Fotografía Dominicana » Fotografia

APECO en Expo Cibao 2009

Juan Guzman — Tue, 22 Sep 2009 00:55:03 +0000

Ejemplar del libro APECO
La semana recién transcurrida nos trajo la muestra (feria) anual Expo-Cibao. Una cita obligada de los habitantes de la ciudad corazón (Santiago), engalanada este año con el lema “Dominicanos a exportar”.
Las variedades artesanales, comerciales, industriales y artísticas de nuestra región expuestas durante 4 días y cinco noches para todos los públicos.
Agradable y emocionante fue encontrar que, en su módulo, la Cámara de Diputados de la República Dominicana obsequió un número considerable de ejemplares del libro
que esa institución publicara, sobre nuestro amigo Jesús Natalio Puras Penzo mejor conocido como APECO.
Imágenes de indudable valor histórico, artístico y documental envueltas en un serio esquema de presentación literaria que nos adentra en el personaje, en
sus experiencias y vivencias para dejarnos de momento a momento con la fuerza de uno y otro y otro manojo de imágenes creadas por la lente de APECO.
Muy temprano se agotaron los volúmenes de obsequio, aquellos que lograron obtener este documento se que disfrutaran de exquisitas memorias, una excepcional prosa de referencia y más que todo
tendrán en sus manos la oportunidad de asomarse de vez en cuando, a través de sus hendijas (páginas) a la vida y obra de un gran artista.

APECO, Blanco y Negro. Hoy se realizará la premiación del Concurso “APECO, Blanco y...
Premiación IV concurso Nacional de fotografía APECO, blanco y negro (2011) Tesoro de Cimarrón, fotografía ganadora del primer lugar. Artista: Pedro...
BASES IV CONCURSO NACIONAL DE FOTOGRAFÍA NATALIO PURAS (APECO), 2011 MINISTERIO DE CULTURA SUBSECRETARÍA DE CULTURA PARA LA REGIÓN NORTE...

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Una historia de arte y fotografia: PHOTOESPAÑA

Juan Guzman — Fri, 31 Jul 2009 12:00:53 +0000

Annie Leibovitz, en la exposición que le dedicó PhotoEspaña
Una cita que cada año cobra mayor interés, entre los artistas y el público, y que muestra la dimensión que ha alcanzado la fotografía España, en los últimos diez años. Este festival afirma el reconocimiento artístico de este medio. Lo que países como Alemania y América llevan haciendo ya más de medio siglo, con una dinámica crítica que se ha visto reflejada en exposiciones de gran trascendencia como «The Family of Man» (1955), organizada por el Museum of Art de Nueva York, desde su departamento de fotografía, creado en 1947, que consolidó la reputación museística de las imágenes fotográficas. Cuando las universidades americanas fundan museos de fotografía con el propósito de respaldar la enseñanza teórica con material visual.
Y con el definitivo respaldo de la Documenta V, de 1977, que apartándose de su práctica habitual de centrarse únicamente en el arte contemporáneo presentó toda la historia de la fotografía por medio de una cuidada selección, refutando el antagonismo tradicional entre la fotografía profesional, al servicio de un encargo, y la fotografía artística, expresión de la subjetividad del propio autor. Acciones que han dado respuesta a una actividad artística y documental desarrollada por los fotógrafos y artistas que han hecho de la fotografía uno de los medios con más posibilidades de experimentación en la actualidad. Y es ahora en España, aunque sin este importante apoyo teórico y crítico que cuestiona y analiza sus diferentes mecanismos y posibilidades de expresión, cuando la fotografía llega a todos los ámbitos como creación artística, la fotografía está invadiéndolo todo, galerías, museos, el mercado. En las escuelas, las técnicas digitales han desplazado el interés por las disciplinas tradicionales de dibujo, pintura, escultura, que ya no son las asignaturas de referencia para el artista o el diseñador. Pero, si miramos tan sólo diez años atrás, comprobamos que apenas dos galerías en España se dedicaban a ella, no existía la estructura expositiva o crítica suficiente para apoyar esta manifestación considerada minoritaria. Qué es lo que ha motivado esta revolución. El excepcional desarrollo de las nuevas tecnologías digitales ha simplificado el complejo proceso tradicional de la fotografía, siendo una herramienta de experimentación plástica mucho más efectiva, de rápido y fácil manejo, que recoge una infinidad de recursos técnicos. Lo que antes imponía un minucioso control de los procesos químicos de revelado en el laboratorio, que muy pocos dominaban, hoy la imagen digital permite ser manipulada con absoluto control del artista, hasta extremos casi infinitos, desde el ordenador personal. A lo largo de la historia, lo que ha distinguido las grandes obras fotográficas ha sido la mirada de autores conocedores del arte, con una concepción diferente a la de los retratistas convencionales o los reportajes documentales. Éstos no sólo hacían una interpretación de la realidad sino de los medios para captarla, la composición de la imagen, el destacar líneas y encuadres, detalles de la realidad en una mirada más subjetiva. Pero la única manipulación posible era en blanco y negro con mínimos cambios en los líquidos, en el papel, en los tiempos de exposición, mínimos elementos para investigar sobre la resolución plástica de la imagen. En el proceso fotográfico, se utilizaban las mismas soluciones, la única diferencia entre los autores era la mirada. El retoque en el negativo falseaba toda la realidad, daba lugar a imágenes planas, sin texturas, ni accidentes naturales. En la imagen digital tienes prácticamente todas las posibilidades, puedes partir de una realidad o inventarla. El soporte intelectual dado por la crítica y las experiencias de los artistas surgidos en los años setenta han propiciado y dado cabida teórica a todo un campo de experimentación que estaba por salir y que es hoy la fotografía. Curiosamente cuando más fácil es hacer clic, conseguir una buena instantánea, con cámaras que prácticamente lo hacen todo, el arte realiza un trabajo más exhaustivo sobre la imagen. Lo casual no tiene importancia sino viene determinado por toda una reflexión conceptual, un sistema de trabajo que consigue que una imagen captada de la realidad pase a ser una imagen artística. El photoshop hace que esta manipulación técnica, que es la que da la diferencia de matices en la fotografía, sea un mundo infinito. Hoy cada artista puede dar su impronta personal a la imagen, con una investigación propia ante las miles de posibilidades. La fotografía es capaz de fijar un instante de la realidad sin excesivo esfuerzo, lo que en la pintura implica años de aprendizaje, de dibujo, composición, técnica…. El tema del arte viene dado porque hay conocedores que, con un gran poder de abstracción, son capaces de seleccionar las imágenes más poderosas, la estética, las maneras de ver, que conectan con la sensibilidad y el conocimiento, la economía, del momento. Equipos técnicos y humanos que dan lugar a una visión de la realidad con la manipulación acertada para concretar la imagen del mundo que habitamos.
En España hasta hace poco no se ha considerado el valor de la fotografía en todos los ámbitos científicos y artísticos. Hay muy pocos museos o centros dedicados al estudio de la fotografía. Nuestros ensayos críticos carecen de la relevancia de los de autores fundamentales como Susan Sontag o Roland Barthes, los artistas españoles no marcan pautas en la concepción de la fotografía al nivel de Bernd y Hilla Becher. Nuestros referentes son los productos artísticos europeos y americanos pero sin participar del sustrato cultural que ha dado lugar a estas obras.

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El ayer, el hoy y el mañana de la fotografía digital

Juan Guzman — Sun, 08 Mar 2009 11:41:18 +0000

Desde Daguerre la fotografía ha avanzado mucho. DAGUERRE / LAVERRUE

Cuando las primeras cámaras digitales de fotos orientadas al público general vieron la luz, a mediados de los 90, el simple hecho de poder guardar las fotografías en formato digital era un argumento de venta más que suficiente ante la mayoría de usuarios que, frente al coste que suponía disparar en analógico, vieron en esta nueva posibilidad una opción de empezar a disfrutar de la fotografía sin pensar en cuánto costaba cada disparo en su cámara.

El nuevo ingenio dejó fuera de juego al mundo de la imagen analógica. Carretes, Polaroids y demás soluciones fotográficas no digitales comenzaron a formar parte de la memoria colectiva, pues la popularización de las cámaras digitales de fotos era ya imparable.

Llega el megapíxel
En poco tiempo los fabricantes de cámaras fotográficas digitales pusieron en el mercado muchos modelos con prestaciones similares. Pero, como es lógico, las marcas necesitaban diferenciar su modelos del resto de alguna manera. La respuesta fueron los megapíxeles.

Rápidamente, hábiles argumentos de marketing lograron introducir en el corazón de los consumidores la firme necesidad de tener una cámara con más y más megapíxeles. Y poco a poco comenzaron a inundar el mercado cámaras que, pese a no mejorar notablemente las funciones del anterior modelo, disponían de más y más resolución.

A medida que la tecnología que hacía posible la fotografía digital se abarataba, los modelos se fueron haciendo más y más complejos. Así que, en paralelo a la carrera de los megapíxeles, algunos incorporaron paulatinamente mejoras sustanciales en sus prestaciones.

Se acabaron las ‘gamas’
La fotografía digital comenzaba a dar posibilidades serias como para no sólo capturar imágenes en formato digital pudiendo prescindir del coste añadido de la película y el revelado. También empezaba a ser posible hacer fotografía a nivel de aficionado avanzado y hasta profesional. Usuarios y fabricantes lo sabían.

De esta forma comenzaron a distanciarse los modelos de gama alta de los de gama baja. Todos subían en número de megapíxeles, pero los de gama alta, además, mejoraban la calidad óptica, opciones manuales, mayor rango de sensibilidad, grabación de audio y vídeo, etc.

Del mismo modo se diferenciaron claramente los dos grandes tipos de clientes del sector. Por un lado, aquellos usuarios sin pretensiones artísticas que simplemente quieren una cámara de fotos digital. A ellos va dirigida buena parte de los catálogos de las marcas de prestigio, ocupados por los productos de gama media y media-baja. Cámaras muy similares unas a otras.

Por otro, los aficionados serios y, sobre todo, los profesionales, que demandaban tener en digital las mismas posibilidades que con una cámara de película. Los fabricantes, conscientes de ello, se aplicaron e hicieron posible la fotografía réflex en digital. Y con ella llegaron los hitos: la primera réflex digital, la primera réflex digital accesible al público general, la primera réflex que grababa vídeo en HD, etc.

La madurez
Hoy en día el mercado lleva tiempo dando signos de madurez. Los aficionados entusiastas y los profesionales ya tienen sus réflex con capacidades que en muchos casos exceden sus necesidades. La gente que no busca nada más allá que una cámara sin carrete, también tiene su cámara digital.

Los fabricantes, buscan nuevas vías para comercializar productos que puedan seguir siendo interesantes para el gran público en un momento de madurez del producto y, además, de incertidumbre económica.

El mundo de la fotografía de consumo tiene cada año una cita importante en Las Vegas (Estados Unidos). La PMA -Photo Marketing Association- celebra allí su feria internacional anual. La edición de 2009 cerró este viernes sus puertas tras cuatro días intensos de presentaciones de productos fotográficos que nos dejan ver claramente cuál será el rumbo que seguirá el mundo de la fotografía al menos durante los próximos 12 meses.

Parece que la tendencia es seguir profundizando en el desarrollo de conceptos conocidos que abren nuevos caminos para nuevos productos que no están ni en el mundo de las compactas ni en el mundo de las réflex, como el sistema micro cuatro tercios o el NX de Samsung -una cámara compacta con sensor de réflex-.

En cualquier caso, el principal reto al que se enfrenta el sector es a la necesidad de cierta reinvención en momentos de crisis.

Primera Camara digital

* Primeros pasos
En 1975 Steve Sasson había sido capaz de convertir la confianza que Kodak había depositado en él en una cámara fotográfica sin partes móviles. En un error garrafal ni él ni Kodak le dieron importancia a que acababan de lograr la primera cámara de fotos que no necesitaba película, pues este era su negocio entonces.

La cámara era capaz de tomar imágenes con cien líneas de resolución y grabarlas en casetes en ‘sólo’ 23 segundos. Para reproducirlas, Sasson ingenió un convertidor a señal NTSC que permitía ver lo captado en un televisor.

* Canon 300d
El lanzamiento de la 300D, en 2003, constituyó una revolución en el mercado fotográfico de masas. Supuso el primer paso para acercar la fotografía digital réflex al gran público, ya que fue la primera que no sólo bajó de la barrera de los 2.000 euros -en la que se situaban los modelos profesionales de gama baja-, sino que se quedó justamente en la mitad: 1.000 euros.

De esta manera Canon fue capaz de estimular a los aficionados para que accediesen a este sector y al resto de fabricantes para que pensaran en ellos también.

* Canon 5D
Canon volvió a marcar un hito con la 5D en 2005. Esta vez para el sector profesional. Después de un par de años de popularización de las réflex digitales, la 5D fue la primera en montar a un precio razonable un sensor de 35 milímetros, conocido como ‘full-frame’ esto es, del mismo tamaño que el de un negativo de película analógica de 35 milímetros.

Su precio, en torno a los 3.000 euros, era la mitad que el del resto de los modelos ‘full-frame’.

* Canon 5D Mark II
Una vez más Canon, que pese a no estar presentando los mejores números de su historia, sigue aportando nuevos caminos para el sector de la fotografía. Con la 5D Mark II ha llegado la primera réflex capaz de grabar vídeo del mercado.

Si quiere ver de qué es capaz una cámara de fotos grabando vídeo no se pierda el corto que el fotógrafo de prensa norteamericano Vincent Laforet rodó usando exclusivamente esta cámara. Se llama ‘Reverie’ y se encuentra fácilmente en internet.

Fuente: David Cabezón/elprogreso.galiciae.com

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Exposición fotográfica Mujeres de ensueño

Juan Guzman — Mon, 20 Oct 2008 12:53:03 +0000

¿Cómo se puede definir la belleza de una mujer o, más difícil aún, que criterios deben tomarse en cuenta para decidir si una mujer es hermosa o no lo es? La literatura mundial está repleta de ensayos sobre la belleza femenina y quizás el que mejor definió el secreto que esconde una mujer hermosa, una creación casi divina que despierta fantasías y sueños en la raza humana, fue Aristóteles cuando sentenció que la belleza es «una tiranía de corta duración». Es posible. Pero en los albores del siglo XXI y gracias a la técnica moderna y a la iniciativa de la Casa de la Fotografía de Hamburgo, 50 fotógrafos famosos ofrecen una visión particular e inquietante de lo que puede ser, según sus ojos, una fémina hermosa o, más importante aún, de ensueño.

En la nave restaurada de una vieja bodega del complejo Deichtorhallen, situada casi a orillas del viejo puerto de Hamburgo, la Casa de la Fotografia ofrece al público un exquisito viaje a través de la belleza femenina. El titulo de la exposición, ‘Traumfrauen’ (mujeres de ensueño) es sugerente, invita a soñar, provoca, y la muestra tiene la rara virtud de no decepcionar al visitante.
Fuera leyendas
Fotógrafos como Peter Lindbergh, Tony Duran, Marc Hom, Bruce Weber, Bettina Rheims y Albert Watson ofrecen su particular visión de la belleza femenina con un resultado novedoso. Los artistas de la cámara acaban con la vieja leyenda de que una mujer de ensueño no debe tener más de 25 años y en lo posible debe desempeñar el trabajo de modelo o ser una estrella de Hollywood.
Aunque existe la creencia de que las mujeres perfectas no son de este mundo y que sólo son productos de la imaginación humana, la muestra de Hamburgo devuelve la belleza femenina a la realidad y ofrece al visitante una galería de rostros y cuerpos femeninos que se encuentran entre nosotros.
Por ejemplo, la actriz Angelina Jolie, que posa para el fotógrafo danés Marc Hom, con un aire de reina sentada en un trono negro, pero en una actitud donde el rol principal de su esplendor está protagonizado por sus «piernas casi infinitas». A su lado, se confronta la cara surcada de suaves arrugas de la actriz Vanessa Redgrave, que con 71 años cumplidos emana un encanto casi diáfano. «Amo a las mujeres que tienen unos 40 años. Es el momento en que ellas desarrollan su propio carácter», advierte el fotógrafo, citado en la carpeta de prensa de la exposición. «Es el momento en que se vuelven interesantes: sexys, pero no vulgares, y en el camino de poseer una elegancia eterna».
La belleza también es subjetiva, puede cautivar al ser humano y es capaz de despertar pasiones ocultas si uno contempla el retrato que ha realizado Sheryl Nields de otra actriz, Scarlett Johansson, donde la retrata con su hermoso rostro tapado, pero con su vestido abierto que insinúa las formas de su beldad personal. «La belleza es un estado de gracia», sostiene la propia fotógrafa.
En un intento por definir a una mujer hermosa o a una mujer de quimera, Camilla Akranz llegó a la conclusión de que la magia de la fotografía hacía posible, a veces, percibir la auténtica belleza. «Es una luz interior que raras veces puede ser captada. Es una belleza interior». Para explicar ese sentimiento, la artista ha enviado a la exposición de Hamburgo un retrato cautivante de Sara Blomqvist, la modelo sueca de 20 años que ha conquistado el mundo de las pasarelas gracias a su inquietante belleza.
El amor embellece
Peggy Sirota, en cambio, tiene una explicación más terrenal para describir el momento exacto en que una mujer irradia atractivo. «Las mujeres se ven hermosas cuando se sienten bellas sin importarles la forma de sus cuerpos o el contorno de sus rostros. Pero las mujeres son radiantes cuando se sienten amadas», asegura la fotógrafa. Es cierto, una mujer irradia hermosura cuando está enamorada. El encanto puede ser una fugaz luz interior, un estado de gracia o una expresión de claridad, como afirma Liz Collins, que participa en la muestra con una instantánea de una chica desnuda que da la espalda a la cámara.
La muestra ‘Traumfrauen’, que estará abierta hasta el 9 de noviembre, no pretende descubrir el secreto de la guapura femenina, una tarea casi imposible. Se contenta con ofrecer al público medio centenar de opiniones diferentes. Pero en la diversidad, el famoso David La Chapelle puede que haya encontrado la mejor definición para describir a una mujer de ensueño cuando dice que «la belleza es la mejor prueba de la existencia de Dios».

FUNGLODE exhibe hasta el 29 de abril la exposición fotográfica “Patrimonio Nuestro” Frederic Emam-Zade, Catherine Florentino, Victoria Thomen, Amanda Tatiana Forteza y...
Conversatorio y exposición fotográfica en Centro León El Martes 27 de Septiembre del 2011. a las 7:00...

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El otro Sadam Husein

Juan Guzman — Mon, 20 Oct 2008 12:32:07 +0000

Un fotógrafo de la ciudad iraquí de Faluja cuenta los importantes beneficios que le ha reportado tener el mismo nombre y apellido del ex dictador iraquí
Sammy Ketz / Bagdad

Un ciudadano chino fotografía una imagen de Sadam en una feria de arte moderno celebrada en Pekín.

Cuando un teniente iraquí le ordenó bajarse del autobús la semana pasada, Sadam Husein creyó que le había llegado la hora, y con piernas temblorosas siguió al militar chií, quien de súbito se puso firme para saludarlo.

“Entonó canciones a la gloria del ex presidente, luego, contento por su broma, me pidió subir al auto para mi tranquilidad”, contó Sadam Husein, fotógrafo que tiene el mismo nombre que el ex dictador ejecutado en diciembre de 2006. Este fotógrafo de Faluja, ciudad símbolo de la insurrección antiestadounidense después de 2003, nació en 1979, justo el año en que llegó al poder Sadam Husein.

Como estaba ausente su padre, sargento en Basora, su familia no lograba ponerse de acuerdo sobre qué nombre darle al primero de sus siete hijos. Fue el médico quien les sugirió llamarlo Sadam al enterarse del apellido familiar.

En esa época, el vicepresidente iraquí y jefe de los servicios de seguridad tras el golpe de Estado del partido Baas en 1968 se convertía en el hombre fuerte del país. Y ese patronímico le facilitó la vida del joven Sadam Husein.

“Cuando entraba a clase, los niños gritaban riendo ‘Por nuestra sangre, por nuestra alma, te defenderemos ¡oh! Sadam’”, retomando el grito de lealtad a la moda del ex régimen, cuenta durante un encuentro en Bagdad.

Físicamente no se parece para nada con su ilustre homónimo. Tiene ojos y cabellos claros, mientras que el otro los tenía oscuros. Es bajito y robusto, mientras el otro era alto. “En los exámenes algunos profesores me daban 10 puntos gracias a mi nombre”, confió un poco turbado.

Incluso con las chicas su nombre lo favorecía. “En una colonia de vacaciones, el monitor me llamó por mi apellido. Una chica me preguntó si era cierto. Cuando le dije que sí, insistió en saber mi nombre y mirándome a los ojos me preguntó si quería ser su novio”, agregó con orgullo.

Cuando Sadam Husein fue derrocado en abril de 2003 tras la invasión de las tropas lideradas por Estados Unidos, su madre le suplicó de nombre, pero “lo rechacé pues ese nombre me había sido muy útil”, dijo.

E hizo bien. Después de la segunda ofensiva estadounidense en noviembre de 2004 para retomar el control de Faluja (al oeste de Bagdad), los militares estadounidenses les impusieron a los habitantes de la ciudad llevar una identificación visible.

“Cuando supieron mi nombre, los soldados estaban impresionados. Y hablaban entre ellos mostrándome con el dedo”, cuenta. “Un oficial pidió a su equipo hacerme el carné lo más rápidamente posible y el militar que me fotografiaba me dijo: ‘Sadam es de verdad un hombre fuerte”, agregó.

Con un salvoconducto de los estadounidenses, nuestro hombre inspiraba también el respeto de los insurgentes, cuyos operativos filmaba. “Eran ex militares, agentes de los servicios de seguridad y miembros de la guardia republicana, y que me llamara Sadam Husein los impresionaba”, dijo.

Incluso con el Ejército iraquí, en su mayoría chií en la ciudad de FaluJa, llegó a hacerse escuchar. Un día, durante un registro, un oficial quería mover absolutamente todo en su casa y lo interrumpió.

“No hay armas. Me llamo Sadam Husein y, como él, sólo tengo una palabra: la de la verdad. Y lo convencí”, añadió el fotógrafo.

Antes de la ejecución del ex dictador recibió dos balazos en la espalda en un tiroteo ocurrido en su tienda de fotografía entre un miembro del Ejército islámico y dos combatientes de Al Qaeda.

En el hospital la familia gritaba: “¡Sadam Husein ha sido herido!”.

Y los médicos, conmovidos, se ocupaban de él como si fuera el jefe de Estado.

“Cuando lo ahorcaron, me quedé muy compungido. Desde entonces, tengo la impresión de haberme convertido en el único Sadam Husein del mundo”, concluyó con timidez.

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el mundo en fotografia

Juan Guzman — Sun, 28 Sep 2008 01:08:28 +0000

REUTERS
Una muestra de poder. El Shenzhou VII ha despegado camino del espacio tras haber sido lanzado desde la base militar de Jiuquan, en la provincia de Gansu.

En su interior tres astronautas chinos pretenden hacer ver al mundo que el potencial chino en la industria espacial crece hasta niveles de EE UU y Rusia.

AP Photo / Graylock, Kristie Bull
Belleza contra mortalidad. La Reina de Rania de Jordania, junto a la primera dama francesa Carla Bruni-Sarkozy y Wendi Murdoch, mujer del magnate Rupert Murdoch.

Las tres forman parte de un grupo de estudio de las Naciones Unidas para rebajar el grado de mortalidad en el mundo.

Stephen Hird / REUTERS

Nuevo wonderbra. La extravagante Dita Von Teese posa con varias modelos en la presentación del nuevo modelo de Wonderbra en Londres.

EFE / PETA
Las activistas Christina Cho (izqda), surcoreana de 29 años, y a Ashley Fruno, canadiense de 22, en Guangzhou, Cantón (China). Las chicas promocionaban las cualidades del vegetarianismo y condenaban el tratamiento que la industria cárnica en China.

Según las activistas, la policía les hizo abandonar el lugar a la media hora de comenzar el acto de protesta. Es la primera manifestación de PETA en la China continental.

REUTERS
Bao Xishun, el hombre más alto del mundo con 2.36, pasea junto a su mujer Xia Shujuan, que mide 1.68, por los exteriores de su apartamento en Zunhua (China).

El Record Guinness ha vuelto a una persona china sucediendo al ucraniano Leonid Stadnyk.

“Ser fotógrafo es una responabilidad: somos los ojos del mundo” Durante dos décadas, el fotógrafo mexicano Patricio Robles Gil ha...

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Cronograma: Mes de la Fotografía en Bariloche

Juan Guzman — Wed, 03 Sep 2008 18:16:08 +0000

Por Luis Bonich

El “Mes de la Fotografía/Bariloche”, en su 12° edición intenta lograr como en el transcurso de estos años, ser el punto de encuentro, de cada vez más diversas propuestas fotográficas provenientes de todo el país.

La muestra comienza el 25 de Septiembre y se extenderá hasta el 25 de Octubre; fue declarada de Interés Parlamentario, por la Cámara de Diputados de la Nación, De Interés Provincial por la Legislatura de la Provincia de Río Negro y de Interés por el Consejo Deliberante Municipalidad S. C. de Bariloche. Mientras que el 18 de septiembre se inaugurará en la Secretaría de Turismo de la Nación. Suipacha 1111. Auditorio. Bs. As.

Contará con la presencia de los fotógrafos: Ataulfo Pérez Aznar, Don Ripka, Ricard, Martiniuk, Pablo Añeli, Martín Acosta, Mariano Salomón, Emiliano Lasalvia, Hernán Villar, Daniel Cabaza, Martín García y Ariel Ríos, Javier Mosquera, Agustina Roacio, Tamara Barrueco de Vansay, Natalia Henkel, Lucía López, Fabián Oger, Irina Dambrauskas, Axel Pincemin, Marcos Rodríguez, Raúl Cárdenas, Luis Seróni fotógrafos (emergentes) locales, y de Villa La Angostura.

La profesora Julieta Escardó, y por su puesto la participación de los fotógrafos profesionales, organizadores y mentores de este importante evento a nivel nacional Luis Bonich y Andrea Bravo.

También contaremos con la participación especial de Yael García Ruiz, la Dra. Analía Woloszezuk (Abogada), Alejandro Montes de Oca y Alejandro Reynoso.

A continuación, el programa oficial.

Prensa. Agente Oficial: Luciano Giudice.

“Mes de la Fotografía / Bariloche” 12° edic. 2008
Declaración de Interés Parlamentario, por la Cámara de Diputados de la Nación.
Declaración de Interés Provincial por la Legislatura de la Provincia de Río Negro.
Declaración de Interés por el Consejo Deliberante Municipalidad S. C. de Bariloche

Director y Coordinador: Luis P. Bonich. (Fotógrafo.)
Asistente en Fotografía: Andrea Bravo. (Fotógrafa.)
Asistente sala Frey: Yael García Ruiz. (Fotógrafa.)
Asesora Letrada: Dra. Analía Woloszezuk (Abogada)
Asesor en Fotografía: Alejandro Montes de Oca (Fotógrafo)
Asesor en Fotografía: Alejandro Reynoso. (Fotógrafo)

Sub.-Secretaria de Cultura: Lic. María Victoria Arroyo.
Prensa. Agente Oficial: Luciano Giudice. (Periodista.)

Programa Oficial.

18/09/08. 11hs. Presentación Oficial del evento, a la Prensa en la Secretaría de
Turismo de la Nación. Suipacha 1111. Auditorio. Bs. As.
25/09. 18,30hs. Inauguración Oficial del “Mes de la Fotografía – Bariloche”
Sala de Prensa de la Municipalidad: “Isabel Moreiras de Bustos”
19,30hs. Inauguración: “Objetivos” autor, Pablo Añeli, Fotógrafo,
Reportero gráfico. (Fotografías, pinturas y esculturas).
Sala “Isabel Moreiras de Bustos”. Libre y gratuito.
25/09 21hs. Taller de -Reportaje fotográfico- a cargo del Fotoperiodista.
Martín Acosta. (Vacantes limitadas, arancelado). (Inscripción)
(Lugar) Sala de Prensa Municipal. Centro Cívico.
26/09 11hs, Inauguración de “Intervalos y Movimientos” (Teatro y cine)
de Mariano Salomón, Fotógrafo y Psicólogo. Sala: “Cecilia Girgenti”
Museo de la Patagonia. Centro Cívico.
26/09 18hs: Taller de -Reportaje Fotográfico- a cargo de Martín Acosta
Fotógrafo, Reportero Gráfico, (Área de contenidos)
Escuela de Fotoperiodismo ARGRA). (Lugar): Universidad FASTA.
26/09 21hs. Proyecciones: a cargo de los fotógrafos invitados: Martín Acosta,
Emiliano Lasalvia, (La Nación), Pablo Añeli (Clarín), Mariano
Salomón, etc.
(Lugar): UFASTA. Av. Pioneros 38. Libre y gratuito.
27/09 09hs. Taller de -Reportaje Fotográfico- a cargo del Fotógrafo: Martín
Acosta. (Contenidos Esc. ARGRA). Lugar: UFASTA. Pioneros 38.
28/09 17hs. Final del -Taller de Reportaje Fotográfico-, a cargo de Martín
Acosta (Contenidos Escuela de la ARGRA) Sala Emilio Frey.
30/09 11hs. Inauguración de la muestra fotográfica: “Punta Lara” autor,
Ataulfo Pérez Aznar, Fotógrafo Argentino. Director de la Galería
Omega de La Plata. Sala: “Choneck” Museo de la Patagonia. C. Cívico.
1°/10 11hs. Distinción Honorífica al Fotógrafo Argentino Ataulfo Pérez
Aznar, por parte del Honorable Consejo Deliberante Municipal.
1°/10 12hs. Inauguración de la muestra de fotógrafos (emergentes) locales.
Sala del Consejo Deliberante Municipal. Libre y gratuito.
1°/10 18hs. Fotografía Documental: Seminario a cargo del Fotógrafo,
Ataulfo Pérez Aznar. (Vacantes limitadas. Arancelado).
(Lugar): Sala Emilio Frey. Centro Cívico.
2/10 11hs. Inauguración de la muestra fotográfica: “Desnudos” autores: de
Villa la Angostura y San Carlos de Bariloche.
Sala Emilio Frey. Centro Cívico.
2/10 18hs. Seminario de Fotografía Documental a cargo del Fotógrafo.
Ataulfo Pérez Aznar. (Lugar): Sala Emilio Frey. Centro Cívico.
2/10 21,30. “Suspiros”. Autor: Hernán Villar, Muestra Fotográfica.
(Lugar): -Mondilla- Gallardo 35. Inauguración.
3/10 18hs. Cierre del -Seminario de Fotografía Documental-. A cargo del
Fotógrafo: Ataulfo Pérez Aznar. (Lugar): Sala Emilio Frey. C. Cívico.
3/10 21hs. Proyecciones: Ataulfo Pérez Aznar, (presentará parte de su obra).
(Lugar): Sala Emilio Frey. (Libre y gratuito).
6/10 11hs. Inauguración de muestra colectiva “Un Viaje” (Arqueología). Museo
Paleontológico de Lamarque. Daniel Cabaza, Martin García y Ariel Rios. Pcia. Río Negro.
Sala: “Ex – Correo” Centro Cívico.
6/10 18hs. Inicio del Seminario: “Teoría de la Imagen” (Semiótica) docente:
Prof. Julieta Escardó. Fotógrafa Argentina, (Directora del “Centro
Ecléctico de la Imagen”) Bs. As. (Vacantes Limitadas, arancelado).
(Lugar): Universidad FASTA. Av. Pioneros 38.
7/10 17hs. Inauguración de la muestra, (a confirmar): Galería
Universidad FASTA.
7/10 18hs. Seminario de “Teoría de la Imagen” Semiótica. Prof. Julieta
Escardó. Vacantes limitadas, arancelado. Lugar: UFASTA.
8/10 9hs. Cierre del Seminario de “Teoría de la Imagen” Julieta Escardó.
UFASTA.
9/10 11hs. Inauguración Oficial de las muestras colectivas: “La Figura Humana”
de -Fotógrafos deEsquel y Asociación Fotógrafos Andino Patagónica”. Auspicia: -Agencia Cultura Río Negro- Centro Administrativo Bariloche.
(Lugar): Onelli y Vilcapugio. (Libre y gratuito).
10/10 21hs. Proyecciones: Documentales de Grandes Maestros de la Fotografía.
Presentación a cargo del Grupo Fotográfico Esquel. Sala de Prensa
Municipal. “Isabel Moreiras de Bustos” Centro Cívico.(Libre y gratuito)
14/10 11 hs. Inauguración de la muestra “ Gauchos Criollos” a cargo del
Fotógrafo: Javier Mosquera. Sala Tante Frida.
14/10 18 hs. Ensayo Fotográfico, Taller a cargo del Profesor: Don Ripka,
Fotógrafo Profesional, (reportero gráfico). (Director de la Agencia Sudaca
Photos) Vacantes limitadas, Arancelado.
(Lugar): Universidad FASTA. Av. Pioneros 38.
15/10 18 hs. Ensayo Fotográfico, a cargo del Fotógrafo. (EEUU – Argentino)
Don Ripka. (Lugar) Universidad FASTA. Av. Pioneros 38.
16/10 18 hs. Ensayo Fotográfico, cierre del Taller a cargo del prof. Fotógrafo;
Don Ripka. (Agencia SUDACA – PHOTOS).
17/10 15hs. “Iniciación a la Fotografía para niños”, a cargo de Andrea Bravo,
Fotógrafa profesional. (Argentina). Auspicia: Menger – Foto. (Vacantes
hasta 80 niños). (Libre – Gratuito.) (Lugar): Sala de Prensa “Isabel
Moreiras de Bustos”. Centro Cívico.
18/10 “Iniciación a la fotografía para niños” Salida de toma, a cargo de Andrea
Bravo, Fotógrafa barilochense; (Auspicia Menger – Foto). (Lugar) Sala de
Prensa Municipal. Centro Cívico. (Gratis).
21/10 10hs.Fotografía Digital, a cargo del Fotógrafo, Profesor: Ricardo
Martiniuk. (Especialista destacado). Niveles: Básico y avanzados.
Vacantes limitadas. Arancelado. (Lugar): UFASTA, Av. Pioneros 38.
22/10 10 hs. Fotografía Digital, a cardo del prof. Ricardo Martiniuk. UFASTA.
23/10 10 hs. Fotografía Digital, cierre del ciclo, a cargo del prof. Ricardo
Martiniuk. (Lugar): Universidad FASTA. Av. Pioneros 38.
24/10 “Iniciación a la fotografía para niños” Evaluación final de los trabajos
Realizados a cargo de: Andrea Bravo, (Fotógrafa) con la asistencia del
Fotógrafo: Luis Bonich. (Auspicia Menger – Foto). (Libre y gratuito).
25/10 Cierre del “Mes de la Fotografía – Bariloche” 12° edición, en el -Mercado
de la Estepa-. Autores: Agustina Roacio, Tamara Barrueco
de Vansay, Natalia Henkel, Lucía López, Fabián Oger, Irina
Dambrauskas, Axel Pincemin, Marcos Rodríguez, Raúl Cárdenas, Luis Seróni.
Lugar: ruta 40 sur y rutas 23. (Libre y gratuito.)

# Nota. La Organización del evento entregará, Certificados de valides curricular en todos los Seminarios y Talleres, a aquellos participantes que cumplan con la asistencia perfecta, a los mismos.
# Programa sujeto a modificaciones.
Colaboradores: Ariel Cárdenas, Patricia Villaseñor, Guillermo Partridge.
E-mail: mesdelafotografiaenbariloche@yahoo.com.ar

Pág. Web: www.mesdelafotografia.com.ar
TEL: 02944 – 15666605.

3 Alberti en fotografía. Este mes en Casa de Teatro. “Me atrevo a decir, que estos tres artistas del lente...

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El fotógrafo y la modelo

Juan Guzman — Mon, 25 Aug 2008 12:26:11 +0000

Por Faustino Pérez
El autor es escritor

Desde el punto de vista de la cibernética se dice que una persona es más “inteligente” mientras más jergas, argots, idiomas y lenguajes domine; es decir, mientras mayor sea la cantidad de información que pueda “entender”. De igual forma podría afirmarse que un fotógrafo es más versátil, en la medida en la cual practique con éxito diferentes especialidades fotográficas.
Utilidades

No me estoy refiriendo a los llamados “chiriperos” de la cámara, quienes dicen que si a todo, y luego no hacen bien nada, aunque ya se sabe que las actividades que las personas realizan para sobrevivir son inverosímiles, y están en su perfecto derecho. Otro problema sería lo que opinan sus clientes defraudados.

Qué duda cabe de que no es lo mismo disparar con una cámara acuática bajo el agua, que una foto de un acto público, una instantánea en un mercado de pulgas repleto de gente, que un bodegón publicitario empleando un sinfín de fondo, tomar una foto furtiva de paparazzi, o bien, fotografiar a una modelo…Cada tipo de fotografía – por así decirlo – tiene sus características, sus bemoles y problemas disímiles a resolver, independientemente de las limitaciones técnicas, psicológicas y físicas del fotógrafo.

La fotografía como técnica-arte-ciencia-hobbie, cada día se diversifica y se especializa más; por consiguiente, resulta prácticamente imposible abarcarlo todo.

No obstante, el tema que nos ocupa, sin ser uno de los llamados grandes tópicos del mundo fotográfico, se practica con múltiples finalidades. El binomio fotógrafo-modelo, de sexos contrarios, si bien no es, por supuesto, el único posible para esta especialización, sí en cambio es el más corriente: Nos referimos a la combinación hombre-fotógrafo y modelo-mujer. De ahí que la gran mayoría de mis comentarios se referirán a esa clase de pareja.

Naturalmente, que existe una gran diferencia entre fotografiar profesionalmente a una top model reconocida internacionalmente, que cobre un dineral y con mucha demanda de trabajo, en una isla paradisíaca del Pacífico, o en un depósito de autos viejos en Los Ángeles, en un tren–bala japonés, o en un canal de Amsterdam; al comparar esto con el vecino que pide una camarita prestada para fotografiar a su nieta en la acera de la casa el día de su cumpleaños, notaremos el contraste en seguida.

Como ustedes comprenderán, los problemas logísticos y de material de apoyo incluyendo a los ayudantes y asistentes, son muy diferentes. En las “grandes ligas” de la fotografía, existe una competencia atroz, muchisimo dinero e intereses involucrados, y reputaciones que es menester revalidar constantemente, para que las cotizaciones aumenten o, que como mínimo, se mantengan. No es cuestión de “hazme un favor que luego yo te hago otro”, sino más bien, de que “si tú quieres esa foto tienes que pagar tanto”.

Mucho menos es un asunto de recortar una fotografía de una revista extranjera y decirle al fotógrafo: “yo quiero una igual”; o peor aún, de usar esa misma foto e incluirla en un arte sin pedir permiso a nadie, sin darle crédito a la modelo, ni al que tomó la imagen, y sin desembolsar nada; y luego pretender vender la publicación donde aparece la foto pirateada fuera del país.

Desde la vertiente de la relación fotógrafo-modelo, si se aplica una “fórmula”, o sea, tal ángulo, con tal luz, con tal distancia, con tal lente, con tal fondo… basta con fijarse en sus características corpo-faciales y trabajar en consecuencia utilizando el método descrito en los manuales. La resultante será casi siempre una foto fría y más o menos correcta. Para hacer esto no se precisa conocer la psicología y el potencial de las personas. No es lo mismo que pretender lograr algo más que una apariencia estándar, con una imagen con estilo propio, para lo cual se precisa que se desarrolle una compenetración entre el fotógrafo y la fotografiada. Bueno, como los estilos tienen un marchamo, los clientes ya eligen a los fotógrafos conociendo de antemano sus trabajos previos.

Cabe la posibilidad de efectuar variantes a partir de una idealización básica que haya servido de punto de partida; luego se selecciona. Incluso, la protagonista puede tener una inspiración genial, lo mismo que el autor de la foto; o bien, cabe la posibilidad de que la modelo adopte una pose de las suyas que sirva y sea interesante o adecuada para el fin que se quiera lograr. Hay que hacer la salvedad de que no todas las modelos tienen la misma capacidad de improvisación. De todas formas, se supone que si son profesionales tienen un mínimo de aptitudes.

De todas formas el ambiente favorece o desfavorece las fotos; por descontado que existe mucha diferencia entre estar en un hotel de lujo o encontrarse un basurero maloliente, o bien, en un camposanto abandonado de madugada, versus un ring de lucha libre. Es preciso tomar todo esto en cuenta, y mucho más, ya que la búsqueda de imágenes insólitas no tiene límites.

La música puede jugar un papel importante cuando sea pertinente, claro está, complaciendo los gustos de la modelo. Se sabe por experiencia que el acompañamiento musical puede crear un estado de ánimo, y un “feeling”, de tal suerte que hasta contribuya a marcar el ritmo de los disparos; además, es probable que colabore en un alto porcentaje al éxito de la sesión fotográfica, es decir, a la consecución de lo que se quiere lograr o expresar por medio de imágenes. En exteriores cabe la opción de llevar un equipo portátil.

En las sesiones profesionales es imprescindible tener ayudantes para encargarse de eliminar el posible sudor causado por las altas temperaturas de la iluminación artificial, o bien, del sol ardiente. De lo contrario, si además no se retoca el peinado, el maquillaje y la vestimenta, se corre el riesgo de que las fotos tengan que ser retocadas mucho o que sean inservibles.

Los fotógrafos de modelos desnudos tienen que contar con mayores presupuestos, porque las modelos cobran tarifas más caras, aparte de que no todas están disponibles para posar sin ropa. Hay fotógrafos que les proporcionan a sus modelos bebidas alcohólicas, con el fin de que se desinhiban. Se han dado casos de modelos borrachas, que cometen toda clase de excesos.

Para las fotos semi-profesionales, hay que tener mucho cuidado con los juicios emitidos por allegados, puesto que aunque sean buenas personas en otros órdenes y tengan intenciones sanas, eso no significa que automáticamente estén capacitadas para emitir una crítica aceptable, sobre estos temas.

Hay féminas muy coquetas, desenvueltas o con grandes dotes histriónicas, pero que no son profesionales, que al ponerse frente a una cámara se quedan casi petrificadas. Si el fotógrafo no conoce ese comportamiento puede sufrir una decepción. A propósito, hay modelos masculinos que son más coquetos y narcisistas que muchas mujeres, hasta tal punto que parecerían que suspiran todas las mañanas ante el espejo al contemplarse.

Hay modelos no muy experimentadas que digamos, que están demasiado pendientes del disparo, y salen como los espías mirando de reojo, otras en cambio aparecen tensas por su exagerado sentido de no hacer el ridículo. La clave de esto está en la naturalidad, aunque la toma sea extravagante. Existe un paralelismo entre la manera de “enfrentar” a la cámara, y los modos que desarrolla la gente para lidiar con los asuntos y problemas que la vida les depara.

Blog: faustinoperez.blogspot.com

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Fotografia: para invertir en el futuro

Juan Guzman — Mon, 04 Aug 2008 13:39:58 +0000

Sandra Kanthal
BBC

Un hombre observa la obra de Andy Warhol
¿Es el arte por amor al arte algo del pasado?
¿Cuánto puede valer una pintura, US$2000, US$3.000, US$20.000? Ésa es la pregunta que hoy en día se hace el mercado del arte.

En momentos en que la crisis crediticia parece tocar la vida de muchas personas, el mundo del arte no muestra signos de sufrir sus efectos, al menos de acuerdo el especialista Godfrey Barker.

“Ahora me doy cuenta de que el arte, por amor al arte, era en realidad un grito de auxilio de Oscar Wilde y sus amigos frente a la realidad, que es arte por dinero”.

Vea también: Inversores se refugian en el arte

“Pasará mucho tiempo hasta veamos nuevamente precios tan buenos como los de ahora, aunque tal vez estemos tan sólo en el comienzo de un boom que puede llegar a durar tanto como el del siglo XIX: unos 32 años, entre 1863 y 1895″.

Un mercado que crece

Cuando la bolsa de valores cae, otras inversiones vienen a llenar el vacío. Esto es lo que quizás esté pasando ahora en el mercado del arte.

Una mujer visita una exhibición de Helmut Newton
La fotografía se ha transformado recientemente en un objeto de colección preciado.
Las ventas de arte contemporáneo durante la última primavera alcanzaron un total de US$500 millones, si tomamos en cuenta a las principales casas de remates a ambos lados del Atlántico.

Los inversores parecen tener más confianza en el pintor y grabador estadounidense Mark Rothko que en gobernador del Banco de Inglaterra Mervyn King.

Y no son solamente las pinturas las que están aumentando en su valor, las fotografías también se han convertido en uno de los objetos de colección más preciados.

“A principios de la década de los 90 el récord de venta (de una fotografía) era de US$10.000 o US$15.000. Ahora los récords alcanzan los US$2,5 millones o US$3 millones”, afirma Joe Kraeutler, Director de Fotografía de la casa de arte y remates Phillips de Pury en Estados Unidos.

Préstamos para todos

Nosotros le prestamos a quien sea, pero nunca por debajo de los US$250.000, simplemente porque no apuntamos a ese tipo de negocios
Ian Peck, del Art Capital Group
Pero si usted quiere comprar una obra de arte de ese valor y no tiene el dinero, ¿qué puede hacer?

Bueno, puede ponerse en contacto con Ian Peck, del Art Capital Group, una compañía que funciona como una banco privado para coleccionistas de arte.

La empresa le puede prestar un 50% del precio de la pieza que quiere comprar.

“Un préstamo típico ronda los US$5 millones, por eso nosotros no tenemos miles de cliente”, explica Peck.

El préstamo más grande que otorgó la firma fue a una corporación, por un total de más de US$30 millones, para la compra de varias obras de arte.

Pero, ¿cualquiera puede acceder a estos créditos?

“Nosotros le prestamos a quien sea, pero nunca por debajo de los US$250.000, simplemente porque no apuntamos a ese tipo de negocios”, responde Peck.

¿Qué compro?

Las obras del artista británico Damien Hirst se cotizan muy bien en el mercado del arte.
La pregunta que resta es qué comprar: ¿cómo reconocer aquellas obras cuyo valor aumentará con el tiempo?

“Ningún coleccionista compra en el vacío, tener información es fundamental”, dice Ethan Wagner uno de los directores de Art Advisory Services en el bajo Manhattan.

“No puedes ser un coleccionista si lo que haces es mirar un poco a ver qué hay y luego eliges cosas”, agrega.

Thea Westreich, esposa y socia de Wagner, señaló que durante los primeros seis meses con un cliente, el trabajo consiste en acompañarlo a los museos y galerías para que se familiarice con el mundo del arte contemporáneo.

En ese período, el cliente no compra nada.

“Lo último que quieres es hacer que alguien compre cosas que te apasionan a ti, porque ahí el proceso se termina y se transforma en: ‘consígueme un Damien Hirst, tráeme un Warhol’ y eso no es coleccionar”, dice Wagner.

El secreto está en identificar de dónde vendrán las próximas tendencias.

Creo que en 20 años los precios más caros en el mercado del arte estarán en China, Rusia e India

Godfrey Barker, experto
“Creo que en 20 años los precios más caros en el mercado del arte estarán en China, Rusia e India, probablemente de artistas que nunca hemos escuchado en el mundo occidental, y posiblemente, de cuadros que aún no han sido pintados”, afirma Godfrey Barker.

Quizás, todos los turistas que ahora viajan a Pekín para asistir a los Juegos Olímpicos deberían pasar tanto tiempo en galerías de arte como en estadios, si en el futuro quieren hacer un buen negocio.

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Abren Concurso de fotografía de arquitectura vernácula del Sotavento.

Juan Guzman — Fri, 01 Aug 2008 18:17:00 +0000

México.- En el marco del Festival Nacional del Sotavento, espacio creado para la expresión, recreación y el intercambio de las manifestaciones artístico culturales en estados como Oaxaca, Tabasco y Veracruz, fue emitida la convocatoria para el Concurso de fotografía de arquitectura vernácula del Sotavento.
Su propósito es difundir, impulsar e incentivar la producción fotográﬁca en esa región y así dar fe de la cultura popular que forma parte del patrimonio cultural de esta zona geográﬁca.
La convocatoria está abierta a fotógrafos aﬁcionados y profesionales de nacionalidad mexicana, que vivan en cualquiera de los estados que conforman la región del Sotavento y que cuenten con series fotográﬁcas sobre la arquitectura local de los estados de Oaxaca, Tabasco y Veracruz, en las que podrán incluir casas habitación, construcciones rurales, cercados, interiores, patios, ediﬁcios, espacios públicos y quioscos.
Los participantes podrán enviar 10 series en papel fotográﬁco tamaño de 8 por 10 u 8 por 12 pulgadas, en blanco y negro, o en color, según sea el caso, sin montar, con funda protectora de polipropileno.
Los interesados deberán entregar sus trabajos en un sobre cerrado que se identiﬁcará con seudónimo. Además, deberán incluir su identiﬁcación, seudónimo y el nombre de la serie, con los datos del autor: nombre completo, teléfono, dirección, fotocopia de identiﬁcación oﬁcial con fotografía y correo electrónico.
El jurado será integrado por reconocidas personalidades de la fotografía y otorgará tres premios durante el Cuarto Festival Cultural del Sotavento; el primer lugar recibirá 15 mil pesos, el segundo 12 mil y el tercero, ocho mil pesos.
También se entregarán menciones honoríﬁcas, acompañadas por un estímulo de dos mil pesos cada una. La recepción del material está abierta actualmente y concluirá el jueves 11 de septiembre de 2008.
Los trabajos podrán entregarse en la Dirección General de Vinculación Cultural del Conaculta, ubicada en Avenida Paseo de la Reforma Núm. 175, 5o piso, colonia Cuauhtémoc, delegación Cuauhtémoc, de la Ciudad de México, o en los Institutos de Cultura de Veracruz y Tabasco y la Secretaría de Cultura de Oaxaca.
También pueden enviarlos al correo electrónico rcandelas@correo.conaculta.gob.mx o comunicarse al teléfono 01 (55) 41 55 03 88.
Este concurso es organizado por Consejo Nacional para la Cultura y las Artes a través de la Dirección General de Vinculación Cultural, el Instituto Estatal de Cultura de Tabasco, la Secretaría de Cultura de Oaxaca y el Instituto Veracruzano de Cultura. La convocatoria puede ser consultada en la dirección electrónica www.conaculta.gob.mx
(fuente: motimex)

Ganadores concurso de Fotografía Semana Santa 2011 Ministerio de Cultura da a conocer ganadores concurso de Fotografía...
BASES IV CONCURSO NACIONAL DE FOTOGRAFÍA NATALIO PURAS (APECO), 2011 MINISTERIO DE CULTURA SUBSECRETARÍA DE CULTURA PARA LA REGIÓN NORTE...
Premiación IV concurso Nacional de fotografía APECO, blanco y negro (2011) Tesoro de Cimarrón, fotografía ganadora del primer lugar. Artista: Pedro...

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«Busco atrapar la emoción de la música en cada fotografía»

Juan Guzman — Wed, 30 Jul 2008 19:56:14 +0000

A salto de mata MARTA P. ALDARAVÍ FOTÓGRAFA DEL FESTIVAL DE JAZZ DE SAN JAVIER
Una exposición en FNAC repasa en imágenes los once años de historia del festival de San Javier, con sus artistas y sus «expresiones más características»

AUTORA. Marta Aldaraví, con el cartel anunciador del festival. / ALEXIA SALAS
Los astros del jazz le hablan con los ojos. Conoce a la perfección los gestos de los grandes músicos porque se ha pasado horas y horas observándolos, con el dedo en el disparador a la espera de la expresión que define al artista. Marta Pinilla Aldaraví expone ahora en FNAC de Murcia un breve repaso por los 11 años de Jazz San Javier. Emoción, tensión, elegancia, concentración.

- ¿Cuántas fotos habrá hecho a músicos de jazz?

- Sólo a Toquinho le hice 700 fotos. Tengo el dedo flojo, cada momento lo veo especial. No me conformo. Siempre busco ángulos diferentes. No me sacio de hacer fotos. Busco la imagen perfecta. Tengo más de 3.000 fotos por año de Festival, así que tendrá unas 33.000 fotos, aunque de los primeros años hay menos porque usaba negativos de 135 milímetros.

- Debe ser algo así como fotografiar animales en su hábitat salvaje; un trabajo de paciencia.

- Sí, por eso nunca me quedo satisfecha. Al final del concierto, el artista suele sentirse más relajado y le ves más expresividad. Hay que tener mucha paciencia, estar con el dedo preparado para el momento en que gire algo la cabeza. Creo que ésa es mi gran virtud, la paciencia. La tengo con los niños, con mi negocio, con los músicos.

- ¿Qué busca en las imágenes de los músicos?

- Busco su expresión más característica. Atrapar el sentimiento de su música. Los hay poco expresivos. Algunos incluso se hacen perder la motivación y llegan a aburrirte. Pero los grandes artistas suelen tener carácter.

- Tiene que moverse además sin ser visto, para no molestar a los artistas.

- Casi nunca reparan en las fotos. Los baterías sí, porque me gusta hacerles planos laterales y algunos me ven y me echan una sonrisa. El saxofonista James Carter se puso a bailar cuando me vio y Wynton Marsalis miraba a la cámara.

- En estos 11 años de jazz, quiénes han sido los mejores modelos, los más expresivos?

- Leían Elías fue muy dulce y natural. Salomón Burke se comía la cámara por lo inmenso que es. Marsalis es un buen modelo. Y la pianista Hiromi muy difícil de captar porque se mueve muchísimo.

- ¿Y los más complicados?

- Con Van Morrison, que es un pedazo de artista, te quieres lucir, pero puso muchas condiciones, entre ellas que se hicieran las fotos sólo con luz tenue. Además llevaba sombrero y no cambió apenas de expresión.

- ¿Los hay maniáticos para esto de las fotos?

- Sobre todo las mujeres, que piden que saques su lado bueno.

- ¿Le molestaron los flashes al albino Johnny Winter?

- Él pidió que no se usara flashes, pero no los uso en los conciertos. En el camerino no puso ningún problema. Pero algunos, cuanto más famosos, más quisquillosos. Gary Moore no dejó entrar a nadie y limitó las fotos.

- En alguno ha observado una personalidad diferente ante la cámara que lejos de ella?

- Paul Anka es un gran profesional en el escenario, bailó con una señora y se acercó al público, pero luego se mostró muy poco accesible.

- ¿Tiene alguna foto preferida de todos estos años?

-Sí, una de un trompetista concentrado, pensativo antes de comenzar a tocar, mirando hacia abajo. Es Ron Blake, que vino a San Javier el año pasado con Joel de Francesco. Está en la exposición.

(fuente: Laverdad-Miurcia)

Música iluminada. La iluminación es un factor que puede elevar o deprimir...

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Fotografia: Sol de media noche en Marte

Juan Guzman — Mon, 28 Jul 2008 11:55:41 +0000

La sonda espacial Phoenix de la NASA tomó fotografías del llamado Sol de medianoche desde el suelo de la región polar ártica de Marte.

Las imágenes fueron tomadas el pasado 20 de julio entre las 22:00 horas y las 2:00 hora local. El día marciano dura 24 horas y 29 minutos.

En la panorámica formada por las fotografías, se observa el paso del Sol con respecto al polo norte donde ahora, al igual que en hemisferio norte de la Tierra, es verano y el astro no llega a ponerse.
(Fuente: Hechos.TV)

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Objetivo de la fotografía de desnudos

Juan Guzman — Tue, 08 Jul 2008 17:56:31 +0000

8 Julio 2008 | por fada |
Foto: Peter Lindbergh

Aunque suene absurdo preguntarse cuál es el objetivo de la fotografía de desnudos, justamente allí radica la línea en la cual una fotografía es mera exhibición o comunicación de un algo más allá, que está en el cuerpo, pero lo trasciende.

La técnica aplicada en la fotografía artística, luego heredada por la fotografía de desnudos, proviene en su mayoría del arte pictórico, es decir, esos cánones de concepción de lo armónico y la belleza. Hoy, en el arte y la fotografía contemporánea, los ideales de belleza se han modificado, pero lo mismo persiste ese más allá, que sólo una buena fotografía puede llegar a congelar.

Supongamos que el objetivo de la fotografía de desnudos es usar al cuerpo como vía de comunicación de una poética, en su sentido de poiesis (creación), de objeto puesto ante y para discutir a la mirada. Y allí es cuando la tarea no se vuelve nada fácil porque de buenas a primeras no podemos lograr esa poética en la fotografía de desnudos, esa capacidad de que “hable sola”.

Quizás el único remedio que resta a quienes se suben al viaje de la fotografía de desnudos, como la fotografía en general, sea el constante y continuo ejercicio de su mirada, para a través de la lente, recuperar alguna forma de belleza, efímera y vasta, que el mundo nos devuelve en cada paso.

(fotografia.net)

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Despues de la Fotografía: la Contemplación

Juan Guzman — Mon, 23 Jun 2008 20:09:05 +0000

Por : Juan Guzmán-Fotógrafo
Como todo arte, el ejercicio de contemplación de una fotografía demanda una actitud protagonista y visionaria. No basta simplemente con mirar y esperar que la imagen u obra, nos susurre particularmente los moviles que llevaron al autor a realizarla. Ante una escultura no podemos ver solo el molde con rasgos humanos.

Ante una pieza de Vivaldi lo menos que podría ocurrir es imaginarnos las virtudes de cada estación con sus olores y ritmos, borrazca y plácidos instantes de plenitud y tranquilidad. El creador debe participar en toda creación. El vidente debe participar en la obra que mira.
Esta participación tiene como pre-requisito entender la obra, conocer de las circunstancias y condiciones bajo las que fue creada, las motivaciones primarias de quien concibió la misma y mas aún, como esas motivaciones toman su lugar en todo el conjunto expresado. En la pintura, escultura, música o fotografía, deben distinguirse la técnica, el estilo y las cualidades particulares del creador.

Para comprender una obra, en cualquier ámbito del arte, debe previamente estudiarse. Un concepto en decadencia frente al inmediatismo moderno, pero necesario y obligatorio. Esa es la razón por las que tan pocas personas están dispuestas a sacar provecho del disfrute artístico y otros indispuestos a consideraciones críticas ya que el arte requiere de profunda contemplación para entenderse y disfrutarse. La superficialidad en la observación trae consigo falta de comprensión o comprension atrofiada del conjunto de la obra y por ende una experiencia estética insustancial frente a todo lo que una realización artística nos puede llevar a experimentar .

En la fotografía el asunto se profundiza y se presenta con más frecuencia ya que la misma generalmente muestra temas de cierta familiaridad : Un paisaje, Un rostro. El observador asimila los rasgos superficiales de su estructura con rapidez y normalmente no traspaza los linderos un poco más allá. No obstante, entender una fotografía require de conocimiento para dar un paso hacia adelante en su entendimiento. Por tanto quien evalua una fotografía debe saber contestar: Cuando (momento histórico), tema (para colocarle en el nicho expresivo correspondiente), Calidad desde dos ámbitos (transparencia de la técnica y la armonía de los elementos) y por último, no menos importante, estar en la capacidad y disposición de recibir el mensaje que a querido transmitir el artista : humano, social o solamente estético.

De por si el concepto equivocado de que la fotografía es una imitación disminuida de la pintura, justificado por la orfandad de conocimientos con respecto a sus valores propios, hace más dificil calibrar la misma en el proceso de observación. En realidad la fotografía ha sido defendida más como vehículo de expresión artística que como arte mismo.

Además de estos conceptos, propios de la intelectualidad y conocimientos estéticos del observador, existen cualidades inherentes a la buena fotografía, aquella digna del proceso de observación. Estas cualidades, segun Feininger en su obra -El fotógrafo creativo- son las siguientes:

a) La fuerza, el poder, de llamar la atención y retener la mirada.

Ante el volumen incommensurable de imágenes fotográficas en el mundo actual el fotógrafo debe evitar lo común, aún en lo cotidiano; debe inclinarse por lo diferente, en el sujeto o en la técnica. Debe evitar, sin embargo, la novedad por novedad, sin sentido, genio, ni gracia. En el amplio mundo de las técnicas modernas el pastelado, saturación, la perspectiva exagerada, la oportunidad que a otro no inspira, siempre manteniendo la naturaleza del tema, son herramientas de novedad.

b) El poder de Comunicar una experiencia.

Mensaje o significado dirigido al intelecto. Por decirlo de algún modo una buena fotografía es una experiencia educativa. Las fotografías excelentes son el resultado del alto grado de interés que sobre la misma pone el fotógrafo en el momento de su realización.

c) Capacidad de crear impacto emocional.
Si el autor se sintio sobrecogido, excitado, hasta triste al realizarla, debe lograr transmitir esto, parcialmente por lo menos, al observador.

Humor, orgullo, compasión, ira, felicidad, tristeza. La obra fotográfica lo transmitirá en una relación proporcional a los sentimientos del artista, los cuales deben ser auténticos y expresados con honestidad, lo que eleva el contenido de la obra. De forma contraria se caería en lo ridículo, falso y manipulado.

d) Poder de expresión gráfica.

Junto a los elementos de composición, comunes a todas las artes plásticas, la fotografía puede adicionar: contraste, nitidez, movimiento, encuadre, etc, factores que contribuirán a la expresión gráfica adecuada y así a que el mensaje y los sentimientos del autor lleguen con mayor fuerza al público.

Finalmente, como todo lenguaje, la fotografía toma su nivel a traves del dialogo, comunicación entre fotógrafo y vidente. El grado que esta comunicación alcance dirá de la calidad del mensaje gráfico. Por eso, hoy más que nunca, las técnicas deben utilizarse como colaboradoras de la expresión gráfica, una carga excesiva de tecnicismo es un obstáculo a la comunicación de la idea primaria. La fotografía con una carga de preciosismo técnico aniquilante del mensaje primario se constituye en un monólogo vacio. Si queremos imitar la estética de la pintura abstracta no figurativa cometemos el error de convertir la fotografía en una pieza decorativa, aunque ésta sea exquisita.
Juan Guzman/dfotoart.com

George Eastman vigente a 79 años después de su muerte El inventor estadunidense George Eastman, pionero de la fotografía y...

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De vocación, fotógrafo. Entrevista con Ramón Masats

Juan Guzman — Mon, 23 Jun 2008 11:45:30 +0000

22 de junio de 2008
Ramón Masats,fotógrafo
Creo que hay que ser aficionado a la fotografía para ser fotógrafo profesional: si lo haces por dinero, la cosa no marcha bien

¿Qué le impulsó a ser fotógrafo?, ¿cómo empezó y cuándo supo que la fotografía era su vocación?
Debió de ser en 1951, cuanto tenía unos veinte años. Estaba haciendo la mili y cayó en mis manos una revista de fotografía. Yo tenía cierta querencia a la idea de hacer algo creativo; había intentado dibujar pero lo hacía muy mal, y viendo aquella revista de arte fotográfico me dije: «coño, la fotografía podría estar bien». Así que me compré una cámara y empecé a hacer fotos como las que hacemos todos, de amateur, y me fue gustando y le fui cogiendo afición… Lo primero que hice en serio fue irme a Pamplona a hacer una especie de reportaje sobre los Sanfermines, para ver qué tal se me daba, y se me dio bien. Lo vieron mis amigos y les gustó. Y como se me daba bien y además tenía diferencias con mi padre –de aquella trabajaba en el mercado de Terrassa, cerca de Barcelona–, pues decidí venirme a Madrid a ser profesional.

¿Cuántas fotos ha realizado en su vida que se hayan expuesto y cuándo empezó a exponer?
Que se puedan exponer, mejores o peores, debo de tener unas cuatrocientas o tal vez quinientas fotos. Mi primera exposición fue en el año 1955 o 1956, y fue con Ricard Terré y Xavier Miserachs. En aquel momento éramos fotógrafos aficionados y la exposición era temática: trataba sobre las Ramblas, un tema bastante típico, pero es que a mí siempre me han gustado mucho los tópicos, me gusta darles la vuelta… Y la cosa salió bien, a la gente le gustó mucho, así que yo me dije: «esto es lo mío», y en seguida, en 1957, me vine a Madrid. Desde entonces he expuesto muchas veces, en muchos sitios distintos.

¿Sigue haciendo fotos?
Sí, pero ahora muy pocas, porque ya no me gusta como antes. Prefiero estar en mi rincón, leyendo; no me gusta salir. De vez en cuando llego incluso a rechazar buenas oportunidades que me ofrecen, a no ser que sea algo que me guste muchísimo. El último trabajo que he hecho ha sido un libro sobre Cuenca, y de esto hace ya más de un año. O sea, que se puede decir que ya estoy retirado. En cuanto a fotografiar sin encargo, por gusto, de vez en cuando cojo mi Leica y hago algunas fotos, con amigos, pero no muchas.

¿Qué tipo de técnicas y cámaras maneja?
Ramon MasatsUtilizo una cámara analógica, como he hecho siempre. Sigo utilizando la misma película que cuando empecé, y tengo una Leica, una Nikon y una Hasselblad. Tengo los tres equipos muy completos, con muchos tipos de objetivos, pero, aun así, la gente se ríe de mí cuando voy con mis cámaras porque todo el mundo usa las digitales. Y me parece muy bien, cómo no; si yo empezara ahora, empezaría con digital. Pero como siempre he sido muy mal estudiante, no tengo ninguna gana de ponerme ahora a estudiar otra cámara. Además, con lo poco que trabajo ahora… Eso sí, le he comprado una digital a mi mujer, que a veces me dice: «mira, puedes ver la foto aquí», y yo digo «sí, sí, muy bien», pero… En cualquier caso, la fotografía digital ya se ha impuesto.

¿Cómo cree que ha cambiado el mundo de la fotografía la llegada del digital y de los programas informáticos como Photoshop, que permiten retoques de todo tipo? ¿Cómo afecta al trabajo del fotógrafo?
Yo apenas toco nada de todo eso, así que poco puedo contar. Hombre, algo sí me afecta porque, como no tiro diapositivas, cuando tengo que hacer una exposición o cuando me piden fotos, lo que hago es escanear el negativo en el laboratorio de Juan Manuel Castro Prieto, y allí lo vemos en pantalla, de manera que positivo desde el ordenador, pidiéndole que suba un poco aquí, que aclare un poco acá, etc. Antes eso no se podía hacer: lo que tenías era lo que salía y no había más. En ese sentido, el trabajo del fotógrafo ha mejorado mucho y yo me aprovecho de las ventajas del digital aunque siga fotografiando en analógico. No soy nada estricto ni purista, creo que hay que aprovechar lo que ofrece la técnica, me parece algo absolutamente razonable. A lo que sí me he negado desde el principio es a utilizar el ordenador. Mi mujer me regaló uno y vino uno de mis hijos que sabe mucho de digital y que me dijo que me iba a enseñar. Me dio una lección que duró un par de horas, y yo lo apuntaba todo con muy buena voluntad, pero nada, como soy muy mal estudiante, no aprendí nada. No lo he vuelto a usar, y si necesito hacer alguna cosa con ordenador, o se lo pido a mi mujer o a mis hijos. Desde luego, yo ahora no me voy a meter, no me interesa, por mucho que me digan que se aprenden muchas cosas…

¿Cómo es que estuvo una temporada sin hacer fotos y trabajando para televisión?
Nunca trabajé directamente para televisión, sino que colaboraba; me llamaban para algún programa o alguna cosa que les parecía que podía hacer bien. Fueron dieciocho años en los que abandoné la fotografía y me dediqué al cine. Hice también mucha publicidad y una película. En aquel momento me pareció buena idea apartarme de la fotografía. Y si me dediqué al cine fue porque necesitaba que las imágenes se movieran y, sobre todo, que hubiera montaje: necesitaba montar las imágenes, poder poner un plano detrás de otro, porque en las revistas y en los demás sitios en los que trabajas como fotógrafo, esa es una tarea que hacen otras personas y lo hacen como les parece. Así que me dediqué al cine con la misma pasión que me había dedicado a la fotografía, pero llegó un momento de síntesis, en el que me pareció que ya podía prescindir del movimiento, y me di cuenta de que, de algún modo, estaba volviendo a la fotografía. Aquello coincidió con un momento en el que los realizadores se propusieron hacerse fijos en Televisión Española –a lo que tenían todo el derecho–, creyendo que podían contribuir a mejorar la televisión desde dentro, aunque después se ha visto que no fue así. Y como a mí nunca me ha gustado ser fijo en ningún sitio y como, afortunadamente, tenía otro oficio –a diferencia de muchos de los realizadores, que dependía de las dos únicas cadenas de televisión que había entonces, la primera y la segunda– yo dije que no y me salí. Y coincidió también con una oferta de publicar fotografías que me hizo Lunwerg, una editorial que estaba comenzando en aquella época. Así que empecé con ellos a hacer libros de fotografía en color. Antes siempre había trabajado en blanco y negro, pero cuando dejé la televisión y el cine, me pasé al color. Por lo demás, lo de dejar la televisión no fue tajante; aún me siguieron pidiendo algunas cosas como colaborador, así que me fui desvinculando paulatinamente. Creo que lo último que hice para televisión fueron tres documentales para la Expo’92.

¿Ha influido de algún modo en sus fotos su paso por el cine y la televisión?
Ramon MasatsYo creo que no.

¿Cómo surgió la idea de hacer una exposición montando dípticos con fotos nuevas y antiguas?
La idea se me ocurrió porque me di cuenta de que las fotos que estaba haciendo en los últimos tiempos tenían mucho que ver con las fotos en blanco y negro que tomé cuando era aficionado; eran fotografías más estéticas, mostraban otra forma de ver la fotografía. Y me apeteció ponerlas juntas. Me pareció que era un poco como el pez que se muerde la cola…

¿Por qué en sus fotos más recientes apenas sale gente, mientras que en las anteriores hay personas por todos lados?
Sí, eso está bien visto. Pero no lo sé, yo creo que me he cansado de retratar gente. Además, la gente se ha vuelto más agresiva: te preguntan que para qué es, que por qué haces esa foto… Así que he elegido fotografiar otras cosas, es un trabajo más tranquilo. Eso sí, lo que fotografío es siempre obra del hombre; puede que no retrate a las personas en sí, pero siguen presentes a través de la obra que, consciente o inconscientemente, hace el hombre y que es casi arte. Así es como yo lo veo y lo fotografío. En definitiva, en mis fotografías no hay cosas que no tengan que ver con el ser humano.

Y el paso del blanco y negro al color, ¿ha sido decisión suya o se ha debido a motivos técnicos?
En términos generales, yo hago lo que me piden los editores: cuando hacía blanco y negro era porque las revistas se imprimían en blanco y negro y los libros también. Y después de esos años dedicados al cine y la televisión, cuando volví a la fotografía, ya se hacía todo en color. Pero cuando me encuentro con algún encargo en el que puedo elegir, como el de fotografiar la Terminal 4 del aeropuerto de Barajas cuando estaba recién terminada y aún no se había puesto en funcionamiento, entonces tomo la decisión en el último momento, de manera intuitiva; a Barajas fui sin saber qué iba a hacer y me llevé película de los dos tipos. Eso sí, lo que no hago nunca es hacer blanco y negro y color en la misma sesión, de eso soy incapaz; es como si me pusiera el chip del color o del blanco y negro y ya no pudiera salir de ahí. Pero cuál chip me pongo lo decido sin ninguna razón concreta; a veces, si hay mucha luz o si se da cualquier otra circunstancia, lo veo y me digo: «esto es blanco y negro». Ya os digo, es algo intuitivo.

¿Cómo se inspira para hacer fotografías y qué es lo que le gusta expresar con sus fotos?
No sé qué es lo que me decide a hacer una foto. Normalmente no voy con una idea preconcebida… Hombre, si tengo que hacer un libro sobre una ciudad, sí sé lo que hay que fotografiar, pero incluso en estos casos soy muy intuitivo, de repente veo una foto, la hago y ya está. Vas paseando por la calle y ves una cosa que te llama la atención, así de sencilla es mi fotografía. Por eso el título de mis fotos es siempre el sitio donde se han tomado y el año, no tengo nada más que explicar. Verbalmente no soy nada poético.

¿Qué otras aficiones tiene además de la fotografía?
Tiene gracia la pregunta porque, en efecto, yo creo que hay que ser aficionado a la fotografía para ser fotógrafo profesional: si lo haces solamente por ganar dinero, la cosa no marcha bien. Yo siempre he hecho fotos por afición; aunque ahora ya no me guste tanto tomar fotografías, sí me gusta haberlas hecho. Por lo demás, tuve una gran afición al atletismo. Cuando tenía dieciséis o diecisiete años lo sabía todo del atletismo, las marcas, las formas de entrenamiento, los nombres… Todavía no tenía dieciocho años y ya me propusieron que fuera ayudante del entrenador del club en el que estaba. Era una afición muy intensa, la misma que cogí por la fotografía. Y luego está mi gran afición, la que he tenido siempre, y que es leer. Estar en mi rincón leyendo es lo que más me gusta. He leído de todo, pero ahora lo que más leo son cuentos, porque como leo a la vez varias cosas, con las novelas, cuando las vuelvo a coger, es probable que ya no me acuerde de quién es tal o cual personaje, y tenga que volver para atrás. Con la edad, la memoria falla mucho, aunque no tenga alzheimer. Por eso prefiero las narraciones cortas.

¿Le gusta el fútbol? ¿Es usted de algún equipo?
Por ser, soy del Barça. Pero no, no me gusta el fútbol. No soy aficionado. Si ponen un partido del Madrid o del Barça contra algún equipo extranjero, igual lo veo con el sonido apagado y mientras hago alguna otra cosa. Soy más aficionado a los toros, o al menos lo era, porque últimamente tampoco me interesan: ya no están los toreros que me gustaban.

¿Cómo hizo la fotografía del cura parando el gol y por qué fotografió a un cura y no a un futbolista?
La foto forma parte de un reportaje sobre un seminario de Madrid que hice por encargo de la revista Gaceta ilustrada, y allí en el seminario estaban los curas jugando al fútbol y salió esa foto, una foto que odio: estoy tan harto de ella… Por cierto, que hace pocos años me pasó una anécdota divertida. Me llama un cura y me dice: «que yo soy el que para el balón en la foto esa que tienes». Fijaos, después de tantos años, el tío me localizó. Y entonces se montó un tinglado tremendo, porque yo soy muy amigo de Chema Conesa, el subdirector de fotografía del suplemento dominical de El Mundo, y él para localizarme había llamado al periódico y había conseguido hablar con Chema. Pero no quedó ahí la cosa, porque el cura también localizó al que chutaba el balón en la foto, y ése se había quitado de cura… En resumidas cuentas, nos fuimos todos al seminario, que sigue en el mismo sitio donde estaba y está exactamente igual –la única diferencia es que los chavales ya no llevan sotana y que casi todos son negros o sudamericanos– y Chema tomó unas fotos e hizo un reportaje que se publicó en El Mundo. En definitiva, se organizó un follón enorme tantos años después, porque la foto es de 1959, así que fijaos. Lo que pasa es que durante el tiempo que estuve haciendo cine yo no era conocido como fotógrafo. Fue después, cuando estaba yo tan tranquilo aquí en mi casa, y un amigo, Publio López Mondéjar, llamó a los de La Fábrica y les convenció de que vinieran a ver mis fotos. Se las enseñé, les gustaron, me hicieron un portfolio en Matador y a partir de ahí ya empecé a ser un poco conocido como fotógrafo, aunque yo no he puesto nada de mi parte. Y no es que yo rechace la fama o que no me guste, es algo que siempre te halaga, y bienvenida sea, pero lo cierto es que yo no he hecho nada para ser conocido.

¿Qué opina sobre los graffiti?, ¿los considera un arte?
No me gustan nada, no tengo nada a favor de los graffiti. Me parece un ensuciar las paredes sin sentido, y esa idea del graffiti de querer ser alguien pintando tu nombre en una pared me parece completamente absurda. El rap tampoco me gusta nada. Además, ya lo hizo hace muchos años Lola Flores cantando flamenco por Jerez… Y es que a mí, todo lo que imitan de EE UU me jode; ese dominio de lo norteamericano siempre me ha fastidiado. Lo siento, porque estoy quedando como un retrógrado, pero me da igual. No me gusta.

¿Hay alguna fotografía que le hubiera gustado hacer pero no haya podido?
Alguna vez me ha pasado, pero muy pocas. Generalmente, lo que he querido hacer, lo he hecho. Pero sí me acuerdo de una foto que me hubiera gustado hacer: fue en Estocolmo, en 1998 o 1999 o así. El Instituto Cervantes había llevado allí la exposición que hice en el Círculo de Bellas Artes y que se movió por distintos sitios de Europa. Y me arrepiento de no haber tomado una foto de una estatua blanca, de una chica, a la que le habían pintado de negro las axilas y el pubis: era negro, negro, negro sobre la estatua blanca y estaba nevando… Recuerdo que luego pensé: «que estúpido has sido al dejar pasar la ocasión», porque todavía hoy la veo perfectamente, pero en aquel momento no se me ocurrió hacerla. Eso es que ya el cerebro estaba mucho más lento que antes; de joven seguro que la hubiera hecho. Creo que es casi la única foto que me he quedado sin hacer, porque cuando no voy a trabajar no suelo ir con cámara ni tengo visión de fotógrafo; no voy por ahí pensando: «mira qué foto más bonita hubiera podido hacer si hubiese traído la cámara». Cuando cojo la cámara para hacer fotos, entonces sí voy viendo las cosas desde el punto de vista del fotógrafo, y a lo mejor voy a hacer fotos a un bautizo o una boda de amigos, y entonces sí busco y encuentro fotos que a lo mejor no son de la celebración, sino de otras cosas –en cualquier sitio puedes encontrar una buena foto–, pero cuando dejo la cámara ya no siento ninguna necesidad de fotografiar. A mí me gusta mucho mirar a la gente por la calle. Cuando terminaba de trabajar, sobre todo en Andalucía, me sentaba en la terraza de un bar a ver pasar a la gente y me parecía una sensación maravillosa y en ningún momento echaba de menos la cámara.

¿No se enfadan las personas a las que retrata por la calle?
No, no he tenido ningún problema. Bueno, una vez, tuve un pequeño problema con un señor que se enfadó, pero fue hace muchos años, haciendo un documental sobre las Ramblas, con unos socios del Barça. Se solucionó enseguida. Últimamente, como decía antes, la gente es más reacia y con razón, porque las personas tienen derechos sobre su propia imagen, que es algo que la gente no sabía o no pensaba en los años en los que yo hacía más fotografía. En cierto modo, nos aprovechábamos un poquito de ellos. Desde luego, vale más el derecho a la imagen de una persona que el que yo haga una foto. A lo mejor es que empiezo ahora a tener más respeto por la gente…

¿Cuál ha sido el trabajo de fotografía que más le ha afectado?
No fue un trabajo fotográfico; estábamos rodando un documental sobre las Islas Canarias y trabajaba con un operador que se había comprado una radio. Recuerdo que habíamos terminado ya el rodaje cuando entró en mi habitación y me dijo que había oído por la radio que acababan de estrellarse dos Jumbos en el aeropuerto de Tenerife. Me dijo: «mira Ramón, no tiene nada que ver con el trabajo que estamos haciendo, pero el aeropuerto está aquí mismo y yo creo que tenemos la obligación de ir todo el equipo a ayudar en lo que sea». Así que nos fuimos allí y aquello es lo que más me ha afectado en mi vida: era todo, lo que se veía, el olor… Fue una experiencia tremenda. Y luego las imágenes nunca se emitieron: eran horrorosas.

Las preguntas que componen esta entrevista fueron realizadas por los alumnos de 1º de bachillerato de ciencias sociales del Colegio Begoña y por los alumnos de 4º de ESO del Instituto de Enseñanza Secundaria Valdebernardo, ambos de Madrid.

Fuente: Revista Minerva

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Fotografia de Edward Steichen

Juan Guzman — Sat, 21 Jun 2008 12:03:38 +0000

Amelia Castilla 21/06/2008

Destacó en todos los campos. Pintor, colaborador de Camera Work, conservador del MOMA, fotógrafo de moda y de guerra. La obra fundamental de Edward Steichen se exhibe en dos exposiciones, en el Museo Reina Sofía y en el Museo del Traje de Madrid.

Fotógrafo, pintor, horticultor y conservador del MOMA. La vida de Edward Steichen (Bivange, Luxemburgo,1879-Umpawa, Estados Unidos, 1973) abarca buena parte de la historia de la fotografía. Como los realmente grandes, Steichen destacó en todos los campos y géneros: experimentó con la fotografía pictorialista, colaboró desde sus inicios en la mítica Camera Work, fue aclamado como fotógrafo de moda en Vanity Fair y Vogue durante los años treinta, organizó las unidades de la fotografía aérea en la Primera Guerra Mundial para el Ejército estadounidense en Francia y el naval en la Segunda Guerra Mundial en el Pacífico, ejerció como conservador en el departamento de fotografía del MOMA de Nueva York y brilló como jardinero, una afición que tuvo su reflejo en sus negativos y en su vida.

Su labor como conservador del MOMA todavía sigue siendo una referencia para los profesionales de los museos

Tras años de olvido, la obra fundamental del que fuera considerado en su día como el fotógrafo más famoso del momento, se exhibe por primera vez en España en dos grandes exposiciones paralelas: Edward Steichen. Una epopeya fotográfica, una retrospectiva en el Museo Reina Sofía de Madrid con casi trescientas fotografías, material documental (maquetas originales, catálogos…) y la recreación de algunos de los montajes que realizó para el museo neoyorquino y, otra, en el Museo del Traje de Madrid, Edward Steichen, fotografía de moda (los años de Conde Nast, 1923-1937), donde se exhibirán las fotos que realizó para las revistas de esta editora periodística, entre las que se cuentan retratos de Coco Chanel, Fred Astaire y Gary Cooper. Ambas muestras reúnen únicamente su trabajo en blanco y negro, aunque trabajó con color. Las dos muestras, que se inauguran este martes y permanecerán abiertas hasta el 21 de septiembre, han pasado por París, Lausanne y Reggio Emilia y pretenden ser un reflejo preciso de la prolífica obra de este artista.

Que la fotografía forma parte del arte es ya un hecho contrastado, pero en la época en que Edward Steichen desarrolló su carrera había que demostrarlo y a ello dedicó toda su vida. De hecho, no se conocen demasiados nombres de profesionales que se hayan utilizado como verbo: que Steichen captara tu retrato significaba ser esteichenizado. “Odio la especialización, es la ruina del arte”, aseguró en un momento de su carrera. Como autor sus pasiones fueron más que variadas: retratos (el de Rodin sigue siendo objeto de estudio), desnudos, fotografías de flores, moda, danza, teatro, bodegones, paisaje, naturaleza. Básicamente los elementos de sus retratos mantenían una sobriedad y una sencillez que marcaron su trabajo. Una de sus imágenes, El estanque-Salida de la luna, realizada en 1904 se subastó en Sotheby’s en 2006 por 2,4 millones de euros, lo que la sitúa como una de las fotografías más caras de la historia. “Pasó de ser el enfant terrible en 1900 al fotógrafo mejor pagado en 1925, y en 1950 el conservador más poderoso del sector”, asegura William A. Ewing, director del Museo de l’Elysée, y uno de los comisarios de la muestra del Reina Sofía en el catálogo.

Su formación fue autodidacta. Tras trasladarse con su familia a Estados Unidos, compró su primera cámara a los 16 años, para entonces ya trabajaba como aprendiz de una empresa de litografías de Milwaukee y al poco de ingresar en la compañía propuso promover la fotografía como fuente de imágenes más realistas para la publicidad de la empresa. Con ese ímpetu se movió siempre. En esos años de aprendizaje se entregó plenamente a la causa abanderada de la vanguardia. Aprendió lo que pudo de fotografía en la biblioteca de Milwaukee, donde descubrió la revista Camera Notes, la publicación norteamericana más influyente en ese momento, dirigida por Alfred Stieglitz, impulsor del potencial artístico de la fotografía, a la que deseaba situar al nivel de la pintura. Steichen no tardó en meter sus fotos en la revista y tratar directamente con Stieglitz, que en poco tiempo se convirtió en su mentor. Los pictorialistas firmaban y fechaban sus obras como cuadros y juzgaban cada fotografía por sus cualidades estéticas. Complejos procesos de revelado a mano y manipulaciones del negativo para conseguir el efecto artístico deseado les llevaron a rechazar el papel de revelado preparado industrialmente y las cámaras y lentes de precisión de fácil manejo. Stieglitz y Steichen acabarían desarrollando todo su potencial en otra revista, Camera Work, cuenta Catherine Coleman, conservadora jefe de fotografía del Reina Sofía y directora del simposio internacional Steichen y sus contemporáneos, que se celebrará en Madrid el 26 y 27 de junio y que contará con la presencia de la viuda del fotógrafo, Joana T. Steichen, así como destacadas personalidades del mundo de la fotografía y del arte.

En Camera Work, la revista que marcaba las tendencias del momento, Steichen publicó retratos, paisajes neblinosos, motivos arquitectónicos y desnudos femeninos -uno de ellos se exhibía a la venta la pasada semana en la feria Art Basel-; los desnudos fueron una constante en su obra. Un crítico los describió como “una extraña procesión de formas femeninas, ingenuas, amorales y prácticamente asexuadas”. William Ewing cuenta que la relación del fotógrafo con las mujeres no fue fácil; ellas deseaban pasear a su lado y él se mostraba encantado de estar con ellas, pero su arte iba por delante. En sus negativos, a las señoras le gustaba colocarlas en su entorno, rodeadas de flores o de muebles de época. Los hombres, salvo que fueran escritores o celebridades, no le interesaban como objetivo fotográfico. En Camera Work logró sus mayores halagos y alabanzas: “En sus fotografías ha logrado expresar la perfecta fusión entre objeto y sujeto”. Sin embargo, como suele ocurrir con demasiada frecuencia, los piropos no se correspondían con una situación económica boyante. Cuando decidió dejar Milwaukee y viajar a París lo hizo con sus ahorros y vivía de ocasionales ventas de arte. Fue el protegido de Auguste Rodin (le llamaba “mon fils”) y uno de los pocos que le retrató. En uno de los catálogos de la muestra se cuenta que en una ocasión el escultor le encontró llorando en su estudio, angustiado por sus dudas como artista. La respuesta de Rodin ante las lágrimas sonó como un diagnóstico: “Ahora sé que eres un gran artista y que estás hecho de la pasta adecuada. Si yo no tuviera todavía esos momentos sabría que estoy acabado”.

Durante su etapa parisiense, Steichen se encontró inmerso en el mundo de las bellas artes. Al tiempo que pintaba realizaba fotografías pictorialistas -usaba la fotografía para captar “el carácter y la expresión del momento” y obtenía fotografías mediante diferentes procesos de manipulación que denominaba peinture à la lumière-. Su trabajo en la capital francesa se complementaba con el montaje de exposiciones. Pionero en promover muestras de Picasso, Cézanne, Matisse y Brancusi, introdujo el arte moderno en Estados Unidos y en cierto modo ejerció como “cazador de talentos” para la revista en la que trabajaba.

Pero Steichen no era un hombre capaz de entregarse a una sola idea. La relación personal y profesional con Stieglitz acabaría por deteriorarse. Éste pensaba que Steichen no dedicaba suficiente tiempo a la fotografía y sí demasiado a hacer pinturas decorativas. Tampoco Steichen se sentía cómodo. En su última colaboración en la revista, a modo de despedida criticó que Camera Work se hubiera convertido en una copia de sí misma mientras el mundo ardía en la Primera Guerra Mundial.

La contienda acabaría por cambiar su vida. Tras dejar la revista se alistó como fotógrafo de guerra y posteriormente dedicó sus mejores esfuerzos a defender “el arte comercial”. Una vez más en su vida, cambiaba de dirección abruptamente. Decidió dejar definitivamente la pintura y dedicarse sólo a la fotografía. Dejó atrás su casa alquilada en las afueras de París, donde cultivaba su propio jardín y experimentaba con las plantas, y busco en Nueva York mejores oportunidades financieras. Había cumplido los 43 años, acababa de divorciarse de su primera esposa, tenía que enfrentarse a la educación de sus hijos y pagar numerosas deudas cuando le llamaron del imperio Condé Nast. Fichado en 1923, en el curso de una comida para sustituir a su jefe de fotografía que acababa de dejarles por la empresa de la competencia, para las revistas Vogue y Vanity Fair, Steichen empezó un nuevo camino. Y llegó, como de costumbre, arrasando. Al poco aconsejó a la directora de Vogue que aspirara a las estrellas -”haz de Vogue un Louvre”- y previó cuán poderoso acabaría siendo el mundo del cine. Fue uno de los precursores de la fotografía de moda. Sus imágenes efímeras se difundían en masa pero resultaron tan modernas que impactaron a muchas personas. Paul Poiret, Jeanne Lanvin o Elsa Schiaparelli pusieron sus colecciones ante su cámara. Más de mil actores y actrices posaron para él en trabajos cruzados que vinculaban la moda y el cine. Sus innovadores retratos en Vanity Fair inmortalizaron a personajes como Cecil B. DeMille, Pirandello, Greta Garbo, Gershwin, W. B. Yeats, Thomas Mann y Churchill, entre otros.

El actor en una fotografía tomada en 1933. Howard pasó a la historia por su interpretación de Ashley Wilkes en Lo que el viento se llevó. En el momento en el que se tomó la fotografía, Howard ya había rodado varias películas, pero sobre todo era conocido por sus actuaciones en las producciones de Broadway

Harto de celebrities y de glamour, Steichen dimitió de su cargo en 1938 y se fue a México. Una vez más la guerra vino a aclararle las cosas. Se decantó por lo que denominaba la fotografía útil. Organizó las unidades de la fotografía naval para el ejército estadounidense en la Segunda Guerra Mundial en el Pacífico. Al acabar la contienda colgó las cámaras para trabajar como comisario del Museo de Arte Moderno de Nueva York. Su labor como conservador del MOMA después del conflicto bélico todavía hoy sigue siendo una referencia para los profesionales de los museos. The Family of Man pretendía levantar el ánimo de la humanidad tras la contienda y fue admirada por diez millones de personas en todo el mundo desde 1955 hasta 1962. Antes de fallecer, a los 94 años, tuvo tiempo para diseñar vidrieras, tejidos para vestidos de seda, echarpes, dos pianos de cola, libros ilustrados y murales. Todo compaginado con el cultivo de flores.

Como todos los que se adelantaron a su tiempo, pagó también el precio de la fama con críticas severas. La tensión entre la fotografía artística y la comercial no se ha acabado pero él figura como el representante más emblemático de esa disyuntiva. Brilló en ambos campos. Algunos de sus contemporáneos le calificaron como “el Leonardo de la fotografía”, pero para sus detractores se trataba de un suministrador de “elegancia de nuevo rico y técnica escurridiza”. Su muerte no sólo no apagó su estela sino que su trabajo forma ya parte de la historia de la fotografía, aunque algunas de las polémicas que suscitó sigan vigentes. ¿Arte o comercio? Horacio Fernández, profesor de Historia del Arte de la Facultad de Cuenca y experto en historia de la fotografía, considera la polémica tan anticuada como aburrida. Los más críticos consideran que se trata sólo de imágenes efímeras difundidas en masa. “La fotografía publicada no es lo raro sino la norma. Por definición la fotografía es reproducción y es múltiple y el arte necesita cosas únicas. Hubo un momento en que los autores revelaban sus propias fotos en el laboratorio, pero ahora todo se hace en la misma imprenta de Alemania”, asegura Fernández, que participará como ponente en el simposio en el que se debatirá sobre la obra de Steichen. Como experto en la materia le apasiona el trabajo que desarrolló como fotógrafo de guerra y como conservador del MOMA. No le interesa en exceso el mundo de las tendencias. Su idea es que la fotografía de moda dura lo que la “espuma” y que lo normal, salvo excepciones entre las que caben los nombres de Man Ray o Irving Penn, es que las modas pasen y las fotos con ellas. La opinión de Fernández es que “la moda se ha convertido con el paso del tiempo en un gran negocio y las imágenes contribuyen a agrandarlo de una manera perversa creando modelos de cuerpo y de belleza. Es lógico que las empresas busquen a gente muy brillante”.

(Fuente: El Pais.com)

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