Fotografía Dominicana » Metropolitan Museum

Un espejo roto

Juan Guzman — Sun, 13 Apr 2008 23:02:00 +0000

Francesco Manetto-16/03/2008 “
Sensibles, intensas, femeninas. Las imÃ¡genes de Francesca Woodman, homenajeada por la revista âC. International Photo Magazineâ, tejen vidas tan libres

como la suya, que acabÃ³ en suicidio a los 22 aÃ±os. Sus autorretratos, expuestos en el MOMA y en el Metropolitan Museum, se han convertido ya en objeto de culto.
“Y un dÃa mÃ¡s despertÃ© sola en estas sillas blancasâ. Fin de la historia. En 10 palabras comienza y termina todo. O no. Porque sÃ³lo se trata de una transiciÃ³n hacia otra historia. Un instante entre muchos. Esta especie de microrrelato acompaÃ±a una imagen en blanco y negro captada por

Francesca Woodman en 1979: una mujer encorvada sobre la mesa, un plato, una cuchara, una taza vacÃa y, sentado enfrente, un hombre inmerso en la lectura de un periÃ³dico. Â¿QuiÃ©n es esa mujer que aparece en la foto en camisÃ³n y con el pelo recogido en una trenza? Y el hombre, cuya cabeza se encuentra fuera de campo, Â¿estÃ¡ realmente leyendo el periÃ³dico, como parece, o de soslayo mira a su compaÃ±era de desayuno? Lo Ãºnico que sabemos es que alguien se despierta solo en una silla blanca. Un dÃa mÃ¡s. Nos lo promete Francesca con una frase. Todo lo demÃ¡s es un universo sugerido. Un cuento misterioso y evocador. Los conservadores del MOMA, del Metropolitan Museum de Nueva York o de la Fondation Cartier pour lâArt

InstantÃ¡nea de la serie ‘Polkadot’- Francesca Woodman

Contemporain de ParÃs lo definen con una palabra clave, la mÃ¡s importante para un creador: arte.

Para repasar su trabajo, los historiadores se han servido de la memoria de los padres y de su pequeÃ±o diario rosa

“Los pasteles son mi forma de arte favorita. Yo preparo unos magnÃficos panecillos de jengibre”

La libertad tenÃa, para Francesca, un sentido primordial: hacer, fotografiar y escribir sÃ³lo lo que le apetecÃa

FotografÃa titulada ‘Y un dÃa mÃ¡s despertÃ© sola en estas sillas blancas’- Francesca Woodman

De la misma manera, una de las pocas cosas que sabemos a ciencia cierta de esta fotÃ³grafa estadounidense es que naciÃ³ el 3 de abril de 1958 en Denver (Colorado) y que en enero de 1981 decidiÃ³ poner fin a su vida lanzÃ¡ndose desde una ventana en el Lower East Side de Manhattan. En medio quedan menos de 23 aÃ±os, centenares de instantÃ¡neas y una producciÃ³n artÃstica tan intensa que la sitÃºan ya entre los mitos de la fotografÃa del siglo XX y al mismo tiempo dan fe de su sensibilidad particular. Porque su visiÃ³n no tiene nada que ver con la fotografÃa de guerra de Robert Capa, el espÃritu documental de Cartier-Bresson o las inquietudes de Diane Arbus. Lo suyo, como apunta el crÃtico francÃ©s David Levi-Strauss, es un âdeseo revolucionario de romper los cÃ³digos de las apariencias y mirarlas a travÃ©s de un espejoâ.

Pero Â¿quiÃ©n fue realmente Francesca WoodÂ¬man? Para intentar recorrer su vida y repasar ese trabajo, los historiadores se han servido de la viva memoria de sus padres, los artistas plÃ¡sticos George y Betty Woodman (que ahora gestionan un archivo de mÃ¡s de 800 imÃ¡genes, 120 de las cuales han sido expuestas o publicadas), algunos testimonios directos de la autora âcartas, postales, reflexiones escritas en un pequeÃ±o diario rosaâ y, por supuesto, fotografÃas que rezuman una especie de vida propia. Ese camino empezÃ³ con un autorretrato en 1972, cuando, a los 13 aÃ±os, Francesca decidiÃ³ inmortalizarse con una cÃ¡mara Rolleiflex de medio formato. DespuÃ©s vendrÃan los primeros desnudos: mujeres perdidas en los bosques de Massachusetts o en una habitaciÃ³n anodina, una especie de ninfa contemporÃ¡nea en la orilla de un rÃo, personajes misteriosos tapados tan sÃ³lo con una mÃ¡scara de conejo, instantÃ¡neas realizadas con exposiciones largas y ejercicios de estilo. ExperimentaciÃ³n. Porque la trayectoria de esta joven fotÃ³grafa resultÃ³ muy marcada por los estudios y la influencia de sus padres. Empezando por los viajes.

La infancia de Francesca transcurriÃ³ entre Boulder, un pueblo de Colorado, y Antella, una aldea de la campiÃ±a toscana frecuentada por artistas y exponentes de la alta sociedad de Florencia. MÃ¡s tarde, sus padres la inscribieron en un instituto privado de Massachusetts, donde empezÃ³ a desarrollar su particular visiÃ³n de la fotografÃa, y despuÃ©s en la Escuela de DiseÃ±o de Rhode Island, en Providen
ce, donde aprovechÃ³ la oportunidad de un intercambio de un aÃ±o con la Academia de Bellas Artes de Roma. La joven Woodman nunca llegÃ³ a ganarse la vida como fotÃ³grafa. Su universo estaba hecho de estudios y crecimiento, artÃstico o personal. Y en muchos casos, dudas y tribulaciones. Para intentar comprender quÃ© le pasaba por la cabeza durante la adolescencia, sirvan estos pasajes de su diario, escritos en el otoÃ±o de 1975, en los que habla de sÃ misma tanto en primera como en tercera persona: â[â¦] Una parte de este libro contiene ideas que quiero organizar en series. Intento seguir la huella del cambio de la moral de Francesca y contar lo que he hecho. La lista de alimentos que he comido, por ejemplo [â¦]. Los pasteles son mi forma de arte favorita; yo preparo magnÃficos panecillos de jengibre, trufas de chocolate, pasteles de melocotÃ³n y flanes de zarzamora. No hay nada mÃ¡s relajante que quedarse a solas con un buen libro de cocina y las palabras!â. Meses mÃ¡s tarde, Francesca tenÃa una actitud mÃ¡s negativa: âEsta noche no estoy contenta. Pienso y hablo a menudo de mi detestable tendencia al romanticismo. Creo que el esfuerzo de deshacerme de esta actitud en mi trabajo ha tenido un extraÃ±o efecto en mi vidaâ¦ La fotografÃa es tambiÃ©n una manera de conectar con la vida. Hago fotos de la realidad filtradas a travÃ©s de mi menteâ, cuenta unas pÃ¡ginas antes de explicar con toda naturalidad las âseis formas de comer naranjasâ.

Esa realidad filtrada de forma tan personal ha dado pie a un trabajo fascinante, cautivador, en el que sus series de instantÃ¡neas, que muchos han calificado de ensayo fotogrÃ¡fico, en realidad van mÃ¡s allÃ¡ del gÃ©nero. SegÃºn el crÃtico britÃ¡nico Chris Towsend, que hace la introducciÃ³n de un volumen antolÃ³gico editado por Phaidon en 2006, en el instinto y las intenciones de Woodman yace el fuego del arte surrealista. âMuchas fotografÃas de Woodman le deben algo al trabajo de otro, desde las mÃ¡s antiguas tradiciones del arte moderno, como el surrealismo, hasta sus contemporÃ¡neos o maestrosâ¦ Lo que no significa que sus fotografÃas sean necesariamente derivaciones o copiasâ, apunta. La misma Francesca, tal vez consciente de ese proceso, se pregunta en sus notas: âAlguien me dice algo acerca una fotografÃa que no he hecho nunca y, de repente, yo decido fotografiar ese algo. Â¿Es un plagio?â. La respuesta se la dio, mÃ¡s de 30 aÃ±os despuÃ©s, el anÃ¡lisis de Towsen: âLa historia del arte es algo que los artistas descubren y ante la cual intentan reaccionar. Woodman no fue un genio inculto que brotÃ³ de repenteâ¦ Su gran capacidad fue transformar su compromiso con la historia del arte y sus influencias en imÃ¡genes que eran algo mÃ¡s, algo mÃ¡s que simples imÃ¡genesâ, explica antes de definir a la artista como una autorretratista consciente de una larga tradiciÃ³n que va de Durero a Rembrandt, pasando por Caravaggio.

Femeninas, sensuales, intensas, a veces dramÃ¡ticas, pero nunca desesperadas. AsÃ, la mayorÃa de las imÃ¡genes de Francesca parecen tejer un mundo deliberadamente enigmÃ¡tico que le ha valido, junto con una turbulenta estancia en Roma y el epÃlogo del suicidio, tambiÃ©n una fama de fotÃ³grafa con aura maldita. El escritor Philippe Sollers la sitÃºa, a ese respecto, âen un extraÃ±o mundo de antifotografÃaâ. âSÃ³lo hace falta ver cÃ³mo se presenta a sÃ misma: desnuda, sentada sobre sus rodillas, en Roma, en el rincÃ³n de una pared, vuelta hacia un lirio blanco en primer plano. [â¦] No me gusta Francesca Woodman, pero la admiroâ¦ Â¿QuÃ© ocurre hoy? El sida, el desempleo, Hillary Clinton, los Oscar, Cannes, las madres solterasâ¦ El mercado impone la fotografÃa y prohÃbe la antifotografÃa, que, en cambio, es la voz de la libertadâ, escribÃa en 1998. Y la libertad tenÃa, para Francesca, un sentido primordial: hacer, fotografiar y escribir sÃ³lo lo que le apetecÃa. Rechazar lo esperado. Como en su diario, que, a pesar de los viajes y las estancias en lugares fascinantes, nunca menciona las muy fotogÃ©nicas fuentes de Roma ni el ritmo frenÃ©tico de la Gran Manzana. âFrancesca escribÃa cosas sobre su mundo personal, que viajaba con ellaâ, apunta el padre, George.

Ese espiritual mundo es exactamente el que evoca Sloan Rankin, un viejo amigo de Francesca: âDurante nuestro primer aÃ±o en el college me apuntÃ© a un curso de poesÃa. Entonces, Francesca escribiÃ³ en su cuaderno: âSoy el fantasma poÃ©tico de Sloanâ¦ Eso me permite masticar unos pensamientosâ. Por ejemplo, las ideas reflejadas en los versos de un poema que termina asÃ: âY se me habÃa olvidado de cÃ³mo se lee mÃºsicaâ. Otra vez, fin de la historia. Sin embargo, tambiÃ©n estas 10 palabras se convirtieron en el tÃtulo de una fotografÃa: un pentagrama en el palmo abierto de la mano derecha, unas cortinas colgando junto a una ventana que sÃ³lo se intuye, un collar y un vestido primaveral. Y fuera de campo, unos ojos que quizÃ¡ intentan huir. Hacia otra imagen, su enÃ©simo cuento soÃ±ado.

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Cultura inaugura mañana en el Centro de Estudios Lebaniegos de Potes

Juan Guzman — Wed, 28 Feb 2007 13:49:00 +0000

Cultura inaugura mañana en el Centro de Estudios Lebaniegos de Potes una gran muestra que exhibirá parte del trabajo realizado el pasado año sobre la comarca

GUILLERMO BALBONA/SANTANDER

Aborda desde los años setenta una forma de arte tan aparentemente ‘sencilla como compleja’. Se dedica a viajar, a caminar por entornos naturales, y a documentar sus largas excursiones con excelentes, y a veces sorprendentes fotografías acompañadas de un breve texto. El fotógrafo Hamish Fulton (Londres, 1946) se incorpora con su arte del paisaje, de la tierra, a las miradas que en los últimos años han recorrido las entrañas de Cantabria y, en especial, la comarca lebaniega, bajo el auspicio y la invitación de ‘Liébana, tierra de Júbilo.’

Lo suyo es el arte fotográfico entendido en los términos narrativos del viaje; arte del cuerpo, de la experiencia física irreductible del que va por ahí caminando, como en este caso, y a su vez también arte conceptual, puesto que no se trata estrictamente de ninguna de tales cosas, sino de su conjunto. Las miradas de Fulton protagonizan desde mañana una de las grandes exposiciones ligadas a la conmemoración del Año Lebaniego. Como ya aconteciera hace un año con el fotógrafo español Tony Catany, la Consejería de Cultura prosigue con su proyecto fotográfico con la inclusión de uno de los nombres internacionales de mayor prestigio, el británico Hamish Fulton. Nuevamente Liébana constituye el objetivo del trabajo gráfico, recogido en una exposición y plasmado en la edición de un catálogo. De su labor intensa durante varias jornadas este ‘fotógrafo-caminante’, como así se define el propio Fulton, ofrecerá ahora su testimonio, su peculiar visión de la comarca, los paisajes y sus gentes. La brillante trayectoria profesional de Fulton viene avalada por la relación de museos que acogen sus colecciones: Metropolitan, el MOMA y el Guggenheim de Nueva York, la Tate Gallery de Londres, la National Gallery de Canadá, el Metropolitan Museum de Tokyo, el Victoria y Albert Museum de Londres o la National Gallery de Escocia.

La muestra se inaugura mañana, a las 13,30 horas, en el Centro de Estudios Lebaniegos de Potes,que acogerá parte de ese trabajo abordado el pasado verano sobre la comarca lebaniega. Fulton fue invitado por la Consejería y desarrolló este proyecto celebrado bajo el paraguas del Año Lebaniego, dentro de la campaña ‘Cantabria 2007′. Uno de sus últimos trabajos en España fue ‘Siete Caminatas Cortas’ con destino a la Fundación César Manrique de Lanzarote, en el año 2005. Representante en los años setenta del arte conceptual y de una corriente que se interesa por el paisaje, su obra no da cabida a la tecnología y respira calma frente al land art americano, diferenciándose de la obra de Richard Long, en que no existe intervención sobre el lugar representado. Sus obras son reflejo de una relación privilegiada con la naturaleza, y el paseo es su componente esencial: fundamentada sobre todo en imágenes expresadas en blanco y negro, «invita al espectador a reconstruir el espacio, sirviéndose para ello de textos que dan a conocer diferentes datos, lo que contribuye a evocar el recorrido». Su creación plasma una poesía geográfica, «una poética de la ausencia, pues la representación no puede captar completamente la vivencia del andar, del cuerpo inmerso en el tiempo». Las obras que se exhibirán, a modo de cuaderno personal, habitan esas caminatas de Fulton por una geografía familiar, cercana que el creador presenta tras su experiencia.

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El Museo de Teruel inaugura una exposición de fotografía bajo el título ‘España Diez Miradas’

Juan Guzman — Thu, 21 Dec 2006 11:55:00 +0000

El Museo de Teruel inaugura hoy una gran muestra de fotografía bajo el título ‘España Diez Miradas’

La exposición, que ha sido coproducida por la Sociedad Estatal de Exposiciones Internacionales (SEEI) y la editorial Lunwerg en colaboración con la Diputación de Teruel, pretende reflejar la evolución de nuestro país durante los últimos 25 años, a través de la mirada subjetiva de diez grandes fotógrafos, considerados como los artífices del mayor cambio cualitativo en la fotografía documental española.

Los fotógrafos que han visto seleccionada su obra poseen, sin duda, una destacada trayectoria profesional que avala su capacidad para plasmar imágenes de la vida española en la transición del siglo XX al XXI. La nómina de fotógrafos de esta atractiva exposición la integran: Juan Manuel Castro Prieto (Madrid, 1958); Ricky Dávila (Bilbao, 1964) ; Alberto García-Alix (León, 1956); Cristina García Rodero (Puertollano, 1949); Xurxo Lobato (A Coruña, 1956); José Ignacio Lobo (Tolosa, 1967); Ramón Masats (Caldes de Montbuí, 1931); Isabel Muñoz (Barcelona, 1952); José Manuel Navia (Madrid, 1957) y Miguel Trillo (Jimena de la Frontera, 1953)

Esta exposición de la SEEI ahora itinerante fue, en su origen, inaugurada en el Tokio Metropolitan Museum of Photography y constituyó uno de los actos culturales estrella de la presencia española en la Expo Aichi que se llevó a cabo en Japón del 25 de marzo al 25 de septiembre de 2005. Tras este evento, la muestra ha visitado ya las ciudades de Valladolid y Granada y ahora podrá ser contemplada, hasta el próximo 28 de enero de 2007, en las salas de exposiciones temporales del Museo de Teruel.

El comisario de la exposición, Publio López Mondéjar, considera que la muestra refleja el tránsito vertiginoso entre la rancia España predemocrática y el moderno y desarrollado país actual. Para ello nada más indicado que recurrir al testimonio de la fotografía, porque ningún lenguaje como el fotográfico nos habla tan eficazmente de nosotros mismos, cuando el que lo ejerce no se resigna a renunciar a las cualidades básicas de su lenguaje y a su primitiva vocación de registro y representación. Una condición que hermana la obra de los diez fotógrafos reunidos en ‘España Diez Miradas’.

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CajaCanarias acerca a Puerto de la Cruz una exposición fotográfica sobre la cultura andina

Juan Guzman — Fri, 27 Oct 2006 16:45:00 +0000

Fotografías de Los Andes, sus paisajes y sus gentes, constituyen el eje central de la exposición ‘Proyecto Andes’, del fotógrafo Jaume Blassi, organizada por la Obra Social y Cultural de CajaCanarias, y que fue inaugurada en la mañana de este jueves, 26 de octubre, en la Sala de Arte CajaCanarias de Puerto de la Cruz.

En el acto estuvieron presentes Marcos Brito Gutiérrez, alcalde de Puerto de la Cruz, Luis Pérez Martín, concejal de Educación y Cultura del consistorio portuense, y Álvaro Marcos Arvelo, miembro del Área de Cultura de la Obra Social de CajaCanarias. La muestra podrá ser visitada hasta el 25 de noviembre en horario de martes a domingo de 11 a 13 horas y de 17 a 21 horas.
La exposición alberga alrededor de medio centenar de fotografías y se compone de una selección de retratos de indígenas de los Andes de todas las edades, posando de forma individual o grupal. Entre los mencionados retratos se intercalan paisajes que ayudan al espectador a contextualizar a los protagonistas de las imágenes. La obra, en la que el fotógrafo hace gala de un exquisito manejo del blanco y negro y de su buena composición, da cuenta de la esencia precolombina, ofreciéndonos un documento lleno de raíces, cultura, interrogantes sin respuesta y miradas de historia.

Crónica de una seducción
La instalación, además de su valor documental, ilustra a la perfección la intensa relación afectiva de Blassi con los Andes, un paraje al que llegó por primera vez hace casi treinta años y al que ha regresado en repetidas ocasiones. Tras una experiencia visual impactante en un mercado de Cuzco, en Perú, el fotógrafo decidió invertir su tiempo y su esfuerzo en elaborar un testimonio fotográfico de las minorías étnicas de la región.
‘Proyecto Andes’ comenzó a gestarse en 1978, desde ese año, Blassi ha aprovechado cualquier oportunidad para desplazarse a la cordillera andina y plasmar en imágenes su fascinación por los indígenas de la zona. La falta de ayudas dilató el proyecto durante veinticinco años, aunque este tiempo también se justifica por el carácter tenaz, perfeccionista y casi obsesivo del fotógrafo barcelonés.
Este cuarto de siglo de idas y venidas, pero sobre todo, de miradas, han cristalizado en un trabajo serial que supone, en palabras de Francisco Calvo Serraller, “por una parte, una concepción de la mirada a través del tiempo, pero, por otra, la aproximación a la realidad mediante su troceamiento o fragmentación”.
Retratos penetrantes
El visitante que se anime a recorrer los Andes desde el objetivo de Blassi podrá disfrutar, sin duda, de una visión personalísima: la del intruso consciente de su propia invasión. Un extranjero anhelante por apresar el espíritu de su modelo, pero que al mismo tiempo, destilando una enorme humildad y ternura, es capaz de una gran penetración psicológica que se plasma en cada uno de los retratos expuestos.
‘Proyecto Andes’ nos acerca un mundo habitado por hombres autosuficientes, independientes y libres que viven armónicamente con la naturaleza a pesar de todos los rigores de su existencia. La mirada torva e irónica del indio ika, la sorpresa y la desconfianza que se reflejan en el rostro de una kogi o la altivez de un wiwa, por citar algunos, muestran a los indígenas andinos tal y como los percibe el fotógrafo: íntegros, elegantes y dignos.
Los retratados aparecen sumidos en su propio mundo, abstraídos en sus pensamientos, tal vez hechizados por ellos, mostrando su más penetrante retrato. E insertándose entre las imágenes de los modelos, encontramos los paisajes que los forjan, entornos de una belleza y serenidad magistralmente captados por la cámara de Blassi, y que gracias a la plasticidad en el tratamiento constituyen auténticos retratos de la naturaleza.
Ahora bien, sería un error reducir ‘Proyecto Andes’ a la idea de un reportaje gráfico que abarca la realidad física y antropológica de la cordillera. Gracias al virtuosismo y a la pasión de Blassi, esta obra se erige, por derecho propio, en una serie monumental, en un majestuoso testimonio que desafía al tiempo, una hazaña poética, en suma, que nos revela un legado milenario y lo preserva hacia un futuro indeterminado.
Jaume Blassi
Jaume Blassi (Barcelona, 1948) se inició en el mundo de la fotografía en el año 1964, introducido por su amigo el pintor Salvador Brú. Desde entonces, ha desarrollado un incesante trabajo que lo ha situado en un puesto privilegiado del panorama fotográfico español.
De su obra destacan sus colaboraciones en importantes revistas de viajes, como la National Geographic, así como su participación en varios libros de paisajes. Instituciones tan prestigiosa como la Bibliothèque Nationale de París, o The Metropolitan Museum of Art, en New York, albergan muestras de su trabajo.

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Diez fotógrafos plasman visión España transición siglos XX a XXI

Juan Guzman — Wed, 30 Aug 2006 23:09:00 +0000

Una muestra con cerca cien fotografías retrata la visión personal de diez fotógrafos españoles que aportan su visión del país durante el periodo de transición del siglo XX al XXI en ‘España, Diez Miradas’ que se podrá visitar por primera vez en España y en Valladolid desde hoy, hasta el próximo 1 de octubre.
La exposición pretende ‘borrar las fronteras geográficas y temporales’, explicó la concejala de Cultura de Valladolid, Angeles Porres, durante la presentación de la muestra.
La exposición, integrada por un centenar de imágenes, fue presentada en el Tokio Metropolitan Museum of Photography el pasado 25 de marzo y estuvo en la Expo Aichi que se celebró en Japón como representante de la cultura española.
‘España, Diez Miradas’ pretende enseñar una imagen de la España actual y de la evolución en los últimos años y, al mismo tiempo, compilar la obra de parte de los fotógrafos españoles considerados como los artífices de un cambio cualitativo en la fotografía documental de los últimos años.
El director de la editorial Lunwerg, Javier Ortega, precisó que ‘esta es la mejor exposición de posibles narradores con cámara’ al hacer referencia a los diez fotógrafos que participan en la muestra, cada uno de ellos centrándose en un tema.
Alberto García-Alix, Cristina García, Xurxo Lobato, José Ignacio Lobo, Ramón Masats, Isabel Muñoz, José Manuel Navia, Miguel Trillo, Juan Manuel Castro y Ricky Dávila, son los fotógrafos que con sus cámaras han plasmado la evolución de España en los últimos veinticinco años.
Los diez fotógrafos reunidos en la sala de exposiciones de San Benito de Valladolid recurren a la imagen de costumbres y paisajes de los pueblos y las gentes de su país, cuyos caminos cruzaron reiteradamente.
Cada uno desde sus certezas, dudas e inquietudes ha escrutado la cambiante realidad española que ‘sólo en el último cuarto de siglo ha experimentado una mutación incomparablemente más profunda que en los largos siglos de inmovilismo y autarquía’, en palabras del comisario de la muestra, el historiador de fotografía Públio López.

Collage de grandes fotógrafos Colectiva de fotografía en la galería Marlborough ‘Juicio Final’, obra...

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(Mexico) La fotografía entra en una nueva era: Fontcuberta

Juan Guzman — Wed, 23 Aug 2006 17:36:00 +0000

El artista y teórico catalán participó en la celebración de los 30 años de la Fototeca Nacional de Pachuca; señala que en nuestra época la fotografía ha alcanzado “su madurez como cultura de visión”
PACHUCA, Hidalgo.- La fotografía miente, pero lo importante es el sentido que el fotógrafo imprime a su mentira, asegura Joan Fontcuberta (Barcelona, 1955), artista cuya investigación tiene como esencia el debate entre qué es la realidad y qué la ficción.
“La fotografía tiene un enorme potencial de convicción. Por eso la educación del público es vital: hay que estimular su capacidad de cuestionamiento, su escepticismo y voluntad de dudar. Hay una inercia a aceptar lo que nos cuentan; reaccionar y utilizar el sentido común implica un mayor esfuerzo intelectual”.
Fontcuberta participó ayer en la celebración de los 30 años de la Fototeca Nacional de Pachuca, Hidalgo, en el contexto del séptimo Encuentro Nacional de Fototecas. Durante la inauguración de este encuentro se rindieron homenajes a Héctor García, Eleazar López, Carlos Jurado y Nacho López (in memoriam).
Filósofo de la fotografía, Fontcuberta señala en entrevista que este género empieza a prepararnos para una nueva era. “En este periodo reciente la fotografía alcanzó su madurez como cultura de visión, llegó a un cierto techo, culmina un ciclo y nos prepara para otra cosa”.
¿Qué nos prepara? Habrá que investigarlo, precisa Foncuberta e indica que durante los últimos 30 años la fotografía ha tenido una evolución hacia cuotas de subjetividad cada vez más elevadas que han llevado a un cierto descrédito a las prácticas documentales, lo que ha provocado una revisión de pautas expresivas.
“La fotografía, a lo largo de su historia, ha sido fundamentalmente documental, entonces, en la medida en que se tambalea esa naturaleza deben surgir nuevas maneras, nuevas voces de expresarse fotográficamente. Además, eso ha sucedido simultáneamente con una evolución de lo tecnológico, el tránsito de la fotografía analógica a la fotografía digital ha acelerado este proceso de cambio”.
Para el teórico, más que una determinada técnica de representación, hay que entender la fotografía como una cultura particular que sostiene determinados valores. “Si hoy en el siglo XXI la fotografía nos sigue pareciendo importante es porque los problemas a los que debía dar respuesta en el siglo XIX nos siguen pareciendo vigentes: verdad, identidad y memoria son problemas sin resolver”.
Las tres décadas de existencia de la Fototeca Nacional coinciden con el número de años que Joan Foncuberta ha dedicado a la fotografía, ya sea como investigador, curador, fotógrafo y fundador de revistas como Photovision. Su obra ha sido exhibida en museos como el Centre Georges Pompidou de París, el Metropolitan Museum of Art de Nueva York o el Art Institute de Chicago. Es autor de libros como El beso de Judas y Fotografía. Crisis de historia, entre otros.
“En esos últimos 30 años hemos presenciado ese tránsito a la madurez, pero también, como un efecto de darwinismo que atañe a los medios de comunicación, a su senectud y agonía. Se ha hablado de la muerte de la fotografía y de una nueva categoría: la post-fotografía. Y seguidamente hemos advertido el renacimiento o la resurrección de una fotografía ´otra´. Lo que es evidente es que somos testigos de una ruptura de paradigma. Nos damos cuenta ahora que la fotografía tal como la conocíamos, la fotografía convencional, fotoquímica, analógica, ha constituido un accidente histórico, una anomalía en el devenir lógico de las imágenes”.
El proyecto en que actualmente trabaja Fontcuberta se titula Googlegramas y es el resultado de la conexión entre dos universos dispares: el buscador Google en internet con la tradición de los mosaicos. Fontcuberta rehace una imagen mediante un programa freeware de fotomosaico conectado on line al buscador Google. El resultado final es un fotomontaje en forma de mosaico que se compone de 10 mil imágenes disponibles en internet, localizadas aplicando como criterio de búsqueda, algunas palabras relacionadas con el tema de la foto. Por ejemplo, para crear un mosaico que nos da como resultado la imagen de un indigente, tecleó en Google los nombres de los hombres más ricos del planeta, según la revista Forbes.
“Son maneras nuevas de investigar el problema de la ambigüedad, lo real, es una forma de acercarnos a la descripción de determinados fenómenos”, finaliza.

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El fotógrafo Hamish Fulton realizará un trabajo sobre Liébana

Juan Guzman — Sun, 02 Jul 2006 14:33:00 +0000

Como ya hiciera hace unos meses con el fotógrafo español Tony Catany, la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte continúa con este proyecto fotográfico con la inclusión de uno de los grandes nombres internacionales de este arte, el británico Hamish Fulton.

Nuevamente Liebana será el objetivo de su trabajo gráfico que posteriormente será recogido en una exposición y en la edición de un catálogo. Durante varias jornadas este «fotografo-caminante», como así se define el propio Fulton, ofrecerá su peculiar visión de esta comarca, paisajes y gentes. Su trabajo se inició el pasado domingo y concluirá próximo nueve de julio.
Hamish Fulton (Londres, 1946) viene desarrollando desde los años setenta una forma de arte tan aparentemente sencilla como compleja. Se dedica a viajar, a caminar por entornos naturales, y a documentar sus largas excursiones con excelentes, y a veces sorprendentes fotografías.
Su brillante trayectoria profesional viene avalada por la relación de museos que acogen sus colecciones: Metropolitan, el MOMA y el Guggenheim de Nueva York, la Tate Gallery de Londres, la National Gallery de Canada, el Metropolitan Museum de Tokyo, el Victoria y Albert Museum de Londres o la National Gallery de Escocia.

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Año Lebaniego.- El prestigioso fotógrafo británico Hamish Fulton realizará un trabajo sobre Liébana

Juan Guzman — Mon, 26 Jun 2006 12:01:00 +0000

Fuente : Europa Express
El prestigioso fotógrafo británico Hamish Fulton llevará a cabo un trabajo fotográfico sobre Liébana que será continuación del proyecto fotográfico puesto en marcha por la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte con motivo de la celebración del Año Lebaniego, que inició hace unos meses el fotógrafo español Tony Catany. Fulton inició su trabajo este domingo y lo concluirá el próximo 9 de julio.
Nuevamente Liebana será el objetivo de este trabajo gráfico, que posteriormente será recogido en una exposición y en la posterior edición de un catálogo. Durante varias jornadas este “fotografo-caminante”, como así se define el propio Fulton, ofrecerá su peculiar visión de esta comarca, paisajes y gentes.
Hamish Fulton (Londres, 1946) viene desarrollando desde los años setenta una forma de arte tan aparentemente sencilla como compleja. Se dedica a viajar, a caminar por entornos naturales, y a documentar sus largas excursiones con excelentes, y a veces sorprendentes fotografías acompañadas de un breve texto indicativo.
Arte del paisaje, de la tierra, pero también arte fotográfico entendido en los términos narrativos del viaje; arte del cuerpo, de la experiencia física irreductible del que va por ahí caminando, según señalaron fuentes de la Consejería.
Su brillante trayectoria profesional viene avalada por la relación de museos que acogen en sus colecciones algunas de sus obras como son el Metropolitan, el MOMA y el Guggenheim de Nueva York, la Tate Gallery de Londres, la National Gallery de Canada, el Metropolitan Museum de Tokyo, el Victoria y Albert Museum de Londres, o la National Gallery de Escocia, entre otros.
Su último trabajo en España fue “Siete Caminatas Cortas” para la Fundación Cesar Manrique de Lanzarote en el año 2005.

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Susan Sontag, una mirada lúcida

Juan Guzman — Wed, 14 Jun 2006 13:13:00 +0000

El Metropolitan de Nueva York exhibe en homenaje a la escritora una selección de fondos fotográficos

Fuente : EL PAÍS
Susan Sontag, fotografiada por Peter Hujar en 1975.
En un intento por conectar el pensamiento de Susan Sontag (Nueva York, 1933- 2004) a las imágenes y los autores sobre quienes habló y reflexionó en sus ensayos en torno a la fotografía, el Metropolitan Museum of Art de Nueva York ha organizado la exposición On photography: a tribute to Susan Sontag, una muestra en la que combina 40 imágenes tan diferentes como las que caracterizaron la obra de Walker Evans, Robert Frank, August Sander o Robert Mapplethorpe, entre otros, y pertenecientes a la colección del Metropolitan, con textos extraídos de dos libros de la ensayista que son ya imprescindibles para analizar y comprender el valor y la fuerza de la fotografía. La exposición puede verse hasta el 4 de septiembre.
“¿Cuál es la evidencia de que ha disminuido el impacto de las fotografías y de que nuestra cultura neutraliza la fuerza moral de las imágenes de atrocidades?”. Susan Sontag (Nueva York, 1933-2004), una de las grandes intelectuales del siglo XX, ensayista, novelista, crítica y activista, se hacía esa pregunta en 2003 en el libro Ante el dolor de los demás, publicado un año antes de su muerte. Se trataba de una revisión de su tan celebrado como polémico Sobre la fotografía, su primera recopilación de ensayos sobre el género, publicado en 1977 y, aún hoy, referente imprescindible para cualquier amante de la fotografía.
Uno de los constantes retos para los grandes museos es aprender a mirar hacia los tesoros de sus colecciones permanentes desde perspectivas diversas y eso es también lo que se ha querido intentar con esta muestra. Un total de 40 imágenes tan diferentes como las que caracterizaron la obra de Walker Evans, Robert Frank, August Sander o Robert Mapplethorpe, entre otros, y pertenecientes a la colección del Metropolitan, en cuyos archivos se guardan más de 20.000 fotografías, se exhiben en dos salas junto a textos de Sontag extraídos de los libros mencionados.
Mostrar, no evocar
En algunos casos las siempre agudas palabras de esta versátil y comprometida autora se muestran junto a la fotografía concreta de la que hablaba, como en el caso de la célebre imagen de Robert Capa Falling soldier (1936), tomada durante la Guerra Civil española y sobre cuya veracidad siempre se ha dudado. “Una fotografía se supone que está hecha para mostrar, no para evocar. Por eso cuenta como evidencia. Pero ¿evidencia de qué? La sospecha de que la imagen no muestre lo que su título dice mostrar (existe la hipótesis de que esta foto recogiera un ejercicio organizado cerca del frente) continúa persiguiendo las discusiones sobre fotografía de guerra”, escribía Sontag en Ante el dolor de los demás.
Aquel libro, escrito pocos años después de mudarse a Sarajevo en plena guerra de los Balcanes y vivir en sus propias carnes el agónico sitio que sufrió una ciudad ante cuya tragedia Europa y Estados Unidos se cruzaron de brazos, ponía en duda afirmaciones hechas en Sobre la fotografía que en su momento fueron tremendamente polémicas, como la de cuestionar el dicho popular “una imagen vale más que mil palabras”. En 2003, la autora, en cierto modo, se retractaba: “Dejemos que las imágenes (de atrocidades) nos persigan. Incluso si sólo son pedazos y no pueden describir toda la realidad a la que se refieren, aún tienen un objetivo. Las imágenes nos dicen: esto es de lo que los seres humanos son capaces de hacer, de forma voluntaria, entusiasta, sancionada”.
Aquellas palabras parecen más vigentes que nunca ya que la prensa de su país, que siempre la acusó de antipatriota por cuestionar la política estadounidense, se ha pasado los últimos cuatro días mostrando hasta la saciedad la imagen del cadáver sanguinolento de Al Zarqaui, el líder de la insurgencia iraquí, cuya foto gigante, tomada tras su fallecimiento, presidió incluso la rueda de prensa que organizó el Ejército para informar sobre su captura. El uso propagandístico de esa fotografía de muerte “sancionada” contrasta con la autocensura que toda la prensa estadounidense practica respecto a las fotos de los cadáveres de sus propios soldados (y la expresa prohibición del Ejército de mostrar sus ataúdes y funerales). Pero hoy Sontag no se sorprendería: sabía que para los estadounidenses convivir con las imágenes de sus muertos nunca fue posible, y uno de sus textos del libro Ante el dolor de los demás, recogido en la exposición frente a las dos fotografías que cita, nos lo recuerda. “Con nuestra muerte, siempre ha habido una poderosa restricción para evitar mostrar la cara desnuda. Las fotografías tomadas por Gardner and O’Sullivan (Field where general Reynolds Fell, Gettysburg, 1863) todavía impactan porque muestran a los soldados confederados muertos boca arriba, con las caras de algunos aún visibles. Los soldados americanos caídos en muchas otras guerras no aparecieron en ninguna publicación importante hasta que en septiembre de 1943 la revista Life publicó la fotografía de George Strock Dead gis on Buna Beach, que mostraba a tres soldados muertos durante el desembarco en Nueva Guinea”, escribió.
Agitadora teórica
En la exposición del Metropolitan, las palabras de Susan Sontag se posan sobre fotos ya clásicas como el retrato que Mapplethorpe le tomó a la cantante Patti Smith en 1976, o sobre una fotografía que Diane Arbus hizo en una manifestación proguerra de Vietnam en 1967: “Los protagonistas de las fotos de Arbus son miembros de la misma familia, del mismo pueblo. Lo que ocurre es que ese pueblo de idiotas es América”, escribió en Sobre la fotografía.
Pero en la muestra también se reflexiona sobre conceptos más genéricos como el de la importancia de la imagen en la construcción de la nostalgia y la memoria, o la idea de celebridad. “Las fotografías instigan, confirman, sellan leyendas. Vistas a través de sus imágenes, las personas se vuelven iconos de sí mismas”, escribió la ensayista en 1976 en la introducción del libro de Peter Hujar Retratos de vida y muerte. Entre las cuatro fotos escogidas por la comisaria Mia Fineman para ilustrar esa idea, también hay un retrato de la propia Sontag, tomado por Hujar en 1975. Involuntariamente, casi dos años después de su muerte, una de las mayores agitadoras teóricas sobre fotografía se convierte de esta manera en la imagen a la que se referían sus palabras

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Analizaran la Fotografia como imagen y materia en la UNAM

Juan Guzman — Wed, 24 May 2006 11:50:00 +0000

FUENTE : CRITERIOS

El XIV Coloquio del Seminario de Estudio y Conservación del Patrimonio Cultural “La fotografía: imagen y materia” está a cargo del Instituto de Investigaciones Estéticas
México, DF 23 Mayo.- Con el fin de reflexionar acerca de la naturaleza compleja de la fotografía como objeto concreto e imagen reproducible, el Instituto de Investigaciones Estéticas (IIE) de la UNAM organiza el XIV Coloquio del Seminario de Estudio y Conservación del Patrimonio Cultural “La fotografía: imagen y materia”.

El encuentro, que se celebrará en el Ex Convento de Santo Domingo de Guzmán, de la ciudad de Oaxaca, Oaxaca, del 28 al 31 de mayo, contará con la participación de destacados especialistas de Estados Unidos, Francia, España y México.

En conferencia de prensa, Diana Magaloni, presidenta del Seminario e investigadora del IIE, señaló que con este Coloquio la Universidad Nacional busca promover la discusión de las ideas, la defensa del patrimonio y colocar en la mesa problemas de importancia nacional como éste.

Agregó que la misión de la UNAM, al ser la principal casa de estudios del país, es promover el análisis de temas de relevancia, y, por su historia y naturaleza, tiene la posibilidad de hacer que esta labor se lleve a cabo con un alto nivel académico.

Aunque parezca un tema que sólo interesa a los especialistas, incumbe a mucha gente, pues es un momento histórico para la digitalización de la imagen, para el cambio de fotografías y de archivos a una nueva manera de conservar, registrar y de pensar las placas en este momento, indicó.

El Seminario se fundó en 1991 por un grupo de investigadores que tradicionalmente ha defendido la herencia nacional, recordó. Hoy día lo que se hizo fue abrirlo a instituciones de todo el país.

Además, se busca rescatar a la fotografía como patrimonio cultural, pero no sólo como imagen que puede estar en cualquier parte, sino a las que existen físicamente en archivos, acervos y fototecas. Es decir, apuntó, destacar la calidad material.

Digitalizar es preservar. Pero se propone en este Coloquio la protección de la parte física con sus cualidades materiales, ya que son únicas e irrepetibles, por razones de índole técnico, aseveró.

Este arte no se consideraba dentro del patrimonio cultural, como otros bienes culturales, precisamente por no entender que tiene una parte material, detalló.

A su vez, Pedro Ángeles, coordinador del Archivo Fotográfico Manuel Toussaint, dijo que desde hace 20 ó 25 años este tema ha cobrado, en el entorno de la historiografía de México, una relevancia cada vez mayor, tanto, que en los últimos años más de 120 títulos se han publicado con temas especializados.

Esto obedece al enorme interés por la imagen y, al mismo tiempo, por la tendencia a la convergencia digital; es decir, a la serie de decisiones estratégicas de dejar a un lado la imagen analógica para ingresar a la digital.

Ante ello, el IIE cuenta con el Archivo Fotográfico Manuel Toussaint, que responde a las necesidades particulares en el área de la historia del arte.

El XIV Coloquio asienta que la fotografía es producto de la evolución tecnológica ligada a la ciencia, industria y mercado. Sus cambios están imbricados con mecanismos sociales y culturales complejos y la conservación misma de la materia desde la cámara, negativo y papel, hasta los químicos fotosensibles, que enfatizan su papel como objeto histórico y documento.

Por ello, propone analizar y discutir acerca de la naturaleza compleja de este arte en tanto objeto concreto, producto de una materialidad y una técnica determinadas por un momento histórico, pero también como imagen reproductible.

Así, el encuentro se abre a las reflexiones actuales acerca de la fotografía como documento y como representación, desde el punto de vista de su naturaleza técnica, artística y documental. También pretende ubicar su intersección con disciplinas humanísticas y científicas, así como discutir su estatuto legal como patrimonio cultural mexicano.

Durante cuatro días se llevarán a cabo igual número de mesas de trabajo: Tecnología y estética de la foto; Políticas y estrategias de conservación fotográfica; Colecciones y archivos fotográficos, y Aplicación, función y uso de las fotografías en la investigación.

La ceremonia inaugural, a realizarse el domingo 28 de mayo, estará a cargo de María Teresa Uriarte Castañeda, directora del IIE; Jesús Ángel Díaz Ortiga, presidente municipal de Oaxaca de Juárez; Francisco Martínez Neri, rector de la Universidad Autónoma Benito Juárez de Oaxaca; Nora Sedeño, directora del Archivo Histórico Municipal de la ciudad; y Gerard Fontaine, consejero de Cooperación y de Acción Cultural de la Embajada de Francia.

Como parte de la reunión se presentarán cuatro exposiciones: De oficios y otros menesteres, en la Biblioteca de Burgoa; Poses Públicas, Miradas privadas, en el Centro Fotográfico Manuel Álvarez Bravo; Fotografías y fotógrafos en los timbres postales, en el Museo de la Filatelia de Oaxaca; y Teobert Maler. Vistas de Oaxaca, 1874-1876, en la Casa de la Ciudad.

Entre los ponentes destacan Nora W. Kennedy, de The Metropolitan Museum of Arte (EU); Jean Paul Gandolfo, de la École Nationale Supérieure de Cinéma Louis Lumière, Francia; Debra Hess Norris, de la University of Delaware; Paul Messier, del Boston Art Conservation; Ángel María Fuentes De Cía, de Conservación y Acceso a Archivos Patrimoniales de España, y Anne Cartier-Bresson, del Atelier de Restauration et de Conservation des Photographies de la Ville de París, entre otros.

Por México, participarán especialistas del Instituto Nacional de Antropología e Historia, Centro Fotográfico Manuel Álvarez Bravo, Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Monterrey, Centro de Investigaciones y Estudios Superiores en Antropología, y Centro de Estudios sobre la Universidad de la UNAM.

Las conferencias El cambio de siglo: una mirada cercana a la evolución de los procesos fotográficos relacionados con el vocabulario entre los tiempos de Stieglietz y Hoy, y Conservación de materiales fotográficos y los programas educativos de conservación de bienes culturales en Estados Unidos y Francia, se realizarán el 1 y 2 de junio en la Casa de Francia y Escuela Nacional de Conservación, Restauración y Museografía, respectivamente.

Además, dos de los fotorrestauradores más importantes de España, Ángel Fuentes De Cía y Pau Maynés y Tolosa, impartirán el curso-taller Identificación de procesos fotográficos del siglo XIX, y el taller Introducción a la conservación fotográfica, de manera respectiva.

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