ejemplo) semejante virtud observa la caricatura en el plano gráfico. En Luces de Bohemia, Max Estrella definía en su delirio la técnica del esperpento al asegurar: “Los héroes clásicos reflejados en los espejos cóncavos hacen posible el
esperpento porque el sentido trágico de la vida sólo puede darse con una estética sistemáticamente deformada”. La misma premisa había seguido Goya en su pintura negra, apelando al contraste y a la degradación para mejor reflejar la realidad.

Y de idéntica manera trabaja la caricatura José Mercader, apoyándose en tres virtudes, no precisamente teologales, que si bien en otros artistas también son relevantes, en el caso que nos ocupa disfrutan la propiedad de aparecer juntas y, además, en su más alta y cálida expresión.

Por un lado la capacidad imprescindible para saber captar esos rasgos básicos que, diestramente manejados, transformen al personaje en estudio en su mejor y más veraz versión. Nadie como Mercader para en dos trazos, simples y precisos, descubrir la cara oculta de su eminencia o de

Su Santidad, develar el verdadero espíritu del Presidente, (de cualquier presidente) o desnudar al estoico general hasta que nadie pueda distinguirlo de la montura.

Por otra parte, también dispone Mercader de la agudeza y creatividad necesarias para reconvertir una expresión en un emblema y así lograr que las orejas hablen lo que los ojos mienten o hacer posible que a un apéndice nasal le salgan dientes, que ensotanados mediadores parezcan hipopótamos, y murciélagos algunos periodistas.

Y, finalmente, una disposición y capacidad para el trabajo que si en lugar de al arte hubiera dedicado al comercio, ya hace muchas caricaturas lo habrían convertido en millonario o en senador de la República”..

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Esta semana en el Centro León

Juan Guzman — Tue, 24 Apr 2007 15:57:00 +0000

Memoria y arquitectura

El desarrollo inusitado y desorganizado que han experimentado nuestras ciudades, parejo al desarrollo de una tecnología mecánica y depredadora, ha terminado por empujar al hombre a transformar indiscriminadamente los ambientes de las ciudades. Estos procesos, graves en sí, lo son aún más por cuanto significa la desaparición de entornos históricos y emblemáticos que forman parte de la memoria colectiva del pueblo y que manifiestan la pervivencia en el tiempo y en el espacio de un pasado que emerge como referente cultural con el que nos podemos identificar. De ahí, la necesidad de sacudir la memoria, entendida no solamente como el proceso de recordar algo puntualmente, sino también hallar en ella la base y el soporte de nuestra experiencia próxima. Ejercitar la “memoria arquitectónica” nos permite reconocer unas señas de identidad que en las ciudades se van perdiendo en medio de su rápido crecimiento.
El Centro León, a propósito de la celebración del Día Internacional de los Monumentos y los Sitios Históricos instaurado por Consejo Internacional de Monumentos y Sitios y la Conferencia General de la UNESCO el 18 de abril de 1982, dedica este mes su habitual Encuentro con la Memoria a Onofre de Lora, quien legó a Santiago de los Caballeros algunos de sus más importantes íconos arquitectónicos, hoy símbolos de la ciudad, tales como la Iglesia Mayor, el edificio de la tienda El Gallo y el puente viejo de Nibaje.
Onofre de Lora: su tiempo y su obra, será el tema que abordará el arquitecto Holger Escoto, quien dialogará sobre el legado del destacado constructor santiaguero en lo que será también una buena oportunidad para rendirle un tributo de recordación a un verdadero Maestro de Construcción, héroe olvidado del colectivo oficio de hacer ciudad.

Cine Club
Ciclo Una mirada al Brasil

Carandirú

Fecha: Miércoles 25 de abril
Hora: 7:00 p.m.
Lugar: Auditorio del Centro León

La prisión de Carandiru, en Sao Paulo, es la más grande de América Latina. En un entorno superpoblado y completamente deteriorado, un famoso médico se propone llevar a cabo un programa contra el SIDA. Acostumbrado a la medicina de alto nivel, tiene que aprender arreglárselas fiándose de su instinto. Poco a poco, va conociendo a los prisioneros, su mundo, su humanidad y sus fabulosas ganas de vivir. Se gana su respeto y comparte sus secretos.•

Encuentro con la Memoria

Onofre de Lora: su tiempo y su obra

El arquitecto Holger Escoto, rinde un tributo de recordación a un verdadero Maestro de Construcción

Fecha: Jueves 26 de abril
Hora: 7:00 p.m.
Lugar: Auditorio del Centro León

El Centro León, a propósito de la celebración del Día Internacional de los Monumentos y los Sitios Históricos instaurado por Consejo Internacional de Monumentos y Sitios y la Conferencia General de la UNESCO el 18 de abril de 1982, dedica este mes su habitual Encuentro con la Memoria al destacado constructor santiaguero Onofre de Lora.•

Apertura de exposición en Santo Domingo

Yoryi Morel, Autonomía y trascendencia es presentada por el Museo de Arte Moderno

Fecha: Viernes 27 de abril
Hora: 8:00 p.m.
Lugar: Museo de Arte Moderno

Video Café

Danny Rivera. 45 aniversarios

Un recorrido musical por 45 años de carrera artística del intérprete caribeño, quien ofrece lo mejor de su repertorio musical.

Fecha: Viernes 27 de abril
Hora: 8:00 p.m.
Lugar: Patio Caribeño del Centro León

Un concierto, celebrado en el Centro de Bellas Artes de San Juan en febrero de 2005 resume 45 años de carrera artística de este reconocido intérprete puertorriqueño. Incluye temas inolvidables tales como “Sueño imposible”, “Tu pueblo es mi pueblo”, “Mi viejo”, “Alegoría”, “Tú vives en mi pensamiento”, “Silencio”, “He jugado a ser poeta”, “Pensamiento”, “Para decir adiós”, “Pequeñas cosas”, “Cómo he de vivir sin tu cariño”, “Qué será de ti” y “Amada amante” entre oros grandes éxitos.
Danny Rivera “45 aniversario en concierto” es una obra de colección.•

Conversatorio

Primer Festival Internacional de Poesía

Importantes poetas nacionales y latinoamericanos, participantes en el Primer Festival Internacional de Poesía, leerán y dialogaran sobre sus obras.

Fe
cha: Sábado 28 de abril
Hora: 11:00 a.m.
Lugar: Auditorio del Centro León

Lectura de poemas y Conversatorio con la participación de relevantes poetas de diferentes países de América Latina, quienes estarán participando en el Primer Festival Internacional de Poesía, en el marco de la X Feria Internacional del Libro.•

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Florencio Arnán: «El MAC debería abrir por la tarde y cerrar a medianoche»

Juan Guzman — Fri, 13 Apr 2007 12:07:00 +0000

Florencio Arnán, durante la entrevista / Vicent Marí

Florencio Arnán, que recibió el lunes la Medalla de Plata del Consell por su labor en la gestación y alumbramiento del Museo de Arte Contemporáneo, acaba de acceder a la jubilación, sólo académica ya que continúa trabajando incansablemente al frente de la fundación cultural Actilibre, que creó el certamen Stampa, entre otras iniciativas.

Eivissa | José Manuel Piña
Florencio Arnanz y Lombarte disfruta ahora de una espléndida jubilación tras una no menos brillante trayectoria profesional como catedrático de Artes Plásticas y Diseño, que culminó en la Escuela Superior de Conservación y Restauración de Bienes Culturales. Entre sus logros, algunos de especial interés para el pasado, presente y futuro cultural de las Pitiüses: la creación del Museo de Arte Contemporáneo (MAC) y su Bienal Ibizagrafic, méritos por los que recibió el lunes la Medalla de Plata del Consell.

-¿Visita usted con frecuencia el MAC? ¿Qué opinión le merece actualmente?
-Sí, claro. Sigo con bastante atención la trayectoria del museo en los últimos tiempos. Sigo perteneciendo a su patronato, que presidí. También fui uno de los primeros directores, tras el marqués de Lozoya, y viví personalmente la crisis que sufrió el centro en los años setenta hasta que el Ayuntamiento de Eivissa se hizo cargo de su gestión.
-¿Responde actualmente el MAC a lo que usted había imaginado cuando se planificó su creación o son ahora otros tiempos?
-Son otros tiempos, pero como se dice de las instituciones o los deportistas, tiene sus momentos mejores y sus horas bajas. Yo creo que el MAC vive ahora horas bajas. No tiene una trayectoria muy definida ni tiene una planificación que permita saber qué se piensa hacer a años vista ni hay una línea argumental coherente. Tampoco es fácil acceder a él, no por cuestiones arquitectónicas, sino por sus horarios. No es normal que esté cerrado a las horas en que debería estar abierto y todo lo contrario. En Eivissa, lo normal en verano sería que abriese por la tarde hasta las once o las doce de la noche, algo que están haciendo ahora todos los museos de este tipo.
-Ahora se abre una etapa de esperanza con esas obras de ampliación y acondicionamiento que se iniciarán de inmediato ¿no?
-Sí.
-¿Surgió la idea de crearlo porque Eivissa vivía un momento de esplendor con todos los grandes artistas que llegaron a vivir aquí?
-La isla era entonces un vivero de artistas importantes. Yo creo que no se ha repetido nunca más en intensidad aquel fenómeno. Ya la primera convocatoria de la Bienal, en 1964, se anunciaba la intención de crear en Eivissa un museo de arte contemporáneo, incorporando a sus fondos las obras ganadoras de cada edición del certamen. En aquella ocasión pudimos aprovechar las salas del Ayuntamiento que había dejado libres el instituto Santa Maria. En 1966 fuimos al Museo Arqueológico, que aún estaba en obras, y en ediciones posteriores aprovechamos el Polvorín, que acababa de abandonar el Ejército.
-¿Qué nivel de calidad tienen, en su opinión, los fondos del museo: notable, irregular…?
-Los primeros fondos proceden fundamentalmente de dos fondos: las obras premiadas en la Bienal, cuya calidad depende mucho de la composición de cada jurado, y el que llegó a Eivissa procedente de otros museos españoles como ayuda al museo que nacía. Hay que decir que el de Eivissa fue en su momento el primer museo de arte contemporáneo de España. Había un museo de arte moderno en Madrid y luego han surgido muchos más, pero el de Eivissa fue el primero. De esas donaciones ya puede decirse que hay más unidad, y esa es la base. Otra fue la que hizo una entidad de Madrid, que recogió también fondos para el museo. Luego se ha ido comprando, aunque no sé si con un criterio especial o planificado. En 1972 la Bienal se convirtió en Ibizagrafic, certamen de obra gráfica, porque había grandes dificultades de transporte, así que se buscó la opción que resultase menos difícil y se eligió el grabado, más ligero.
-La Bienal se ha abierto en las últimas ediciones hacia el arte digital, ¿cómo contempla esta evolución?
-Siempre que se trate de arte gráfico, incluyendo la fotografía, se puede incorporar cualquier novedad, pero también pienso que no debe perderse la identidad. Quien pierde la identidad pierde casi todo.
-De todas formas, la tecnología está invadiendo también otras ramas del arte, no sólo la pintura.
-Sí, hasta la música. Eso está provocando una crisis, una agonía, entendida esta palabra como una lucha. Obras que eran revolucionarias hace veinte años están hoy ya desfasadas.

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Convocan a participar en la 24 Bienal Nacional de Artes Visuales 2007

Juan Guzman — Mon, 09 Apr 2007 13:38:00 +0000



11:21 PM – La Secretaría de Estado de Cultura y el Museo de Arte Moderno informan la apertura de la convocatoria para participar en la 24 Bienal Nacional de Artes Visuales 2007, la cual estará basada en la exposición y concurso de las obras seleccionadas de artistas nacionales, residentes o no en el país y artistas extranjeros residentes en el país por un mínimo de cinco (5) años. La Bienal consistirá en una exposición central con las obras seleccionadas por el jurado y en una serie de eventos paralelos: exposiciones, coloquios, visitas guiadas, encuentros, talleres, etc. El Comité Organizador de la 24 Bienal Nacional de Artes Visuales 2007 está integrado por el Secretario de Estado de Cultura, que lo presidirá; la Directora del Museo de Arte moderno, la Presidenta de la Fundación Museo de Arte Moderno, el Presidente de los Amigos del Museo de Arte Moderno, un representante del Colegio Dominicano de Artistas Plásticos, un representante de la Asociación Dominicana de Críticos de Arte, el Director Nacional de Artes Visuales, el Director de la Escuela Nacional de Bellas Artes, tres (3) agentes culturales de las artes plásticas seleccionados por la Secretaría de Estado de Cultura y un representante del Ayuntamiento del Distrito Nacional. Los principales objetivos de la Bienal son: estimular, mostrar, evaluar, valorar y proyectar el desarrollo de las artes visuales dominicanas contemporáneas, estableciendo la importancia de propiciar la creatividad y la diversidad de lenguajes, en beneficio de los artistas y todos los sectores de la sociedad. La 24 Bienal Nacional de Artes Visuales será difundida ampliamente a nivel nacional e internacional, constituyéndose en el evento oficial más relevante para el conocimiento, análisis y difusión de las prácticas artísticas y de la producción simbólica recientes en la República Dominicana. Los artistas podrán participar en las categorías siguientes: Pintura, Escultura, Dibujo, Obra gráfica, Fotografía, Video y/ó multimedia, Cerámica, Instalación, Acciones plásticas, visuales, sonoras y performáticas. Todo participante debe reunir al menos dos (2) de las siguientes condiciones: 1. Titulado de la Escuela Nacional de Bellas Artes o centros de estudios artísticos reconocidos por el Estado Dominicano. 2. Titulado en escuelas nacionales y extranjeras o instituciones equivalentes a la Escuela Nacional de Bellas Artes y universidades reconocidas por el Estado Dominicano. -Ser miembro del Colegio Dominicano de Artistas Plásticos. 3. Haber sido aceptado en dos bienales anteriores o en concursos nacionales de arte. 4. Demostrar su participación en tres (3) colectivas y una individual en instituciones culturales o artísticas reconocidas. 5. Demostrar su participación en tres (3) exposiciones individuales en centros de arte reconocidos. Para la categoría de Pintura regirán las siguientes condiciones: Tema libre. Técnica libre. Para la categoría de Escultura regirán las siguientes condiciones: Tema y expresión libres. Técnica libre. Para la categoría de Dibujo regirán las siguientes condiciones: Tema libre. Técnica libre. Para la categoría de Obra Gráfica regirán las siguientes condiciones. Tema libre. Técnica libre. (En caso de ser premiada la matriz y edición completa pasarán a formar parte de la colección del MAM). Para la categoría de Fotografía regirán las siguientes condiciones: Tema libre. Técnica libre (incluye tecnología digital). Para la categoría de Video y/ó Multimedia regirán las siguientes condiciones: Tema libre. — Formato: DVD, Digital-Beta SP. – Duración máxima: 15 minutos. En la muestra Bienal, los videos que así lo requieran serán proyectados en horarios determinados de manera continua en el auditorio del MAM. En caso de que la obra lo requiera, el artista podrá suministrar por el tiempo que dure la muestra, los medios, soportes, instrumental o recursos de proyección necesarios. Para la categoría de Cerámica regirán las siguientes condiciones: Tema libre. Técnica libre. No se aceptarán obras seriadas. Para la categoría de Acciones plásticas (visuales, sonoras y performáticas) regirán las siguientes condiciones: Tema libre. Técnica libre. El artista deberá entregar el guión, limitarse a los espacios interiores y exteriores del MAM y entregar un estudio de espacialidad en video que no exceda los 10 minutos, además de la justificación conceptual que fundamente la propuesta Para la categoría de Instalaciones regirán las siguientes condiciones: Tema y expresión libres. Técnica libre. El artista deberá entregar la maqueta, el diseño descriptivo y la justificación conceptual que fundamente la propuesta. Las obras propuestas en la categoría de Instalación y aceptadas por el Jurado de Selección serán dispuestas en espacios definidos por el Departamento de Museología y Conservación del MAM. Todos los materiales y elementos para la instalación de la obra serán suministrados por el/la autor/a. El artista podrá participar en el montaje de su pieza, en fecha y horario previamente establecidos. Cada obra enviada a la Bienal deberá estar acompañada de un formulario que tendrá las generales del participante y una ficha técnica de la obra. Al momento de la entrega, cada artista deberá proporcionar un CD conteniendo un resumen de su currículo actualizado en formato Word. Cada artista tendrá derecho a participar simultáneamente en cualquiera de las categorías establecidas y podrá concurrir con tres (3) obras en total, las cuales serán depositadas en el Museo de Arte Moderno. Sólo se recibirán obras inéditas. Que no hayan sido presentadas en exhibiciones públicas o concursos anteriores, públicos o privados, en el país o en el extranjero y cuya ejecución no date de más de dos años antes de la presente convocatoria. Se otorgarán los siguientes premios, los cuales no podrán ser fraccionados: Gran Premio/Diploma de Honor RD$500,000.00 (quinientos mil pesos, moneda nacional). El Gran Premio se le otorgará al artista distinguido con ese máximo premio por el Gran Jurado de la 24 Bienal Nacional de Artes Visuales. Este no es acumulable con otro premio. Ocho Premios Igualitarios sin distinción de categoría de RD$250,000.00. La fecha límite para la entrega de las obras de los participantes residentes en el país y para los residentes en el extranjero será el 1 de julio del 2007, hasta las 8:00 p.m. Para la presente convocatoria no habrá prórroga. Esta decisión es inapelable. El Jurado de Premiación dará a conocer en un acto público las obras premiadas dentro del plazo de quince (15) días laborables subsiguientes a la inauguración de la 24 Bienal Nacional de Artes Visuales. Su decisión será inapelable. La inauguración de la 24 Bienal Nacional de Artes Visuales será el jueves 16 de agosto de 2007 a las 7:30 p.m. en Museo de Arte Moderno. El Museo de Arte Moderno de la República Dominicana está localizado en la Plaza de la Cultura Juan Pablo Duarte, y está abierto de martes a domingo de 10:00 a.m. a 6:00 p.m. Los teléfonos son: 809-685-2153 al 56.

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Convocan a la 24 Bienal Nacional de Artes Visuales

Juan Guzman — Sat, 31 Mar 2007 13:47:00 +0000

Fotos

En el Museo de Arte Moderno, la fecha límite de entrega de obras será el 1 de julio.

Santo Domingo . Ya está en la calle la convocatoria de la 24 Bienal Nacional de Artes Visuales 2007, librada por el Museo de Arte Moderno de la Secretaría de Estado de Cultura.

Según la nota de prensa podrán participar artistas nacionales, residentes o no en el país, y artistas extranjeros en República Dominicana por al menos cinco años.

la Bienal contará con una exposición central con las obras seleccionadas por el jurado, así como en eventos paralelos que van desde coloquios y charlas, hasta talleres y visitas guiadas.

Se otorgarán los siguientes premios, los cuales no podrán ser fraccionados: gran premio/diploma de honor RD$500,000.00 y ocho premios igualitarios sin distinción de categoría de RD$250,000.00.

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Dan detalles de Bienal en Santo Domingo

Juan Guzman — Mon, 26 Mar 2007 11:31:00 +0000

El MAM anunció las bases y condiciones para participar

Por Redacción / El Caribe

	La entrega. Los trabajos que han de concursar se recibirán en el museo. (El Caribe)

La Secretaría de Cultura y el Museo de Arte Moderno dieron a conocer las bases y reglamentos para para la participación de artistas plásticos en la XXlV Bienal Nacional de Artes Visuales, que se inaugurará el 16 de agosto de este año.

Como de costumbre la bienal estará basada en la exposición y concurso de las obras seleccionadas de artistas nacionales, residentes o no en el país, y artistas extranjeros residentes en el país por un mínimo de cinco (5) años.

Todo participante de la bienal debe reunir al menos dos de las siguientes condiciones: debe ser titulado de la Escuela Nacional de Bellas Artes o centros de estudios artísticos reconocidos por el Estado dominicano.

Titulado en escuelas nacionales y extranjeras o instituciones equivalentes a la Escuela Nacional de Bellas Artes y universidades reconocidas por el país.

Ser miembro del Colegio Dominicano de Artistas Plásticos, haber sido aceptado en dos bienales anteriores o en concursos nacionales de arte, demostrar su participación en tres colectivas y una individual en instituciones culturales o artísticas reconocidas, y demostrar su participación en tres exposiciones individuales en centros de arte reconocidos.

Las categorías. Pintura, escultura, dibujo, obra gráfica,fotografía, video y/o multimedia, cerámica, instalación, acciones plásticas, visuales, sonoras y performáticas, son las categorías.

En cada una de ellas, los artistas podrán trabajar el tema y la técnica de su preferencia y participar en tres categorías de manera simultánea, presentando un máximo de tres obras, las que deben ser inéditas.

Los trabajos deben estar acompañados de un formulario con las generales del participante y una ficha técnica de la obra, cada artista deberá proporcionar un CD conteniendo un resumen de su curriculo actualizado en formato Word.

Un primer premio y ocho igualitarios

Todas las obras serán sometidas a la decisión de un jurado de selección y un jurado de premiación. El primer premio es de 500,000.00 pesos, y habrán ocho premios igualitarios sin distinción de categoría de RD$ 250,000.

La fecha límite para la entrega de las obras será el 1 de julio del 2007, hasta las 8:00 p.m, esta decisión no tiene prórroga ni apelación.

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Warhol, de la serie original

Juan Guzman — Fri, 02 Mar 2007 10:24:00 +0000

Warhol, de la serie original
El Museo de arte moderno presenta por primera vez en el país la obra del ícono del pop
Por Alejandro González / El Caribe

El 1962 fue el año en el que todo cambió. El artista procedente de Pittsburgh (EEUU), que

Llevaba ya un tiempo trabajando la idea con la punta del lápiz, haciendo dibujos con la misma técnica que lo había convertido en un ilustrador comercial reconocido –trabajó para revistas prestigiosas como Vogue y Glamour-, pero ese año, junto a su asistente Gerard Malanga, Warhol tanteó las posibilidades de utilizar un medio que le permitiera reproducir sus obras en serie (serigrafía), para consumo masivo. Dos años más tarde, el estallido del arte popular era un hecho, y el artista, rodeado de una retahíla de adeptos, se había instalado en su mítico taller en el 231 de la calle 47 Este de Nueva York, conocido como La Fábrica.

Desde allí, la cultura del arte -ya no solo estadounidense sino también mundial- era revolucionada: el pop art, con Andy a la cabeza, convertía los elementos populares de la vida cotidiana –objetos, marcas de productos, personajes, etc.- en material de arte. Desde la lata de sopa Campbell, su primera gran exposición, hasta el dólar o el rostro de figuras como Marilyn Monroe, Mao Tse Tung y John F. Kennedy. Nada o casi nada que figurara en los entramados de la cultura popular se le escapaba.

Con los años, el ícono del pop art diversificó los medios que utilizaba para expresarse -hizo películas, escribió libros, fundó la revista Interview-, se convirtió en el retratista más famoso de los famosos, fue baleado por una antigua seguidora y fue víctima constante del desprecio de los más puritanos del arte. Pero encaró siempre el arte con la misma determinación y por eso el volumen de su obra nunca dejó de crecer.

Bienvenida a esta muestra de Warhol que, ahora, 20 años después de su partida definitiva, llega al MAM con obras de las series originales que el artista produjo en su taller y que contribuyeron a cambiar la historia de la cultura contemporánea.

20 años después
Originalmente de nombre Andrew Warhola, el máximo representante del arte pop, hijo de padres eslovacos que habían llegado a Estados Unidos en 1913 en busca de fortuna, nació en Pittsburg, Pennsylvania (EEUU), en 1928 y murió en Nueva York el 22 de febrero de 1987. Como una de las grandes figuras del arte de la segunda mitad del siglo XX, Warhol se propuso evocar la civilización contemporánea por medio de imágenes extraídas del mundo de la publicidad y sus composiciones a base de objetos cotidianos, y así lo hizo al tomar la cultura visual urbana para convertirla en lenguaje y tema del arte. Su obra es una de las más controvertidas y a la vez más influyentes y abarcadoras del siglo XX. En una ocasión dijo: “Quiero romper con todas las jerarquía del arte tradicional”. Y no hay dudas de que así lo hizo. Ahora, a los 20 años de su muerte, su arte está siendo recordado en todo el mundo a través de la organización de exposiciones que van desde Tokio a Estocolmo, desde Berna a Santo Domingo.

ANDY WARHOL: GRAPHIC WORKS
Presentada en colaboración con la Secretaría de Cultura, el Museo de Arte Moderno de la República Dominicana (MAM), el Centro Franklin de la Embajada de los Estados Unidos en Santo Domingo, y Cuny Art Gallery , la muestra está compuesta por casi 70 obras impresas en serigrafía y litografía en offset. La misma, que se exhibió por primera vez el pasado año en la City University de New York (Cuny), está itinerando y viene al país desde Tokio, Japón, donde fue exhibida en el Museum of Art Seoul National University. Andy Warhol, como dice la directora del MAM, María Elena Ditrén, es ahora una especie de mito, un “catalizador de mitos que se convirtió en un mito, en una leyenda”. La importancia de esta exposición para el país es mayúscula, ya es la primera vez que alguna de las obras originales recala en suelo dominicano. Y porque, como advierte Faustino Quintanilla, curador de la muestra (quien sostendrá un conversatorio sobre Andy Warhol y dará una visita guiada por la muestra el viernes 2 de febrero), este artista creó “un legado que enmarca el comienzo de una nueva cultura, como un “tótem” sostenido como un monumento original del nacimiento de una nueva civilización: Arte Americano”.

El pop Art
El pop art es una tendencia artística esencialmente angloamericana, surgida alrededor del año 1960 en Inglaterra y que tuvo su época dorada en los Estados Unidos, entre 1962 y 1987. Los representantes de este movimiento empezaron pintando a mano y luego emplearon métodos de reproducción industriales, como por ejemplo, la serigrafía, para producir imágenes en serie. Atraído por sus posibilidades, Andy Warhol se apropió del nuevo arte y lo llevó a la cúspide del mundo cultural estadounidense. En la muestra, se encuentran algunas de sus obras más importantes como los retratos de Marylin Monroe o la lata de sopa Campbell.

LA FICHA
Andy Warhol, graphic works. •Lugar: Museo de arte Moderno. •Dirección: Plaza de la cultura. •Horario de visita: de martes a domingo, de 10:00 a.m. a 6:00 p.m. •duración: hasta el 20 abril. •Más información: 809-685-2153. desde niño se había propuesto migrar de la pobreza en dirección hacia la fama, daba finalmente en la diana. Su nombre era Andy Warhol. Su mérito: haber consagrado una corriente de arte que empezaba a emerger a tientas en el panorama cultural estadounidense llamada pop art.

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TRILOGíA POP

Juan Guzman — Fri, 02 Mar 2007 00:21:00 +0000

Más de 130 obras recuerdan las ínfulas del arte popular
Redacción Clave Digital

A 27 años de la muerte del español Rafael Solbes, 21 del dominicano Frank Almánzar y 20 del norteamericano Andy Warhol, los afanes po socializar las obras de arte quedaran expuestas en el Museo de Arte Moderno.

La retrospectiva integra a los escondidos representantes del “pop” dominicano, también contagiados por la mecanización y producción en serie. Esta triple colectiva, que abre el 28 de febrero y cierra el 20 de abril, podría ser la exhibición histórica del centro cultural.

Simbiosis de cuatro décadas
¿Qué tienen en común los dominicanos Giovanni Ferrúa, Antonio Toribio, Darío Suro, Frank Almánzar, Carlos Sangiovanni, Jorge Severino, Silvano Lora, Adolfo Piantini, Martín López y Soucy de Pellerano?

Sus obras, instaladas en el sótano del Museo de Arte Moderno (MAM), son declaradas exponentes del pop-art, por los críticos Danilo de los Santos y Laura Gil.

Agrupadas con el título Lo propio y popular: pop art dominicano, suman 20 las obras que, según de los Santos, “parafrasean los datos de la cultura urbana, abarcan la asimilación del lenguaje visual de la publicidad y el consumo, hasta la estampa religiosa y los íconos de la dominicanidad”.

La investigación que determinó que eran éstos los “pop” tomó más de un año. Determinó que fue en 1960 cuando el estilo comenzó a propagarse, “llega con los aires de libertad” apunta la escritora Chiqui Vicioso, y culmina en el 2000.

La directora del MAM, María Elena Ditrén, adelanta que la colectiva reivindica a los artistas que han contribuido en el desarrollo del arte local, que hasta el momento no han sido estudiados. La museografía seleccionó el Duarte de líneas de Almánzar para comenzar el recorrido, pese a que la obra se hizo una década después que las de Ferrúa, Toribio y Suro, quienes coquetearon, pero no cohabitaron con el pop. Es el “revolucionario de los carteles” el representante máximo. Vicioso apunta sus recursos: del impresionismo tomó el puntillismo, de la escuela Bau-hau las líneas simples, del socialismo la masificación.

Warhol, por vez primera
Más de 70 obras del genio del pop-art, Andy Warhol, llegaron el pasado martes al país, tras una semana de espera, y serán resguardadas con recelo. Debe recordarse que uno de sus retratos sobre Marilyn Monroe fue vendido por US$17,3 millones en 1998, y que en 2005 el de Elizabeth Taylor costó US$12.6 millones.

La cotización en el mercado, sumado a que es la primera vez de Warhol en República Domincana, provoca que el MAM redoble la seguridad. Traer la exhibición requirió dos años de negociaciones entre Cuni Art Gallery y el MAM, con la colaboración de la embajada de Estados Unidos. El curador Faustino Quintanilla seleccionó obras emblemáticas, como la lata de sopa Campbell’s, sus Jackies (composición de ocho imágenes de Jacqueline Kennedy, tomadas antes y después del asesinato de su marido, John F. Kennedy) y retratos de la Monroe (uno de los 13 que hizo). Algunos pertenecen a coleccionistas de Estados Unidos y Europa. Este jueves 22 se conmemorarán 20 años de la muerte del controversial artista.

Extracción de comics
Usando íconos de los medios de comunicación de masas y de la historia de la pintura, el pop-art también dejó huellas en España. Equipo Crónica -integrado por Rafael Solbes, Manuel Valdés, y Juan Antonio Toledo- es el grupo donde fluyó la corriente. Las más de 40 obras que se exhibirán en el segundo nivel del MAM, fueron seleccionadas por la directora del Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM), Consuelo Císcar Casabán. Los estilos de Solbes (fallecido), Valdés y Toledo abordan el cartelismo y las tintas planas. Utilizan el pastel, las técnicas mixtas de grafito, arena, papel, acrílica, óleo, guache y la escultura en cartón-piedra y bronce. Sus temáticas recurren a la cultura policial, personajes de Walt Disney y recreaciones de Diego Velásquez, Pablo Picasso y el propio Andy Warhol.

Diálogo con Chiqui Vicioso: “Frank Almánzar socializó el arte”

1. ¿Frank Almánzar, el artista, no se liberó de sus ideales?

Frank venía de una familia antitrujillista de La Vega. Su padre, Tiburcio Almánzar, construyó el mausoleo de las hermanas Mirabal. Su único hermano fue secuestrado y asesinado por la dictadura. Cuando la familia se mudó a la capital continúo su proceso de radicalización. En la Ciudad Colonial conoció y se integró a una cédula del Partido Socialista Popular (PSP) y como era estudiante de Diseño Gráfico hizo las primeras portadas del periódico del partido. También, el famoso afiche de Freddy Valdez, formado con números. Ideales y artista eran uno.

2. ¿De dónde provenía su musa?

Como parte de su militancia y trabajo, consiguió una beca para estudiar en la Unión Soviética, en la escuela de diseño más famosa, la Bau-hau. ¿Por qué selecciona el diseño sobre la pintura convencional? Tenía una conciencia ideológica socialista y quería socializar la obra de arte. Sabía que la única manera de hacerlo era a través de la gráfica, porque con un molde podía imprimir miles de ejemplares y así le quitaba valor de pieza única a la obra de arte. Él socializó el arte en el país.

3. ¿Admiraba a Andy Warhol, pese a su ideología socialista?

En lo absoluto. No le importaba que viniera del capitalismo. Para él, las artes no tenían ideología. Recuerda que Borges apoyó a Pinochet y eso no me hace renegar del gran escritor, tampoco lo renegó Frank, que lo admiraba.

4. ¿Cuál era la definición de Frank Almánzar sobre el pop-art?

Él lo veía como una extensión del gran movimiento de la Bau-hau. Lo concebía como una aplicación ideológica del concepto de socialización del arte.

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Dan a conocer el programa del Festival del Cine de Santo Domingo

Juan Guzman — Tue, 20 Feb 2007 03:06:00 +0000

VIENE MARIA CONCHITA ALONSO
TambiÃ©n vienen Alquimia PeÃ±a, Directora de la FundaciÃ³n del Nuevo Cine Latinoamericano.

Por Miguelina Santos
Diario DigitalRD.Com lunes 19 de febrero de 2007, 01:00:34 AM (AST)

SANTO DOMINGO.-La Directiva del IX Festival Internacional de Cine de Santo Domingo, evento fundado por el gran artista Silvano Lora, iniciarÃ¡ la celebraciÃ³n de esta nueva entrega el prÃ³ximo jueves 22 al 28 de febrero.

La actriz MarÃa Conchita Alonso. ( Fuente Externa )

El certamen se desarrollarÃ¡ en el Auditorio Manuel del Cabral de la Biblioteca Pedro Mir, de la Universidad AutÃ³noma de Santo Domingo, la Cinemateca Nacional, el auditorio del Museo de Arte Moderno y en las Extensiones de la UASD en Santiago y Puerto Plata.

Este aÃ±o el Festival estÃ¡ dedicado a “La MÃºsica en el Cine”, por lo que serÃ¡ abierto con un concierto magistral titulado “MÃºsica en ImÃ¡genes”, dirigido e interpretado por el gran compositor y musicalizador de pelÃculas el argentino Osvaldo Montes, quiÃ©n ademÃ¡s, ya en el curso del Festival, impartirÃ¡ el “Taller sobre MusicalizaciÃ³n de PelÃculas”, dirigido a mÃºsicos, compositores, cineastas y personas interesadas.

La renombrada actriz MarÃa Conchita Alonzo, presentarÃ¡ en la 9na ediciÃ³n del Festival, la pelÃcula ESL, la cuÃ¡l protagonizÃ³ junto al Joven actor Kuno Beker, tambiÃ©n la acompaÃ±arÃ¡ Yossef Delara Director del Film y Amir Delara Productor.

Dentro de los invitados internacionales tambiÃ©n se encuentra el profesor y documentalista de origen argentino Ernesto LivÃ³n-Grosman, profesor de Boston Collage y Harvard University en el Ã¡rea de audiovisuales, quiÃ©n impartirÃ¡ el “Taller PrÃ¡ctico para la RealizaciÃ³n de Documentales”, asÃ como la participaciÃ³n de Renny Arozarena y Jorge LuÃs SÃ¡nchez, actor y director respectivamente, de la PelÃcula “El Benny”, basada en la biografÃa del afamado mÃºsico cubano Benny MorÃ©, con la cual se inaugura esta 9na. VersiÃ³n del festival.

TambiÃ©n estarÃ¡ presente: Calixto Chinchilla, Director del HBO New York Internacional Latino Film Festival; Alquimia PeÃ±a, Directora de la FundaciÃ³n del Nuevo Cine Latinoamericano, presidida por el cÃ©lebre escritor Gabriel GarcÃa MÃ¡rquez; HÃ©ctor Cruz Sandoval, Realizador del Documental “Kordavision”, sobre la vida e historia del fotÃ³grafo de la famosa imagen del ChÃ© Guevara entre otras personalidades.

La programaciÃ³n inicia formalmente el dÃa 23 con la proyecciÃ³n, en competencia, de la pelÃcula Yuniol del director dominicano Alfonso RodrÃguez.

Participan en esta IX versiÃ³n una selecciÃ³n de pelÃculas, documentales y cortometrajes procedentes de: Argentina, Brasil, Cuba, Chile, Corea, Colombia, Ecuador, EspaÃ±a, Estados Unidos, Francia, MÃ©xico, PanamÃ¡, PerÃº, Puerto Rico y RepÃºblica Dominicana.

Patrocinadores y colaboradores

Los patrocinadores de este evento son: La FundaciÃ³n Silvano Lora, Presidencia de la RepÃºblica, SecretarÃa de Estado de Cultura, SecretarÃa de Estado de la Juventud, SecretarÃa de Estado de Turismo, CervecerÃa Nacional Dominicana, Instituto Dominicano de las Telecomunicaciones (INDOTEL), Instituto de EstabilizaciÃ³n de Precios (INESPRE), Plan Social de la Presidencia, Pinturas Tropical, LibrerÃa Cuesta, Museo del Ãmbar, Delta Air Lines, Embajada de Corea, Embajada de MÃ©xico, Embajada de EspaÃ±a, Embajada de Chile, Embajada de Brasil, Oficina del Estado Libre de Puerto Rico en RepÃºblica Dominicana, Funglode, Hecho en Castilla la Mancha, Caribair, Despacho de la Primera Dama, Promoeventos, Ayuntamiento del Distrito Nacional, Fuegos Artificiales Phantastik, Copa Air, Kcettes Profesionales y CTN.

TambiÃ©n participan como co-patrocinadores los restaurantes: El Conuco, Boca Marina, El MesÃ³n de la Cava, La Atarazana, Adrian Tropical y Museo del JamÃ³n.

La directiva de esta IX versiÃ³n del Festival Internacional de Cine de Santo Domingo estÃ¡ integrado por: Omar Narpier, Director; VerÃ³nica SenciÃ³n, Directora Administrativa; Ellyiselda Rudolf, Encargada de Mercadeo.

Karina Narpier, Encargada de ProgramaciÃ³n; Vicenta VÃ©lez, Encargada de Asuntos Inter-institucionales y Eventos Sociales; Youssel Abreu Encargado TÃ©cnico, Luis Manuel PÃ©rez Olivo, Encargado de operaciones; Isabel de Narpier, Asistente de DirecciÃ³n; Domingo Guerrero, Coordinador Asuntos Estudiantiles; JosÃ© RamÃ³n DÃaz, Encargado de Salas de Cines y Agliberto MelÃ©ndez, Asesor.

Colaboradores:

Waner GÃ³mez, Geo Ripley, Julio Alberto Melo, Hildelbrando Hidalgo, RamÃ³n PeÃ±a, Fernando Suncar, Carlos Placencia, HipÃ³lito Javier, Raymond JÃ¡cquez, Maria AngÃ©lica, Idelmaro Desangles, HipÃ³lito Valoy, Nelly CipriÃ¡n, Clara VÃ¡squez, Miguelina Santos, JosÃ© Rafael Sosa y VÃctor DÃaz .

El Jurado de Largometrajes en competencia estÃ¡ integrado por:

MarÃa Elena Ditren (Directora Museo de Arte)

LuÃs Rafael GonzÃ¡lez (Director Cinemateca Dominicana)

Calixto Chinchilla (Director Festival Latino de New York â HBO)

Cesar Olmos Actor Cine, TV, Teatro, Locutor Cultural

Romina Anduglia Cineasta â Guionista Argentina

Jurado de Cortometrajes y Documentales estÃ¡ integrado por:

Alejandro Andujar Cineasta

Emely Fiume Michelle Cineasta

Emilio GÃ³mez Guionista

Martha Rivera Escritora – Guionista

Yolanda Quiroz Cineasta y Productora de TV.

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Juan Butten presenta su primera individual en el Dominico- Americano

Juan Guzman — Sat, 17 Feb 2007 14:01:00 +0000

SANTO DOMINGO, D. N.- El Instituto Cultural Domínico-Americano -ICDA-, a través de la Dirección Cultural, presenta la exposición “Transgresión Morfológica”, primera Individual del artista plástico Juan Butten, a inaugurado el 15 febrero del 2007 en una recepción pautada para las 7:00 p.m. en la Sala Cultural ICDA de esta institución.

La critica de arte y encargada de Investigaciones del Museo de Arte Moderno, Laura Gil, en su texto “Las Transgresiones de Juan Butten”, resalta que: “Son exploraciones en el interior de la materia, son ensayos de la libre expansión de las facultades de formalización del ser humano, son expresiones de la subjetividad y el brío creador del artista. Pero, por encima de cualquier otra cosa son pintura y en el ámbito de la plástica contemporánea, esto significa que son la manifestación física de una opción artística que responde a las incitaciones de varios medios, expectativas y tradiciones. Más bien lo que caracteriza a la pintura es el énfasis en los valores conceptual-artesanales, en la inmediatez de la transmisión de los impulsos, en una promiscuidad e intensa intimidad entre el ojo, el cerebro y la mano…”.

Butten estudió dibujo en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Santo Domingo. En 1985, ingresó a la Academia de Música del I.P.M. de San Cristóbal de ahí, la Música y las Artes Plásticas formarán parte en su evolución. En el 2002 se hizo miembro del Colegio Dominicano de Artistas Plásticos; 2005 creó el Colectivo la Colmena, Movimiento Artístico que se dedica a la investigación y difusión de las artes visuales.

A nivel artístico, destaca que en el año 2002 presentó “Poemes Sans Paroles” en Québec (Canadá) en la galería TRTSarts junto con Christine Noels; y que participó desde el 2003 al 2006 en los concursos Agro-Naturaleza del Instituto Agrario Dominicano, y Pintura Las Américas de Casa de Teatro. En el año 2005, toman 12 obras de Juan Butten para la ilustración de la Agenda 2005 de Copel, S.A. En ese mismo año toman una de sus obras y realiza las ilustraciones del libro 40 Pasos de una Tormenta de Junior Hernández H.

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“Amarillo y colorao”

Juan Guzman — Sat, 17 Feb 2007 13:44:00 +0000

Escoger el tamaÃ±o Muy PequeÃ±a PequeÃ±a Normal Grande Muy Grande

El Teatro Gulota, en su reciÃ©n inaugurada Casa de Teatro, puso a la disposiciÃ³n del pÃºblico sus espacios de exposiciones con la muestra fotogrÃ¡fica del artista Lenin Paulino.

La exposiciÃ³n âAmarillo y coloraoâ la conforma 33 fotografÃas en diferentes formatos. El carnaval es el tema tratado por Paulino quien convierte el lente de la cÃ¡mara en el ojo del espectador, logrando que Ã©ste descubra a travÃ©s de los primeros planos los detalles que en muchos casos se pierden en el recorrido de las comparsas y personajes. Al mismo tiempo hurga entre los vestuarios y parafernalias para tributar reconocimiento al trabajo artÃstico y artesanal de los artistas que aÃ±o tras aÃ±o visten el carnaval dominicano.

La muestra abriÃ³ al pÃºblico el pasado jueves 15, en la calle FÃ©lix MarÃa del Monte No. 5 de Gazcue, TelÃ©fono: 809-685-4856.

Lenin Paulino Coste naciÃ³ en San Francisco de MacorÃs, inicia su formaciÃ³n artÃstica en la Escuela de Bellas Artes, mÃ¡s adelante estudia antropologÃa, diseÃ±o grÃ¡fico y publicidad en la Universidad AutÃ³noma de Santo Domingo. Complementa sus estudios de arte asistiendo a cursos de Grabado en Metal en el Museo de Arte Moderno y el Taller GrÃ¡fico de La Habana, Cuba, CerÃ¡mica en la fundaciÃ³n de Arte Arawak, Altos de ChavÃ³n y La Habana. En 1998 presenta su primera individual

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Historia de 525 fotografías que juegan con el pasado, el presente y el futuro de Bogotá

Juan Guzman — Sat, 17 Feb 2007 12:53:00 +0000

Foto: Mauricio Moreno / EL TIEMPO
Fueron tomadas por 255 jóvenes entre 18 y 30 años de edad, que participaron en la convocatoria ‘Instinto Bogotá’, organizada por el Museo de Arte Moderno. Podrán verse hasta el 1 de marzo.

El concurso premió a quienes por medio de fotografía quisieron plasmar su mirada creativa de la ciudad. El ganador fue Christian Padilla, estudiante de artes plásticas de la Universidad Nacional, con su obra ‘Florencia, Venecia, Roma’.

No solo incluyó los barrios donde vivió cuando era niño sino que hizo una reflexión sobre cómo nos apropiamos de otras culturas para validar lo nuestro. “De alguna forma uno necesita medio exorcizarse, pues si se pone a ver todos estamos hablando de algo que hace parte de nosotros”, dice Christian.

Como una ilusión óptica a la que nos tiene acostumbrado el ilusionista David Copperfield, este joven de 22 años -a través de su computador y de un programa de diseño (PhotoShop)- puso frente al Coliseo Romano un bus de transporte público bogotano.

“Esa forma de descontextualizar los elementos de la ciudad y ponerlos dentro de otra, fue la que le dio el premio”, asegura la fotógrafa Adriana Bernal, quien junto con Guillermo Prieto La Rotta ‘Pirry’ y Carlos Duque, publicista y fotógrafo, escogieron los ganadores.

Pasado y presente con toque futurista

Este nuevo método de composición, llamado fotografía intervenida, le dio la varita mágica a jóvenes entre los 18 y los 30 años para que ‘jugaran’ con el presente y con el pasado, y a lo actual le dieran un toque futurista.

Para ellos Bogotá no es una sola. Por el contrario, es una mezcla de interpretaciones distintas. Por eso, cada vez que desenfundan su cámara fotográfica tratan de despojarle un pedazo a esa ciudad que a lo lejos se ve imponente, pero que -desde su lente- podrían atraparla con tan solo estirar la mano.

Es así, como la esquina por la que pasan todos los días, y que ya se la saben de memoria, entra en el campo visual de sus fotografías. O la buseta en la que se suben para ir a la universidad o aquella imagen religiosa de la que toda su familia es devota.

Un escenario que aprovechó Hermes Berrio, de 26 años, en su Máquina del tiempo, donde con fotos análogas y digitales de Bogotá creo un situación de hace 500 años.

“Con fotos del restaurante de la esquina, de la peluquería, de la plaza de mercado, pero con gente sacada como de una pintura del siglo XVIII con vestidos rococó”, cuenta Berrio, quien recibió una mención de honor, por sus fotografías intervenidas.

A pesar de que para los jóvenes artistas, la ciudad tiene un tornasol de modernidad por el TrasMilenio y los edificios inteligentes, también reconocen que todo lo que hacen lleva una dosis de pasado. Sin embargo, tienen claro que deben salir del Centro para hablar de la nueva Bogotá.

Estatuas que bailan

En ese tránsito, Óscar Santos, quien vive en Keneddy, quiso exaltar los monumentos, (dos) que siempre quiso animar. “Le he tomado fotos al monumento de Banderas y a La Rebeca cientos de veces desde todos los ángulos posibles”, cuenta.

Santos sacó del mármol a una de las 120 musas de Banderas y puso a bailar a aquella mujer semidesnuda que hasta ese momento estuvo reclinada sobre la fuente recogiendo agua, para llevarlas al futuro en su obra ‘Levántate y anda’, también laureada con una mención de honor.

Otros artistas novatos se nutren de los problemas sociales como la indigencia, los trancones y la inseguridad. Este es el caso del Cadáver exquisito de Alejandro Ortega, que combinó el cuerpo de un indigente con el de un perro callejero.

El jurado encontró que en las 525 fotografías predominó lo cotidiano, pues -como asegura uno de ellos- el entorno afecta al individuo. “Uno no puede escaparse ni olvidarse de donde vivió, porque esas imágenes se vuelven rutina y la rutina finalmente siempre queda en la cabeza”.

Vea las fotos en el Mambo

El Museo de Arte Moderno de Bogotá (Mambo) con el apoyo de Coltabaco tiene abierta al público la exposición ‘Instinto Bogotá’ desde el pasado 2 de febrero.

Esta muestra podrá ser apreciada por los capitalinos hasta el próximo 1 de marzo. Allí se podrán conocer las 62 obras fotográficas de 29 artistas que participaron en la convocatoria realizada el año pasado.

“Me parece que no simplemente están haciendo un registro de cómo es la ciudad, sino también están creando su propia propuesta”, manifestó Adriana Bernal, uno de los jurados del concurso.

CHRISTIAN PARDO Q.
Redactor EL TIEMPO
chrpar@eltiempo.com.co

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La fotografia como "reality constructor"

Juan Guzman — Sun, 11 Feb 2007 16:03:00 +0000

Por Faustino Pérez
El autor es periodista
domingo 17 de diciembre de 2006, 10:43:09 PM (AST)

Ya desde que Daguerre fijara la primera imagen fotográfica en Francia, después de múltiples intentos, y de que Talbot ideara en Inglaterra el procedimiento negativo-positivo, basándose también en los trabajos de otros, a mediados del siglo XIX en ambos casos, la foto ha mostrado su faceta mágica, materializada en su capacidad de recrear realidades.

El proceso que inventó Talbot, aún se emplea en la actualidad, en su esencia, sin embargo, es preciso hacer constar que la foto no es la única co-productora de realidades, pero sí una de las más populares, ya que al tratarse de “signos icónicos estáticos”, resulta más asequible y barata comparativamente que, por ejemplo, las imágenes con animación o movilidad aparente, como las proporcionadas por el cine o el vídeo. Y ahora con las nuevas tecnologías de cámaras digitales de bolsillo, y de teléfonos móviles con cámara incorporada, se ha popularizado muchísimo la fotografía.

A cualquier lugar turístico importante que uno vaya, casi siempre aparece alguien para sacar fotos, y en algunos sitios es frecuente ver decenas de personas tomando fotos, simultáneamente.

Esa capacidad que tiene ahora el público de hacer fotos en cualquier lugar y circunstancia, ha hecho que el reportaje fotográfico se redefina y se redimensione, ya que en los casos de ser un hecho impredecible y/o dramático, ahí casi siempre habrá un “reportero” aficionado para dejar constancia. Esto es también válido para las tomas en vídeo.

Pero vayamos por partes: las fotos son signos porque sirven para interpretar los hechos, ya que las personas infieren y deducen cosas por los detalles e indicios que observan; si usted ve a un caballero en un vehículo caro, con un chofer uniformado, vestido con un traje caro, una corbata cara, un reloj caro, y unos zapatos caros, fácilmente deduciría que se trata de un señor adinerado, y así por el estilo; aunque podría equivocarse en el juicio, en principio se tiende a pensar eso. Son a su vez icónicos, debido a que se trata de imágenes, o sea, de representaciones; y son estáticos, puesto que carecen de movimiento normalmente, aunque se le puede añadir la animación de muchas maneras. Los signos son distintos de los símbolos, porque estos representan, al estar en el lugar de otra cosa, como ejemplo pondremos a la bandera como símbolo de la patria.

Si uno mira con un cierto grado de aumento una fotografía, podrá apreciar los puntos que la configuran, lo que quiere decir que las imágenes están formadas por puntos, visualmente hablando. De hecho, el punto, también conocido como punteado, grano, granulación, y por el acrónimo píxel (de picture element), etc., es el primer elemento del alfabeto visual, ya que existe igualmente una gramática para la imagen, lo que ocurre es que poca gente la estudia. Empero, los puntos están presentes en cualquier imagen visible, desde la pantalla de un televisor o de un cine, hasta una caricatura. Si la imagen no es visible, como podría ser un dragón o un ángel, también se las puede representar por puntos. El punto, a pesar de ser pequeñito e insignificante, aparentemente, tiene un poder descomunal en el universo de la imagen, o lo que es igual, en el mundo icónico.

El punto posee tres propiedades básicas, según Justo Villafañe, en su libro Introducción a la Teoría de la Imagen: 1ra. Puede adoptar uno entre millones de tonos y colores posibles; 2da. Tiene una forma que nunca se repite, como los granitos de arena del mar, salvo el píxel electrónico que al ampliarlo en la pantalla adopta una forma cuadrada, lo cual facilita el trucaje y el retoque en la imagen, con los programas de ordenador para el manejo digital de la imagen como el Photoshop, el Corel, etc.; y 3ra. Cabe la opción de que el punto tenga muchos tamaños diferentes.

Igualmente, hay otros elementos que condicionan e influyen en la apreciación del punto, tales como: 1ro. La distancia a que se aprecie o mire el punteado, ya que mientras más alejada de él se encuentre la persona, más tiende a confundirse con los otros puntos que lo rodean, es decir, se mezclan visualmente; si uno pone muchos puntos rojos en un soporte y les pinta encima una cantidad similar de puntos amarillos, el resultado se verá de color naranja al mirarlo a una cierta distancia.

Precisamente en ese efecto se basa el puntillismo, que es una técnica que se derivó del estilo impresionista en pintura; y a su vez el impresionismo se inspiró en las láminas japonesas caracterizadas por las pinceladas “sueltas” y los colores del tipo pastel, que empezaron a llegar a Europa a mediados del siglo XIX, a raíz de la apertura forzosa de los puertos japoneses presionados por la flotilla estadounidense liderada por el Comodoro Perry, quien firmó la Convención de Kanagawa en 1854. Al pintor francés Seurat, se le considera como uno de los grandes maestros de ese estilo puntillista. 2do.

La textura del soporte, porque mientras más compacta sea, mayor será la nitidez obtenible en la imagen. Si comparamos un papel periódico con un papel satinado, se comprenderá mejor lo que afirmamos. 3ro. El brillo del soporte, ya que la brillantez produce un efecto de saturación en el color, o sea, que se ve más “denso” y oscuro. Si usted compara dos libros iguales, con la diferencia de que uno de ellos tenga las cubiertas plastificadas, y el otro no, verá el efecto.

La fotografía puede ser un instrumento que en manos de una persona con sensibilidad artística, es capaz de servir para producir una obra considerada como de arte. No es que la foto, por sí sola, sea arte o no, es el artista quien puede producir un resultado digno. Por ejemplo, si un tronco de caoba, o un tubo de óleo caen en las manos equivocadas, nunca podrán crear algo que valga la pena; sin embargo, un escultor que se precie o un pintor de categoría, lograrían resultados considerables como artísticos.

Al ser tan popular la fotografía, tiende a ser menospreciada por los ignorantes de los procesos artísticos; y fue justamente John Szarkowski, el ex curador del departamento de fotografía del MoMA (Museo de Arte Moderno de Nueva York), -al publicar el prólogo de un bello libro titulado: Espejos y Ventanas, en 1978, en el que presentaba sus criterios acerca de la llamada fotografía-ventana y de la fotografía-espejo -, quien le dio un gran espaldarazo a la fotografía. Este trabajo sirvió –entre otros- para abrirle el paso a la foto en los museos del mundo, que aún se mostraban reacios.

La fotografía-ventana es la que “mira hacia fuera”, es decir, que intenta captar la “realidad” lo más fielmente posible, y los máximos logros en este tipo de foto se han c
onseguido con cámaras de gran formato, y ahora modernamente, con cámaras de muchos megapíxels. Sin embargo, cuando el fotógrafo estima que su mundo interior es también una “realidad” tan válida como la otra, ya que la de la foto-ventana carece de tantas variables que conforman la auténtica realidad, de ahí surge el concepto de fotografía-espejo, como un reflejo del yo-interno del fotógrafo. Al final de la introducción de ese libro acerca de la fotografía estadounidense desde los años 60, Szarkowski concluye diciendo, que la fotografía es como un eje con dos polos: en un extremo tiene la foto-ventana, y en el otro la foto-espejo, y los fotógrafos fluctúan en esa escala.

En realidad, en la fotografía física sólo permanecen los estímulos visuales, con muchos condicionamientos y limitaciones. Si nos imaginamos que estamos sentados en la playa, por ejemplo, al estar en ese lugar sentimos la brisa fresca, la textura de la arena, el ruido de las olas, de la música, y el los bañistas; y se perciben además, la temperatura ambiental, y el olor al salitre, entre otras variables; al sacar la foto, lo primero que se nota es que normalmente es más pequeña que la realidad, luego, presenta las tres dimensiones del espacio físico (alto, ancho y profundidad), en sólo dos (alto y ancho); aparte de que tampoco se siente la brisa, ni la temperatura, ni mucho menos la textura de la arena, ni el rumor de las olas; y los gritos de los niños y la bachata playera están ausentes…Sin embargo esa imagen se considera como realista. Ahora bien, si la foto copiada se toca, se siente una textura, si se huele, desde luego que posee su olor, si se muerde, aunque suene a chiste, también tiene su sabor, pero ninguna de esas sensaciones se corresponde con la realidad. Es evidente que si la foto es a blanco y negro, en lugar de ser a color, carece de más variables. Entonces, ¿dónde está el realismo?

Ningún aparato, hasta ahora, puede reproducir el perfume seductor de aquella joven que usted vio en Plaza Central, o sentir el fuerte apretón de manos que le dieron, o el pisotón que le propinó un peatón por la calle…por más caro que sea dicho aparato fotográfico. Puede, eso sí, plasmar el momento en que vio a la joven, o del apretón, o bien el del pisotón con la mueca de dolor, pero no lo que sintió.

Por otro lado, las diferentes ópticas o lentes también condicionan la foto. De las tres grandes familias de lentes, y de la subfamilia que existe, las que menos deforman el espacio son las llamadas lentes normales, y además, sacan una perspectiva similar a la real, con un ángulo de visión parecido al de la visión humana central, y con pocas deformaciones. Por su parte, los grandes angulares, al captar un ángulo ancho, como su denominación sugiere, hacen que los sujetos se vean más “alejados”, deforman el espacio, ensanchan la imagen para poder abarcar más y por ese motivo las personas se ven más gruesas; y como si fuera poco el espacio aparece “curvado”, o sea, que las líneas rectas pueden verse combadas, dependiendo del ángulo de la toma. Los ojos de pez, y los semi-ojos de pez, no hacen más que exagerar las características de los grandes angulares. Por su lado, los teleobjetivos, mal traducidos del inglés como telefotos (telephoto, en inglés), hacen lo contrario que lo grandes angulares, lo cual implica que sacan un ángulo estrecho, la imagen aparece como si estuviese “aplastada” o comprimida, y las líneas rectas salen derechas; por otro lado, los sujetos se ven más “cerca”. Entonces, ¿dónde está el realismo?

A pesar de todo, la fotografía tiene su magia innegable, y además, sirve de recordatorio de unos momentos que vivimos, de lugares visitados, de personas, incluyendo, a las conocidas, a las amistades y familiares; de hechos y acontecimientos de nuestras vidas, de unas edades, etc.; pero donde realmente la foto adquiere un poder “fetichista” comprobable, es en los casos en que el ser querido que aparece en ella, fallece. Es fácil, hacer la prueba: cuando usted vaya a una casa de visita, díganles seriamente a los anfitriones que quiere ver las fotos de algún familiar que haya fallecido para romperlas, y verá la cara de espanto que ponen; incluso pensarán que tiene algún problema mental. Y prepárese para escuchar las cosas que le dirán.

Otra variante consiste, en decirles con mucho énfasis a los dueños de la casa que las fotos que fueron seleccionadas por ellos y admiradas y exhibidas en la sala con tanto cariño, están muy feas, y ya verán cómo reaccionan. La pregunta que surge es la siguiente: ¿por qué la gente reacciona con tanta pasión si sólo se trata de unos pequeños cartoncillos plastificados?

Es tal el poder de evocación que tienen las fotos, que hay mujeres que al contemplar las imágenes antiguas “viven” en dos tiempos diferentes, por un lado están ancladas en el pasado cuando ellas eran jóvenes, bellas y atractivas, con muchos enamorados; y ahora en el presente, con sus rostros arrugados y entradas en años. Y cuando alguien las piropea por la foto, responden con ternura y hablan de aquellos tiempos. Igualmente, hay hombres que evocan permanentemente aquel cargo que tuvieron, al mirar las fotos, o bien, a la personalidad que saludaron, o que posó con ellos, y así por el estilo, los ejemplos serían interminables.

De todas formas, al ser la imagen fotográfica una especie de “corte transversal” en el tiempo, siempre está en el pasado, porque cuando uno la ve, ya el tiempo pasó. No obstante, el fotógrafo puede representar alegóricamente, cualquier tiempo que quiera, tanto el presente, así como también el pasado, e incluso, el futuro. Esto es fácil de hacer, porque lo único que tiene que concebir son unos trajes para disfrazar a los sujetos, y así representa el tiempo que quiera.

Sin embargo, la variable más compleja de una foto es precisamente el tiempo, en especial cuando se realizan efectos especiales. Por ejemplo, en cualquier clase de fotomontaje, es decir cuando se mezclan imágenes, se combinan dos o más tiempos diferentes, con dos o más espacios distintos; se fusionan el “aquí y ahora”, con el “allá después”. Sería, lo que yo llamé una vez, un “pretérito combinado”.

Si se le quitan surcos o pliegues a una cara con filtros durante la toma o con la computadora, la persona se verá más joven, lo cual implica que la cámara se convierte en una máquina del tiempo. Esto último tiene, como se sabe, muchos usos en política, aunque en muchos casos se exagera con la máquina del tiempo. Lo mismo ocurre, pero a la inversa, cuando se aplica un programa de ordenador para envejecer al sujeto. Esto último tiene además aplicaciones prácticas, sobre todo para los casos de secuestros o desapariciones, y de esa manera se tiene una idea de cómo luciría la persona después de haber transcurrido un cierto tiempo, aunque sea menos fotográfico el proceso técnico.

Si se hace un efecto de “flou” con la imagen difusa, para crear una “atmósfera” que puede ser romántica o bucólica, a lo mejor se está diluyendo o licuando el tiempo.

El mismo fotomontaje se presta para poner a las personas a “hacer” cosas que nunca hicieron, por ejemplo se le puede cambiar el marido a la esposa divorciada, que estaba al lado de ella en la foto, o ponerle el Coliseo de Roma en el fondo a alguien; y si el truco está bien hecho, apenas se nota.

En los casos en que se aplique la técnica del “barrido” o “paneo”,
a base de que el fotógrafo dispare siguiendo el movimiento del sujeto, y éste sale movido pero enfocado, y el fondo aparece estriado en la foto, ¿qué ha pasado con el tiempo?, ¿ha sufrido un estirón, o resbaló, quizá? Cuando se emplea una máquina de hacer fotos motorizada, y se dispara una ráfaga de varias fotos por segundo, ¿se está “persiguiendo” al tiempo, y se escurre?

Empero, la cuestión se puede complicar aún más, y adquiere ribetes filosóficos: si se combina la imagen de una persona en positivo, con el negativo de esa misma foto, ya sería el yo y el anti-yo fundidos; o bien, el ser y el no-ser en la misma imagen. Y si se le cambia el color a la foto, ¿estoy trasladando al sujeto a otro planeta imaginario? Verdaderamente con las fotos se pueden hacer tantas cosas que llegan a desafiar la lógica y la imaginación, y ponen a uno a pensar. Y si se hace un auto-retrato de un espejo, y aparece el autor en la foto volteado de izquierda a derecha, ¿qué pasó ahí?, ¿se le dio media vuelta al tiempo?

Si después de todo lo que se ha dicho usted sigue pensando que la foto dice la verdad y nada más que la verdad, la culpa no ha sido nuestra, porque la fotografía no es más que una pura ilusión al igual que este artículo digital.

DiarioDigital RD

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Agenda Cultural

Juan Guzman — Sun, 11 Feb 2007 15:36:00 +0000

MUSEO DE ARTE MODERNO

Plaza de la Cultura Juan Pablo Duarte.-

Expoindividual de Félix Bonilla y Geovanny Ruiz “Espacio para Dos”, hasta el jueves 08 de febrero. Expoindividual de Geo Ripley “Nueve Número de Ancestros, Autorretrato”, hasta el jueves 8 de febrero. Expoindividual de la artista Consuelo Gotay “Poetas del Caribe”, hasta el jueves 8 de febrero / 2007.

Expoindividual del artista Fernando Santiago “Conductas humanas”, hasta el jueves 8 de febrero. Colección Permanente del Mam. Tercera Planta. Exposición “Andy Wharol: Graphics Works”, apertura miércoles 28 de febrero 2007 7:30 p.m. Exposición “Lo Propio y lo Popular: Pop Art-dominicano”, apertura miércoles 08 de febrero 2007 7:30 p.m. De martes /domingos 10:00 a.m. – 6:00 p.m.

CENTRO CULTURAL EDUARDO LEÓN JIMENES

Av. 27 de febrero no.146. Villa Progreso. Santiago.-

Exposiciones permanentes “Signos de Identidad” La isla y los contrastes del Caribe, la biodiversidad, las formas de vida indígena, el mestizaje, lo criollo y el predominio de la actual cultura urbana se representan con un lenguaje museográfico coherente y vanguardista. Exposición “Génesis y trayectoria”, Aborda, entre otros aspectos, el rito, el paisaje, el mestizaje, la religiosidad y el carácter urbano de la sociedad contemporánea. Exposición “Huella y memoria” un siglo en el camino nacional. De lunes/sábado 9:00 a.m. – 6:00 p.m. Miércoles hasta las 8:00 p.m.

CENTRO CULTURAL DE ESPAÑA

Arz. Meriño esq. José Gabriel García. Zona Colonial

Expocolectiva con artistas de Puerto Rico, España, Portugal, Haití y República Dominicana “Las dos tiernas orillas: Pintura ingenua a ambos lados del Atlántico”, hasta el lunes 26 de marzo. De martes/domingo 10:00 a.m. – 9:00 p.m.

CASA DE TEATRO

Calle Arz. Meriño no. 110. Zona Colonial.

Expoindividual de pinturas de Ramón Castibú “Tribal”, durante todo el mes de febrero. Expocolectiva de los ganadores del Premio de Pinturas Casa de Teatro, durante enero, sala Paúl Guidicelli. De lunes / sábado 10:00 a.m. – 10:00 p.m.

LYLE O. REITZEL/ARTE CONTEMPORÁNEO

Gustavo Mejía Ricart esq. Abraham Lincoln. Torre Piantini.

Expocolectiva de pinturas “El Triunfo de la locura”, con la participación especial de Alejandro Colunga, invitado especial por primera vez en Santo Domingo, Gustavo Acosta, José Bedia, Vicente Casan, Luis Cruz Azaceta, Edouard Duval Carrie, Gerald Ellis, Carlos Estévez, Roberto Fabelo, José García Cordero, Raquel Paiewonsky, Eleomar Puente, Leonel Matheu, Carlos Quintana y Walter Iraetha. Apertura jueves 22 de febrero 7:30 p.m. De lunes/sábado 9:00 a.m. – 7:00 p.m.

MUSEO DE LAS CASAS REALES

Calle Las Damas esq. Las Mercedes.

Expoindividual de pinturas de Rafael C. Wu. “Serie- Multilíneas”, hasta el viernes 16 de febrero. De lunes/domingo 9:00 a.m. – 6:00 p.m.

ARTE BERRY/GALERÍA DE ARTE

Calle Hostos no. 105. Zona Colonial.-

Expocolectiva permanente de la galería con los artistas, Amaya Salazar, Yoryi Morel, Alfredo Bikondoa, César Menéndez, Aquiles Azar, José Pelletier, Domingo Liz, Sacha Tebó, durante febrero. De lunes / viernes 3:00 p.m. – 7:00 p.m. Sábado 9:00 a.m. – 1:00 p.m.

CENTRO CULTURAL LA QUINTA DOMINICA

Calle Padre Billini no. 202. Zona Colonial.-

Expoindividual de pinturas del maestro Antonio Guadalupe “Cristo”, en enero. Expoindividual de pinturas de Juli Monción, “Mar de Ojo”, hasta el viernes 09 de febrero. Presentación de cursos culturales (Mateo Morrison), Literarios (José Ant. Bobadilla) y Diplomáticos (Francisco de las Eras). Curso de Historia “1942 a través de la Óptica Monoteísta”, impartido por la Prof. María Teresa Ruiz de Catren y Curso de Historia del Arte, impartido por el Prof. Antonio Braga. (Para más información llamar al 809-687-5944). De lunes/sábado 9:00 a.m. – 6:00 p.m. Domingos 9:00 a.m. – 2:00 p.m.

MUSEO DEL DIBUJO CONTEMPORÁNEO

Rafael F. Bonnelly no. 9, Ens. Evaristo Morales.

Taller “Lecciones de artes”, estudio y análisis de importantes obras maestras. Inversión $300.00 por cada sesión /$250.00 miembros. Por Abil Peralta Agüero. 7:30 p.m. – 9:00 p.m. Taller “Las diferentes técnicas mixtas”, (personalizado) impartido por Iris Pérez, miércoles 6:00 p.m. – 9:00 p.m. RD$1,500.00 mensuales. Taller para niños “Dibujo y creatividad”, (personalizado) impartido por Wilson Peguero, sábado 10:00 a.m. – 1:00 p.m. RD$1,500.00 insc. RD$1,300.00 mens. Taller “Realización de retratos”, impartido por Wilson Peguero, sábados 10:00 a.m. – 12:00 p.m. RD$1,000.00 de insc. RD$1,200.00 mens.

MUSEO BELLAPART

Agencia Bella, ave. J. F. Kennedy esq. Dr. Lembert Peguero.

Colección permanente de arte dominicano (sala de exposiciones permanentes). Todo febrero. De lunes / viernes 9:30 a.m.- 6:00 p.m. Sábados 9:00 a.m. – 12:00 M.

GALERÍA DE ARTE GUERNICA

Ave. Los Próceres esq. Euclides Morillo. Diamond Plaza 1er. Piso. Ciclo de tertulias el primer jueves de cada mes. por el arq. Gamal Michelén. De lunes/viernes 9:00 a.m. – 7:00 p.m. Sábado 9:00 a.m. – 2:00 p.m.

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