GUADALAJARA, JALISCO.- Las mujeres fueron las que motivaron a Alberto Korda (1928-2001) a dedicarse a la fotografía, sin embargo, fue una imagen bien distinta, la del Che, la que hizo de este

fotógrafo cubano todo un referente. Su fotografía del líder revolucionario tomada en una concentración política en La Habana se ha reproducido en todo soporte imaginable hasta en el más recóndito lugar del planeta. Pese a ello, la trayectoria de este artista inconformista y coherente esconde otras muchas joyas.

Su sueño inicial era convertirse en fotógrafo de moda para estar cerca de las féminas más bonitas. Lo logró. Así, con una cámara de 35 milímetros de su padre, se lanzó a la aventura en la década de los 50. Su primera modelo, su novia Yolanda.

Korda, conocido, desconocido (Editorial La Fábrica) es un libro-homenaje que ahora traza un recorrido por las facetas más importantes y algunas poco conocidas de su vida, como su afición a la fotografía submarina. Recoge más de 437 imágenes, muchas de ellas inéditas: “Yo he amado la belleza de la mujer tanto como la belleza moral de la Revolución”.

En la última entrevista que concedió antes de morir a Mark Sanders en 2001 (recogida en el libro), recordaba cómo inició su labor en los Studios Korda en La Habana, cómo detrás de la cámara buscaba siempre su particular visión de la belleza, ésa que empezó a plasmar en su sección de la revista Carteles.

Por aquel entonces, la ciudad del Malecón estaba tomada por el turismo y los casinos, miles de americanos iban a jugar o saciar su lujuria en los numerosos burdeles. Era la isla de Fulgencio Batista.

Pero con la Revolución, todos los esquemas cambiaron para este hijo de un empleado ferroviario y un ama de casa. La imagen de una niña pobre a la que sus padres no le podían comprar ni siquiera una muñeca le revolvió por dentro. “Me acordé del discurso de Fidel sobre la realidad social en Cuba en el que dijo que con la Revolución no habría niñas sin muñecas. En ese momento decidí dedicar mi vida y mi obra a la Revolución”, contaba a Sanders. Alberto Díaz Gutiérrez, su nombre verdadero, tenía entonces 30 años.

Fue la sombra del mandatario cubano durante una década, aunque nunca llegó a ser el fotógrafo oficial. Le siguió por medio mundo, incluido el viaje a Washington en el que puso una ofrenda floral en el Memorial Lincoln. Brasil, Panamá, Uruguay, Venezuela y la URSS fueron también destinos a los que acompañó a Fidel Castro.

Precisamente en este periodo captó la que sería la imagen que marcó su vida: Guerrillero heroico. En 1960, apenas nadie deparó en ella, fue poco antes de que Ernesto Guevara fuera asesinado en Bolivia cuando la imagen se convirtió en parte de la historia de la fotografía. Para el autor, simplemente “fue un instante de suerte”.

Muchas de las imágenes que aparecen en el libro Korda, conocido, desconocido nunca han sido publicadas y de algunas incluso se desconocía su existencia. En 1968, las autoridades cubanas intervinieron Studios Korda y se perdió la pista a muchos de sus archivos. Ahora, gracias al trabajo de sus amigos y de su hija mayor, Diana Díaz, ha visto a luz este pequeño gran homenaje de 400 páginas.

(Fuente:informador.com)

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Berlín reúne la más ambiciosa retrospectiva de Richard Avedon, el hombre que elevó la fotografía a categoría de arte y que fue la mirada más valorada por la moda, los famosos y los poderosos.

Marilyn Monroe. richard avedon

ITZIAR REYERO. BERLÍN. Marilyn Monroe, Audrey Hepburn y Marlene Dietrich son algunas de las estrellas del firmamento hollywoodiense que pasaron por el estudio de Avedon, muchas de cuyas imágenes se convirtieron en iconos de su tiempo.
Su serie Family retrata a los máximos representantes de la jet set estadounidense, como los poderosos políticos de la talla de Nixon, George Bush, Gerald Ford y los Kennedy o intelectuales como Susan Sontag y Salman Rushdie.
Bob Dylan, Janis Joplin, los cuatro Beatles, el escritor Samuel Beckett, el poeta Ezra Pound, el director de cine Jean Renoir o el artista Francis Bacon son otros de los que posaron ante él.
Pero, el fotógrafo, comprometido en la lucha contra los derechos civiles, no hizo diferencias de clase y junto a estos grandes nombres de la sociedad norteamericana retrató a las caras anónimas y figuras trágicas de los núcleos más deprimidos del país.
A este último grupo pertenece su serie In the American West, en la que presenta con crudeza a obreros, granjeros, camareras de bares de mala muerte que miran a la cámara sin tapujos y mineros que acaban de salir de la gruta embadurnados de hollín.
Hombres retratados -con independencia de su condición social- al natural y sobre un fondo blanco por Avedon que en su condición de antropocentrista
-su interés por los paisajes es escaso- colocó al hombre en el centro de la creación.
La cámara del genio neoyorquino logró inmortalizar las intimidades del retratado o, según sus propias palabras, captar los “contenidos inexplorados del rostro humano”.
El director del Martin-Gropius, Gereon Sievernich, subrayó en la rueda de prensa de presentación de la retrospectiva que la exposición -la “más bonita” realizada por el museo hasta la fecha- constituye una invitación “a mirar a la Historia de la Fotografía” de la mano de Avedon.
“Su obra es impactante, sus retratos conmueven. Un fotógrafo que logra eso, quizá no tiene la verdad, pero sí está cerca”, señaló el responsable del museo tras advertir que, aunque normalmente se le conoce como un fotógrafo de la moda, “hay otro Avedon”.
La directora de la Fundación Richard Avedon, Norma Stevens, calificó al fotógrafo como “genio apasionado y entusiasta” y “amante de la perfección”.
La exhibición, dividida en ocho salas, supone un recorrido cronológico a las obras más influyentes del estadounidense, entre las que destaca el retrato en grupo de Andy Warhol and Members of the Factory, un altar de diez metros de largo por tres de ancho.
En esta imponente composición aparecen, de pie, vestidos o desnudos, algunos de los habituales del Factory, uno de los lugares donde empezó a fraguarse la revolución artística y sexual de los años sesenta.
Entre sus primeras obras destaca su majestuosa instantánea de la modelo Dovima entre unos enormes elefantes, una imagen que atraparía toda la atención de la habitación, si no fuera porque comparte espacio con otras grandes de la pasarela como Suzy Parker y Twiggy, que visten elegantes trajes de Dior, Cardin y Balenciaga.
Especialmente celebrado es su retrato a una frágil Monroe -cuya mirada parece anunciar su suicidio- o la fotografía a Charles Chaplin, quien despide la era McCarthy haciendo un gesto de demonio, como si quisiera mandarlo al mismísimo.
Sobresalen también sus fotos de la última noche de 1989, año de la caída del Muro, en la que retrata el contraste entre el júbilo de los berlineses y su angustia por un futuro incierto.
La exposición Richard Avedon: fotografía 1946-2004, que se abrirá al público este domingo, es fruto de la colaboración de Louisiana y la fundación que lleva su nombre y está previsto que el año que viene visite Amsterdam y San Francisco.

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EMILI J. BLASCO (ABC.es)
Aquel día de sol, a poco más de un mes de comenzada la Guerra Civil española, Robert Capa estuvo con un grupo de milicianos. Era el 5 de septiembre de 1936, y la Leica del fotógrafo de origen húngaro y firme compromiso de izquierdas disparó numerosas veces. Hasta ahora sólo se conocía la imagen titulada «Muerte de un miliciano», que rápidamente se hizo famosa en todo el mundo y contribuyó a ganar apoyos internacionales para la causa republicana.
Las particularidades de la imagen -la extraña posición de la figura que cae, la ausencia visible de herida de bala, la falta de referentes espaciales, la presencia de la cámara tan inmediata a la acción- hicieron que pronto se levantaran sospechas de falsedad, en medio de una lucha de trincheras propagandista. Más de 70 años después, por fin el secreto de la toma queda desvelado con los negativos previos y posteriores a aquella singular imagen. Todo sugiere que «Muerte de un miliciano» es genuina.
Cuarenta fotografías sacadas aquel día por Capa y su novia Gerda Taro estaban metidas en la maleta descubierta recientemente en México, que contenía todo un tesoro de miles de negativos atribuidos a Capa, Taro y el también fotógrafo David Seymour, «Chim». En total, 127 rollos con material enteramente inédito sobre la Guerra Civil, cuyo hallazgo fue comparado en enero por el Centro Internacional de Fotografía de Nueva York a «encontrar el Santo Grial». Las cuarenta fotos relacionadas con Cerro Muriano, el punto de la provincia de Córdona donde murió Federico Borrell García, el miliciano de la Columna Alcoyana que Capa convirtió en símbolo de la España antifranquista, se exihibirán en el Barbican de Londres a partir del 17 de octubre.
Entre ellas, figura una instantánea captada poco antes antes del disparo que acabaría con la vida de Borrell. En ella se ve a éste levantando su fusil junto a otros compañeros, posando ante la cámara de Capa, que entonces contaba con 22 años. Una imagen posterior muestra a un segundo soldado muerto, lo que vendría a corroborar que ciertamente hubo fuego enemigo.
«Estas imágenes y un detallado trabajo de investigación van lejos en apoyar que la foto es real», afirma Cynthia Young, que ha organizado la exposición del Barbican. Para ella, la duda tendría sentido si Capa no hubiera hecho nada más notorio en aquellos años, pero su trabajo en el desembarco de Normandía lo confirma como alguien con un alta «calidad y estilo».
Todo indica que «Muerte de un miliciano» fue puro accidente. Capa y Taro, que también captó a Borrell antes de su muerte, estaban en el frente entre las filas republicanas simulando acciones de guerra cuando de pronto se produjeron inesperados disparos de las tropas franquistas. En las secuencias previas al ataque, los milicianos adoptan poses de vencedores o en lucha por la victoria; difícilmente se harían el muerto, como vencidos por el enemigo.
Federico Borrell, un anarquista de 24 años nacido en la población alicantina de Benilloba y apodado el Taino, fue reconocido después por su hermano a pesar de que en la famosa fotografía su rostro aparece borroso. Los datos oficiales así lo corroboraban, al datar su muerte el 5 de septiembre de 1936; fue el único miembro de la Columna Alcoyana en morir ese día en la lucha de Cerro Muriano.
Capa envió los negativos de esa jornada a su estudio de París. «Muerte de un miliciano» fue publicada por primera vez en la revista francesa «Vu», con un pie en el que se describe a los soldados «apretando sus fusiles, bajando la ladera. De pronto, su remontada fue interrumpida, una bala silvó y su sangre fue derramada en su suelo nativo». Luego aparecería en la revista norteamericana «Life», con el lema: “La cámara de Robert Capa capta un soldado español en el instante en que es derribado por una bala en la cabeza», que confundía la borla de la gorra militar con una trozo del cráneo estallado.
El negativo utilizado para esas reproducciones no volvería a parecer. El resto del carrete de Cerro Muriano y otros trabajos de Capa, Taro y «Chim» fueron custodiados por el diplomático y general mexicano Francisco Alvarez, que luchó con Pancho Villa. La maleta fue llevada de París a Marsella y de allí a México, donde no fue reabierta por los herederos del general hasta los años 90, aunque sin percatarse de su importancia. Sólo hace unos meses, los negativos llegaron al Centro Internacional de Fotografía de Nueva York, fundado precisamente por el hermano de Capa, Cornell. Robert Capa, cuyo nombre original había sido el de Andrei Friedman y entre cuyos logros profesionales está la creación de la agencia Magnum, murió en 1954 desempeñando su trabajo en Vietnam, con la creencia de que sus joyas de la Guerra Civil española habían sido destruidas por los nazis en su ocupación de París

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NUEVA YORK (AFP) – El actor estadounidense Paul Newman falleció el viernes de cáncer a los 83 años, un año después de haberse despedido del cine, oficio en el que se consagró con más de 60 películas, entre ellas “Butch Cassidy and the Sundance Kid” (Dos hombres y un destino), “El golpe” o “El color del dinero”.

Tras conocerse la noticia, los homenajes a Newman comenzaron en distintos lugares del mundo y reunieron amigos, estrellas y celebridades.

El actor estadounidense Robert Redford, amigo y coprotagonista de Newman en recordadas películas como “Butch Cassidy and the Sundance Kid” y “El golpe”, encabezó los homenajes.

“Hay un punto en el que los sentimientos van más allá de las palabras”, dijo Redford, de 72 años, según el programa Entertainment Tonight. “He perdido un verdadero amigo. Mi vida y este país son mejores porque él estuvo en ambas”.

George Clooney dijo que el actor “sentó un precedente demasiado alto para el resto”, “no sólo para los actores, sino para todos”.

El director y ganador del Oscar Sam Mendes dirigió a Newman en el filme “Camino a la perdición” y dijo que hacerlo fue “lo más destacado” de su carrera.

Daniel Craig, quien interpretó al hijo de Newman en esa película, lo recordó como “uno de los más grandes actores de todos los tiempos”. Dijo que con él se terminaba una era.

Para Gina Lollobrigida Newman era un hombre para “respetar y apreciar”, según la agencia ANSA.

Julia Roberts, quien trabajó con él en una obra de caridad para niños enfermos, agregó: “Fue mi héroe”.

El ex presidente Bill Clinton y su esposa, la senadora Hillary Clinton, se refirieron a la generosidad de Newman: “Paul fue un ícono, un campeón para los niños”, afirmaron en una declaración.

“La obra de Paul Newman fue la actuación. Su pasión fue para las carreras de automóviles. Su amor fue para su familia y amigos. Y su corazón y alma fueron dedicados a ayudar a hacer del mundo un mejor lugar para todos”, dijo Robert Forrester, el vicepresidente de la fundación Newman’s Own al anunciar el deceso desde Westport, Connecticut. El actor sufría de cáncer, pero no se anunció el lugar de su fallecimiento.

Newman, quien el 10 de mayo hizo su última aparición pública en el evento de automovilismo de Indianápolis, se había despedido de la actuación el 25 de mayo de 2007 en una entrevista a la cadena estadounidense ABC, en la que con mucha franqueza admitió los bemoles de la edad.

El último trabajo del actor de ojos azul profundo que fue todo un sex-symbol del cine hollywoodense, fue prestando su voz a uno de los automóviles animados de “Cars” en 2006.

Newman, diez veces nominado a los premios de la Academia, ganador de dos Oscar honoríficos y uno en 1987 como Mejor Actor por su papel en “El color del dinero” de Martin Scorsese, nació en Cleveland (Ohio) el 26 de enero de 1925.

Debutó en los escenarios en 1949 y en 1952 ingresó al Actor’s Studio lo que le permitió ganarse su primer papel en la pieza “Picnic” de William Inge en las tablas de Broadway.

Vivió épocas de gloria y su nombre quedó impreso en la memoria colectiva con su protagónico en “Butch Cassidy” (Dos hombres y un destino, 1969), al lado de Robert Redford, y “The Sting” (El Golpe, 1973).

Fanático de las carreras automovilísticas y filántropo de larga data, Newman se casó dos veces y tuvo cinco hijos.

En 1993 recibió por tercera vez un Oscar pero como premio a sus labores humanitarias: las ganancias de su empresa de alimentos Newman’s Own son donadas a obras caritativas.

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Para la captación de las imágenes se empleó la cámara oscura que sufrió constantes mejoras en su diseño y tamaño, así como en las lentes ópticas u objetivos utilizados, debido a las aportaciones de diferentes investigadores de punta.
Los procedimientos fotográficos utilizados durante el siglo XIX fueron el Daguerrotipo, el Calotipo, el Colodión Húmedo y el Gelatino-bromuro.
Estos dos últimos son los que más evolucionaron el conocimiento fotográfico mediante una serie de mejoras en el Calotipo creado por William Fox Talbot. No deben olvidarse las aportaciones de George Eastman y la casa Kodak, que nos permiten concluir el camino hacia la instantánea fotográfica.
En el campo de las investigaciones científicas efectuadas con la utilización de la fotografía deben resaltarse los estudios sobre locomoción humana y animal de Etienne Jules Marey y Edward Muybridge.
La fotografía tuvo su auge comercial a partir de 1888 cuando Kodak sacó al mercado una cámara que utilizaba carretes de 100 fotos circulares, y sobre todo debido a la industrialización del proceso de impresión de película fotográfica. Para el usuario de a pie, que 100 años después usa una cámara de usar y tirar, muy poco ha cambiado desde entonces, salvo que la fotografía en color se ha impuesto como estándar, y que las ayudas en el enfoque y el cálculo automático de la velocidad de exposición y apertura del diafragma son ahora habituales. Tal y como para los aficionados de la fotografía en blanco y negro prácticamente no ha cambiado nada desde la introducción en el mercado de la Leica 35mm en 1925.
La cinta de un tartán. Primera fotografía en color. Tomada por James Clerk Maxwell realizando tres fotografías sucesivas cada vez con la lente tras un filtro diferente: rojo, verde y azul. Cada una de las tres imágenes se proyectaba sobre la misma pantalla con la luz del color del filtro que se había empleado para tomarla.
La fotografía en color fue desarrollada durante el siglo XIX. Los experimentos iniciales no fueron capaces de conseguir que los colores se quedaran fijados en la fotografía. La primera fotografía en color fue obtenida por el físico James Clerk Maxwell en 1861. Sin embargo, la primera película fotográfica en color -Autochrome- no llegó a los mercados hasta 1907. La primera película fotográfica en color moderna, KodaChrome, fue utilizada por primera vez en 1935. Las más modernas, a excepción de esta, han sido basadas en la tecnología desarrollada por Agfacolor en 1936.
(Fuente: laopinion-rafaela.com.ar)

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ESTARÁ EXPUESTA EN CASA DE TEATRO HASTA EL PRÓXIMO 20 DE SEPTIEMBRE

Frank Elías Rainieri, Haydeé de Rainieri, Marcos De Parada, Francesca Rainieri de De Parada, Frank Rainieri, Mikhail Baryshnikov, Paola Rainieri de Díaz y Juan Tomás Díaz.

Antonio Imbert y Elena Viyella de Paliza, Milagros Llibre y Frank Llibre.

Freddy Ginebra, Robert Fannin y Lisa Fannin.

Rosanna Rivera y Mikhail Baryshnikov.

SANTO DOMINGO.- Como un aporte a la cultura el Grupo PUNTACANA, auspició la exposición fotográfica del bailarín, coreógrafo y actor, Mikhail Baryshnikov, denominada “Dominican Moves”.

Con esta muestra, que estará expuesta en la sala Paul Giudicelli de Casa de Teatro, hasta el próximo 20 de septiembre, el grupo da inicio a la celebración del 40 aniversario de su fundación.

La muestra consta de 17 fotografías, las cuales fueron tomadas a partir del 2006 durante distintos viajes de Baryshnikov a la República Dominicana, y específicamente a PUNTACANA Resort & Club, donde tiene su residencia de verano desde el 1999, hecho que ha creado fuertes vínculos entre el artista y nuestra gente, nuestra cultura y nuestros bailes.

La exposición fotográfica presenta diferentes etapas del patrimonio musical de los dominicanos; bailando merengue, bachata y reguetón.

A través del lente, Baryshnikov juega con la luz y los colores para presentar los enérgicos y poderosos movimientos de los bailarines. Para realizar estas fotografías, el artista dejó de lado su convencional cámara de 35 milímetros, para utilizar las cámaras digitales que le permiten crear efectos inusuales.

Las muestras fotográficas de Mikhail Baryshnikov se han presentado en los más importantes museos y galerías del mundo, incluyendo The Pushkin State Museum of Fine Arts, en Moscú.

Mikhail Baryshnikov nació en Riga, Latvia en 1948 y obtuvo sus primeros galardones internacionales como bailarín con el Ballet Kirov en 1967 y luego, como bailarín principal con el American Ballet Theatre.

(Fuente: Listin Diario)

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Arte joven tras la presea Eduardo León Jimenes
Grisbel Medina R.

MARÍA Y LILVE: MUJERES ARTISTAS, UNA PINTORA Y OTRA FOTÓGRAFA, FUERON SELECCIONADAS

Joan Alberdy, Pragmy, Lilve, Walder, Eridelvis, María, Wali y Nelson, jovenes seleccionados para el concurso de arte, posan en el Patio Caribeño del Centro León

SANTIAGO.- El concurso es concurso desde 1964. Desde hace cuatro años lo organiza el Centro Cultural Eduardo León Jimenes, domiciliado en Villa Progreso, Santiago. Se trata de una bienal artística prestigiosa, de la convocatoria apadrinada por una entidad privada que, el año entero, acompaña la formación y el lucimiento de artistas a través de conferencias, talleres, sesiones de pensamiento crítico, invitaciones a protagonizar Arte en Proceso, entre otras cosillas que lo hacen particular.

En página completa, la dirección del Concurso de Arte Eduardo León Jimenes publicó la selección del jurado internacional. Michéle Dalmace, Evelyn Carmen Ramos y José Roca evaluaron 406 obras de 185 artistas. Su veredicto: escogieron 66 obras de un total de 50 artistas. Y, tal como se publicó, “el jurado tuvo en cuenta la calidad de la técnica y conceptual de las propuestas, resaltando la ambición y energía que se percibe en las obras, así como una manifiesta preocupación por temas locales”.

De los 50, hay artistas cibaeños y muy jóvenes que caminaron con su obra bajo el brazo, hasta la ficha de inscripción. Muy feliz está Miguel Hernández porque su pieza “Conversación en la óptica” fue elegida. Miguel es nativo de Nagua y reside en Estados Unidos. Su pieza es una instalación que en un juego tipográfico compone denuncias y expone la vitamina para soplar el desarrollo social. Walder Gómez, fotógrafo de prensa que ha cultivado exitosamente el ángulo artístico, está que se ríe con la muela de atrás.

Sus ocho fotos agrupadas en el título: “ExclamacionesÖataduras de danzas”, figuran en la lista a premiar en octubre. Las bailarinas de la Escuela Ecos fueron captadas mientras se empinaban admirablemente en la pasada edición de la Feria Internacional del Libro. Walder es autodidacta. Talleres y seminarios acentuaron su mirada profesional. De alma sensible y comprometida, Gómez ha colgado sus obras en diversas salas internacionales y ha ganado diversos premios dada la calidad de sus tomas y aprecio por el entorno.

Instalación
Joan Alberdy Padilla Mendoza es de Río San Juan. El año pasado ganó premio con el videoarte “Neo-Verónica”. Tiene 29 años y estudió en Altos de Chavón. ¿Qué opinas del Concurso Eduardo León Jimenes? Es el más serio del país, responde rapidito. Y, completa: “Aquí le dan seguimiento a los artistas y las obras. Son muy profesionales. A través del Arte en Proceso pude ayudar a otros a entender cómo es el proceso de creación”.

Con ricitos gelatinados, Joan Alberdy cuenta que su obra se relaciona con las “cosas virtuales que aceptamos como concretas”, y cita el ejemplo de la división de la isla Hispaniola. Consciente de que la escogencia lo ubica ante los ojos del país, Padilla considera que la bienal da muchas veces más promoción que cualquier individual.

Wali Vidal, María Román, Nelson Batista y Eridelvis López son un cuarteto dinámico, que comenzó a proyectarse desde el patiecito de Casa de Arte. Allí, ellos y ella, retiraron premios del Concurso Nacional de Arte Joven de Helvetas, organizado en Casa de Arte. Autodidacta y con ojos hermanos de la miel, Wali fue becado por la Fundación Altos de Chavón donde estudiará luego de ganar varios concursos. De su autoría escogieron dos piezas grandísimas. “A mí tienen que darme una pared grande”, asegura sonriéndose. “El concurso nos provoca creatividad, mucho fosforeo, cada quien desea mostrar lo mejor. Estoy orgulloso de mis pinturas. Soy un agradecido de todo lo que me rodea”, manifiesta con la mirada y los labios rebosados de ternura.

Eridelvis López, quien dibuja siete murales en la Universidad O&M, presentó una pintura con una crítica futurista “de lo que puede que pase con el Metro de Santo Domingo”, a la cita que considera organizada y una platea luminosa para difundir su obra. María Román, destacada artista abrigada hoy de la maternidad, ganó Mención de Honor en dibujo en la pasada versión. Es artista-educadora del Centro León y ahora presentó el videoarte “We’re living in America” ante el criterio del jurado de premiación. Nelson Batista también bebió la savia educativa de la Escuela de Bellas Artes y llevó sus “juguetes” al concurso de Helvetas en Casa de Arte. En su obra trata “la problemática del transporte urbano, visto de una forma sarcástica”. Sobre la convocatoria dijo que existen “pocas instituciones y eventos de esta naturaleza que apoye y le dé seguimiento a los experimentos, a lo que hacemos. Somos científicos y este es el medio para darnos a conocer”.

Lilve García de Angelis y Pragmy Marichal García llegaron, posaron y crearon juntos. Y fueron escogidos. La obra “DES Iluminación del margen histórico”, fotografía e imágenes digitales, es la apuesta de ambos profesionales de la arquitectura. La pieza “es una crítica social al desbalance en la sociedad en sentido de los recursos”, confiesa Lilve, la artista seleccionada hace dos años en el Centro León y premiada en el Homenaje a la Ancianidad, concurso del Hospicio San Vicente de Paúl.
(Fuente: Listin Diario)

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De la muestra Retrato de una cultura, de Toni Rodríguez
La fotografía es un arte que cada año tiene más seguidores. Muestra de ello es Foto 30, todo un mes dedicado a la fotografía, un festival creado por iniciativa del Centro Cultural de España (CCE), cuya primera edición fue en el 2003.

Foto 30 integra exposiciones, conferencias, talleres, encuentros, conversatorios y charlas que se llevan a cabo gratuitamente en diferentes centros culturales públicos y privados.

“Este año habíamos propuesto como tema central ‘Masculino y femenino’, pero no todos los participantes tenían propuestas en ese sentido, así que decidimos dejarlo libre”, dice Jorge Castrillón, director del CCE.
Abre la fiesta

La apertura de Foto 30 en la zona 4 será hoy, a las 18 horas, en el IGA. El Centro Cultural de esta entidad albergará la muestra Miradas del alma, de Ricardo A. Ramírez: una colección no solo de imágenes sino de momentos. Luego, en el vestíbulo del IGA, Toni Rodríguez abrirá su exposición Retrato de una cultura, que muestra cómo hombres, mujeres y niños de comunidades indígenas ceden a la presión de los patrones occidentales.

A las 19 horas, en el CCE, será inaugurada la muestra Masculino y femenino, la cual, de acuerdo con la encargada de Prensa del CCE, “explora la iconografía corporal, los espacios físicos que tendemos a reconocer y complementar de acuerdo a las estrictas reglas de las construcciones de género. Sin implicar el fetichismo masculino o femenino, el cual ha reducido el sexo a un asunto de objetos visuales. Implica explorar las preconcepciones que tenemos a partir de los espacios definidos como normales. Como contrapunto, a través de la obra de Adriana Calatayud (México), Cecilia Paredes (Perú), Rachelle Mozman (Panamá, NY), Alberto Rodríguez, Mario Santizo, Juan Brener, Rodolfo Walsh y Alejandro Paz (Guatemala) la exposición muestra una serie de imágenes sin concluir, donde el espectador se ve provocado a considerar las metamorfosis del cuerpo y del sexo en sus múltiples versiones”.

La inauguración oficial de Foto 30 será mañana, a las 20 horas, en el Museo del Ferrocarril, con la muestra El viaje, una propuesta de Andrea Aragón, Moisés Castillo y Sandra Sebastián, sobre un viaje, entendido como desplazamiento físico expresado en clave de cambio mental.

Además, abrirán las exposiciones Fotografía y arquitectura de Ciudad de Guatemala, en la Galería Kilómetro 0 del Palacio Nacional de la Cultura (18 horas); Proyecto de arquitecturas intervenidas, de Jachym Klíment, de República Checa, y Patrick Hamilton, belga radicado en Chile, en el Centro Cultural Metropolitano, zona 1, (19 horas). En Casa Ibargüen estará el proyecto Landschaft, de Walter Iraheta, (19 horas).

En la agenda cultural incluiremos, en su momento, información sobre las demás exposiciones y actividades programadas dentro de Foto 30. Más información en www.foto30.com.gt.

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Por Luis Bonich

El “Mes de la Fotografía/Bariloche”, en su 12° edición intenta lograr como en el transcurso de estos años, ser el punto de encuentro, de cada vez más diversas propuestas fotográficas provenientes de todo el país.

La muestra comienza el 25 de Septiembre y se extenderá hasta el 25 de Octubre; fue declarada de Interés Parlamentario, por la Cámara de Diputados de la Nación, De Interés Provincial por la Legislatura de la Provincia de Río Negro y de Interés por el Consejo Deliberante Municipalidad S. C. de Bariloche. Mientras que el 18 de septiembre se inaugurará en la Secretaría de Turismo de la Nación. Suipacha 1111. Auditorio. Bs. As.

Contará con la presencia de los fotógrafos: Ataulfo Pérez Aznar, Don Ripka, Ricard, Martiniuk, Pablo Añeli, Martín Acosta, Mariano Salomón, Emiliano Lasalvia, Hernán Villar, Daniel Cabaza, Martín García y Ariel Ríos, Javier Mosquera, Agustina Roacio, Tamara Barrueco de Vansay, Natalia Henkel, Lucía López, Fabián Oger, Irina Dambrauskas, Axel Pincemin, Marcos Rodríguez, Raúl Cárdenas, Luis Seróni fotógrafos (emergentes) locales, y de Villa La Angostura.

La profesora Julieta Escardó, y por su puesto la participación de los fotógrafos profesionales, organizadores y mentores de este importante evento a nivel nacional Luis Bonich y Andrea Bravo.

También contaremos con la participación especial de Yael García Ruiz, la Dra. Analía Woloszezuk (Abogada), Alejandro Montes de Oca y Alejandro Reynoso.

A continuación, el programa oficial.

Prensa. Agente Oficial: Luciano Giudice.

“Mes de la Fotografía / Bariloche” 12° edic. 2008
Declaración de Interés Parlamentario, por la Cámara de Diputados de la Nación.
Declaración de Interés Provincial por la Legislatura de la Provincia de Río Negro.
Declaración de Interés por el Consejo Deliberante Municipalidad S. C. de Bariloche

Director y Coordinador: Luis P. Bonich. (Fotógrafo.)
Asistente en Fotografía: Andrea Bravo. (Fotógrafa.)
Asistente sala Frey: Yael García Ruiz. (Fotógrafa.)
Asesora Letrada: Dra. Analía Woloszezuk (Abogada)
Asesor en Fotografía: Alejandro Montes de Oca (Fotógrafo)
Asesor en Fotografía: Alejandro Reynoso. (Fotógrafo)

Sub.-Secretaria de Cultura: Lic. María Victoria Arroyo.
Prensa. Agente Oficial: Luciano Giudice. (Periodista.)

Programa Oficial.

18/09/08. 11hs. Presentación Oficial del evento, a la Prensa en la Secretaría de
Turismo de la Nación. Suipacha 1111. Auditorio. Bs. As.
25/09. 18,30hs. Inauguración Oficial del “Mes de la Fotografía – Bariloche”
Sala de Prensa de la Municipalidad: “Isabel Moreiras de Bustos”
19,30hs. Inauguración: “Objetivos” autor, Pablo Añeli, Fotógrafo,
Reportero gráfico. (Fotografías, pinturas y esculturas).
Sala “Isabel Moreiras de Bustos”. Libre y gratuito.
25/09 21hs. Taller de -Reportaje fotográfico- a cargo del Fotoperiodista.
Martín Acosta. (Vacantes limitadas, arancelado). (Inscripción)
(Lugar) Sala de Prensa Municipal. Centro Cívico.
26/09 11hs, Inauguración de “Intervalos y Movimientos” (Teatro y cine)
de Mariano Salomón, Fotógrafo y Psicólogo. Sala: “Cecilia Girgenti”
Museo de la Patagonia. Centro Cívico.
26/09 18hs: Taller de -Reportaje Fotográfico- a cargo de Martín Acosta
Fotógrafo, Reportero Gráfico, (Área de contenidos)
Escuela de Fotoperiodismo ARGRA). (Lugar): Universidad FASTA.
26/09 21hs. Proyecciones: a cargo de los fotógrafos invitados: Martín Acosta,
Emiliano Lasalvia, (La Nación), Pablo Añeli (Clarín), Mariano
Salomón, etc.
(Lugar): UFASTA. Av. Pioneros 38. Libre y gratuito.
27/09 09hs. Taller de -Reportaje Fotográfico- a cargo del Fotógrafo: Martín
Acosta. (Contenidos Esc. ARGRA). Lugar: UFASTA. Pioneros 38.
28/09 17hs. Final del -Taller de Reportaje Fotográfico-, a cargo de Martín
Acosta (Contenidos Escuela de la ARGRA) Sala Emilio Frey.
30/09 11hs. Inauguración de la muestra fotográfica: “Punta Lara” autor,
Ataulfo Pérez Aznar, Fotógrafo Argentino. Director de la Galería
Omega de La Plata. Sala: “Choneck” Museo de la Patagonia. C. Cívico.
1°/10 11hs. Distinción Honorífica al Fotógrafo Argentino Ataulfo Pérez
Aznar, por parte del Honorable Consejo Deliberante Municipal.
1°/10 12hs. Inauguración de la muestra de fotógrafos (emergentes) locales.
Sala del Consejo Deliberante Municipal. Libre y gratuito.
1°/10 18hs. Fotografía Documental: Seminario a cargo del Fotógrafo,
Ataulfo Pérez Aznar. (Vacantes limitadas. Arancelado).
(Lugar): Sala Emilio Frey. Centro Cívico.
2/10 11hs. Inauguración de la muestra fotográfica: “Desnudos” autores: de
Villa la Angostura y San Carlos de Bariloche.
Sala Emilio Frey. Centro Cívico.
2/10 18hs. Seminario de Fotografía Documental a cargo del Fotógrafo.
Ataulfo Pérez Aznar. (Lugar): Sala Emilio Frey. Centro Cívico.
2/10 21,30. “Suspiros”. Autor: Hernán Villar, Muestra Fotográfica.
(Lugar): -Mondilla- Gallardo 35. Inauguración.
3/10 18hs. Cierre del -Seminario de Fotografía Documental-. A cargo del
Fotógrafo: Ataulfo Pérez Aznar. (Lugar): Sala Emilio Frey. C. Cívico.
3/10 21hs. Proyecciones: Ataulfo Pérez Aznar, (presentará parte de su obra).
(Lugar): Sala Emilio Frey. (Libre y gratuito).
6/10 11hs. Inauguración de muestra colectiva “Un Viaje” (Arqueología). Museo
Paleontológico de Lamarque. Daniel Cabaza, Martin García y Ariel Rios. Pcia. Río Negro.
Sala: “Ex – Correo” Centro Cívico.
6/10 18hs. Inicio del Seminario: “Teoría de la Imagen” (Semiótica) docente:
Prof. Julieta Escardó. Fotógrafa Argentina, (Directora del “Centro
Ecléctico de la Imagen”) Bs. As. (Vacantes Limitadas, arancelado).
(Lugar): Universidad FASTA. Av. Pioneros 38.
7/10 17hs. Inauguración de la muestra, (a confirmar): Galería
Universidad FASTA.
7/10 18hs. Seminario de “Teoría de la Imagen” Semiótica. Prof. Julieta
Escardó. Vacantes limitadas, arancelado. Lugar: UFASTA.
8/10 9hs. Cierre del Seminario de “Teoría de la Imagen” Julieta Escardó.
UFASTA.
9/10 11hs. Inauguración Oficial de las muestras colectivas: “La Figura Humana”
de -Fotógrafos deEsquel y Asociación Fotógrafos Andino Patagónica”. Auspicia: -Agencia Cultura Río Negro- Centro Administrativo Bariloche.
(Lugar): Onelli y Vilcapugio. (Libre y gratuito).
10/10 21hs. Proyecciones: Documentales de Grandes Maestros de la Fotografía.
Presentación a cargo del Grupo Fotográfico Esquel. Sala de Prensa
Municipal. “Isabel Moreiras de Bustos” Centro Cívico.(Libre y gratuito)
14/10 11 hs. Inauguración de la muestra “ Gauchos Criollos” a cargo del
Fotógrafo: Javier Mosquera. Sala Tante Frida.
14/10 18 hs. Ensayo Fotográfico, Taller a cargo del Profesor: Don Ripka,
Fotógrafo Profesional, (reportero gráfico). (Director de la Agencia Sudaca
Photos) Vacantes limitadas, Arancelado.
(Lugar): Universidad FASTA. Av. Pioneros 38.
15/10 18 hs. Ensayo Fotográfico, a cargo del Fotógrafo. (EEUU – Argentino)
Don Ripka. (Lugar) Universidad FASTA. Av. Pioneros 38.
16/10 18 hs. Ensayo Fotográfico, cierre del Taller a cargo del prof. Fotógrafo;
Don Ripka. (Agencia SUDACA – PHOTOS).
17/10 15hs. “Iniciación a la Fotografía para niños”, a cargo de Andrea Bravo,
Fotógrafa profesional. (Argentina). Auspicia: Menger – Foto. (Vacantes
hasta 80 niños). (Libre – Gratuito.) (Lugar): Sala de Prensa “Isabel
Moreiras de Bustos”. Centro Cívico.
18/10 “Iniciación a la fotografía para niños” Salida de toma, a cargo de Andrea
Bravo, Fotógrafa barilochense; (Auspicia Menger – Foto). (Lugar) Sala de
Prensa Municipal. Centro Cívico. (Gratis).
21/10 10hs.Fotografía Digital, a cargo del Fotógrafo, Profesor: Ricardo
Martiniuk. (Especialista destacado). Niveles: Básico y avanzados.
Vacantes limitadas. Arancelado. (Lugar): UFASTA, Av. Pioneros 38.
22/10 10 hs. Fotografía Digital, a cardo del prof. Ricardo Martiniuk. UFASTA.
23/10 10 hs. Fotografía Digital, cierre del ciclo, a cargo del prof. Ricardo
Martiniuk. (Lugar): Universidad FASTA. Av. Pioneros 38.
24/10 “Iniciación a la fotografía para niños” Evaluación final de los trabajos
Realizados a cargo de: Andrea Bravo, (Fotógrafa) con la asistencia del
Fotógrafo: Luis Bonich. (Auspicia Menger – Foto). (Libre y gratuito).
25/10 Cierre del “Mes de la Fotografía – Bariloche” 12° edición, en el -Mercado
de la Estepa-. Autores: Agustina Roacio, Tamara Barrueco
de Vansay, Natalia Henkel, Lucía López, Fabián Oger, Irina
Dambrauskas, Axel Pincemin, Marcos Rodríguez, Raúl Cárdenas, Luis Seróni.
Lugar: ruta 40 sur y rutas 23. (Libre y gratuito.)

# Nota. La Organización del evento entregará, Certificados de valides curricular en todos los Seminarios y Talleres, a aquellos participantes que cumplan con la asistencia perfecta, a los mismos.
# Programa sujeto a modificaciones.
Colaboradores: Ariel Cárdenas, Patricia Villaseñor, Guillermo Partridge.
E-mail: mesdelafotografiaenbariloche@yahoo.com.ar

Pág. Web: www.mesdelafotografia.com.ar
TEL: 02944 – 15666605.

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Por Faustino Pérez
El autor es escritor

Desde el punto de vista de la cibernética se dice que una persona es más “inteligente” mientras más jergas, argots, idiomas y lenguajes domine; es decir, mientras mayor sea la cantidad de información que pueda “entender”. De igual forma podría afirmarse que un fotógrafo es más versátil, en la medida en la cual practique con éxito diferentes especialidades fotográficas.
Utilidades

No me estoy refiriendo a los llamados “chiriperos” de la cámara, quienes dicen que si a todo, y luego no hacen bien nada, aunque ya se sabe que las actividades que las personas realizan para sobrevivir son inverosímiles, y están en su perfecto derecho. Otro problema sería lo que opinan sus clientes defraudados.

Qué duda cabe de que no es lo mismo disparar con una cámara acuática bajo el agua, que una foto de un acto público, una instantánea en un mercado de pulgas repleto de gente, que un bodegón publicitario empleando un sinfín de fondo, tomar una foto furtiva de paparazzi, o bien, fotografiar a una modelo…Cada tipo de fotografía – por así decirlo – tiene sus características, sus bemoles y problemas disímiles a resolver, independientemente de las limitaciones técnicas, psicológicas y físicas del fotógrafo.

La fotografía como técnica-arte-ciencia-hobbie, cada día se diversifica y se especializa más; por consiguiente, resulta prácticamente imposible abarcarlo todo.

No obstante, el tema que nos ocupa, sin ser uno de los llamados grandes tópicos del mundo fotográfico, se practica con múltiples finalidades. El binomio fotógrafo-modelo, de sexos contrarios, si bien no es, por supuesto, el único posible para esta especialización, sí en cambio es el más corriente: Nos referimos a la combinación hombre-fotógrafo y modelo-mujer. De ahí que la gran mayoría de mis comentarios se referirán a esa clase de pareja.

Naturalmente, que existe una gran diferencia entre fotografiar profesionalmente a una top model reconocida internacionalmente, que cobre un dineral y con mucha demanda de trabajo, en una isla paradisíaca del Pacífico, o en un depósito de autos viejos en Los Ángeles, en un tren–bala japonés, o en un canal de Amsterdam; al comparar esto con el vecino que pide una camarita prestada para fotografiar a su nieta en la acera de la casa el día de su cumpleaños, notaremos el contraste en seguida.

Como ustedes comprenderán, los problemas logísticos y de material de apoyo incluyendo a los ayudantes y asistentes, son muy diferentes. En las “grandes ligas” de la fotografía, existe una competencia atroz, muchisimo dinero e intereses involucrados, y reputaciones que es menester revalidar constantemente, para que las cotizaciones aumenten o, que como mínimo, se mantengan. No es cuestión de “hazme un favor que luego yo te hago otro”, sino más bien, de que “si tú quieres esa foto tienes que pagar tanto”.

Mucho menos es un asunto de recortar una fotografía de una revista extranjera y decirle al fotógrafo: “yo quiero una igual”; o peor aún, de usar esa misma foto e incluirla en un arte sin pedir permiso a nadie, sin darle crédito a la modelo, ni al que tomó la imagen, y sin desembolsar nada; y luego pretender vender la publicación donde aparece la foto pirateada fuera del país.

Desde la vertiente de la relación fotógrafo-modelo, si se aplica una “fórmula”, o sea, tal ángulo, con tal luz, con tal distancia, con tal lente, con tal fondo… basta con fijarse en sus características corpo-faciales y trabajar en consecuencia utilizando el método descrito en los manuales. La resultante será casi siempre una foto fría y más o menos correcta. Para hacer esto no se precisa conocer la psicología y el potencial de las personas. No es lo mismo que pretender lograr algo más que una apariencia estándar, con una imagen con estilo propio, para lo cual se precisa que se desarrolle una compenetración entre el fotógrafo y la fotografiada. Bueno, como los estilos tienen un marchamo, los clientes ya eligen a los fotógrafos conociendo de antemano sus trabajos previos.

Cabe la posibilidad de efectuar variantes a partir de una idealización básica que haya servido de punto de partida; luego se selecciona. Incluso, la protagonista puede tener una inspiración genial, lo mismo que el autor de la foto; o bien, cabe la posibilidad de que la modelo adopte una pose de las suyas que sirva y sea interesante o adecuada para el fin que se quiera lograr. Hay que hacer la salvedad de que no todas las modelos tienen la misma capacidad de improvisación. De todas formas, se supone que si son profesionales tienen un mínimo de aptitudes.

De todas formas el ambiente favorece o desfavorece las fotos; por descontado que existe mucha diferencia entre estar en un hotel de lujo o encontrarse un basurero maloliente, o bien, en un camposanto abandonado de madugada, versus un ring de lucha libre. Es preciso tomar todo esto en cuenta, y mucho más, ya que la búsqueda de imágenes insólitas no tiene límites.

La música puede jugar un papel importante cuando sea pertinente, claro está, complaciendo los gustos de la modelo. Se sabe por experiencia que el acompañamiento musical puede crear un estado de ánimo, y un “feeling”, de tal suerte que hasta contribuya a marcar el ritmo de los disparos; además, es probable que colabore en un alto porcentaje al éxito de la sesión fotográfica, es decir, a la consecución de lo que se quiere lograr o expresar por medio de imágenes. En exteriores cabe la opción de llevar un equipo portátil.

En las sesiones profesionales es imprescindible tener ayudantes para encargarse de eliminar el posible sudor causado por las altas temperaturas de la iluminación artificial, o bien, del sol ardiente. De lo contrario, si además no se retoca el peinado, el maquillaje y la vestimenta, se corre el riesgo de que las fotos tengan que ser retocadas mucho o que sean inservibles.

Los fotógrafos de modelos desnudos tienen que contar con mayores presupuestos, porque las modelos cobran tarifas más caras, aparte de que no todas están disponibles para posar sin ropa. Hay fotógrafos que les proporcionan a sus modelos bebidas alcohólicas, con el fin de que se desinhiban. Se han dado casos de modelos borrachas, que cometen toda clase de excesos.

Para las fotos semi-profesionales, hay que tener mucho cuidado con los juicios emitidos por allegados, puesto que aunque sean buenas personas en otros órdenes y tengan intenciones sanas, eso no significa que automáticamente estén capacitadas para emitir una crítica aceptable, sobre estos temas.

Hay féminas muy coquetas, desenvueltas o con grandes dotes histriónicas, pero que no son profesionales, que al ponerse frente a una cámara se quedan casi petrificadas. Si el fotógrafo no conoce ese comportamiento puede sufrir una decepción. A propósito, hay modelos masculinos que son más coquetos y narcisistas que muchas mujeres, hasta tal punto que parecerían que suspiran todas las mañanas ante el espejo al contemplarse.

Hay modelos no muy experimentadas que digamos, que están demasiado pendientes del disparo, y salen como los espías mirando de reojo, otras en cambio aparecen tensas por su exagerado sentido de no hacer el ridículo. La clave de esto está en la naturalidad, aunque la toma sea extravagante. Existe un paralelismo entre la manera de “enfrentar” a la cámara, y los modos que desarrolla la gente para lidiar con los asuntos y problemas que la vida les depara.

Blog: faustinoperez.blogspot.com

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Colombia
El Periódico EL MUNDO convoca a todos los fotógrafos profesionales y aficionados a nivel regional y nacional a la quinta edición del Concurso Colombiano de Fotografía “Los Niños de Mi Tierra”.

El certamen busca promover la práctica de la fotografía en beneficio de la niñez y adolescencia colombianas, y este año, mediante el replanteamiento de sus categorías, invita a todos los participantes y a la comunidad en general, a conocer mejor el nuevo código de la infancia y la adolescencia (ley 1098 de 2006, ver www.bienestarfamiliar.gov.co) para que así más y más colombianos acatemos y renovemos nuestro compromiso y responsabilidad frente a la infancia y la adolescencia en nuestro país.

Participantes

Pueden participar fotógrafos aficionados y profesionales, estudiantes, miembros de agremiaciones fotográficas, artistas, en fin, todas las personas que sean las autoras de fotografías relativas al tema de niñez y adolescencia

Inscripciones

La inscripción al presente concurso tiene un valor de $25.000 que le otorga el derecho a cada participante para enviar hasta 25 fotografías a la(s) categoría(s) que elija. Se podrán enviar de 25 a 50 fotografías, pero sólo si se hace una segunda consignación por 25.000 pesos y así sucesivamente.

El pago debe hacerse por medio de consignación en BANCOLOMBIA Cuenta de ahorros N° 1011-2672401 a nombre de Periódico EL MUNDO S.A. especificando “Concurso de Fotografía”. Hecha la consignación, cada participante deberá hacer llegar en sobre cerrado, el formulario de inscripción completamente diligenciado (el cual podrá imprimirse desde nuestro portal web), al cual se le ha adjuntado el comprobante de consignación y las fotografías (para el caso de fotógrafos no independientes, se debe adjuntar también la autorización a participar por parte de su empleador). En caso de recibirse más de 25 fotografías y no recibirse copia de su respectiva consignación adicional, los organizadores del concurso tomarán las primeras 25 obras como vengan en el sobre y sólo éstas participarán en el concurso.

Los participantes deberán enviar sus trabajos por correo postal a: Periódico EL MUNDO, V Concurso Colombiano de Fotografía “Los Niños de Mi Tierra”.

A.A. 53874 de Medellín.

También se recibirán obras en nuestras oficinas principales:

Calle 53 No. 74-50
Medellín, Colombia

Formulario de inscripción

Trabajos:

Las obras presentadas deberán abordar el tema de la niñez y adolescencia colombiana (0 a 18 años), en su situación actual y ajustándose a los límites conceptuales impuestos para cada categoría. La técnica elegida será parte de la decisión del fotógrafo al realizar su trabajo. En cada categoría participarán por igual obras a blanco y negro, en color, digitales y análogas o tradicionales. Se recomienda no alterar digitalmente las fotografías originales.

Las fotografías deben presentarse impresas sobre papel fotográfico en formato no menor de 13 x 20 cms, ni mayor de 20 x 25 cms, siendo este último el formato recomendado. Se pide no coser ni escribir al respaldo de las obras.

Las fotografías también podrán enviarse en formato digital, para ser proyectadas, ante el jurado. En tal caso, las imagenes deben medir al menos 1.600 pixeles en su lado más largo, grabarse en formato JPEG con calidad de 7 en Photoshop, tener una resolución no menor de 72 dpi y pesar no menos de 1.5 megapixeles. Para nombrar los archivos deben poner primero su seudónimo, luego el código de la categoría al que inscribe la imágen y título o número. Cuando se trata de una Historia Viva, la secuencia de la serie se deberá señalar con el consecutivo A,B,C,D,E,F.

Ejemplo:Pedro Pérez, con seudónimo “pitillo” envía una foto para la categoría Saludables, la cual titula “Alimento de vida”. Si envía la foto digital, el nombre de dicho archivo puede ser: pitillo s alimentodevida.jpg. Si el mismo “pitillo” envía una serie para Historia Viva, llamada “la alegría de leer”, la primera foto de la serie tendrá será: pitillo hv laalegriadeleer A.jpg; La segunda pitillo hv laalegriadeleer B.jpg y así sucesivamente.

De todas maneras, las fotografías digitales deben ir debidamente reseñadas en el formulario físico y estar grabadas en un un cd o dvd debidamente marcado con el nombre del participante. No se recibirán fotografías vía correo electrónico.

No se aceptarán diapositivas ni negativo

Plazos:

Se recibirán participaciones hasta el viernes 30 de noviembre de 2007.

Tras el fallo del jurado calificador, la proclamación de los ganadores será el miércoles 12 de diciembre. Allí mismo iniciará la exposición itinerante de las obras ganadoras, la cual también podrá ser vista en la pagina web www.elmundo.com

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A salto de mata MARTA P. ALDARAVÍ FOTÓGRAFA DEL FESTIVAL DE JAZZ DE SAN JAVIER
Una exposición en FNAC repasa en imágenes los once años de historia del festival de San Javier, con sus artistas y sus «expresiones más características»

AUTORA. Marta Aldaraví, con el cartel anunciador del festival. / ALEXIA SALAS
Los astros del jazz le hablan con los ojos. Conoce a la perfección los gestos de los grandes músicos porque se ha pasado horas y horas observándolos, con el dedo en el disparador a la espera de la expresión que define al artista. Marta Pinilla Aldaraví expone ahora en FNAC de Murcia un breve repaso por los 11 años de Jazz San Javier. Emoción, tensión, elegancia, concentración.

- ¿Cuántas fotos habrá hecho a músicos de jazz?

- Sólo a Toquinho le hice 700 fotos. Tengo el dedo flojo, cada momento lo veo especial. No me conformo. Siempre busco ángulos diferentes. No me sacio de hacer fotos. Busco la imagen perfecta. Tengo más de 3.000 fotos por año de Festival, así que tendrá unas 33.000 fotos, aunque de los primeros años hay menos porque usaba negativos de 135 milímetros.

- Debe ser algo así como fotografiar animales en su hábitat salvaje; un trabajo de paciencia.

- Sí, por eso nunca me quedo satisfecha. Al final del concierto, el artista suele sentirse más relajado y le ves más expresividad. Hay que tener mucha paciencia, estar con el dedo preparado para el momento en que gire algo la cabeza. Creo que ésa es mi gran virtud, la paciencia. La tengo con los niños, con mi negocio, con los músicos.

- ¿Qué busca en las imágenes de los músicos?

- Busco su expresión más característica. Atrapar el sentimiento de su música. Los hay poco expresivos. Algunos incluso se hacen perder la motivación y llegan a aburrirte. Pero los grandes artistas suelen tener carácter.

- Tiene que moverse además sin ser visto, para no molestar a los artistas.

- Casi nunca reparan en las fotos. Los baterías sí, porque me gusta hacerles planos laterales y algunos me ven y me echan una sonrisa. El saxofonista James Carter se puso a bailar cuando me vio y Wynton Marsalis miraba a la cámara.

- En estos 11 años de jazz, quiénes han sido los mejores modelos, los más expresivos?

- Leían Elías fue muy dulce y natural. Salomón Burke se comía la cámara por lo inmenso que es. Marsalis es un buen modelo. Y la pianista Hiromi muy difícil de captar porque se mueve muchísimo.

- ¿Y los más complicados?

- Con Van Morrison, que es un pedazo de artista, te quieres lucir, pero puso muchas condiciones, entre ellas que se hicieran las fotos sólo con luz tenue. Además llevaba sombrero y no cambió apenas de expresión.

- ¿Los hay maniáticos para esto de las fotos?

- Sobre todo las mujeres, que piden que saques su lado bueno.

- ¿Le molestaron los flashes al albino Johnny Winter?

- Él pidió que no se usara flashes, pero no los uso en los conciertos. En el camerino no puso ningún problema. Pero algunos, cuanto más famosos, más quisquillosos. Gary Moore no dejó entrar a nadie y limitó las fotos.

- En alguno ha observado una personalidad diferente ante la cámara que lejos de ella?

- Paul Anka es un gran profesional en el escenario, bailó con una señora y se acercó al público, pero luego se mostró muy poco accesible.

- ¿Tiene alguna foto preferida de todos estos años?

-Sí, una de un trompetista concentrado, pensativo antes de comenzar a tocar, mirando hacia abajo. Es Ron Blake, que vino a San Javier el año pasado con Joel de Francesco. Está en la exposición.

(fuente: Laverdad-Miurcia)

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El pasado lunes 21 falleció el fotógrafo Klaus Henning, quien entre los años cincuenta y setenta retrató el centro de Asunción, falleció a los 87 años. Henning fue retratando la evolución de la ciudad, y de otras localidades del país.

Los improvisados puentes que se armaban en Palma y Nuestra Señora de la Asunción en los días de lluvia para pausar los raudales fueron retratados por Henning en los 60.

Las “palmeadas”, los raudales del centro, los negocios y edificios están retratados en las fotografías de Henning, quien tenía una librería en Palma y 14 de Mayo, donde no solo vendía libros, sino también artículos para fotografía. Henning solía dejar el mostrador para salir a caminar con su cámara en las cuadras cercanas y retratar la ciudad que iba cambiando.

Entre los años cincuenta y setenta, el centro neurálgico de la ciudad se encontraba sobre las calles Palma y Estrella, desde México a Colón y la librería estaba en el centro mismo de ese corazón.

Detalle del altar de Yaguarón. Henning publicó un libro dedicado a la iglesia de este pueblo.

Gracias a sus fotografías se puede apreciar el cambio que ha sufrido la ciudad en ese tiempo, no siempre favorable con la belleza arquitectónica de la ciudad

En sus fotos se puede ver el antiguo Club Nacional, que luego fue reemplazado por el edificio del Banco de la Nación Argentina; el edificio de lo que fue Copacar, convertido hoy en el edificio del Banco Regional.

El fotógrafo también recorría el interior del país y realizaba fotografías paisajísticas que luego imprimía en postales, las cuales hoy son muy requeridas por los coleccionistas.

Klaus Henning nació el 14 de julio de 1921 en Alemania. Llegó a Paraguay con solo 13 años de edad, en 1934, cuando emigró con toda su familia. Se establecieron en la colonia Carlos Pfannl donde tuvo que aprender los duros oficios del campo. Pero ocho años después, a los 21, se estableció en Asunción.

Los desaparecidos Saltos del Guairá. Henning realizó una gran cantidad de fotos paisajísticas que luego comerciaba como postales, hoy muy valoradas por los coleccionistas.

Desde entonces hasta 1987 trabajó en la librería “Universal”, primero como dependiente y luego llegó a ser su propietario. Su afición por la fotografía le llevó a ampliar el negocio de los libros a la fotografía.

En 1945 empezó a estudiar fotografía de forma independiente, leyendo y experimentando con la cámara y el laboratorio. Necesitaba equipos de mayor calidad. Prestó la Rolleyflex de un amigo y con ella empezó a realizar las postales que se convertirían en un gran negocio. En las décadas de 1940 y 50 realizó a mano sus tarjetas postales, sumando entre 180.000 y 200.000, lo que permitió adquirir un mejor equipo.

Un cometa cruza el cielo asunceno, captado por la lente de Henning, junto al edificio del IPS.

Luego tuvo que enfrentarse a las trabas de la Dirección de Turismo que prohibió la venta de postales que no tuvieran su aprobación. Exigía que solo podían aparecer edificios monumentales y modernos, nada de ranchitos, ni de burreritas y gente descalza.

Desde 1960 Klaus Henning mandó imprimir tarjetas postales en colores en Alemania y en Estados Unidos. Dejó de realizar postales hacia 1980. En 35 años produjo aproximadamente un millón de postales; 700 mil en colores y 300 mil en blanco y negro, conocidas como fotopostales. El motivo más reiterado y exitoso fue el Hotel Guaraní.

Como legado ha dejado un archivo de sesenta mil negativos, cuatro mil ampliaciones y veinte mil diapositivas. En marzo de 2005, en el Centro Juan de Salazar se realizó una muestra sobre su obra.

Un autorretrato de Klaus Henning, en su estudio, junto con la ampliadora. El fotógrafo fue un autodidacta.
(Fuente:ABC digital)

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Las imágenes fueron tomadas el pasado 20 de julio entre las 22:00 horas y las 2:00 hora local. El día marciano dura 24 horas y 29 minutos.

En la panorámica formada por las fotografías, se observa el paso del Sol con respecto al polo norte donde ahora, al igual que en hemisferio norte de la Tierra, es verano y el astro no llega a ponerse.
(Fuente: Hechos.TV)

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Yaniris López

UN PUÑADO DE 25 CHICOS GESTA CAMBIOS EN LA IMAGEN DE ESTE MUNICIPIO
Los miembros de Brigada Verde se han comprometido con el medio ambiente y
con su municipio.

MICHES.- ¿Cuántos pueblos del país, de nombres evocadores, decepcionan al visitante que espera encontrar algo parecido al Edén y se topa con un viejo y descuidado caserío? Muchos. La mayoría espera a que sea la siempre lenta caridad gubernamental la que le lleve el progreso y, de la noche a la mañana, le construya un espacio digno y agradable a la vista. Otros deciden tomar conciencia desde el seno de la comunidad y en poco tiempo descubren que, con un mínimo de esfuerzo, pueden convertir el cuchitril en el que viven en un lugar atractivo y decoroso.

En el caso de Miches, paraíso costero de la provincia El Seibo que poco a poco se desprende de su mote como punto estratégico de viajes ilegales, drogas y narcotráfico, la cooperación y la toma de conciencia llegó de quienes parecían no tener interés alguno en el medio ambiente y en los asuntos sociales: los jóvenes. ¿Cuánto les tomó comprender que de nada vale tener 35 kilómetros ininterrumpidos de playa y un ecoturismo diverso y atractivo si sólo la basura y los malos olores parecen disfrutar del lugar? Muchos años. Pero ese Miches quedó en el olvido y desapareció de la lista de los pueblos costeros con apariencia de viejos caseríos. De ello se ha encargado la Brigada Verde de la ciudad.

Un comienzo difícil
Animados por Aaron Arnoldy, joven voluntario del Cuerpo de Paz de la Embajada de Estados Unidos en República Dominicana, y por el escritor y gestor cultural Sélvido Candelaria, hace casi dos años se formó el equipo que dejó conformada la Brigada Verde del municipio.

Todo comenzó con una reunión en el liceo en la que Arnoldy y Candelaria motivaron a los chicos a formar un grupo que velara por los recursos naturales de Miches.

Así comenzaron las charlas educativas y los viajes de redescubrimiento. Un mundo de oportunidades y atractivos culturales se abría paso en las calles descuidadas de la ciudad. Los límites se ampliaron y en el horizonte aparecieron los mangles, lagunas, ríos, galeones hundidos, los pájaros, la naturaleza… No es que los jóvenes no supieran que todo esto estaba allí y que formaba parte de Miches. Es que no habían notado cuán importante era preservarlo.

“La riqueza de Miches son sus recursos naturales. Es un pueblo pobre, pero tiene mucho potencial”, dice Aaron, contento con los resultados de la Brigada. “El grupo va muy bien. Los chicos se han animado y se nota que les importa el medio ambiente, por lo menos más que antes”.

Aaron, quien es también el asesor técnico de Artemiches, el festival cultural que cada año organiza Candelaria y un grupo de artistas de Miches, asegura que al principio fue difícil “porque hay miembros que vienen y van” pero que ya tienen el grupo fundamentado.

“Fijos hay unos 15, y entre los que vienen y van alcanzamos los 25 jóvenes”, explica. Si le sirve de consuelo, el testimonio de Luisa María Mercedes indica que siempre habrá jóvenes disponibles.

“Recuerdo que fueron a la escuela y seleccionaron cinco personas para formar parte de Brigada Verde y me sentí muy mal porque no me invitaron; pero me aparecí en la reunión, me senté y al ver al grupo de jóvenes trabajando me motivé, porque siempre me ha gustado participar en cosas de medio ambiente. Y ahora formo parte del grupo”. ¿Qué hacen?

“Hacemos excursiones, hablamos sobre los manglares, limpiamos la playa, orientamos a las personas…”, dice Luisa María.

El nuevo Miches
Y ahí está el cambio. Miches es ahora mucho más agradable a la vista que hace dos años. Aunque Aaron diga que “no son muy obvios”, los visitantes frecuentes notamos los cambios.

“Los cambios más bien se ven en la práctica personal de cada uno de los muchachos y de las personas a las que tratan de educar, como es el caso de tirar la basura a la calle. La brigada sirve de ejemplo y de educadores”.

Para los chicos, sin embargo, ese detalle (no tirar basura) es una especie de hazaña. Y de las grandes. Jorge Rodríguez, vicepresidente de la Brigada, lo reconoce.

“He sentido una gran motivación y como persona he sentido muchos cambios a partir de mi entrada a Brigada Verde. Para mí era muy fácil tirar a la calle algo tan simple como la envoltura de una menta. Ahora siempre tengo los bolsillos llenos de basura”, dice.
(Fuente-Listindiario.com)

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ENTREVISTA: IMAGEN Cyril Zimmermann
El presidente de Fotolog apuesta por la simplicidad: “Cuanto más complicado es el servicio, más dedicación exige, y esto, al final, ahuyenta a la gente”

LAIA REVENTÓS
En Fotolog hay 18 millones de internautas que cuelgan fotos y las comparten con los demás. Creada en 2002 en Nueva York, triunfa más en los países latinos, entre ellos España, que en Estados Unidos. Desde agosto pertenece al grupo francés Hi-Media. Su presidente, Cyril Zimmermann, pagó 65 millones de euros por esta red de blogs fotográficos, que acaba de abrir sus puertas en Francia y Bélgica. Objetivo: extenderse por Europa.

* Getty Images busca talento fotográfico en Flickr

La noticia en otros webs

* webs en español
* en otros idiomas

“En una encuesta para averiguar por qué usaban Fotolog, menos del 5% mencionaba la fotografía. La mayoría hablaba de estados de ánimo, gustos…”

“Creíamos que Fotolog era la red social del pobre y YouTube, la del rico. Con el aumento del ancho de banda temíamos desaparecer. No es así”

“Sin mercadotecnia alguna, Fotolog gana un millón de miembros al mes. Es un servicio simple, que garantiza visibilidad. El internauta muestra una única foto al día. Como tiene que seleccionar, cuelga la mejor. Cada abonado tiene 50 personas que mostrarán en sus páginas la imagen que él ha elegido”.

En Fotolog, “el pretexto para la comunicación es la fotografía. La gente no sólo cuelga su imagen y se va; se queda a mirar las del resto, a intercambiar comentarios. De media, visita la red nueve días al mes y los 3,6 millones de clientes en España aún más: 21 días”, explica Cyril Zimmermann.

En general, prosigue el nuevo presidente de esta red social fotográfica, “cada persona ve 500 páginas mensuales y pasa 21 minutos diarios en Fotolog. Hay una gran variedad de grupos temáticos, desde los que sólo retratan gatos hasta artistas. Los grafiteros son una de las comunidades más activas. Muchos, en lugar de firmar sus grafitos, ponen su enlace Fotolog para que otros vean su obra”.

Pregunta. ¿A qué atribuye que Fotolog tenga éxito en los países latinos?

Respuesta. Al principio creíamos que era por una cuestión de medios, de ancho de banda. Que Fotolog era la red social del pobre y YouTube, la del rico. Con el aumento de la capacidad, temíamos que Fotolog desaparecería. Por suerte, no es así. La realidad es que todos sabemos hacer fotos, pero no todos sabemos hacer vídeo. Hoy las fotos se hacen hasta con el móvil.

P. También sirven para hacer vídeos.

R. Pero son muy malos. Es mucho más fácil hacer una foto que un vídeo. Además, la calidad de resolución en el celular es baja. Hace un tiempo realizamos una encuesta para averiguar por qué usaban Fotolog. Menos del 5% mencionaba la fotografía. La mayoría hablaba de estados de ánimo, gustos…

P. ¿Cómo si fuera el psicológo?

R. No lo diría así, más bien como un diario íntimo. En Internet cuelgas fotos de tu vida personal, de lo que ves, de lo que quieres compartir.

P. ¿Las imágenes provienen de cámaras fotográficas digitales o de móviles?

R. La gran mayoría, de los móviles. Son fotos de baja resolución porque la gente también las envía directamente del móvil a la web.

P: ¿Cuál es la diferencia entre Flickr y Fotolog?

R. Fotolog es una red social. En Flickr puedes volcar todas las fotos de tus vacaciones, familia y niños, pero los únicos que las verán son la familia, los niños y, con suerte, tus amigos para hacerte feliz. Es decir, que no le interesa a nadie más ni se establece comunicación alguna. La gente visita Flickr uno o dos días al mes, mientras que va nueve días a Fotolog. Esta cifra incluso es superior a Facebook o MySpace…

P. Éstas si son su competencia, ¿no?

R. Sin duda. Pero son sistemas mucho más complejos con música, vídeo, fotos, juegos…

P. ¿No añadirá estas funcionalidades a Fotolog?

R. No. Apostamos por la simplicidad. Estoy convencido de que cuanto más complicado, más dedicación exige pero, al final, ahuyenta. La gente entra por un efecto de moda, aunque después se cansa porque le toma demasiado tiempo.

P. Algunas grandes redes promueven el intercambio de datos. ¿Está de acuerdo?

R. No. A ellas les interesa aprovecharse de los que vienen detrás. Cuando tienes 80 millones de abonados, tratas de evitar que se vayan a otra parte. Estas iniciativas pretenden que uses funcionalidades de otras redes, pero a través de su perfil. Lo considero una amenaza para los que crecen y una oportunidad para los que están estancados. A nosotros, que en comparación somos pequeños, nos mataria.

P. ¿Cómo controlan que las fotos que manda la gente no violen derechos de autor?

R. Hay dos niveles de moderación. La primera son los propios internautas. Y un sistema automático de reconocimiento de marcas de agua en las fotos. El porcentaje de imágenes pirata es casi nulo. Y cuando se da, se elimina inmediatamente. Fotolog es un diario personal fotográfico, no tiene sentido colgar una foto de Henry Cartier-Bresson.

P. ¿Qué aporta su empresa, Hi-Media, a Fotolog?

R. la red tiene una gran audiencia, pero carecía de capacidad para generar ingresos. Cada seis meses hay un sitio que triunfa en Internet, aunque después no sepa rentabilizar su éxito. En este matrimonio ellos aportan la tecnología, nosotros la fórmula para ganar dinero. Tenemos una red de 15.000 sitios en los que ponemos la publicidad. En Europa, Hi-Media genera una audiencia de 50 millones de personas al mes. Doce de ellos vienen de sitios que nos pertenecen, como Fotolog. Además, nuestra plataforma de micropagos se usa en 200.000 sitios en Europa, que generan cuatro millones de transacciones al mes, sean la compra de un artículo periodístico, información del tiempo o un juego en red. Incluso de sitios eróticos, que suponen el 20% del total.

P. ¿La publicidad financia Fotolog?

R. El servicio gratuito, sí. Pero también puedes abonar de 4 a 15 euros mensuales para colgar seis fotos al día sin tener anuncios en tu página. También accedes a más funcionalidades. La gratuidad total es insostenible. Fotolog siempre ha tenido los dos servicios: el 90% gratuito y el resto de pago. La realidad es que ese 10% genera el 25% de los ingresos.

FOTOLOG: www.fotlog.com

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Imagen de una mujer observando las fotografías de Richard Avedon. AFP

* La exposición reúne unas 270 fotografías en blanco y negro

Richard Avedon durante 46 años revolucionó el mundo de la moda y paso a la historia como retratista.
PARÍS.- París inaugura una exposición retrospectiva del fotógrafo estadounidense Richard Avedon (1923-2004), que durante 46 años revolucionó el mundo de la moda y pasó a la historia como el retratista de algunos de los personajes más famosos del siglo XX.

La exposición, que reúne unas 270 fotografías en blanco y negro, estará abierta al público hasta el próximo 28 de septiembre en el “Jeu de Paume” del jardín de las Tuilerías de París.

Avedon, que comenzó su carrera en el Ejército, empezó a trabajar en 1945 en la revista “Harper’s Bazar”, donde se convirtió rápidamente en el fotógrafo preferido de las estrellas.

Para sus fotos de moda, recurre a extravagantes puestas en escena como en la famosa instantánea que muestra una frágil modelo vestida con un traje de noche, rodeada de elefantes.

En la década de los sesenta, el artista se concentra en el trabajo en su estudio, donde pone énfasis en el movimiento.

Avedon es autor de algunos de los retratos más auténticos de los personajes de su época, como el de una Marilyn Monroe desamparada que parece anunciar su suicidio, y otro que refleja el lado trágico del cómico Buster Keaton.

Por su estudio también pasaron Charlie Chaplin, Samuel Beckett, el ex presidente George Bush, Los Beatles, Janis Joplin, Andy Warhol y Katherine Hepburn, entre muchos otros.

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El don de ver más allá, convertir el don en arte y entender el arte como un compromiso. Sara Facio ha dado batalla por la fotografía desde adentro de la fotografía. Su obra es imponente: capturó con maestría momentos clave de la historia argentina y retrató a personajes célebres como Julio Cortázar, Pablo Neruda, Astor Piazzolla, entre muchos otros. Bajó la realidad al formato imagen, y la lectura de su trabajo permite entender una evolución que va más allá de lo puramente estético.

Una buena porción de su obra está compilada en la muestra Sara Facio Antológica 1960-2005, que se inaugurará este jueves en Villa Victoria –Matheu 1851-. Está integrada por 179 imágenes, bajo la curación del equipo Imago-Sara Facio

Es la antología más importante realizada sobre la carrera de Sara Facio; propone un recorrido que atraviesa series como Buenos Aires Buenos Aires, Humanario, un trabajo realizado con enfermos mentales en el año 1976, Funerales del presidente Perón; Pablo Neruda en Isla Negra (años 70); Retratos de Escritores de América latina (Alejandra Pizarnik, Gabriel García Márquez, Mario Vargas Llosa, entre otros) y De Brujos y Hechiceras, realizada entre 1963 y 2005 en la que fotografió a personajes de la cultura nacional e internacional como Victoria Ocampo, María Elena Walsh, Jeanne Moreau, Federico Leloir, Astor Piazzolla y Roberto Goyeneche.

También hay capítulos menos conocidos sus primeras obras premiadas (años 60) o las series Actos de fe en Guatemala; Autopaisajes (años 90), Bestiario (realizada con la artista Nushi Muntaabski) y Metrópolis. También se exhibirán por primera vez las fotografías de la serie Perón Vuelve (años 70), y se ha reservado un espacio para exponer los retratos que otros fotógrafos, como Annemarie Heinrich, Anatole Saderman, María Cristina Orive, Ataúlfo Pérez Aznar o la cineasta alemana Margarethe von Trotta, han realizado sobre ella.

“Convencidos de la importancia de la figura de Sara Facio para las artes visuales argentinas, esta muestra constituye un homenaje a su actividad, tanto como productora de imágenes que son hoy patrimonio de la historia cultural de los argentinos, como por su accionar en el campo de la fotografía en la Argentina”, explican los organizadores.

Los méritos de Facio exceden los estrictamente artístico. Cuando en la Argentina, a principios de los 60, la fotografía constituía un territorio desvalorizado y casi ignorado promovió la creación de la Fotogalería del Centro Cultural San Martín, un espacio que se caracterizó por su regularidad y la ajustada selección de sus expositores. También se abocó a la formación de la Colección de Fotografías del Museo Nacional de Bellas Artes. Constituyó así el primer núcleo de fotografías que ingresaba al Patrimonio Nacional. Entre tanto, en 1970 fundó la Azotea, junto a María Cristina Oribe, editorial que ha publicado libros de primer nivel, dedicados a la obra de fotógrafos argentinos.

Bio breve

Fotógrafa, editora y curadora, Sara Facio nació en la Argentina en 1932 y se graduó en la Escuela Nacional de Bellas Artes en 1953. Se inició en la fotografía en 1957. Fue asistente de Annemarie Heinrich. En 1973 fundó, con María Cristina Orive, La Azotea Editorial Fotográfica, que aún dirige. Es fundadora del Consejo Argentino de Fotografía desde 1978. En 1985 creó y dirigió hasta 1998 la Fotogalería del Teatro General San Martín de Buenos Aires. Desde 1995 es curadora del patrimonio de fotografía del Museo Nacional de Bellas Artes, cuya colección formó y presentó al público en 1998. Expuso en el país y en el extranjero, y sus fotografías integran colecciones privadas y públicas de la Argentina y otros países de América latina, Estados Unidos, Francia, Inglaterra, Italia y Japón. Recibió numerosos premios por su trayectoria y por sus publicaciones de fotografía

(Fuente:ciudadabstrakta.com)

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geotagging-flickr.pngEn días pasados, los fotógrafos tenían que utilizar su memoria para responder a la pregunta: ¿dónde tomé esta foto?” Este ya no es el caso. Geotagging se está convirtiendo en algo popular para la fotografía digital. Por definición, Geotagging es el proceso de añadir una forma de identificación geográfica geoespacial a los metadata de tus imágenes. También puede ser agregado a otros medios como sitios web o feeds RSS. Este metadata casi siempre consiste de coordenadas de latitud y longitud; aunque también puede incluir otras cosas como altitud o nombres de locación dependiendo de qué tan específico quieras ser.

Geotagging también puede ser útil si lo que estás buscando es información de un lugar específico. Por ejemplo, puedes intentar buscar imágenes tomadas cerca del cañón Red Rock. Simplemente buscas las coordenadas de longitud y latitud en un buscador que tenga habilitada con geotagging. Estos mismos buscadores también pueden ser utilizados para encontrar sitios y noticias basadas en localización.

Una moda de ahora es instalar una unidad GPS en tu cámara. Una solución es considerar el innovador GPS Photofinder de ATP. Es fácil de usar. Registra hasta 550 horas de datos GPS y usa su ranura SD para automáticamente agregar geotags a las imágenes JPG.

Incluso sitios populares de fotos como Flickr están utilizando esto al promover el soporte de información geográfica en las propiedades de imagen publicadas a su sitio. A principios de este año, cuando Nokia introdujo su nuevo teléfono el Nokia N96, se aseguraron de mencionar que utilizaría el A-GPS interno y su cámara para agregar metadata sobre ubicación en cada fotografía.

Fuente: Gadgetell

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