GUADALAJARA, JALISCO.- Las mujeres fueron las que motivaron a Alberto Korda (1928-2001) a dedicarse a la fotografía, sin embargo, fue una imagen bien distinta, la del Che, la que hizo de este

fotógrafo cubano todo un referente. Su fotografía del líder revolucionario tomada en una concentración política en La Habana se ha reproducido en todo soporte imaginable hasta en el más recóndito lugar del planeta. Pese a ello, la trayectoria de este artista inconformista y coherente esconde otras muchas joyas.

Su sueño inicial era convertirse en fotógrafo de moda para estar cerca de las féminas más bonitas. Lo logró. Así, con una cámara de 35 milímetros de su padre, se lanzó a la aventura en la década de los 50. Su primera modelo, su novia Yolanda.

Korda, conocido, desconocido (Editorial La Fábrica) es un libro-homenaje que ahora traza un recorrido por las facetas más importantes y algunas poco conocidas de su vida, como su afición a la fotografía submarina. Recoge más de 437 imágenes, muchas de ellas inéditas: “Yo he amado la belleza de la mujer tanto como la belleza moral de la Revolución”.

En la última entrevista que concedió antes de morir a Mark Sanders en 2001 (recogida en el libro), recordaba cómo inició su labor en los Studios Korda en La Habana, cómo detrás de la cámara buscaba siempre su particular visión de la belleza, ésa que empezó a plasmar en su sección de la revista Carteles.

Por aquel entonces, la ciudad del Malecón estaba tomada por el turismo y los casinos, miles de americanos iban a jugar o saciar su lujuria en los numerosos burdeles. Era la isla de Fulgencio Batista.

Pero con la Revolución, todos los esquemas cambiaron para este hijo de un empleado ferroviario y un ama de casa. La imagen de una niña pobre a la que sus padres no le podían comprar ni siquiera una muñeca le revolvió por dentro. “Me acordé del discurso de Fidel sobre la realidad social en Cuba en el que dijo que con la Revolución no habría niñas sin muñecas. En ese momento decidí dedicar mi vida y mi obra a la Revolución”, contaba a Sanders. Alberto Díaz Gutiérrez, su nombre verdadero, tenía entonces 30 años.

Fue la sombra del mandatario cubano durante una década, aunque nunca llegó a ser el fotógrafo oficial. Le siguió por medio mundo, incluido el viaje a Washington en el que puso una ofrenda floral en el Memorial Lincoln. Brasil, Panamá, Uruguay, Venezuela y la URSS fueron también destinos a los que acompañó a Fidel Castro.

Precisamente en este periodo captó la que sería la imagen que marcó su vida: Guerrillero heroico. En 1960, apenas nadie deparó en ella, fue poco antes de que Ernesto Guevara fuera asesinado en Bolivia cuando la imagen se convirtió en parte de la historia de la fotografía. Para el autor, simplemente “fue un instante de suerte”.

Muchas de las imágenes que aparecen en el libro Korda, conocido, desconocido nunca han sido publicadas y de algunas incluso se desconocía su existencia. En 1968, las autoridades cubanas intervinieron Studios Korda y se perdió la pista a muchos de sus archivos. Ahora, gracias al trabajo de sus amigos y de su hija mayor, Diana Díaz, ha visto a luz este pequeño gran homenaje de 400 páginas.

(Fuente:informador.com)

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Para este miércoles se prepara la exposición “En Negro y Blanco: del Cordobazo al Juicio a las Juntas” de la Asociación de Reporteros Gráficos de la República Argentina, en el Centro Cultural de la República “El Cabildo”.

La apertura está fijada para las 20:00. En la ocasión, estará presente el organizador de la exhibición, el fotógrafo gráfico Pablo Cerolini.

Esta muestra es parte del festival “El ojo salvaje”, organizado como parte del Mes de la Fotografía en el Paraguay, que se extenderá hasta el 15 de noviembre.

“Negro y Blanco” habla de una inversión, de un desplazamiento de los términos de la fotografía clásica en blanco y negro. “A primera vista, la serie de fotografías de la Asociación de Reporteros Gráficos de la República Argentina nos propone un recuento gráfico de la trágica historia argentina entre 1969 y 1984. Sin embargo, estas fotografías no sólo retratan a los argentinos y los acontecimientos que protagonizaron. También evocan, en muchos casos, otras historias ocultas detrás de esas imágenes: son aquellas que las atraviesan, creando un diálogo silencioso entre las imágenes y sus creadores ausentes. Se trata de la experiencia personal de muchos de los reporteros que retrataron esos hechos y luego preservaron las fotografías obtenidas”, indican los organizadores.
(Fuente:abc.com)

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Berlín reúne la más ambiciosa retrospectiva de Richard Avedon, el hombre que elevó la fotografía a categoría de arte y que fue la mirada más valorada por la moda, los famosos y los poderosos.

Marilyn Monroe. richard avedon

ITZIAR REYERO. BERLÍN. Marilyn Monroe, Audrey Hepburn y Marlene Dietrich son algunas de las estrellas del firmamento hollywoodiense que pasaron por el estudio de Avedon, muchas de cuyas imágenes se convirtieron en iconos de su tiempo.
Su serie Family retrata a los máximos representantes de la jet set estadounidense, como los poderosos políticos de la talla de Nixon, George Bush, Gerald Ford y los Kennedy o intelectuales como Susan Sontag y Salman Rushdie.
Bob Dylan, Janis Joplin, los cuatro Beatles, el escritor Samuel Beckett, el poeta Ezra Pound, el director de cine Jean Renoir o el artista Francis Bacon son otros de los que posaron ante él.
Pero, el fotógrafo, comprometido en la lucha contra los derechos civiles, no hizo diferencias de clase y junto a estos grandes nombres de la sociedad norteamericana retrató a las caras anónimas y figuras trágicas de los núcleos más deprimidos del país.
A este último grupo pertenece su serie In the American West, en la que presenta con crudeza a obreros, granjeros, camareras de bares de mala muerte que miran a la cámara sin tapujos y mineros que acaban de salir de la gruta embadurnados de hollín.
Hombres retratados -con independencia de su condición social- al natural y sobre un fondo blanco por Avedon que en su condición de antropocentrista
-su interés por los paisajes es escaso- colocó al hombre en el centro de la creación.
La cámara del genio neoyorquino logró inmortalizar las intimidades del retratado o, según sus propias palabras, captar los “contenidos inexplorados del rostro humano”.
El director del Martin-Gropius, Gereon Sievernich, subrayó en la rueda de prensa de presentación de la retrospectiva que la exposición -la “más bonita” realizada por el museo hasta la fecha- constituye una invitación “a mirar a la Historia de la Fotografía” de la mano de Avedon.
“Su obra es impactante, sus retratos conmueven. Un fotógrafo que logra eso, quizá no tiene la verdad, pero sí está cerca”, señaló el responsable del museo tras advertir que, aunque normalmente se le conoce como un fotógrafo de la moda, “hay otro Avedon”.
La directora de la Fundación Richard Avedon, Norma Stevens, calificó al fotógrafo como “genio apasionado y entusiasta” y “amante de la perfección”.
La exhibición, dividida en ocho salas, supone un recorrido cronológico a las obras más influyentes del estadounidense, entre las que destaca el retrato en grupo de Andy Warhol and Members of the Factory, un altar de diez metros de largo por tres de ancho.
En esta imponente composición aparecen, de pie, vestidos o desnudos, algunos de los habituales del Factory, uno de los lugares donde empezó a fraguarse la revolución artística y sexual de los años sesenta.
Entre sus primeras obras destaca su majestuosa instantánea de la modelo Dovima entre unos enormes elefantes, una imagen que atraparía toda la atención de la habitación, si no fuera porque comparte espacio con otras grandes de la pasarela como Suzy Parker y Twiggy, que visten elegantes trajes de Dior, Cardin y Balenciaga.
Especialmente celebrado es su retrato a una frágil Monroe -cuya mirada parece anunciar su suicidio- o la fotografía a Charles Chaplin, quien despide la era McCarthy haciendo un gesto de demonio, como si quisiera mandarlo al mismísimo.
Sobresalen también sus fotos de la última noche de 1989, año de la caída del Muro, en la que retrata el contraste entre el júbilo de los berlineses y su angustia por un futuro incierto.
La exposición Richard Avedon: fotografía 1946-2004, que se abrirá al público este domingo, es fruto de la colaboración de Louisiana y la fundación que lleva su nombre y está previsto que el año que viene visite Amsterdam y San Francisco.

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“… En cualquier libro de técnica fotográfica se puede ver la imagen de técnica y las dimensiones de las obras.

un paisaje nocturno en el que brilla la luna llena y suyo texto

explicativo nos revela el secreto de esa oscuridad a pleno sol, pero la

naturaleza del baño sensitivo con que está cubierta mi retina no es

bien conocida para el lector, apenas la intuyo yo…”

Ernesto Che Guevara

“Entendámonos”, 1951

En conmemoración al 50 aniversario del Triunfo de la Revolución, de

la Batalla de Santa Clara y del descarrilamiento y toma del Tren

Blindado, el Monumento que recuerda esta acción convoca al

concurso de fotografía “Imágenes de una Historia”.

Los interesados podrán seleccionar uno o más lugares relacionados

con estos acontecimientos sin límite de obras, en fotografía

analógica o digital. Se puede participar con fotomanipulaciones

digitales respetando los requisitos establecidos.

No se admite ninguna obra premiada en eventos anteriores.

Se sugiere utilizar el formato de 30 cm. x 40 cm, exceptuando

aquellas obras que por sus características exijan otras dimensiones.

La premiación tendrá lugar el día 29 de diciembre de 2008 en

nuestra Institución y estará acompañada de la exposición de las

obras más relevantes que incluirá las fotografías premiadas.

Los trabajos pueden ser entregados o enviados al Monumento a la

acción contra el Tren Blindado, Carretera a Camajuaní entre línea

férrea y puente La Cruz, Santa Clara, Villa Clara, hasta el día primero

de diciembre, acompañados de los datos del autor, el título, la

“… En cualquier libro de técnica fotográfica se puede ver la imagen de técnica y las dimensiones de las obras.

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Para la captación de las imágenes se empleó la cámara oscura que sufrió constantes mejoras en su diseño y tamaño, así como en las lentes ópticas u objetivos utilizados, debido a las aportaciones de diferentes investigadores de punta.
Los procedimientos fotográficos utilizados durante el siglo XIX fueron el Daguerrotipo, el Calotipo, el Colodión Húmedo y el Gelatino-bromuro.
Estos dos últimos son los que más evolucionaron el conocimiento fotográfico mediante una serie de mejoras en el Calotipo creado por William Fox Talbot. No deben olvidarse las aportaciones de George Eastman y la casa Kodak, que nos permiten concluir el camino hacia la instantánea fotográfica.
En el campo de las investigaciones científicas efectuadas con la utilización de la fotografía deben resaltarse los estudios sobre locomoción humana y animal de Etienne Jules Marey y Edward Muybridge.
La fotografía tuvo su auge comercial a partir de 1888 cuando Kodak sacó al mercado una cámara que utilizaba carretes de 100 fotos circulares, y sobre todo debido a la industrialización del proceso de impresión de película fotográfica. Para el usuario de a pie, que 100 años después usa una cámara de usar y tirar, muy poco ha cambiado desde entonces, salvo que la fotografía en color se ha impuesto como estándar, y que las ayudas en el enfoque y el cálculo automático de la velocidad de exposición y apertura del diafragma son ahora habituales. Tal y como para los aficionados de la fotografía en blanco y negro prácticamente no ha cambiado nada desde la introducción en el mercado de la Leica 35mm en 1925.
La cinta de un tartán. Primera fotografía en color. Tomada por James Clerk Maxwell realizando tres fotografías sucesivas cada vez con la lente tras un filtro diferente: rojo, verde y azul. Cada una de las tres imágenes se proyectaba sobre la misma pantalla con la luz del color del filtro que se había empleado para tomarla.
La fotografía en color fue desarrollada durante el siglo XIX. Los experimentos iniciales no fueron capaces de conseguir que los colores se quedaran fijados en la fotografía. La primera fotografía en color fue obtenida por el físico James Clerk Maxwell en 1861. Sin embargo, la primera película fotográfica en color -Autochrome- no llegó a los mercados hasta 1907. La primera película fotográfica en color moderna, KodaChrome, fue utilizada por primera vez en 1935. Las más modernas, a excepción de esta, han sido basadas en la tecnología desarrollada por Agfacolor en 1936.
(Fuente: laopinion-rafaela.com.ar)

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Líderes mundiales y figuras literarias han estado rindiendo homenaje al escritor ruso y Premio Nobel de Literatura Alexander Solzhenitsyn, quien falleció este domingo a los 89 años en su casa cerca de Moscú.

El presidente ruso, Dimitri Medvedev, presentó sus condolencias a la familia del autor quien a través de sus novelas expuso el sistema carcelario estalinista, convirtiéndose desde el exilio en uno de los más influyentes disidentes soviéticos.

El último líder de la Unión Soviética, Mijaíl Gorbachov, cuyas reformas llevaron al fin del comunismo en el país, dijo que Solzhenitsyn desempeñó un papel clave en socavar el régimen totalitario de Stalin.

Sus obras “cambiaron la conciencia de millones de personas”, dijo Gorbachov.

Por su parte, el ex presidente y actual primer ministro ruso Vladimir Putin lamentó la enorme perdida que representa la muerte del escritor para Rusia.

“Estamos orgullosos de que Alexander Isayevich Solzhenitsyn hay sido nuestro compatriota y contemporáneo. Lo recordaremos como un persona fuerte, valiente y con una enorme dignidad”, indicó Putin.

Lea: En sus propias palabras

Prisión, exilio y regreso

“Un día en la vida de Iván Denisovich” y “El Archipiélago Gulag” fueron libros en los que Solzhenitsyn denunció las prisiones de trabajo forzado en Siberia, obras que lo hicieron famoso en todo el mundo.

Fue uno de los primeros en hablar del régimen inhumano de Stalin
Mijaíl Gorbachov, ex líder soviético

El autor recibió en 1970 el Premio Nobel de Literatura.

En 1974 fue arrestado por presuntas actividades antisoviéticas y posteriormente fue expulsado del país.

El escritor se trasladó entonces a Estados Unidos.

Sin embargo, Solzhenitsyn regresó a Rusia en 1994. Tras la caída del bloque soviético y bajo una nueva Rusia, el Kremlin le confirió en 2007 uno de los más grandes honores al otorgarle el Premio Estatal de Rusia por su labor en el ámbito humanitario.

El novelista y crítico ruso, Andrei Bitov, señaló a la BBC que el fallecido autor fue un producto y una víctima del sistema soviético.

“Solzhenitsyn fue el reflejo de la trágica, irónica historia rusa…pasar por todas esas tribulaciones para terminar siendo casi aceptado oficialmente por la pandilla que estuvo en el origen de sus más fuertes denuncias”.

Mientras estuvo en Estados Unidos también se pronunció en contra de lo que consideraba la corrupción moral de Occidente.

Durante una entrevista en 2006, el escritor dijo que la democracia occidental estaba atravesando una grave crisis.

En esa entrevista concedida al periódico Novedades de Moscú, acusó a la Organización del Tratado del Atlántico Norte (OTAN) de tratar de subyugar a Rusia.

El autor nació en diciembre de 1918, estudió física y matemáticas en la Universidad de Rostov y sirvió en el Ejército Rojo tras la invasión de Hitler en 1941.

En 1945 fue condecorado por su coraje, pero fue denunciado por haber escrito una carta en la que criticaba a José Stalin, hombre que dominó los destinos de la Unión Soviética por casi 30 años.

Por ello, pasó ocho años en el sistema de prisiones soviético conocido como Gulag, antes de ser trasladado a un campo especial en la ciudad de Ekibastuz, en Kazajistán, donde un recibió tratamiento exitoso para curar un tumor maligno en el estómago.

Según el corresponsal de la BBC, Chris Jones, el autor fue un nacionalista apasionado que fue marginado progresivamente desde su regreso a Rusia en 1994.

Sin embargo, señala Jones, Alexander Solzhenitzyn aseguró su lugar en la historia como héroe, profeta y probablemente como el más grande escritor ruso del siglo XX.

El presidente francés, Nicolas Sarkozy, señaló que “su intransigencia, sus ideales y su larga vida llena de incidentes hacen de Solzhenitsyn un héroe de novela, un heredero de Dostoyevksy”.

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Colombia
El Periódico EL MUNDO convoca a todos los fotógrafos profesionales y aficionados a nivel regional y nacional a la quinta edición del Concurso Colombiano de Fotografía “Los Niños de Mi Tierra”.

El certamen busca promover la práctica de la fotografía en beneficio de la niñez y adolescencia colombianas, y este año, mediante el replanteamiento de sus categorías, invita a todos los participantes y a la comunidad en general, a conocer mejor el nuevo código de la infancia y la adolescencia (ley 1098 de 2006, ver www.bienestarfamiliar.gov.co) para que así más y más colombianos acatemos y renovemos nuestro compromiso y responsabilidad frente a la infancia y la adolescencia en nuestro país.

Participantes

Pueden participar fotógrafos aficionados y profesionales, estudiantes, miembros de agremiaciones fotográficas, artistas, en fin, todas las personas que sean las autoras de fotografías relativas al tema de niñez y adolescencia

Inscripciones

La inscripción al presente concurso tiene un valor de $25.000 que le otorga el derecho a cada participante para enviar hasta 25 fotografías a la(s) categoría(s) que elija. Se podrán enviar de 25 a 50 fotografías, pero sólo si se hace una segunda consignación por 25.000 pesos y así sucesivamente.

El pago debe hacerse por medio de consignación en BANCOLOMBIA Cuenta de ahorros N° 1011-2672401 a nombre de Periódico EL MUNDO S.A. especificando “Concurso de Fotografía”. Hecha la consignación, cada participante deberá hacer llegar en sobre cerrado, el formulario de inscripción completamente diligenciado (el cual podrá imprimirse desde nuestro portal web), al cual se le ha adjuntado el comprobante de consignación y las fotografías (para el caso de fotógrafos no independientes, se debe adjuntar también la autorización a participar por parte de su empleador). En caso de recibirse más de 25 fotografías y no recibirse copia de su respectiva consignación adicional, los organizadores del concurso tomarán las primeras 25 obras como vengan en el sobre y sólo éstas participarán en el concurso.

Los participantes deberán enviar sus trabajos por correo postal a: Periódico EL MUNDO, V Concurso Colombiano de Fotografía “Los Niños de Mi Tierra”.

A.A. 53874 de Medellín.

También se recibirán obras en nuestras oficinas principales:

Calle 53 No. 74-50
Medellín, Colombia

Formulario de inscripción

Trabajos:

Las obras presentadas deberán abordar el tema de la niñez y adolescencia colombiana (0 a 18 años), en su situación actual y ajustándose a los límites conceptuales impuestos para cada categoría. La técnica elegida será parte de la decisión del fotógrafo al realizar su trabajo. En cada categoría participarán por igual obras a blanco y negro, en color, digitales y análogas o tradicionales. Se recomienda no alterar digitalmente las fotografías originales.

Las fotografías deben presentarse impresas sobre papel fotográfico en formato no menor de 13 x 20 cms, ni mayor de 20 x 25 cms, siendo este último el formato recomendado. Se pide no coser ni escribir al respaldo de las obras.

Las fotografías también podrán enviarse en formato digital, para ser proyectadas, ante el jurado. En tal caso, las imagenes deben medir al menos 1.600 pixeles en su lado más largo, grabarse en formato JPEG con calidad de 7 en Photoshop, tener una resolución no menor de 72 dpi y pesar no menos de 1.5 megapixeles. Para nombrar los archivos deben poner primero su seudónimo, luego el código de la categoría al que inscribe la imágen y título o número. Cuando se trata de una Historia Viva, la secuencia de la serie se deberá señalar con el consecutivo A,B,C,D,E,F.

Ejemplo:Pedro Pérez, con seudónimo “pitillo” envía una foto para la categoría Saludables, la cual titula “Alimento de vida”. Si envía la foto digital, el nombre de dicho archivo puede ser: pitillo s alimentodevida.jpg. Si el mismo “pitillo” envía una serie para Historia Viva, llamada “la alegría de leer”, la primera foto de la serie tendrá será: pitillo hv laalegriadeleer A.jpg; La segunda pitillo hv laalegriadeleer B.jpg y así sucesivamente.

De todas maneras, las fotografías digitales deben ir debidamente reseñadas en el formulario físico y estar grabadas en un un cd o dvd debidamente marcado con el nombre del participante. No se recibirán fotografías vía correo electrónico.

No se aceptarán diapositivas ni negativo

Plazos:

Se recibirán participaciones hasta el viernes 30 de noviembre de 2007.

Tras el fallo del jurado calificador, la proclamación de los ganadores será el miércoles 12 de diciembre. Allí mismo iniciará la exposición itinerante de las obras ganadoras, la cual también podrá ser vista en la pagina web www.elmundo.com

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A salto de mata MARTA P. ALDARAVÍ FOTÓGRAFA DEL FESTIVAL DE JAZZ DE SAN JAVIER
Una exposición en FNAC repasa en imágenes los once años de historia del festival de San Javier, con sus artistas y sus «expresiones más características»

AUTORA. Marta Aldaraví, con el cartel anunciador del festival. / ALEXIA SALAS
Los astros del jazz le hablan con los ojos. Conoce a la perfección los gestos de los grandes músicos porque se ha pasado horas y horas observándolos, con el dedo en el disparador a la espera de la expresión que define al artista. Marta Pinilla Aldaraví expone ahora en FNAC de Murcia un breve repaso por los 11 años de Jazz San Javier. Emoción, tensión, elegancia, concentración.

- ¿Cuántas fotos habrá hecho a músicos de jazz?

- Sólo a Toquinho le hice 700 fotos. Tengo el dedo flojo, cada momento lo veo especial. No me conformo. Siempre busco ángulos diferentes. No me sacio de hacer fotos. Busco la imagen perfecta. Tengo más de 3.000 fotos por año de Festival, así que tendrá unas 33.000 fotos, aunque de los primeros años hay menos porque usaba negativos de 135 milímetros.

- Debe ser algo así como fotografiar animales en su hábitat salvaje; un trabajo de paciencia.

- Sí, por eso nunca me quedo satisfecha. Al final del concierto, el artista suele sentirse más relajado y le ves más expresividad. Hay que tener mucha paciencia, estar con el dedo preparado para el momento en que gire algo la cabeza. Creo que ésa es mi gran virtud, la paciencia. La tengo con los niños, con mi negocio, con los músicos.

- ¿Qué busca en las imágenes de los músicos?

- Busco su expresión más característica. Atrapar el sentimiento de su música. Los hay poco expresivos. Algunos incluso se hacen perder la motivación y llegan a aburrirte. Pero los grandes artistas suelen tener carácter.

- Tiene que moverse además sin ser visto, para no molestar a los artistas.

- Casi nunca reparan en las fotos. Los baterías sí, porque me gusta hacerles planos laterales y algunos me ven y me echan una sonrisa. El saxofonista James Carter se puso a bailar cuando me vio y Wynton Marsalis miraba a la cámara.

- En estos 11 años de jazz, quiénes han sido los mejores modelos, los más expresivos?

- Leían Elías fue muy dulce y natural. Salomón Burke se comía la cámara por lo inmenso que es. Marsalis es un buen modelo. Y la pianista Hiromi muy difícil de captar porque se mueve muchísimo.

- ¿Y los más complicados?

- Con Van Morrison, que es un pedazo de artista, te quieres lucir, pero puso muchas condiciones, entre ellas que se hicieran las fotos sólo con luz tenue. Además llevaba sombrero y no cambió apenas de expresión.

- ¿Los hay maniáticos para esto de las fotos?

- Sobre todo las mujeres, que piden que saques su lado bueno.

- ¿Le molestaron los flashes al albino Johnny Winter?

- Él pidió que no se usara flashes, pero no los uso en los conciertos. En el camerino no puso ningún problema. Pero algunos, cuanto más famosos, más quisquillosos. Gary Moore no dejó entrar a nadie y limitó las fotos.

- En alguno ha observado una personalidad diferente ante la cámara que lejos de ella?

- Paul Anka es un gran profesional en el escenario, bailó con una señora y se acercó al público, pero luego se mostró muy poco accesible.

- ¿Tiene alguna foto preferida de todos estos años?

-Sí, una de un trompetista concentrado, pensativo antes de comenzar a tocar, mirando hacia abajo. Es Ron Blake, que vino a San Javier el año pasado con Joel de Francesco. Está en la exposición.

(fuente: Laverdad-Miurcia)

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A Tim Hetherington le apasiona experimentar con las imágenes en la pantalla del ordenador, rendido ante la revolución que ha impuesto internet y convencido de que “la fotografía en su formato tradicional pronto va a resultar irrelevante en los medios de comunicación”. El ganador de la última edición del World Press Photo no revela el menor atisbo de nostalgia a la hora de certificar la muerte del soporte impreso. “Lo que me interesa es contar una historia más que el formato”, explica este fotógrafo, documentalista y director de cine británico, que prefiere autodefinirse como un “creador de imágenes” y sobre todo “un narrador”.

Hetherington: “No me interesa retratar la violencia: prefiero buscar situaciones humanas entre tanta desolación”

Ha sido en cualquier caso la fotografía concebida para las páginas de una revista la que le mereció el galardón del prestigioso certamen. El retrato de un soldado estadounidense postrado en un rocoso búnker de Afganistán fue tomado en el valle de Korengal, junto a la frontera pakistaní, escenario de los combates más mortíferos entre las fuerzas de Estados Unidos y la insurgencia afgana. La imagen que recogió su cámara expone “la extenuación de un hombre y, por extensión, de toda una nación”, según el presidente del jurado, Gary Knight, al anunciar una decisión que no resultó del gusto de todos. A Hetherington le han llegado a reprochar que la fotografía en cuestión aparezca borrosa, pero él rebate que ese ligero desenfoque -fruto de la precaria iluminación en un búnker de 30 metros de altura por 10 de ancho- confiere tintes casi pictóricos a su trabajo.

La pieza forma parte de un reportaje encargado por la publicación americana Vanity Fair que, bajo el título En el valle de la muerte, reflejaba las condiciones de vida en el Segundo Batallón del 53º Regimiento de Infantería, al que Hetherington estuvo incrustado en el otoño de 2007. El autor está mucho menos interesado en la lectura política de la fotografía que en el “enorme sentimiento” que cree que encierra: “Mi trabajo”, subraya, “consiste en conectar con la gente, en su comportamiento en situaciones extremas. No pretendo dar un empujón a la agenda política, en todo caso generar un debate”. Por eso declina pronunciarse sobre las intervenciones militares en Afganistán o Irak.

Hetherington vierte esas reflexiones en una cafetería de Londres, ciudad que apenas pisa aunque aquí tiene su cuartel general, a las pocas semanas de la concesión del premio. Ese reconocimiento, admite, supone una plataforma formidable, aunque “también lo cambia todo por el enorme escrutinio. He decidido aprovechar sus réditos, pero me preocupa ser malentendido, no quiero que me encierren en una caja”. Resume esa aprensión en el constreñimiento que le supone ser catalogado como fotógrafo de prensa, porque él se considera un generador de diferentes formas de comunicación fotográfica, ajeno a etiquetas. “No me siento miembro de la comunidad World Press Photo”, sostiene en un sorprendente desmarque de la organización que ya le procurara otros dos galardones fotográficos en pasadas ediciones.

Nacido en Liverpool en 1970, Tim Hetherington se graduó en literatura inglesa por la Universidad de Oxford, y trabajó como editor y escritor de literatura infantil antes de pasar por la escuela de fotoperiodismo de Cardiff (Gales). Allí, señala, formó parte de “la última generación de estudiantes que reveló en blanco y negro”, un recurso que hoy considera relegado a mera pieza de museo. Su trayectoria como profesional de la imagen arrancaba en 1977, apoyándose en proyectos a largo plazo que en los últimos ocho años ha concentrado sobre todo en la geografía de África occidental, objeto de exposiciones, proyecciones digitales y películas, como Liberia, una guerra incivil (2004). Nunca quiso replicar la brutalidad de los conflictos que azotan a ese continente con imágenes explícitas, porque “no me interesa retratar la violencia: prefiero buscar lo ordinario, situaciones humanas entre tanta desolación”. Esa aproximación, considera, fue a menudo malentendida en las redacciones de los periódicos, donde dice no haber encontrado el eco para su trabajo. “Las imágenes ‘que piensan’ y que ‘permiten pensar’ han desaparecido de las páginas de la prensa escrita. Creo que sólo se da margen a las ideas del escritor y que impera un cierto esnobismo intelectual”, se despacha.

Hetherington acaba de regresar de los Emiratos Árabes Unidos, donde ultima una exposición conjunta de fotógrafos británicos y locales, La casa de mi padre, un recorrido por la agitada historia de los países de la península Arábiga a partir de su diversidad arquitectónica. Mientras devora una hamburguesa, con la misma premura con la que apura las únicas 24 horas que pasará en Londres en los próximos meses, explica que ya prepara las maletas para regresar a Afganistán durante el verano. Esa reiteración en el frente bélico fascina a los estudiantes que asisten a sus clases puntuales de fotoperiodismo, “realmente obsesionados con la idea de ir a los puntos calientes para retratar la violencia. Yo intento refutar ese sueño de héroe que para ellos encarna el fotógrafo de guerra”.

Hetherington piensa firmar un segundo reportaje sobre el despliegue estadounidense y al tiempo filmar la secuela del documental que el año pasado emitió el programa Nightline de la cadena americana ABC. Ahí reconoce que la concesión del World Press Photo ha contribuido a afianzarle, aunque irónicamente la fotografía premiada no aparecía entre las 12 páginas que la revista dedicó a aquel trabajo, aunque sí fue insertada en su edición digital.

¿Va a desplazar el vídeo a la fotografía en sus futuros trabajos? “Suelo elegir el formato que funcione mejor para la historia, que es lo realmente importante, aunque el mundo de las pantallas de la televisión o del ordenador y la fotografía en el futuro será lo mismo. En el pasado los abordé como universos separados, ahora quiero que converjan”. A lo largo de la conversación, Hetherington llega a sentenciar “el fin de la fotografía”, aunque acaba matizando que alude al necesario cambio de mentalidad de los profesionales de la imagen ante el vértigo que produce la irrupción de las nuevas herramientas digitales.

Hacemos un repaso a su producción, pero cuesta arrancarle una selección de sus propios trabajos. Su asistente, Nayla, nos revela que guarda especial cariño a la serie Healing Sport (1999-2002), uno de sus proyectos en torno al resurgimiento del deporte como antídoto ante los estragos de la guerra en países como Liberia, Sierra Leona o Angola. Las fotografías fueron tomadas en blanco y negro, una plataforma que no piensa volver a utilizar. “El blanco y negro es más abstracto. El color, en cambio, te aproxima a la historia. Trabajar en blanco y negro es uno de mis errores del pasado: es muy bonito pero creo que ya no resulta útil”. Al final se decide a escoger una imagen que capturó en pleno conflicto liberiano: un guerrillero se despide de su novia, en un momento de intimidad ajeno al caos. “Me gusta esta fotografía porque expresa que también en la guerra hay espacio para las emociones humanas, aunque en su día no fue apreciada (diversos medios la rechazaron)”. La instantánea formará parte de la recopilación de sus experiencias en Liberia en un libro, “una narrativa personal con fotografías y texto” que será publicada el próximo año, en lo que parece constituir toda una revancha.

Fuente: Elpais.com

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Invisible y presente
Cuando se habla de lectura crítica, se hace referencia a una lectura concienzuda, activa, reflexiva y analítica. Como parte del programa de actividades de formación y animación que se desarrollan paralelamente a la exposición Geografías (in)visibles. Arte contemporáneo latinoamericano en la Colección Patricia Phelps de Cisneros, se ha concebido un encuentro para propiciar el diálogo en torno a los textos que componen el catálogo de esta importante muestra.

Los ensayos Invisible y presente, de Carlos Palacios, curador de la exposición; Diccionario en obras, de Adriano Pedrosa; y Territorios mentales. Apuntes sobre el arte contemporáneo en Haití y República Dominicana, de Sara Hermann, serán los materiales de trabajo para Elvia Ojeda, César Payamps y Sayuri Guzmán, quienes reflexionarán junto al público asistente sobre la validez de los criterios expuestos por estos autores, a la luz de sus conocimientos, sus puntos de vista en relación con el arte contemporáneo, y la propia experiencia que les provocó la exposición que sirve de marco a esa publicación. La lectura crítica permite descubrir ideas e información dentro de un texto escrito y faculta la discusión, el intercambio abierto y reflexivo sobre los contenidos de estos ensayos sobre arte.

Los textos de Palacios, Pedrosa y Hermann plantean tres maneras muy específicas de acercarse al arte contemporáneo y, tras su conocimiento, estamos seguros de que provocarán interrogantes y respuestas sobre sus enfoques, los artistas, las obras, los contextos culturales y las posibilidades que posee la creación artística para recrear y cuestionar la cultura, el espacio, la visibilidad y la presencia.

Agenda de la semana

Cine Club

Vincent y Theo Van Gogh

La historia trágica familiar
Fecha: Miércoles 16 de julio
Lugar: Auditorio del Centro León
Hora: 7:00 p.m.
Proyección comentada por José D’ Laura de un drama dirigido por Robert Altman que relata la estrecha relación existente entre los hermanos Van Gogh. A propósito de la exposición Geografías (in)visibles. Arte contemporáneo latinoamericano en la Colección Patricia Phelps de Cisneros.•

Reflexión y análisis
Lecturas críticas sobre arte contemporáneo

Geografías (in)visibles. Arte contemporáneo latinoamericano en la Colección Patricia Phelps de Cisneros

Fecha: Jueves 17 de julio
Hora: 6:00 p.m.
Lugar: Auditorio del Centro León
Facilitadoresr: Elvia Ojeda, Sayuri Guzmán y César Payamps
Debate de los textos Invisible y presente de Carlos Palacios; Diccionario en obras de Adriano Pedrosa y Territorios mentales. Apuntes sobre el arte contemporáneo desde Haití y República Dominicana de Sara Hermann.•

XXII Concurso de Arte Eduardo León Jimenes
Entrega de obras
Lunes a viernes
Del 9 al 23 de julio
De 8:30 a.m. a 12:30 p.m. y
de 2:00 p.m. a 5:00 p.m. Las obras sometidas al XXII Concurso de Arte Eduardo León Jimenes deberán ser entregadas del 9 al 23 de julio de 2008.
Los artistas que entreguen obras el 23 de julio, último día, podrán ingresar al recinto del Centro León hasta las 5:00 p.m., hora en que se cerrarán las puertas de la institución.

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Imagen de una mujer observando las fotografías de Richard Avedon. AFP

* La exposición reúne unas 270 fotografías en blanco y negro

Richard Avedon durante 46 años revolucionó el mundo de la moda y paso a la historia como retratista.
PARÍS.- París inaugura una exposición retrospectiva del fotógrafo estadounidense Richard Avedon (1923-2004), que durante 46 años revolucionó el mundo de la moda y pasó a la historia como el retratista de algunos de los personajes más famosos del siglo XX.

La exposición, que reúne unas 270 fotografías en blanco y negro, estará abierta al público hasta el próximo 28 de septiembre en el “Jeu de Paume” del jardín de las Tuilerías de París.

Avedon, que comenzó su carrera en el Ejército, empezó a trabajar en 1945 en la revista “Harper’s Bazar”, donde se convirtió rápidamente en el fotógrafo preferido de las estrellas.

Para sus fotos de moda, recurre a extravagantes puestas en escena como en la famosa instantánea que muestra una frágil modelo vestida con un traje de noche, rodeada de elefantes.

En la década de los sesenta, el artista se concentra en el trabajo en su estudio, donde pone énfasis en el movimiento.

Avedon es autor de algunos de los retratos más auténticos de los personajes de su época, como el de una Marilyn Monroe desamparada que parece anunciar su suicidio, y otro que refleja el lado trágico del cómico Buster Keaton.

Por su estudio también pasaron Charlie Chaplin, Samuel Beckett, el ex presidente George Bush, Los Beatles, Janis Joplin, Andy Warhol y Katherine Hepburn, entre muchos otros.

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El don de ver más allá, convertir el don en arte y entender el arte como un compromiso. Sara Facio ha dado batalla por la fotografía desde adentro de la fotografía. Su obra es imponente: capturó con maestría momentos clave de la historia argentina y retrató a personajes célebres como Julio Cortázar, Pablo Neruda, Astor Piazzolla, entre muchos otros. Bajó la realidad al formato imagen, y la lectura de su trabajo permite entender una evolución que va más allá de lo puramente estético.

Una buena porción de su obra está compilada en la muestra Sara Facio Antológica 1960-2005, que se inaugurará este jueves en Villa Victoria –Matheu 1851-. Está integrada por 179 imágenes, bajo la curación del equipo Imago-Sara Facio

Es la antología más importante realizada sobre la carrera de Sara Facio; propone un recorrido que atraviesa series como Buenos Aires Buenos Aires, Humanario, un trabajo realizado con enfermos mentales en el año 1976, Funerales del presidente Perón; Pablo Neruda en Isla Negra (años 70); Retratos de Escritores de América latina (Alejandra Pizarnik, Gabriel García Márquez, Mario Vargas Llosa, entre otros) y De Brujos y Hechiceras, realizada entre 1963 y 2005 en la que fotografió a personajes de la cultura nacional e internacional como Victoria Ocampo, María Elena Walsh, Jeanne Moreau, Federico Leloir, Astor Piazzolla y Roberto Goyeneche.

También hay capítulos menos conocidos sus primeras obras premiadas (años 60) o las series Actos de fe en Guatemala; Autopaisajes (años 90), Bestiario (realizada con la artista Nushi Muntaabski) y Metrópolis. También se exhibirán por primera vez las fotografías de la serie Perón Vuelve (años 70), y se ha reservado un espacio para exponer los retratos que otros fotógrafos, como Annemarie Heinrich, Anatole Saderman, María Cristina Orive, Ataúlfo Pérez Aznar o la cineasta alemana Margarethe von Trotta, han realizado sobre ella.

“Convencidos de la importancia de la figura de Sara Facio para las artes visuales argentinas, esta muestra constituye un homenaje a su actividad, tanto como productora de imágenes que son hoy patrimonio de la historia cultural de los argentinos, como por su accionar en el campo de la fotografía en la Argentina”, explican los organizadores.

Los méritos de Facio exceden los estrictamente artístico. Cuando en la Argentina, a principios de los 60, la fotografía constituía un territorio desvalorizado y casi ignorado promovió la creación de la Fotogalería del Centro Cultural San Martín, un espacio que se caracterizó por su regularidad y la ajustada selección de sus expositores. También se abocó a la formación de la Colección de Fotografías del Museo Nacional de Bellas Artes. Constituyó así el primer núcleo de fotografías que ingresaba al Patrimonio Nacional. Entre tanto, en 1970 fundó la Azotea, junto a María Cristina Oribe, editorial que ha publicado libros de primer nivel, dedicados a la obra de fotógrafos argentinos.

Bio breve

Fotógrafa, editora y curadora, Sara Facio nació en la Argentina en 1932 y se graduó en la Escuela Nacional de Bellas Artes en 1953. Se inició en la fotografía en 1957. Fue asistente de Annemarie Heinrich. En 1973 fundó, con María Cristina Orive, La Azotea Editorial Fotográfica, que aún dirige. Es fundadora del Consejo Argentino de Fotografía desde 1978. En 1985 creó y dirigió hasta 1998 la Fotogalería del Teatro General San Martín de Buenos Aires. Desde 1995 es curadora del patrimonio de fotografía del Museo Nacional de Bellas Artes, cuya colección formó y presentó al público en 1998. Expuso en el país y en el extranjero, y sus fotografías integran colecciones privadas y públicas de la Argentina y otros países de América latina, Estados Unidos, Francia, Inglaterra, Italia y Japón. Recibió numerosos premios por su trayectoria y por sus publicaciones de fotografía

(Fuente:ciudadabstrakta.com)

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Sarah Leyla Puello – 6/28/2008

LA EXPOSICIÓN PROMUEVE EL DIÁLOGO ENTRE ARTISTAS SIN FRONTERAS

Rafael Romero, Gabriel Pérez-Barreiro, Fernándo León Asencio, Patricia Phelps de Cisneros, José León Asencio, Gustavo Cisneros, Lidia León Cabral, Adriana Cisneros de Griffin y Carlos Palacios, presiden el acto inaugural de la exposición “Geografías (In)visibles en el Centro León.

SANTIAGO.- El arte contemporáneo habla por su capacidad de reinventarse a contratiempo. Un desarrollo contra la marea de avances tecnológicos que hace popular el entretenimiento inmediato por delante de aquél más introspectivo.

Los museos hoy en día son más que espacios blancos totalmente vírgenes donde se cuelgan las obras de un determinado número de artistas al azar, y más bien un monumental colectivo organizacional donde, según las palabras de Harald Szeemann, “actitudes e ideas que se han vuelto formas” cobran vida.

A la vanguardia de lo que acontece en la museología internacional, la directiva del Centro León de Santiago ha asumido el compromiso de difundir el arte contemporáneo en nuestro país a través de firmes propuestas en colecciones que llaman la atención, no solo por la calidad de las obras expuestas, sino por el encanto estético de sus instalaciones y conceptualización del espacio mismo de exposición.

Desde el pasado 27 de junio, se encuentra en exhibición por toda la superficie del centro, “Geografías (In)visibles, arte contemporáneo latinoamericano en la colección Patricia Phelps de Cisneros”, segunda colaboración entre el Centro León y la Fundación Cisneros de Venezuela.

Jay Levenson, Curador del Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York (MOMA) calificó de “fabulosa” la exhibición, resaltando la estrategia de extender el espacio expositivo por toda la superficie del Centro León. “Es la primera vez que veo la exposición y creo que es fabulosa. Está instalada de manera muy bella”, expresó.

Una excelsa brigada de especialistas en museos tanto de República Dominicana como de Venezuela encaminó esta exposición hacia la expresión misma de la contemporaneidad en la creación de un discurso visual y simbólico entre las obras en el espacio museológico.

La idea surgió, en palabras del Director General del Centro León Rafael Emi-lio Yunen, de la intención de “salirnos de la frontera de lo que tradicionalmente consideramos “arte”. “Para la preparación de esta exposición no solo debíamos tener en cuenta el considerable valor simbólico de cada obra, sino el principio de que, tan importante como la obra en sí, es también el lugar, el espacio en que ella se exponga”, explicó Yunén.

Elaboración del proyecto
Dicho espacio requiere la colaboración de varios especialistas teniendo a la cabeza un curador encargado de ejecutar el proyecto. En este caso, el curador de arte contemporáneo de la Colección Patricia Phelps de Cisneros, Carlos Palacios, elaboró la conceptualización del espacio e hizo dialogar las 90 obras de 64 artistas de toda Latinoamérica, Europa y Estados Unidos.

Palacios explicó que lo que buscaba desarrollar era la relación de artistas contemporáneos con América Latina como lugar de origen y como territorio de un gran poder simbólico. Toda exposición, según el curador, parte de una idea. En este caso, se trató de poner de manifiesto cómo “el mundo globalizado de cierta manera ha diluido las fronteras, provocando que el arte ya no siga estrategias programáticas, sino un discurso que sobrepasa el ámbito geográfico”.

Partiendo de ese punto, fueron escogidas dentro de la Colección Patricia Phelps de Cisneros y la Colección Adriana Cisneros de Griffin, las obras que reunieron las condiciones para hacer surgir esa idea. Entre ellas se encuentran las de los dominicanos Jorge Pineda y Quisqueya Henríquez con “Sandra y Juana” y “A Heap of Paradise” respectivamente.

Formando diálogos
Uno de los aspectos más interesantes de la preparación de una exposición como “Geografías (In)visibles”, yace en el discurso que se busca lograr entre las obras. Rafael Emilio Yunén habló de cómo Adolfo Vásquez Rocca había sugerido que el arte contemporáneo necesitaba “desmantelar los conceptos de autenticidad, obra original y autoría individual como práctica discursiva”.

Preparar una exhibición de arte es parecido a la elaboración de una historia: la asociación de ciertas obras en un determinado espacio condicionan el mensaje subyacente que logra llevarse el espectador.

“La obra de arte siempre tiene un discurso ella misma”, explicó Carlos Palacios. “Lo que nosotros hacemos es ponerla a dialogar con otras obras”. Según Pedro José Vega, coordinador de exposiciones del Centro León esta tarea de casi un año se logra “con gran coordinación e implementando un lenguaje común a nivel técnico para solucionar determinados problemas”.

En una conferencia magistal acerca de la preparación de exposiciones de la Colección Patricia Phelps de Cisneros, su curador en jefe, Ariel Jiménez mostró cómo la arquitectura de los museos, la estructura espacial de las salas y sus tamaños influyen en la colocación de cada una de las obras y cómo el universo temático casi infinito de las obras se abre cuando unas son yuxtapuestas a otras.

En el caso de “Geografías (In)visibles” aparecen cuatro territorios o espacios relacionados tanto con la imagen visual como con los conceptos que ellas vehiculizan y que están muy ligados a la cultura latinoamericana. Por un lado, las representaciones de transparencia y opacidad juegan con detalles escondidos o aparentes que el artista deseaba resaltar. En el segundo espacio se distinguen las geografías, territorios y lugares estrechamente ligados a expresiones culturales, políticas o económ i c o s teniendo al hombre como a g e n – te modificador tanto del espacio urbano como de la naturaleza.

Así, los artistas contemporáneos proponen una nueva narrativa del lugar abriendo paso al tercer ámbito que es precisamente el de sus legados culturales. Finalmente, y con una mirada al interior del artista, el último aspecto de esta exposición es que reúne obras que de manera aparentemente sencilla esconden con gran trascendencia poética las vivencias personales y investigaciones de los artistas.

Terence Riley, curador del Museo de Arte de Miami (MAM), recalcó su gratificación de ver expuesto en nuestro país las obras de artistas que pertenecen también a la colección del MAM como Melanie Smith y Quisqueya Henríquez. Además, en su calidad de arquitecto y experto en arte contemporáneo, dijo que “esta exhibición es una prueba de que cuando se es un artista contemporáneo, las fronteras van perdiendo su significado puesto que las personas viajan más.

PARTICIPACIÓN
Uno de los elementos más atrayentes de esta exhibición que permanecerá en el Centro León hasta septiembre del año en curso, es la presencia, como centro del espacio expositivo, de una obra lograda por tres artistas locales.

María Román, Pragmi Marichal y Alberto Pereyra colaboraron en la realización de varios proyectos creados por los autores de las obras. Es el caso de “Public square with two fountains – bird eyes view”, de Franz Ackermann, una obra que requiere de gran destreza pictórica para ser realizada a la perfección y en el espacio de 5 días.

Carlos Palacios, curador del proyecto, calificó de “excepcional” el trabajo logrado por los artistas santiagueros quienes lograron, a través de la utilización de 11 colores y recursos diversos como el “masking-tape”, lograr a la perfección las instrucciones de Ackermann.

A pesar de que la obra será desmantelada al final de la exposición, tanto su creación como su limitada vida son una expresión misma de lo que es el arte contemporáneo: un espacio para dialogar, que llena de riqueza y significado las experiencias de vida que unen a aquellos que tienen la posibilidad de apreciar este arte.
(fuente: listindiario.com.do)

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JOSÉ LUIS ESTÉVEZ – Santiago – 02/07/2008

La presencia de grandes fotógrafos internacionales en la Guerra Civil española convirtió a este acontecimiento en un momento clave en la historia del fotoperiodismo. Pero Robert Capa o Henri Cartier-Bresson no fueron los únicos que reflejaron con su cámara lo que sucedía en el frente o en las ciudades y pueblos. Un grupo de fotógrafos, bajo el nombre colectivo de Hermanos Mayo, trabajaron antes y durante la guerra para periódicos y publicaciones comprometidas con la izquierda y con el bando republicano.

Los cientos de fotografías realizadas constituyen un documento muy valioso sobre la guerra que ha permanecido prácticamente inédito. Un centenar de estas instantáneas podrán verse en una exposición que se inaugura el próximo 7 de agosto en la fundación Caixa Galicia de A Coruña, dentro de las actividades del certamen Olladas 08, que patrocina la Diputación coruñesa.

La agencia Hermanos Mayo estuvo formada por dos grupos de hermanos, los Souza y los Del Castillo, que trabajaron en Madrid en la década de los 30 y que volverían a reunirse en México después de la guerra, donde durante 50 años se dedicaron a la fotografía de prensa. El sobrenombre de Mayo se debe a la ideología de izquierdas de sus componentes. Francisco y Julio Souza publicaron sus fotografías entre 1931 y 1936 en periódicos liberales y revistas de izquierdas: El Liberal, El Heraldo de Madrid, Mundo Obrero y Juventud Roja.

Al estallar la guerra, los tres integrantes de Foto Mayo, Paco y Julio Souza y Faustino del Castillo, se incorporaron como reporteros gráficos en distintas unidades del banco republicano. Paco y Faustino trabajaron simplemente como fotógrafos, mientras que Julio también sirvió como artillero y pasó por Madrid, Guadarrama, Teruel o Valencia. Julio Souza es el único superviviente del grupo, tiene 90 años, y estará en A Coruña para la apertura de la exposición, junto al ministro de Cultura, César Antonio Molina.

Según explica Xurxo Lobato, director de Olladas 08, las fotografías que integrarán la exposición destacan por su valor documental. Muestran imágenes del frente, de la retaguardia o de ciudades y pueblos por los que pasaban los miembros de Hermanos Mayo. Madrid y Valencia son dos de los escenarios más habituales de estas fotografías. Tras la guerra, la mayoría de los positivos fueron a parar al archivo de la Biblioteca Nacional.

La exposición dedicada a los Hermanos Mayo cumple uno de los objetivos del certamen: la recuperación de la memoria histórica. Los otros dos propósitos quedan cubiertos con las dos muestras restantes que tendrán lugar dentro de Olladas 08. Miradas emerxentes se inaugura mañana en la iglesia de la Universidad de Santiago y muestra trabajos de cinco jóvenes creadores gallegos: Manuel Valcárcel, Alberte Peitavel, Antía Moure, Xosé Durán y Maribel Castro. Con la exposición de la obra del catalán Joan Fontcuberta que, a partir de agosto, se verá en la iglesia de la Universidad, se cumplirá con la intención del ciclo de dar a conocer el trabajo de grandes nombres de la fotografía.
(Fuente: elpais.com)

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Norberto Amador* / Diario de Xalapa

Xalapa, Veracruz.- La fotografía en blanco y negro se encuentra actualmente en un nuevo status; hoy, más que nunca, este formato se aprecia en las galerías, al tiempo que las copias conocidas como “de autor” han aumentado su valor.

En entrevista, el excelente artista visual xalapeño Héctor Montes de Oca mencionó que este es su caso, pues ahora el público y el coleccionista toman en cuenta el proceso total del material, desde la toma hasta el revelado: “Quienes tenemos tiempo de trabajar blanco y negro, notamos que nunca se nos había pagado tan caro la copia ni había tenido tanta aceptación. Se está consciente de que en varios años va a haber menos material y a un costo más elevado”.

Montes de Oca refirió también a las diferencias entre la fotografía convencional con la digital y los resultados favorables que ha dado el avance de la tecnología: “Creo que la impresión fina es el área más estudiada y que ha tardado más tiempo en desarrollarse. Es donde se han realizado los mayores cambios tecnológicos. Actualmente se imprimen con tinta de carbón, que es una modificación especial realizada a a las impresoras profesionales. Con esto, los terminados pueden ser espectacularmente agradables y aceptables, hasta para las galerías más exigentes”.

El maestro comentó que históricamente, la producción en cualquier área está basada en lo que tiene una mayor eficacia, por lo consiguiente los fotógrafos tradicionales seguirán, aunque cada vez serán menos.

Señaló que en todas las galerías del mundo, el blanco y negro han cobrado un auge espectacular. Hoy, las demandas de los coleccionistas se enfocan a las copias hechas por el mismo autor, buscando la continuidad de cada imagen de forma completa, desde su concepción hasta la exposición, pues la conceptualización de la fotografía se explica comprendiendo la visión del artista, es decir, el proceso completo de manipulación. “La composición de la imagen involucra elementos como el tipo de material con el que se va a tomar la foto, tipo de luz, encuadre, todas las decisiones que definen el terminado. Se prevé cómo va a ser el terminado. A esto le llamamos previsualización, el punto de partida de los cambios.

La manipulación se explica como el tipo de revelado, ya sea al negativo (o negativo digital), revelado a un positivo, dilución en sepia, ampliación, luz directa, luz difusa, todo ese cúmulo de posibilidades que ofrece el laboratorio”.

Al referirse a la impresión, indica: “En el negativo digital, la imagen se toma y se puede modificar. Lo ya capturado años antes puede cambiar, hay nuevos materiales, nuevos estilos que se van modificando, nuevas fórmulas de expresarse, las modas.

El blanco y negro sigue manteniendo esa constante, se sigue haciendo en analógico la toma y en digital los demás procesos: el negativo, la manipulación de revelado, la impresión, el montaje”.

En este punto explica por qué los grandes maestros de blanco y negro en la actualidad, “como Salgado, entre muchos otros”, siempre tardan 8 o 10 años en tener un impresor que es de cabecera: “Buscan quien pueda entender o darle continuidad a lo que se empezó con la toma. En la selección tienes que escoger qué va a capturar la lente; qué película y cómo lo revelas. Finalmente la impresora, la ampliadora, el material y el terminado. Cualquier cosa que modifique el terminado es totalmente diferente.

Tener una buena impresión con pigmentos de carbón, lo que se denomina piezografia, sin duda fue lo que más trabajo le costó a los ingenieros, a los investigadores y a la tecnología. El lugar prioritario es la base del papel; puede llegar a ser infinito por las aleaciones que permite el algodón, donde mejor imprime el carbón. Se vuelve a abrir la posibilidad de la experimentación y terminar los acabados”.

Montes de Oca indica que el proceso de prelavado, impresión, primer lavado, segundo lavado, tercer lavado, primer fijado, segundo fijado, tercer fijado, eliminador de hipo, el selenio reveladores y baño de paro, ahora se reducen a la selección de papel, calibración de la impresora e impresión de pigmentos de carbón.

Al cuestionársele sobre los requisitos que piden los galeristas para exponer fotografía de arte, el maestro comenta que “se pide un trabajo de buena calidad y que el tiraje sea lo mínimo posible, pues de ello depende el costo de la obra, de preferencia que haya una temática y que exista una lógica. Se pide también que se cumplan los formatos profesionales, es decir, si es digital corresponde pigmento de carbón en papel de algodón, y si es analógica, que sea papel fibra y virado al selenio. En cuestión del montaje, se debe instalar en María Luisa libre de ácido y de preferencia montados en aluminio muy delgado”.

¿Hasta cuándo los fotógrafos tradicionales seguirán en producción?

“Todo esto depende de las grandes compañías que tengan a cargo la producción de los materiales, pero hay tres cuestiones que están acelerando la extinción de esto: que la fotografía analógica contamina mucho, la reducción de tiempo en los procesos y los costos de la misma.

El avance en tecnología permite que los procesos de días, ahora se concluyan en horas. Antes, tan sólo un lavado se tardaba cuatro horas. En 15 años tendremos la tecnología para suplir y que no haya ningún contratiempo para los fotógrafos.

Estoy seguro que seguirán con la producción de fotos tradicional, quizá sea más especializado pero no acabará, alguna compañía se hará cargo de los materiales por siempre. Lo expreso porque el colodión, el paladio y platino son procesos que llevan más de 100 años y continúan vendiendo los materiales. Por ejemplo, en Inglaterra hay una compañía que hace los papeles. Lo que sí es que un papel de 16x 20 de Ilford, quizás en determinado tiempo tengamos que pagar con otro nombre cinco veces su costo original, el equivalente a lo que pagamos por una hoja de paladio.

Es caro porque implica horas-hombre y además una gran cantidad de materiales. Obtener una fotografía tradicional requiere la compra de diversos materiales: negativo, revelador, papel, químicos del papel”.

¿Cuál es el destino de la fotografía tradicional?

“En la actualidad lo único que cambió es tener una herramienta para hacer fotografía, los conceptos predominan y es lo que se vende. Problema y reto que los fotógrafos sean completos; como académico veo que los alumnos quedan perdidos cuando se enfocan a la tecnología. Lo explico como una película sin argumento en la que sólo hay tecnología. ¿Qué es lo que realmente se está ofreciendo?

Todos los fotógrafos nos hemos dirigido a lo digital porque no hay opciones, pero unos los enfrentamos de diferente forma, algunos profesionalmente y otros por obligación; al final todo va a ser por obligación.

En lo personal veo ventajas como la reducción en los precios debido a la rapidez y el ahorro en espacio; ahora se necesita una computadora buena antes una ampliadora buena.

La fotografía tradicional está definida como una opción alternativa. Muchos piensan que lo digital es una moda, pero es incorrecto pensarlo así, hay que adaptarse. Quizá años más tarde pueda ser otro tipo de fotografía, tal vez algún proceso tridimensional desconocido”.

Originario de Xalapa, Héctor Pedro Montes de Oca Flores realizó sus estudios profesionales en la licenciatura de Televisión y Cinematografía en la Universidad Veracruzana, en 1972. Es pasante en Arquitectura por la UV y master en Historia del Arte por la Scuola Nazionale de Arte en Florencia, Italia. También es master en Fotografía Publicitaria, master en Fotografía Profesional en Blanco y Negro, y doctor en Plataformas Digitales.

Ha recibido una gran cantidad de distinciones, entre ellas, una Mención Honorífica del Premio Nacional de la Bienal de Aguascalientes (1979); un Premio por la Muestra Nacional de Paisaje Urbano de Roma, Italia (1981); el Primer lugar en la Bienal Mundial de Fotografía “El Paisaje”, de Florencia, Italia (1981); medalla a la Excelencia en la Convención Internacional de Fotografía Guadalajara 2000; el reconocimiento por la exposición más visitada en el Centro Fotográfico “Manuel Alvarez Bravo” y la asociación civil Pro-Oaxaca A.C. por la muestra Cinco Elementos, en Oaxaca; tiene el grado honorífico de Maestro Profesional en Digital, por la Clemson University de Atlanta, Estados Unidos (2006).

Su trabajo se ha expuesto desde 1978 en países como Estados Unidos, Italia y Cuba, sin olvidar las múltiples ocasiones que ha mostrado sus fotografías en el Estado de Veracruz y ciudades como San Luis Potosí, Aguascalientes, Puebla y el Distrito Federal.

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PROYECTO MURALÍSTICO CUENTA LA HISTORIA DEL MUNICIPIO Y OTROS HECHOS
Yismeiry Polanco, a la izquierda, lleva un mes pintando en los murales de su comunidad. Francisco Javier Durán, a la derecha, da fe del interés juvenil en la obra y ruega una escuela de arte para Tamboril.

TAMBORIL, Santiago.- Les contagió la Ruta de los Murales de la Provincia Hermanas Mirabal, antigua Salcedo. Las pinceladas que la comunidad vecina exhibe con orgullo y difundió por los cuatro costados el año pasado inspiraron los trazos que pueblan hoy el liceo secundario Braulio Paulino de Tamboril.

La juventud del municipio, perteneciente a Santiago, se cansó de que su gente sólo fuese mencionada cuando la tragedia tocara las venas del pueblo, cuando un asesinato “le diera pa’ bajo” a la vida de un compueblano o una crecida del río arrastrara la fe, los jarros y casas del municipio patentizado en 1875. Por eso, escudados en la iniciativa de Sonia Guzmán, maestra de educación artística, y el impulso de Francisco ñPepe- Grullón, los pinceles y latas de pintura se guarecen en la sombra de las ginas que retan el calor veraniego en esta parte del Cibao.

Allí, en el entorno del liceo, se cuenta la historia de Tamboril y se ilustran episodios universales gracias a los murales que jóvenes pintan y defienden. Francisco Javier Durán, uno de los artistas que completa el recuadro dedicado al deporte, tiene 28 años y estudió en Bellas Artes de Santiago. Mientras el radito emite a Joan Manuel Serrat y su “Caminante no hay camino, se hace camino al andar”, confiesa que, por cuenta propia, mucha gente se ha unido a la obra.

El joven se gana la vida haciendo tatuajes. Este proyecto lo tiene tan entusiasmado que descuidó la aguja del “tatoo” para hacer el amor con los pinceles que han llenado de vida, asombro y esperanza el liceo donde se dan clases en tres tandas.

“Mi sueño es que Tamboril tenga una escuela de arte”, ruega Francisco antes de asegurar que Grullón, el muy conocido Pepe, “ha dado clases de pintura en la clínica donde trabaja”.

Ese mismo médico, que con sobrado esmero muestra el dibujo de La Ceiba, el árbol sagrado desde tiempos indígenas, y el retrato del poeta Tomás Hernández Franco, nativo del lugar, ha salido del patio “a quitarse los trapos para hacer una cesárea”. Y así se empata la historia y el presente en un proyecto que, según la profesora Sonia Guzmán, será interactivo y útil en clases tanto para la infancia como para charlas de secundaria.

Yismeiry Polanco Martínez pinta al lado de sus amigas Marlennys Cepeda y Lisenny Martínez Peña. La primera lleva un mes pegando su talento junto al acrílico en el Liceo Braulio Paulino. “Para nosotras esto es muy importante. Quisimos pintar la historia de Tamboril para no olvidarla”, dice la joven de cola larga protegida por la gorrita que le saca la lengua al sol.

Cada mural es una clase cultural, una charla de historia y ponencia de geografía. Al ser Guazumal la cuna de la familia León Jimenes, hay un espacio dedicado a La Aurora, aquella casona donde se sembró y germinó el tronco y ejemplo de laboriosidad y solidaridad que encarna la empresa regida por José León Asencio.

En total, once murales fueron inaugurados el pasado domingo en un acto donde se mostró el nuevo rostro del liceo mandado a pintar por la Oficina Supervisora de Obras del Estado. Esta dependencia gubernamental actuó después de palpar cómo jóvenes y adultos del pueblo, revalorizaban los colores y el futuro del liceo.

LOS ATRACTIVOS

Personajes e historia
Las pinceladas, también apoyadas por la Oficina Senatorial de Santiago y Eco-Arte del Centro León, reunieron a jóvenes con talento artístico, algunos con más experiencia en el oficio, pero todos y todas emocionados por favorecer el terruño que habitan, por aportar su creatividad en el lienzo que aman.

El mural ocupa el interior de la pared que protege el liceo. Por el apoyo de residentes de Tamboril, las pinceladas se propagan al exterior donde el artista visual Mac Junior, cuyas obras han sido seleccionadas en la Bienal León Jimenes, trabaja en el boceto del barrio que reflejará con sus trazos.

Ya listo está el árbol de La Ceiba, la vena de agua del río Guazumal, las aves criollas como el pájaro carpintero, el guaraguao y La Peña, la montaña del municipio.

Otros atractivos históricos y actuales de la comunidad son: el ferrocarril, sembradíos de tabaco, la casa de Horacio Vásquez y Trina de Moya; el almacén donde comenzó La Aurora (semilla del Grupo León Jimenes, donde le leían a obreros y obreras mientras trabajaban) y las tres mariposas simbolizando los aleteos antitrujillistas de las hermanas Mirabal.

La silueta con bastón del sátrapa tampoco falta, pero, como nuestro pueblo no deja morir la alegría, al lado del dictador está el merengue, dijo Pepe Grullón. Afuera también estará el Mural de la Patria con capítulos de la historia dominicana.

(Fuente: listindiario.com.do)

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El Centro León de Santiago de los Caballeros, Republica Dominicana rinde desde este junio un gran homenaje al fotógrafo dominicano Wifredo García a los 20 años de su fallecimiento. Este tributo, que se extenderá hasta el año 2009, incluirá numerosas actividades y exposiciones entorno a la figura del que ha sido denominado el padre de la fotografía dominicana.

Actividades incluidas en la programación:

1. Entre los meses de junio y agosto se realizarán tres eventos, a modo de conversatorios y tertulias, que abordarán la figura de Wifredo García desde tres tópicos diferentes:

Wifredo García: El ser humano

TERTULIA :El universo humano de Wifredo García es explorado a través de los testimonios de aquellos que compartieron la intimidad del artista.

Facilitadores: Los hijos del artista y otras personas que hayan estado cerca de Wifredo García, el ser humano, el amigo, el padre.

Objetivo: Mostrar a Wifredo García desde la perspectiva del ser humano, haciéndose énfasis en su origen, su niñez en España, su traslado al país, su permanencia en la República Dominicana, sus pasiones y otros aspectos de su vida familiar e íntima.

Wifredo García: El gestor, el multiplicador

CONVERSATORIO : Fundadores de los grupos fotográficos Jueves 68 y Fotogrupo y de La Casa Fotográfica de Wifredo García en Republica Dominicana ofrecen su visión del artista como gestor de importantes núcleos fotográficos dominicanos.

Facilitadores: Miembros y ex miembros de los grupos fotográficos Jueves 68 y Fotogrupo y de La Casa Fotográfica de Wifredo García.

El universo humano de Wifredo García es explorado a través de los testimonios de aquellos que compartieron la intimidad del artista.

Objetivo: Analizar la labor de Wifredo García como gestor de importantes núcleos fotográficos dominicanos.

Wifredo García: El maestro (desde España a Santo Domingo)

TERTULIA:Artistas pertenecientes a diferentes generaciones de la fotografía dominicana evalúan la labor docente y multiplicadora de Wifredo García y la influencia del artista en sus carreras.

Facilitadores: Alumnos, artistas que se formaron con Wifredo García, artistas de las nuevas generaciones de la fotografía dominicana.

Objetivos: Analizar la encomiable labor docente de Wifredo García en diferentes escenarios educativos y artísticos de República Dominicana.

Analizar la influencia de Wifredo García en las carreras de otros artistas fotógrafos dominicanos.

2. Semana Wifredo García en el Centro León de Santiago de los Caballeros / Septiembre de 2008

Propuesta de Programa

En septiembre, el mes de la fotografía, el Centro León realizará una semana en la que celebrará y dialogará sobre la vida y obra de Wifredo García.
* Miércoles 3 de septiembre, 6:00 p.m.
Acto de presentación de la puesta en valor del archivo Wifredo García en la Mediateca del Centro León.
En esta actividad se presentará al público y a la prensa nacional la incorporación de las obras, objetos, materiales bibliográficos, etc., de la colección Wifredo García a los fondos catalogados que ofrece la Mediateca.
* Jueves 4 de septiembre, 7:00 p.m.
Proyección comentada de entrevistas de Wifredo García
Esta actividad contará con la presentación de una selección de fragmentos de entrevistas (como la de Erwin Cott perteneciente a la colección bibliográfica del Centro León) que abrirán un diálogo moderado por un especialista.
* Viernes 5 y sábado 6 de septiembre:
Seminario Wifredo García
Este seminario se desarrollará en dos días y se estructurará en una conferencia, un panel y la presentación del proyecto expositivo retrospectivo de Wifredo García en el Centro León en febrero de 2009.
* Viernes 5 de septiembre, 7:00 p.m.
Conferencia
La conferencia será dictada por un curador internacional, quien hará un análisis de la obra de Wifredo García para ubicarla en el contexto de la historia de la fotografía.
* Sábado 6 de septiembre,
o Sesión de la mañana
Panel
Wifredo García: El Creador
Wifredo García: El artista como escritor y productor de conocimientos
o Sesión de la tarde
Anuncio y presentación del proyecto expositivo retrospectivo de Wifredo García en febrero de 2009.
Esta actividad se realizará a manera de panel donde se expondrán todas las características del proyecto expositivo. Se presentarán las características de la investigación, el concepto curatorial, las posibilidades de montaje y las posibles actividades de carácter formativo, todo esto acompañado por una proyección volumétrica.
o Conclusiones y Clausura

3. Exposición Wifredo García en el Centro León / Febrero de 2009
4. Exposición Wifredo García en Casa América Catalunya / 2010

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El AFI presenta periódicamente la selección de las mejores películas del año.

Pero este año, por primera vez, ha hecho la selección más completa de las 100 mejores películas del cine estadounidense en el último siglo, clasificadas por categorías.

En el género de comedia romántica, la inolvidable película “Luces de la ciudad” (1931), de Charles Chaplin, se impuso a “Annie Hall” (1977), de Woody Allen, y a “Sucedió una noche” (1934), de Frank Capra.

El AFI clasificó a “El Padrino” (1972), “Uno de los nuestros” (1990) y “El Padrino II” (1974) como indiscutibles ganadoras del género de Gángster, y a “Lawrence de Arabia” (1962) como la mejor película épica por delante de “Ben-Hur” (1959).

El Western más memorable, según la AFI, fue “Centauros del desierto” (1956), de John Ford, por delante de “Solo ante el peligro” (1952) y “Raíces profundas” (1953).

En la categoría de Dibujos Animados, la encantadora “Blancanieves y los siete enanitos” (1937) se impuso a otros clásicos de la factoría Disney como “Pinocho” (1940) y “Bambi” (1942).

Otro clásico, “El mago de Oz” (1939), quedó como primera en la categoría de Fantasía, que superó a la taquillera “El Señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo” (2001), que logró el segundo puesto.

La vencedora del género de Ciencia Ficción fue “2001: Una odisea en el espacio” (1968), seguida de cerca por “La guerra de las galaxias” (1997) y “E.T. – El Extraterrestre” (1982).

En deportes, “Toro salvaje” (1980) venció a “Rocky” (1977).

Por último, en el género de películas de tribunales, el instituto eligió como mejor de la historia “Matar a un ruiseñor” (1963), y en la categoría de Misterio una película del maestro del género, Alfred Hitchcock, “Vértigo” (1958).

Entre las 100 mejores películas de la historia del cine estadounidense hay cuatro de Hitchcock (“Vértigo”, “Con la muerte en los talones”, “La ventana indiscreta” y “Crimen perfecto”).

Le siguen, con tres cada uno, Steven Spielberg (“La lista de Schindler”, “Salvar al soldado Ryan” y “E.T. – El Extraterrestre”) y Stanley Kubrick (“La naranja mecánica”, “2001: una odisea en el espacio” y “Espartaco”).

Entre los directores más citados, en dos ocasiones cada uno, están John Ford, Frank Capra, George Cukor, Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Ridley Scott, Otto Preminger, Howard Hawks, Victor Fleming, William Wyler, James Cameron o Sidney Lumet. EFE

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EN SU NUEVA NOVELA
Julia Álvarez recrea primera misión global para erradicar pandemia

Julia Álvarez.

MÉXICO (EFE).- La escritora dominicana afincada en Estados Unidos Julia Álvarez afirmó este lunes en México que la misión encabezada por el español Francisco Javier Balmis en el siglo XIX contra la viruela “fue el primer intento global por erradicar una enfermedad mortal, y funcionó”.

“La razón por la que dejó de hacerlo fue por todas las guerras revolucionarias (de Independencia) a lo largo y ancho de América”, dijo en entrevista con Efe la escritora a propósito de su última novela, basada en la Real Expedición Filantrópica de la Vacuna contra la viruela, que se desarrolló entre 1803 y 1814.

La escritora presenta estos días en México la novela “Para salvar el mundo” (Alfagura, 2007), que rememora aquella travesía colocando en el centro de la historia la visión de una mujer, Isabel.

Desde la ciudad española La Coruña partió a bordo del barco “María Pita” una misión encabezada por el médico alicantino Balmis (1753-1819) que llevó por órdenes de Carlos IV la vacuna contra la viruela a Puerto Rico, Venezuela, Nueva España (México), Filipinas, Macao.

En aquel periplo participaron decenas de huérfanos, a quienes la novelista ha convertido en sus nuevos héroes anónimos.

“Tenemos el busto de Balmis, una avenida con su nombre, pero no sabemos nada de los niños”, señala la autora dominicana, fascinada también por el personaje de Isabel, rectora de un orfanato de La Coruña de donde salieron los huérfanos españoles que portaban en su sangre la vacuna.

“Fue el alma de la expedición, la hizo funcionar, pero ni siquiera conocemos su (verdadero) apellido”, afirma.

“No sabemos ni cómo era (físicamente)”, agrega la escritora, quien reconoce que siempre le ha fascinado cómo el progreso de la civilización se da “sobre las espaldas de héroes anónimos”.

Isabel admira a Balmis, se suma a la misión real pero “tiene momentos de debilidad, se deprime” y “se siente fracasada” a lo largo de aquel histórico viaje.

“Ésta es la Isabel de Julia Álvarez”, señala la escritora, quien confía en haber creado un personaje complejo, con alma, como hizo con otras de las protagonistas femeninas de sus libros.

“Lo que me interesa son las mujeres con alma, como (la dominicana) Salomé (Ureña) o (la mexicana) Sor Juana de la Cruz”, figuras ambas que renunciaron a sus pasiones para defender la emancipación intelectual de las mujeres de su tiempo, añadió.

Parte de la novela publicada en EE.UU. con el título de “Saving the world” (2006) está inspirada en Ellen Koenig, una médico que ha trabajado en la búsqueda de una vacuna contra el sida para personas de escasos recursos en República Dominicana, reconoció Álvarez.

“A los cincuenta años vio como en la República Dominicana los doctores no querían tratar a los pacientes con sida. Fue a la Escuela de Medicina y lanzó una clínica para ayudarles. ¿Y quién conoce a Ellen?”, añadió.

Para la escritora dominicana, una de las más importantes de la literatura latina en EE.UU., “la epidemia contemporánea equivalente a la viruela es el sida”, que sigue sin tener cura, un problema que también se aborda en su novela.

Recordó que en muchos países del planeta hay personas que mueren de enfermedades curables debido a que las compañías farmacéuticas han dejado de fabricar esas vacunas.

“Eso no es ético (…) La gente muere porque las farmacéuticas hacen pastillas para estar delgado o Viagra, porque esa es la manera de hacer dinero. Eso duele porque somos una familia humana”, deploró.

Álvarez es profesora de escritura creativa en el Middlebury College de Vermont y autora del poemario “Homecoming” (1986), de las novelas “How the García girls lost their accent” (1991), “In the time of the butterflies” (1994), “In the name of Salomé” (2000), “Once upon a time Quinceañera” (2007), entre otros libros.

La autora dominicana presentará a fines de este año un libro para niños (“El mejor regalo de todos: la leyenda de la vieja Belén”) y lanzará a comienzos del próximo año otra novela basada en una historia de inmigrantes. (EFE).

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Parque de Baní, finales del siglo XIX. Foto de Frank Adrover
El primer fotógrafo español que estuvo en Santo Domingo en el siglo XIX, fue Frank Adrover Mercadall (1861-1924) pintor y modelador, natural del municipio de Villa Carlos, Menorca, Isla Balear, quien vino al país en agosto de 1887, trayendo consigo el adelanto de las placas secas, la técnica del clisé, de las fotos iluminadas y coloreadas con acuarela, quien tuvo estudio artístico en Mahón en la calle Deyá 4, casi esquina General Mola.

Frank Adrover Mercadall vino a Santo Domingo luego de estar una temporada como fotógrafo itinerante en Colombia, Venezuela y Puerto Rico. Recorrió las regiones del Sur, el Cibao y el Este del país. Es autor de la famosa foto de Lilís, muerto de cuerpo entero, de la cual refiere su hija Belkiss Adrover: “Hizo (…) una postal comercial, ilustrada además con las monedas y papel moneda (billetes), acuñados por el Gobierno de Heureaux, acompañada de una literatura explicativa, la cual tuvo una gran acogida, y sin proponérselo, Adrover contribuyó, en el correr de los años, a dar término a una controversia entre historiadores, demostrando que “Lilis” no recibió ningún balazo por la boca. Sus labios gruesos se hallaban absolutamente indemnes y su rostro normal”.

Adrover recorrió “Baní, San José de Ocoa, San Juan de la Maguana, la Vega, San Francisco de Macorís, Puerto Plata y San Pedro de Macorís”.

El registro visual y legado documental de Frank Adrover Mercadel (el Archivo Adrover) comprende fotos coloreadas sobre cartulina, fotos sobre cristal coloreadas al óleo, impresas sobre metal (daguerrotipos), fotos iluminadas a la acuarelas… sin dudas fue el precursor de la fotografía moderna en la República Dominicana, en una época en la cual el fotógrafo tenía que realizarlo todo: la fotoquímica, la mecánica, el revelado, el copiado, etc., jugar con la luz natural, los baños y la sensibilidad del papel fotográfico. Su legado tuvo un destino adverso, ya que el ciclón San Zenón destruyó los baúles que su esposa Edelmira Feliz y Objío guardaba.

Adrover tuvo en Santo Domingo dos Estudio-Galería: en San Carlos, y en Santa Bárbara. Cultivó amistad con Abelardo Rodríguez Urdaneta “a quien enseñó muchos de los principios, entonces modernos, del arte fotográfico traídos por Adrover de Europa; como el uso del color y la luz artificial”. Cultivó una estrecha amistad con el publicista, editor e ilustrador don Bienvenido Gimbernad y el historiador colonialista don Américo Lugo

Abelardo había trabajado en el taller fotográfico de Julio Pou (1862-1940), el fotógrafo oficial de Ulises Hereaux – Lilís-. Para el año de 1913 ejecutó el busto de Duarte. La escultura Uno de tantos la inició en 1903, a la edad de 36 años. Adrover Mercadel, que era un fotógrafo itinerante, vivía ya en la ciudad de Santo Domingo, en la calle Arzobispo Meriño cerca de Santa Bárbara, asesoró a Rodríguez Urdaneta, cuyo estudio se encontraba en la calle Consistorial, en el vaciado de yeso de esta obra.

El 2 de mayo de 1891 en el periódico El Porvenir de Puerto Plata apareció publicada la siguiente nota: “FOTOGRAFO ADROVER. Su permanencia en esta ciudad será de 15 días. Los aficionados y público en general, aprovechen esta ocasión. Los trabajos de su taller son esmerados y de tono parecido y correcto, así lo atestigua clientela que la ha honrado. Horas de trabajo: De 7 a 12. Calle Beller, es. Colón. Puerto Plata, 2 de mayo 1891”.

Posteriormente, en al año de 1887 apareció este suelto: “Adrover. Fotógrafo español y excursionista en todos los puntos de la República. Posee todos los adelantos del arte fotográfico, y está en capacidad de hacer trabajos como los de las principales capitales de Europa y Norteamérica. Además ofrece bustos de barro, pinturas y fotografías al gusto de los más inteligentes. Ejecuta trabajos al crayón, paisajes al óleo, y en fotografías interiores y exteriores de haciendas, y sobre todo: especialidad en retratos instantáneos para niños, así como cuanto sea posible en los campos de la fotografía, pintura, escultura, etc.

“Gran novedad en trabajos fotográficos hechos por la noche con luz artificial, como retratos, interiores y exteriores de monumentos. Y Adrover trabaja en Galería o a domicilio, según precios convencionales”.

Banahí Adrover y hermano Frank Adrover, autorretrato

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