Berlín reúne la más ambiciosa retrospectiva de Richard Avedon, el hombre que elevó la fotografía a categoría de arte y que fue la mirada más valorada por la moda, los famosos y los poderosos.

Marilyn Monroe. richard avedon

ITZIAR REYERO. BERLÍN. Marilyn Monroe, Audrey Hepburn y Marlene Dietrich son algunas de las estrellas del firmamento hollywoodiense que pasaron por el estudio de Avedon, muchas de cuyas imágenes se convirtieron en iconos de su tiempo.
Su serie Family retrata a los máximos representantes de la jet set estadounidense, como los poderosos políticos de la talla de Nixon, George Bush, Gerald Ford y los Kennedy o intelectuales como Susan Sontag y Salman Rushdie.
Bob Dylan, Janis Joplin, los cuatro Beatles, el escritor Samuel Beckett, el poeta Ezra Pound, el director de cine Jean Renoir o el artista Francis Bacon son otros de los que posaron ante él.
Pero, el fotógrafo, comprometido en la lucha contra los derechos civiles, no hizo diferencias de clase y junto a estos grandes nombres de la sociedad norteamericana retrató a las caras anónimas y figuras trágicas de los núcleos más deprimidos del país.
A este último grupo pertenece su serie In the American West, en la que presenta con crudeza a obreros, granjeros, camareras de bares de mala muerte que miran a la cámara sin tapujos y mineros que acaban de salir de la gruta embadurnados de hollín.
Hombres retratados -con independencia de su condición social- al natural y sobre un fondo blanco por Avedon que en su condición de antropocentrista
-su interés por los paisajes es escaso- colocó al hombre en el centro de la creación.
La cámara del genio neoyorquino logró inmortalizar las intimidades del retratado o, según sus propias palabras, captar los “contenidos inexplorados del rostro humano”.
El director del Martin-Gropius, Gereon Sievernich, subrayó en la rueda de prensa de presentación de la retrospectiva que la exposición -la “más bonita” realizada por el museo hasta la fecha- constituye una invitación “a mirar a la Historia de la Fotografía” de la mano de Avedon.
“Su obra es impactante, sus retratos conmueven. Un fotógrafo que logra eso, quizá no tiene la verdad, pero sí está cerca”, señaló el responsable del museo tras advertir que, aunque normalmente se le conoce como un fotógrafo de la moda, “hay otro Avedon”.
La directora de la Fundación Richard Avedon, Norma Stevens, calificó al fotógrafo como “genio apasionado y entusiasta” y “amante de la perfección”.
La exhibición, dividida en ocho salas, supone un recorrido cronológico a las obras más influyentes del estadounidense, entre las que destaca el retrato en grupo de Andy Warhol and Members of the Factory, un altar de diez metros de largo por tres de ancho.
En esta imponente composición aparecen, de pie, vestidos o desnudos, algunos de los habituales del Factory, uno de los lugares donde empezó a fraguarse la revolución artística y sexual de los años sesenta.
Entre sus primeras obras destaca su majestuosa instantánea de la modelo Dovima entre unos enormes elefantes, una imagen que atraparía toda la atención de la habitación, si no fuera porque comparte espacio con otras grandes de la pasarela como Suzy Parker y Twiggy, que visten elegantes trajes de Dior, Cardin y Balenciaga.
Especialmente celebrado es su retrato a una frágil Monroe -cuya mirada parece anunciar su suicidio- o la fotografía a Charles Chaplin, quien despide la era McCarthy haciendo un gesto de demonio, como si quisiera mandarlo al mismísimo.
Sobresalen también sus fotos de la última noche de 1989, año de la caída del Muro, en la que retrata el contraste entre el júbilo de los berlineses y su angustia por un futuro incierto.
La exposición Richard Avedon: fotografía 1946-2004, que se abrirá al público este domingo, es fruto de la colaboración de Louisiana y la fundación que lleva su nombre y está previsto que el año que viene visite Amsterdam y San Francisco.

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Por Luis Bonich

El “Mes de la Fotografía/Bariloche”, en su 12° edición intenta lograr como en el transcurso de estos años, ser el punto de encuentro, de cada vez más diversas propuestas fotográficas provenientes de todo el país.

La muestra comienza el 25 de Septiembre y se extenderá hasta el 25 de Octubre; fue declarada de Interés Parlamentario, por la Cámara de Diputados de la Nación, De Interés Provincial por la Legislatura de la Provincia de Río Negro y de Interés por el Consejo Deliberante Municipalidad S. C. de Bariloche. Mientras que el 18 de septiembre se inaugurará en la Secretaría de Turismo de la Nación. Suipacha 1111. Auditorio. Bs. As.

Contará con la presencia de los fotógrafos: Ataulfo Pérez Aznar, Don Ripka, Ricard, Martiniuk, Pablo Añeli, Martín Acosta, Mariano Salomón, Emiliano Lasalvia, Hernán Villar, Daniel Cabaza, Martín García y Ariel Ríos, Javier Mosquera, Agustina Roacio, Tamara Barrueco de Vansay, Natalia Henkel, Lucía López, Fabián Oger, Irina Dambrauskas, Axel Pincemin, Marcos Rodríguez, Raúl Cárdenas, Luis Seróni fotógrafos (emergentes) locales, y de Villa La Angostura.

La profesora Julieta Escardó, y por su puesto la participación de los fotógrafos profesionales, organizadores y mentores de este importante evento a nivel nacional Luis Bonich y Andrea Bravo.

También contaremos con la participación especial de Yael García Ruiz, la Dra. Analía Woloszezuk (Abogada), Alejandro Montes de Oca y Alejandro Reynoso.

A continuación, el programa oficial.

Prensa. Agente Oficial: Luciano Giudice.

“Mes de la Fotografía / Bariloche” 12° edic. 2008
Declaración de Interés Parlamentario, por la Cámara de Diputados de la Nación.
Declaración de Interés Provincial por la Legislatura de la Provincia de Río Negro.
Declaración de Interés por el Consejo Deliberante Municipalidad S. C. de Bariloche

Director y Coordinador: Luis P. Bonich. (Fotógrafo.)
Asistente en Fotografía: Andrea Bravo. (Fotógrafa.)
Asistente sala Frey: Yael García Ruiz. (Fotógrafa.)
Asesora Letrada: Dra. Analía Woloszezuk (Abogada)
Asesor en Fotografía: Alejandro Montes de Oca (Fotógrafo)
Asesor en Fotografía: Alejandro Reynoso. (Fotógrafo)

Sub.-Secretaria de Cultura: Lic. María Victoria Arroyo.
Prensa. Agente Oficial: Luciano Giudice. (Periodista.)

Programa Oficial.

18/09/08. 11hs. Presentación Oficial del evento, a la Prensa en la Secretaría de
Turismo de la Nación. Suipacha 1111. Auditorio. Bs. As.
25/09. 18,30hs. Inauguración Oficial del “Mes de la Fotografía – Bariloche”
Sala de Prensa de la Municipalidad: “Isabel Moreiras de Bustos”
19,30hs. Inauguración: “Objetivos” autor, Pablo Añeli, Fotógrafo,
Reportero gráfico. (Fotografías, pinturas y esculturas).
Sala “Isabel Moreiras de Bustos”. Libre y gratuito.
25/09 21hs. Taller de -Reportaje fotográfico- a cargo del Fotoperiodista.
Martín Acosta. (Vacantes limitadas, arancelado). (Inscripción)
(Lugar) Sala de Prensa Municipal. Centro Cívico.
26/09 11hs, Inauguración de “Intervalos y Movimientos” (Teatro y cine)
de Mariano Salomón, Fotógrafo y Psicólogo. Sala: “Cecilia Girgenti”
Museo de la Patagonia. Centro Cívico.
26/09 18hs: Taller de -Reportaje Fotográfico- a cargo de Martín Acosta
Fotógrafo, Reportero Gráfico, (Área de contenidos)
Escuela de Fotoperiodismo ARGRA). (Lugar): Universidad FASTA.
26/09 21hs. Proyecciones: a cargo de los fotógrafos invitados: Martín Acosta,
Emiliano Lasalvia, (La Nación), Pablo Añeli (Clarín), Mariano
Salomón, etc.
(Lugar): UFASTA. Av. Pioneros 38. Libre y gratuito.
27/09 09hs. Taller de -Reportaje Fotográfico- a cargo del Fotógrafo: Martín
Acosta. (Contenidos Esc. ARGRA). Lugar: UFASTA. Pioneros 38.
28/09 17hs. Final del -Taller de Reportaje Fotográfico-, a cargo de Martín
Acosta (Contenidos Escuela de la ARGRA) Sala Emilio Frey.
30/09 11hs. Inauguración de la muestra fotográfica: “Punta Lara” autor,
Ataulfo Pérez Aznar, Fotógrafo Argentino. Director de la Galería
Omega de La Plata. Sala: “Choneck” Museo de la Patagonia. C. Cívico.
1°/10 11hs. Distinción Honorífica al Fotógrafo Argentino Ataulfo Pérez
Aznar, por parte del Honorable Consejo Deliberante Municipal.
1°/10 12hs. Inauguración de la muestra de fotógrafos (emergentes) locales.
Sala del Consejo Deliberante Municipal. Libre y gratuito.
1°/10 18hs. Fotografía Documental: Seminario a cargo del Fotógrafo,
Ataulfo Pérez Aznar. (Vacantes limitadas. Arancelado).
(Lugar): Sala Emilio Frey. Centro Cívico.
2/10 11hs. Inauguración de la muestra fotográfica: “Desnudos” autores: de
Villa la Angostura y San Carlos de Bariloche.
Sala Emilio Frey. Centro Cívico.
2/10 18hs. Seminario de Fotografía Documental a cargo del Fotógrafo.
Ataulfo Pérez Aznar. (Lugar): Sala Emilio Frey. Centro Cívico.
2/10 21,30. “Suspiros”. Autor: Hernán Villar, Muestra Fotográfica.
(Lugar): -Mondilla- Gallardo 35. Inauguración.
3/10 18hs. Cierre del -Seminario de Fotografía Documental-. A cargo del
Fotógrafo: Ataulfo Pérez Aznar. (Lugar): Sala Emilio Frey. C. Cívico.
3/10 21hs. Proyecciones: Ataulfo Pérez Aznar, (presentará parte de su obra).
(Lugar): Sala Emilio Frey. (Libre y gratuito).
6/10 11hs. Inauguración de muestra colectiva “Un Viaje” (Arqueología). Museo
Paleontológico de Lamarque. Daniel Cabaza, Martin García y Ariel Rios. Pcia. Río Negro.
Sala: “Ex – Correo” Centro Cívico.
6/10 18hs. Inicio del Seminario: “Teoría de la Imagen” (Semiótica) docente:
Prof. Julieta Escardó. Fotógrafa Argentina, (Directora del “Centro
Ecléctico de la Imagen”) Bs. As. (Vacantes Limitadas, arancelado).
(Lugar): Universidad FASTA. Av. Pioneros 38.
7/10 17hs. Inauguración de la muestra, (a confirmar): Galería
Universidad FASTA.
7/10 18hs. Seminario de “Teoría de la Imagen” Semiótica. Prof. Julieta
Escardó. Vacantes limitadas, arancelado. Lugar: UFASTA.
8/10 9hs. Cierre del Seminario de “Teoría de la Imagen” Julieta Escardó.
UFASTA.
9/10 11hs. Inauguración Oficial de las muestras colectivas: “La Figura Humana”
de -Fotógrafos deEsquel y Asociación Fotógrafos Andino Patagónica”. Auspicia: -Agencia Cultura Río Negro- Centro Administrativo Bariloche.
(Lugar): Onelli y Vilcapugio. (Libre y gratuito).
10/10 21hs. Proyecciones: Documentales de Grandes Maestros de la Fotografía.
Presentación a cargo del Grupo Fotográfico Esquel. Sala de Prensa
Municipal. “Isabel Moreiras de Bustos” Centro Cívico.(Libre y gratuito)
14/10 11 hs. Inauguración de la muestra “ Gauchos Criollos” a cargo del
Fotógrafo: Javier Mosquera. Sala Tante Frida.
14/10 18 hs. Ensayo Fotográfico, Taller a cargo del Profesor: Don Ripka,
Fotógrafo Profesional, (reportero gráfico). (Director de la Agencia Sudaca
Photos) Vacantes limitadas, Arancelado.
(Lugar): Universidad FASTA. Av. Pioneros 38.
15/10 18 hs. Ensayo Fotográfico, a cargo del Fotógrafo. (EEUU – Argentino)
Don Ripka. (Lugar) Universidad FASTA. Av. Pioneros 38.
16/10 18 hs. Ensayo Fotográfico, cierre del Taller a cargo del prof. Fotógrafo;
Don Ripka. (Agencia SUDACA – PHOTOS).
17/10 15hs. “Iniciación a la Fotografía para niños”, a cargo de Andrea Bravo,
Fotógrafa profesional. (Argentina). Auspicia: Menger – Foto. (Vacantes
hasta 80 niños). (Libre – Gratuito.) (Lugar): Sala de Prensa “Isabel
Moreiras de Bustos”. Centro Cívico.
18/10 “Iniciación a la fotografía para niños” Salida de toma, a cargo de Andrea
Bravo, Fotógrafa barilochense; (Auspicia Menger – Foto). (Lugar) Sala de
Prensa Municipal. Centro Cívico. (Gratis).
21/10 10hs.Fotografía Digital, a cargo del Fotógrafo, Profesor: Ricardo
Martiniuk. (Especialista destacado). Niveles: Básico y avanzados.
Vacantes limitadas. Arancelado. (Lugar): UFASTA, Av. Pioneros 38.
22/10 10 hs. Fotografía Digital, a cardo del prof. Ricardo Martiniuk. UFASTA.
23/10 10 hs. Fotografía Digital, cierre del ciclo, a cargo del prof. Ricardo
Martiniuk. (Lugar): Universidad FASTA. Av. Pioneros 38.
24/10 “Iniciación a la fotografía para niños” Evaluación final de los trabajos
Realizados a cargo de: Andrea Bravo, (Fotógrafa) con la asistencia del
Fotógrafo: Luis Bonich. (Auspicia Menger – Foto). (Libre y gratuito).
25/10 Cierre del “Mes de la Fotografía – Bariloche” 12° edición, en el -Mercado
de la Estepa-. Autores: Agustina Roacio, Tamara Barrueco
de Vansay, Natalia Henkel, Lucía López, Fabián Oger, Irina
Dambrauskas, Axel Pincemin, Marcos Rodríguez, Raúl Cárdenas, Luis Seróni.
Lugar: ruta 40 sur y rutas 23. (Libre y gratuito.)

# Nota. La Organización del evento entregará, Certificados de valides curricular en todos los Seminarios y Talleres, a aquellos participantes que cumplan con la asistencia perfecta, a los mismos.
# Programa sujeto a modificaciones.
Colaboradores: Ariel Cárdenas, Patricia Villaseñor, Guillermo Partridge.
E-mail: mesdelafotografiaenbariloche@yahoo.com.ar

Pág. Web: www.mesdelafotografia.com.ar
TEL: 02944 – 15666605.

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Por Faustino Pérez
El autor es escritor

Desde el punto de vista de la cibernética se dice que una persona es más “inteligente” mientras más jergas, argots, idiomas y lenguajes domine; es decir, mientras mayor sea la cantidad de información que pueda “entender”. De igual forma podría afirmarse que un fotógrafo es más versátil, en la medida en la cual practique con éxito diferentes especialidades fotográficas.
Utilidades

No me estoy refiriendo a los llamados “chiriperos” de la cámara, quienes dicen que si a todo, y luego no hacen bien nada, aunque ya se sabe que las actividades que las personas realizan para sobrevivir son inverosímiles, y están en su perfecto derecho. Otro problema sería lo que opinan sus clientes defraudados.

Qué duda cabe de que no es lo mismo disparar con una cámara acuática bajo el agua, que una foto de un acto público, una instantánea en un mercado de pulgas repleto de gente, que un bodegón publicitario empleando un sinfín de fondo, tomar una foto furtiva de paparazzi, o bien, fotografiar a una modelo…Cada tipo de fotografía – por así decirlo – tiene sus características, sus bemoles y problemas disímiles a resolver, independientemente de las limitaciones técnicas, psicológicas y físicas del fotógrafo.

La fotografía como técnica-arte-ciencia-hobbie, cada día se diversifica y se especializa más; por consiguiente, resulta prácticamente imposible abarcarlo todo.

No obstante, el tema que nos ocupa, sin ser uno de los llamados grandes tópicos del mundo fotográfico, se practica con múltiples finalidades. El binomio fotógrafo-modelo, de sexos contrarios, si bien no es, por supuesto, el único posible para esta especialización, sí en cambio es el más corriente: Nos referimos a la combinación hombre-fotógrafo y modelo-mujer. De ahí que la gran mayoría de mis comentarios se referirán a esa clase de pareja.

Naturalmente, que existe una gran diferencia entre fotografiar profesionalmente a una top model reconocida internacionalmente, que cobre un dineral y con mucha demanda de trabajo, en una isla paradisíaca del Pacífico, o en un depósito de autos viejos en Los Ángeles, en un tren–bala japonés, o en un canal de Amsterdam; al comparar esto con el vecino que pide una camarita prestada para fotografiar a su nieta en la acera de la casa el día de su cumpleaños, notaremos el contraste en seguida.

Como ustedes comprenderán, los problemas logísticos y de material de apoyo incluyendo a los ayudantes y asistentes, son muy diferentes. En las “grandes ligas” de la fotografía, existe una competencia atroz, muchisimo dinero e intereses involucrados, y reputaciones que es menester revalidar constantemente, para que las cotizaciones aumenten o, que como mínimo, se mantengan. No es cuestión de “hazme un favor que luego yo te hago otro”, sino más bien, de que “si tú quieres esa foto tienes que pagar tanto”.

Mucho menos es un asunto de recortar una fotografía de una revista extranjera y decirle al fotógrafo: “yo quiero una igual”; o peor aún, de usar esa misma foto e incluirla en un arte sin pedir permiso a nadie, sin darle crédito a la modelo, ni al que tomó la imagen, y sin desembolsar nada; y luego pretender vender la publicación donde aparece la foto pirateada fuera del país.

Desde la vertiente de la relación fotógrafo-modelo, si se aplica una “fórmula”, o sea, tal ángulo, con tal luz, con tal distancia, con tal lente, con tal fondo… basta con fijarse en sus características corpo-faciales y trabajar en consecuencia utilizando el método descrito en los manuales. La resultante será casi siempre una foto fría y más o menos correcta. Para hacer esto no se precisa conocer la psicología y el potencial de las personas. No es lo mismo que pretender lograr algo más que una apariencia estándar, con una imagen con estilo propio, para lo cual se precisa que se desarrolle una compenetración entre el fotógrafo y la fotografiada. Bueno, como los estilos tienen un marchamo, los clientes ya eligen a los fotógrafos conociendo de antemano sus trabajos previos.

Cabe la posibilidad de efectuar variantes a partir de una idealización básica que haya servido de punto de partida; luego se selecciona. Incluso, la protagonista puede tener una inspiración genial, lo mismo que el autor de la foto; o bien, cabe la posibilidad de que la modelo adopte una pose de las suyas que sirva y sea interesante o adecuada para el fin que se quiera lograr. Hay que hacer la salvedad de que no todas las modelos tienen la misma capacidad de improvisación. De todas formas, se supone que si son profesionales tienen un mínimo de aptitudes.

De todas formas el ambiente favorece o desfavorece las fotos; por descontado que existe mucha diferencia entre estar en un hotel de lujo o encontrarse un basurero maloliente, o bien, en un camposanto abandonado de madugada, versus un ring de lucha libre. Es preciso tomar todo esto en cuenta, y mucho más, ya que la búsqueda de imágenes insólitas no tiene límites.

La música puede jugar un papel importante cuando sea pertinente, claro está, complaciendo los gustos de la modelo. Se sabe por experiencia que el acompañamiento musical puede crear un estado de ánimo, y un “feeling”, de tal suerte que hasta contribuya a marcar el ritmo de los disparos; además, es probable que colabore en un alto porcentaje al éxito de la sesión fotográfica, es decir, a la consecución de lo que se quiere lograr o expresar por medio de imágenes. En exteriores cabe la opción de llevar un equipo portátil.

En las sesiones profesionales es imprescindible tener ayudantes para encargarse de eliminar el posible sudor causado por las altas temperaturas de la iluminación artificial, o bien, del sol ardiente. De lo contrario, si además no se retoca el peinado, el maquillaje y la vestimenta, se corre el riesgo de que las fotos tengan que ser retocadas mucho o que sean inservibles.

Los fotógrafos de modelos desnudos tienen que contar con mayores presupuestos, porque las modelos cobran tarifas más caras, aparte de que no todas están disponibles para posar sin ropa. Hay fotógrafos que les proporcionan a sus modelos bebidas alcohólicas, con el fin de que se desinhiban. Se han dado casos de modelos borrachas, que cometen toda clase de excesos.

Para las fotos semi-profesionales, hay que tener mucho cuidado con los juicios emitidos por allegados, puesto que aunque sean buenas personas en otros órdenes y tengan intenciones sanas, eso no significa que automáticamente estén capacitadas para emitir una crítica aceptable, sobre estos temas.

Hay féminas muy coquetas, desenvueltas o con grandes dotes histriónicas, pero que no son profesionales, que al ponerse frente a una cámara se quedan casi petrificadas. Si el fotógrafo no conoce ese comportamiento puede sufrir una decepción. A propósito, hay modelos masculinos que son más coquetos y narcisistas que muchas mujeres, hasta tal punto que parecerían que suspiran todas las mañanas ante el espejo al contemplarse.

Hay modelos no muy experimentadas que digamos, que están demasiado pendientes del disparo, y salen como los espías mirando de reojo, otras en cambio aparecen tensas por su exagerado sentido de no hacer el ridículo. La clave de esto está en la naturalidad, aunque la toma sea extravagante. Existe un paralelismo entre la manera de “enfrentar” a la cámara, y los modos que desarrolla la gente para lidiar con los asuntos y problemas que la vida les depara.

Blog: faustinoperez.blogspot.com

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Aunque suene absurdo preguntarse cuál es el objetivo de la fotografía de desnudos, justamente allí radica la línea en la cual una fotografía es mera exhibición o comunicación de un algo más allá, que está en el cuerpo, pero lo trasciende.

La técnica aplicada en la fotografía artística, luego heredada por la fotografía de desnudos, proviene en su mayoría del arte pictórico, es decir, esos cánones de concepción de lo armónico y la belleza. Hoy, en el arte y la fotografía contemporánea, los ideales de belleza se han modificado, pero lo mismo persiste ese más allá, que sólo una buena fotografía puede llegar a congelar.

Supongamos que el objetivo de la fotografía de desnudos es usar al cuerpo como vía de comunicación de una poética, en su sentido de poiesis (creación), de objeto puesto ante y para discutir a la mirada. Y allí es cuando la tarea no se vuelve nada fácil porque de buenas a primeras no podemos lograr esa poética en la fotografía de desnudos, esa capacidad de que “hable sola”.

Quizás el único remedio que resta a quienes se suben al viaje de la fotografía de desnudos, como la fotografía en general, sea el constante y continuo ejercicio de su mirada, para a través de la lente, recuperar alguna forma de belleza, efímera y vasta, que el mundo nos devuelve en cada paso.

(fotografia.net)

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como la suya, que acabó en suicidio a los 22 años. Sus autorretratos, expuestos en el MOMA y en el Metropolitan Museum, se han convertido ya en objeto de culto.
“Y un día más desperté sola en estas sillas blancas”. Fin de la historia. En 10 palabras comienza y termina todo. O no. Porque sólo se trata de una transición hacia otra historia. Un instante entre muchos. Esta especie de microrrelato acompaña una imagen en blanco y negro captada por

Francesca Woodman en 1979: una mujer encorvada sobre la mesa, un plato, una cuchara, una taza vacía y, sentado enfrente, un hombre inmerso en la lectura de un periódico. ¿Quién es esa mujer que aparece en la foto en camisón y con el pelo recogido en una trenza? Y el hombre, cuya cabeza se encuentra fuera de campo, ¿está realmente leyendo el periódico, como parece, o de soslayo mira a su compañera de desayuno? Lo único que sabemos es que alguien se despierta solo en una silla blanca. Un día más. Nos lo promete Francesca con una frase. Todo lo demás es un universo sugerido. Un cuento misterioso y evocador. Los conservadores del MOMA, del Metropolitan Museum de Nueva York o de la Fondation Cartier pour l’Art

Instantánea de la serie ‘Polkadot’- Francesca Woodman

Contemporain de París lo definen con una palabra clave, la más importante para un creador: arte.

Para repasar su trabajo, los historiadores se han servido de la memoria de los padres y de su pequeño diario rosa

“Los pasteles son mi forma de arte favorita. Yo preparo unos magníficos panecillos de jengibre”

La libertad tenía, para Francesca, un sentido primordial: hacer, fotografiar y escribir sólo lo que le apetecía

Fotografía titulada ‘Y un día más desperté sola en estas sillas blancas’- Francesca Woodman

De la misma manera, una de las pocas cosas que sabemos a ciencia cierta de esta fotógrafa estadounidense es que nació el 3 de abril de 1958 en Denver (Colorado) y que en enero de 1981 decidió poner fin a su vida lanzándose desde una ventana en el Lower East Side de Manhattan. En medio quedan menos de 23 años, centenares de instantáneas y una producción artística tan intensa que la sitúan ya entre los mitos de la fotografía del siglo XX y al mismo tiempo dan fe de su sensibilidad particular. Porque su visión no tiene nada que ver con la fotografía de guerra de Robert Capa, el espíritu documental de Cartier-Bresson o las inquietudes de Diane Arbus. Lo suyo, como apunta el crítico francés David Levi-Strauss, es un “deseo revolucionario de romper los códigos de las apariencias y mirarlas a través de un espejo”.

Pero ¿quién fue realmente Francesca Wood¬man? Para intentar recorrer su vida y repasar ese trabajo, los historiadores se han servido de la viva memoria de sus padres, los artistas plásticos George y Betty Woodman (que ahora gestionan un archivo de más de 800 imágenes, 120 de las cuales han sido expuestas o publicadas), algunos testimonios directos de la autora –cartas, postales, reflexiones escritas en un pequeño diario rosa– y, por supuesto, fotografías que rezuman una especie de vida propia. Ese camino empezó con un autorretrato en 1972, cuando, a los 13 años, Francesca decidió inmortalizarse con una cámara Rolleiflex de medio formato. Después vendrían los primeros desnudos: mujeres perdidas en los bosques de Massachusetts o en una habitación anodina, una especie de ninfa contemporánea en la orilla de un río, personajes misteriosos tapados tan sólo con una máscara de conejo, instantáneas realizadas con exposiciones largas y ejercicios de estilo. Experimentación. Porque la trayectoria de esta joven fotógrafa resultó muy marcada por los estudios y la influencia de sus padres. Empezando por los viajes.

La infancia de Francesca transcurrió entre Boulder, un pueblo de Colorado, y Antella, una aldea de la campiña toscana frecuentada por artistas y exponentes de la alta sociedad de Florencia. Más tarde, sus padres la inscribieron en un instituto privado de Massachusetts, donde empezó a desarrollar su particular visión de la fotografía, y después en la Escuela de Diseño de Rhode Island, en Providen
ce, donde aprovechó la oportunidad de un intercambio de un año con la Academia de Bellas Artes de Roma. La joven Woodman nunca llegó a ganarse la vida como fotógrafa. Su universo estaba hecho de estudios y crecimiento, artístico o personal. Y en muchos casos, dudas y tribulaciones. Para intentar comprender qué le pasaba por la cabeza durante la adolescencia, sirvan estos pasajes de su diario, escritos en el otoño de 1975, en los que habla de sí misma tanto en primera como en tercera persona: “[…] Una parte de este libro contiene ideas que quiero organizar en series. Intento seguir la huella del cambio de la moral de Francesca y contar lo que he hecho. La lista de alimentos que he comido, por ejemplo […]. Los pasteles son mi forma de arte favorita; yo preparo magníficos panecillos de jengibre, trufas de chocolate, pasteles de melocotón y flanes de zarzamora. No hay nada más relajante que quedarse a solas con un buen libro de cocina y las palabras!”. Meses más tarde, Francesca tenía una actitud más negativa: “Esta noche no estoy contenta. Pienso y hablo a menudo de mi detestable tendencia al romanticismo. Creo que el esfuerzo de deshacerme de esta actitud en mi trabajo ha tenido un extraño efecto en mi vida… La fotografía es también una manera de conectar con la vida. Hago fotos de la realidad filtradas a través de mi mente”, cuenta unas páginas antes de explicar con toda naturalidad las “seis formas de comer naranjas”.

Esa realidad filtrada de forma tan personal ha dado pie a un trabajo fascinante, cautivador, en el que sus series de instantáneas, que muchos han calificado de ensayo fotográfico, en realidad van más allá del género. Según el crítico británico Chris Towsend, que hace la introducción de un volumen antológico editado por Phaidon en 2006, en el instinto y las intenciones de Woodman yace el fuego del arte surrealista. “Muchas fotografías de Woodman le deben algo al trabajo de otro, desde las más antiguas tradiciones del arte moderno, como el surrealismo, hasta sus contemporáneos o maestros… Lo que no significa que sus fotografías sean necesariamente derivaciones o copias”, apunta. La misma Francesca, tal vez consciente de ese proceso, se pregunta en sus notas: “Alguien me dice algo acerca una fotografía que no he hecho nunca y, de repente, yo decido fotografiar ese algo. ¿Es un plagio?”. La respuesta se la dio, más de 30 años después, el análisis de Towsen: “La historia del arte es algo que los artistas descubren y ante la cual intentan reaccionar. Woodman no fue un genio inculto que brotó de repente… Su gran capacidad fue transformar su compromiso con la historia del arte y sus influencias en imágenes que eran algo más, algo más que simples imágenes”, explica antes de definir a la artista como una autorretratista consciente de una larga tradición que va de Durero a Rembrandt, pasando por Caravaggio.

Femeninas, sensuales, intensas, a veces dramáticas, pero nunca desesperadas. Así, la mayoría de las imágenes de Francesca parecen tejer un mundo deliberadamente enigmático que le ha valido, junto con una turbulenta estancia en Roma y el epílogo del suicidio, también una fama de fotógrafa con aura maldita. El escritor Philippe Sollers la sitúa, a ese respecto, “en un extraño mundo de antifotografía”. “Sólo hace falta ver cómo se presenta a sí misma: desnuda, sentada sobre sus rodillas, en Roma, en el rincón de una pared, vuelta hacia un lirio blanco en primer plano. […] No me gusta Francesca Woodman, pero la admiro… ¿Qué ocurre hoy? El sida, el desempleo, Hillary Clinton, los Oscar, Cannes, las madres solteras… El mercado impone la fotografía y prohíbe la antifotografía, que, en cambio, es la voz de la libertad”, escribía en 1998. Y la libertad tenía, para Francesca, un sentido primordial: hacer, fotografiar y escribir sólo lo que le apetecía. Rechazar lo esperado. Como en su diario, que, a pesar de los viajes y las estancias en lugares fascinantes, nunca menciona las muy fotogénicas fuentes de Roma ni el ritmo frenético de la Gran Manzana. “Francesca escribía cosas sobre su mundo personal, que viajaba con ella”, apunta el padre, George.

Ese espiritual mundo es exactamente el que evoca Sloan Rankin, un viejo amigo de Francesca: “Durante nuestro primer año en el college me apunté a un curso de poesía. Entonces, Francesca escribió en su cuaderno: ‘Soy el fantasma poético de Sloan… Eso me permite masticar unos pensamientos”. Por ejemplo, las ideas reflejadas en los versos de un poema que termina así: “Y se me había olvidado de cómo se lee música”. Otra vez, fin de la historia. Sin embargo, también estas 10 palabras se convirtieron en el título de una fotografía: un pentagrama en el palmo abierto de la mano derecha, unas cortinas colgando junto a una ventana que sólo se intuye, un collar y un vestido primaveral. Y fuera de campo, unos ojos que quizá intentan huir. Hacia otra imagen, su enésimo cuento soñado.

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Al igual que como ocurrió en el caso del protagonista de esta entrevista, el que esto escribe tuvo durante su estadía en el periódico El Heraldo de México la posibilidad de acercarme a un mundo lleno de glamour y fantasía, al cual muchos darían lo que fuera por estar dentro; además de estar cerca de otras personas que, con sus ideales y experiencias, me inyectaron más deseos de permanecer y crecer de manera profesional.

Su nombre es Gerardo Beretta, o Jerry Beretta (como le conocemos todos los que hemos convivido con él), experimentado fotógrafo artístico y publicitario que en breve, y de nuevo en complicidad con su esposa Carmen, dará a conocer un libro objeto, llamado “La Carmen”, el cual consta de fotografías de desnudos originales de ella, además de dedicarse a preparar dos libros más, uno sobre sus trabajos como fotógrafo artístico y otro en el que resumirá los 21 años que se dedicó a ser el fotógrafo oficial de los nominados, “Voces” y “Rostros” de El Heraldo de México.

Asistir a su estudio durante la preproducción de estos eventos, ya fuera como reportero o como asistente de la coordinación general, era un verdadero placer en todo el sentido de la palabra. La posibilidad de escuchar y formar parte de charlas amenas, probar buena comida y beber jugos, refrescos y hasta un buen vino de vez en cuando, además de poder conocer a “las estrellas” de una manera más humana y hasta hacernos “amigos” de ellos, era lo que formaba parte de esas mañanas, tardes y hasta noches de sesiones fotográficas con Jerry Beretta.

¿Qué dejó en ti, profesional y personalmente, la experiencia de formar parte del equipo de las Entregas de Heraldos?
“Fueron 21 años seguidos. Se dice fácil… pero la ‘netiux’ es que con todo y las sesiones largas y en ocasiones desveladas, es uno de los trabajos que forman parte de mi cosmogonía personal. Es como mis creencias, nadie me lo puede quitar. Me encantaba el sentir festivo, glamoroso, el cuchicheo de quienes, a su vez, participan en el imaginario de este país, su dedicación y algo que no me fue aparente al principio pero de lo cual, por arte de alguna magia o ángel se dio, la confianza que depositaban en mi persona y oficio.

“Espero que hayan sido pocos los casos en que no haya estado a la altura de las expectativas, con excepción de los que si conozco (dos o tres ‘namas’). Nadie es monedita de oro y en ocasiones, pocas, los defectos de carácter no son compatibles. Me encantaba que podía experimentar con luces, fondos, poses, siempre buscando entregarme a quién tenía enfrente. Ese era mi reto, tanto técnico como expresivo. Por supuesto que esto fue posible gracias a la mente abierta y generosa de quienes dirigían la operación, en especial Don Guillermo Vázquez Villalobos (Q.E.P.D.), Mauricio Peña Flores y sus magníficos colaboradores. Vaya, en 21 años no recuerdo (o no supe) haber tenido roce alguno con quienes me confiaban su trabajo y su cabellera (y la mía) si no quedaba bien”.

La lista de estrellas captadas por tu lente debe ser muy extensa…
“Demasiado larga. Lo que si puedo decir es que, gracias a este proyecto anual, tuve frente a mi cámara a un gran número de los grandes actores y actrices de mi país, así como a futuras luminarias que han demostrado tener lo que se necesita…ahhh ! y mujeres bellas. Esto fue un regalo”.

¿Recuerdas una anécdota que consideres digna de contar?
“Pues ¿que te diré? La anécdota general es que, siempre, llegaban con mucha prisa. Sólo tenían 15 minutos y, tres o cuatro horas después, aún estaban en el estudio. Magia o ángel, no se quién la operaba. En alguna ocasión, escuche a un director de cine decir que le aplicaran cámara italiana a una escena. Cuando me enteré cómo funcionaba me pasmé. Diplomacia absoluta y vieras que, en pocas ocasiones, y siempre a los principiantes Divos o Divas, una vez que ya tenía yo lo que se necesitaba aplicaba la técnica y todos felices.

“Algo que a la fecha celebro es cuando, fotografiando a Rafael Baledon y su esposa, que era pequeña de estatura, les pegunté como le hacían (!!!), y ella sin ningún empacho contestó: ‘Jerry, mientras el centro embone chín… a su madre las extremidades’ y ¡zas! una presencia maravillosa en sus fotografías y carcajadas de todos los presentes por supuesto. Así de grande era este asunto”.

Si la fotografía fue hecha con el corazón, lo técnico pasa a otro plano.

¿Cómo se convierte la fotografía en Jerry Beretta la fotografía en un modo para expresar sus ideas?
“Realmente no sé como, simplemente se dio. Es más, yo no escogí esta disciplina, ella me escogió a mí. Estaba en la universidad por 1968 estudiando Ciencias y Técnicas de la Información, lo que hoy llaman Comunicación, pero es una carrera distinta, y llevábamos taller de Fotografía el cual, por cierto, reprobé. Al año siguiente, mi padre me regaló una cámara y ¡zas! me clavé. Durante los siguientes cuatro años de carrera no dejé la cámara nunca. De hecho, se convirtió en mi estereotipo”.

¿Cómo se da el giro que la transforma en tu manera de vivir de ella?
“En 1972 se me presentó un libro llamado ‘Photographis’, editado en Suiza, que contenía lo mejor de la Fotografía Publicitaria del mundo, y ahí fue cuando conscientemente me dije que eso es lo que yo quería hacer. Comencé a trabajar en ello junto con un amigo, Sergio Zambrano, que ya hacía catálogos finos y había que mejorar la fotografía. Y como en todo oficio, el “clavarse” rindió frutos. Al poco tiempo, comencé a buscar clientes en el medio de la agencias de publicidad.

“La primer foto que me confiaron fue una de Hot Cakes en McCann Erickson que, por cierto, Doña Maria Luisa, mamá del magnifico cartonista editorial Paco Calderón, fue la estilista. Desde entonces he trabajado en el medio publicitario y de comunicación: anuncios, catálogos, portada de discos, retrato de artistas, propaganda política, etc., y nunca he dejado de producir fotografías de corte ‘auto encargo’, lo que me permite continuar desarrollando mi amado oficio”.

¿Que es lo que diferencia a tus fotografías de las demás, tanto en lo artístico como en lo técnico?
“Bueno en lo técnico, tanto antes como ahora (era digital), mantenerse en la cresta de la ola del bien hacer es un trabajo cotidiano y una pasión en si. En ocasiones ocurre que las circunstancias no confluyen para que todos los elementos de una fotografía se den de manera armónica y precisa, sin embargo, el resultado final técnico se deberá al conocimiento y buen uso que de las herramientas asequibles se haga. Y es aquí en donde aquello que tu llamas ‘artístico’ hace aparición.

“Estoy consciente que, para obtener una magnífica fotografía de ese momento volátil, debe haber voluntad y talento para ello en los involucrados. En otras palabras, si la fotografía de quién fuere se lee amable y por ello humana, y dice algo del que posa aunque sea por sólo unos segundos, y valga la pena verla, ¡ya chingué ! Pero, ¿que las diferencia de otras fotografías?, creo que sólo quien las ve podrá decirlo”.

El hecho de haber fotografiado el desnudo durante tantos años me ha hecho sensible a los sentimientos ajenos.

Eres un gran aficionado al sexo y a las fotografías de desnudos femeninos. ¿Qué es lo que deseas transmitir al público con ellas? ¿Cómo le haces el amor a una fotografía?
“La sexualidad es un gran obsequio de la naturaleza humana y, como en todo lo humano, hay que dirigirla, educarla, mas no precisamente con temor como lo han hecho hasta ahora clérigos y políticos, viejos socios siniestros en la conducción de masas de personas con nivel de abstracción básico.

“Debo agregar que el llamado ‘Nuevo Erotismo’ me fascina, pero más por lo directo que por lo postmoderno. Pienso que es una etapa necesaria en la expresión humana y que la tecnología ha facilitado para, en un futuro establecer otro camino a la sexualidad y su estética. Es como canción de protesta, casi todos tienen por qué y con quién cantarla. En otras palabras, hay que involucrarse en cuerpo, mente y espíritu para lograr un resultado amoroso”.

Con Carmen, y utilizando la fotografía como medio de expresión, tiró por la borda muchos tabúes.

¿Qué planes tienes para este año, laboralmente hablando?
“Voy a poner en orden una cantidad de archivo que se ha acumulado, aplicando lo que Ernest Hass, una de las vacas sagradas de la fotografia internacional solía decir : ‘Tira la basura o bien estarás asombrado de cuanto tienes y deprimido por lo poco que hay’.

“Lo que se salve lo voy a preparar digitalmente y buscaré la manera de sintetizarlo y publicarlo. Entre ello está la intención de hacer un libro de los 21 años que participé en los Heraldos. Mucho trabajo, mucho trabajo y yo que soy flojo”.

Sabemos que tienes un libro objeto, con fotografías de tu esposa Carmen…
“Exactamente al igual que este libro, que se titula ‘La Carmen’, es en el tono que voy a preparar el de los Heraldos y otro de mi trabajo fotográfico. Contiene setenta páginas, cada una de ellas es una fotografía original impresa en papel de algodón y tintas de carbón, intercalados con textos impresos en papel transparente y encuadernado.

“Ojalá encuentre la manera de publicarlo en forma tradicional para compartir lo que ha sido una de las travesías de vida más elocuentes de lo que significa llevarse bien y tirar por la borda muchos tabúes, utilizando la fotografía como medio de expresarlo”.

Ahora hablemos de la fotografía en movimiento Jerry, el cine. ¿Cuál es tu película favorita? Aquella que has visto tantas veces y aún vas por más.
“Sin duda ‘Lawrence de Arabia’, de David Lean. Necesitamos un Lawrence aquí en México, pero no creo que pueda”.

¿Quién es tu actor o actriz favoritos?
“Robert de Niro y Meryll Streep. A ella le creo todo”.

¿Cómo sería una película dirigida por ti?
“¡Una Catástrofe!”.

¿Qué opinas de la fotografía artística que se hace hoy día en México?
“No sólo hoy en día, desde que hay fotografía en México se realiza un tipo de fotografía difícil de producir en otro país. Tanto extranjeros como nacionales quedan extasiados ante lo bueno, lo malo y lo feo y hay algo en el aire que ronronea y lo propicia. Si bien se le da mayor difusión a la fotografía documentalista con, en ocasiones, compromiso social, quienes con su amado oficio laboran en otras áreas expresivas y también metafóricas son magníficos.

“Sin embargo, el estigma de ‘la vida no vale nada’ opaca a no pocos maestros. Vaya y lo conozco de primera instancia. Hay muchos fotógrafos que ni idea tienen que es el Derecho de Autor y menos qué significa. En ocasiones, me entristece cuando, por ejemplo, ve uno un libro de por ejemplo los Mayas, que fue editado en otras latitudes con fotógrafos enviados por ellos. Son pocos los proyectos que se desarrollan en México, de pocos lectores y menos poder de compra. Habría que hacerlos aquí con miras a la exportación y establecer esos canales. En cuanto a la fotografía publicitaria, pues qué te diré, con que se vea”.
Fotografías: Jerry Beretta.

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Fotografía de Manuel Montes de la serie Lazos de sangre, 2007. / DA

El uso del blanco y negro viene a reforzar ese aspecto del desnudo clásico. “Y además, porque aunque la vida es en color, la fotografía en blanco y negro es más realista y tiene mucha más fuerza, que el color, y además, el color dulcifica la imagen de alguna manera y le da matices menos fuertes”, señala. Una de las ideas de Montes era simplificar todos los conceptos, desde la puesta en escena, escenografía, maquillaje, incluso la propia desnudez, para restar elementos a la fotografía hasta quedarse en lo más puro, en la esencia. “A la vez que iba eliminando componentes, también intenté trabajar sin luz, por eso traté con los mínimos requisitos de iluminación, utilizando básicamente una luz principal, que atacaba el motivo o el sujeto con un ángulo determinado, pero básicamente una sola”, indica.

El desnudo se ha convertido en habitual en el trabajo de Manuel Montes sólo en los tres últimos proyectos. En Creadores mostraba retratos de artistas canarios hechos a tamaño natural, desnudos, y expuestos en el Centro de Arte la Recova en la bienal pasada. Íntimo cotidiano fue la siguiente exposición, y estaba basada en desnudos sobre los que se proyectaban luces de colores. “El público tiene la percepción de que todos mis trabajos son de desnudos porque estos trabajos se hacen más populares, y la gente los conoce más”. Hace poco tiempo también hizo una serie en la que mostraba monumentos naturales de Tenerife, que “eran paisajes en el concepto clásico, en blanco y negro, procurando esquivar todos los signos de progreso y la intemporalidad, para eliminar todo lo que podían ser casas, tendidos eléctricos y procurando hacer las obras en su contexto natural”. También es fotoperiodista, por eso le gustan las fotos de calle y de viajes.

Jóvenes

Montes opina que los jóvenes fotógrafos de ahora se siguen interesando por el desnudo, solo que “este género requiere unos preparativos ciertamente complejos”, y añade “los desnudos necesitan un espacio, o muy solitario, o un estudio adecuado para hacerlo, y contar con la complicidad de los modelos, y requiere una puesta en escena más complicada de hacer que por ejemplo fotodocumento, paisaje u otra cosa que no necesita más elementos que la cámara y tú”.

Sobre estos nuevos fotógrafos dice que tiene una virtud, que es la versatilidad puesto que viene de distintas ramas de la formación, “no solamente de la fotografía, sino también de historia del arte, bellas artes, periodismo, y otras, e incluso pintores y escultores se reciclan y alternan su trabajo con la fotografía”.

Manuel Montes trabaja también en vídeo y cine, y al respecto dice que en estos trabajos audiovisuales han influido, en la manera de hacerlos, en su formación fotográfica. “Todo lo que sea trabajar con la imagen, ya sea de carácter electrónico, vídeo o cualquier otro tipo, la base fundamental es la fotografía, el análisis de la luz, la composición, el encuadre, todos esos elementos son fotográficos. En el cine una figura que pasa desapercibida es la del director de fotografía y sobre él recae el principal papel a la hora de innovar los productos audiovisuales, y esos profesionales fundamentalmente proceden del mundo de la fotografía”, aclara.

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Originaria de Brooklyn, Nueva York, estudió negocios en Coronel University, a lo que comenta : “la fotografía es un negocio y el fotógrafo es el negocio. Así que nunca imaginé que me fuera a ser tan útil”.

Llega a México siendo casi una niña a los 19 años, pero casada al ser el único requisito que le impusieron sus padres si quería viajar con su novio, también fotógrafo. Recorrieron Sudamérica durante seis meses y al regreso decidió que éste era el lugar en el que quería vivir. Su matrimonio duró poco, sin embargo ella permaneció en México, pues llegó para quedarse.

Al entrar en su estudio se descubre inmediatamente que es una mujer definida, implacable. El espacio es obra del arquitecto Ricardo Legorreta, quien fuera el creador del lugar favorito para tomar sus fotos a finales de los 60, el recién construido entonces, hotel Camino Real. Fue ahí donde tuvo unas de sus máximas inspiraciones en la vida e hizo algunas de sus mejores fotos.

Limpia su mesa de trabajo hasta dejar un solo detalle, la calculadora. Su pequeño perro yorkie la mira todo el tiempo mientras ella platica acerca de su pasión: la fotografía, y en especial, la de moda.

Se inicia con La revista Caballero, la primera para hombres en el país y en toda Latinoamérica, editada por Jimmy Fortson. “Era algo increíble”, recuerda. “Hice desnudos de las artistas de la época como Sasha Montenegro, Olga Briskin, Julissa y hasta de Jessica Muriel”, se ríe. “¡Un día me percaté que la famosa Jessica no era una mujer sino un hombre! Entonces le quise hacer un regalo a su feminidad con una sesión de fotos que propuse para la siguiente edición, cosa que causó gran escándalo en la revista, me dijeron que estaba loca. A los tres meses salió de portada bajo el título ¿Es o no es? Fue un éxito”.

Y eso fue el inicio de una nueva manera de hacer fotografía en el mundo de la moda. Nadine marca una tendencia a la hora de hacer una sesión fotográfica porque se atreve y no tiene prejuicios a la hora de retratar, es visionaria .

Más tarde desaparece la revista cuando aparecen “los padres contra la pornografía” liderados por el papá de un joven que gustaba mucho de la fiesta y era fiel a la publicación, Alfredo Díaz Ordaz. En su lugar aparecen: Él y Ella, y Markova salta entonces al mundo de la publicidad.

“Soy especialista en muchas cosas, como lo es pagar la renta, pero hay algo que nunca cambia y eso es, la composición y la luz”.

También el mundo del video y del cine han sido un espacio importante para Nadine, recuerda con orgullo haber tenido como asistente de cámara a Rodrigo Prieto.

Mi primer película fue en Los Ángeles y la segunda en Yucatán. Y no seguí porque como mujer tuve que decidir entre mi esposo y mi hija o hacer cine, y me quedé con mi familia.

“Hago videos porque se graban en 5 o 6 semanas a diferencia de una película. Pienso que por eso no hay tantas mujeres camarógrafas”.

Igual de apasionada ahora ha pasado a su siguiente etapa, y es la de querer compartir sus 45 años de experiencia. Tiene talleres en los que enseña el uso de flashes electrónicos por ejemplo, la velocidad en movimiento, el uso del gran angular, la profundidad, etc, pero sobre todo, como ella dice, “a ver y a trabajar”, ayudándoles a descubrir sus talentos.

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Cerca de 600 hombres y mujeres se quitaron voluntariamente la ropa para posar ante el fotógrafo estadounidense Spencer Tunick en las faldas de un glaciar suizo que se está derritiendo.

La imagen sobre el glaciar Aletsch fue encargada por el grupo de defensa del medio ambiente Greenpeace, como parte de una campaña para despertar la conciencia en torno al calentamiento global.

Pese a situarse en los alpes suizos, a 2.300 metros sobre el nivel del mar, la temperatura estaba, lejos de ser helada, entre los 10 y los 15 grados centígrados.

Tunick se especializa en este tipo de trabajo escénico, al cual llama “paisajes corporales”.

Para realizar sus obras, el artista ha recorrido ciudades como Caracas, la Ciudad de México y Nueva York.

El glaciar Aletsch es un sitio protegido por la UNESCO como Patrimonio de la Humanidad.

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Pueblan los mensajes ofensivos contra Marcelo Ebrard los espacios del correo electrónico al pie de estas notas. Lo injurian e insultan por haber autorizado la colectiva expresión del encueramiento precisamente frente a la Catedral y el Palacio Nacional donde aspira despachar cuando los arreglos con el PRD (y el señor Don Andrés) y los votos del pueblo así se lo permitan.
Le dicen cosas horribles sobre su sexualidad y su vida presente. Tan obscenas e insultantes como para no repetirlas.
Pero entre ellas alguien analiza: al jefe de la Biblioteca Vasconcelos lo echan por permitir fotografías de una colección de ropa y nadie hace nada cuando en un espacio de valor histórico y simbólico —“y es surtidor de católica fuente que de responsos llena el victorial Zócalo de cenizas de tus plantas”, decía López Velarde—, como la Plaza de la Constitución se muestran cueros y más.
¿Pero en verdad es para tanto? Yo no lo creo así, al menos no por el cierto o falso contenido inmoral del asunto. A fin de cuentas la moral es como el ombligo, cada cual tiene la suya.
La vergonzosa exhibición de cuerpos desnudos en esta ciudad no se la debemos al señor Spencer Tunick, quien no deja de ser un pícaro de siete suelas, experto en desvalijar a los incautos y esnobs de medio mundo, sino a César del Ángel a quien le deberían dar el remedio suministrado anteayer a don Ignacio del Valle.
La muestra de indignidad e irrespeto a las cuales Del Ángel somete a sus encuerados de la Plaza de los Ferrocarriles, ante la impasible mirada del doctor Luis Pasteur y nuestro padre Cuauhtémoc, si lleva desde mi punto de vista un contenido de obscenidad impresentable.
Lo otro, la fotografía de una manada de humanos en pelotas, reducidos a su condición de rebaño en estado natural no resulta ofensivo ni truculento como lo otro.
En un caso se muestra la perversidad política asociada con la manipulación interesada y pedigüeña, en el otro únicamente la demostración de la ilimitada condición de la estupidez humana.
¿Estúpidos por desnudarse en grupo?, no; imbéciles por creer en esa actitud el protagonismo en una obra de arte.
Para quien se atreva a definir el contenido artístico de algo, me gustaría someter el interés de esta muestra nudista a la existencia de otro “artista” contemporáneo, el señor Piero Manzonni quien en la Italia de los tardíos años sesenta produjo cien latas de conserva al alto vacío, las cuales rellenó de mierda. Pura mierda suya.
Manzonni las puso a la venta y tasó cada gramo de sus heces en la cotización del día para el oro. Baste decir un dato: las vendió todas y alguna se alzó tiempo más tarde por encima de los 30 mil dólares.
En un mundo donde alguien le pone a cien gramos de caca enlatada un precio de ese tamaño, Tunick y su rebaño desnudo pueden calificar su espectáculo de arte.
No se trata, diría alguien, de comparar dos cosas de negativa esencia ni vulgar procedimiento, y tendrá razón. Pero las vestiduras destrozadas no quedan ni siquiera cuando se habla de personas sin vestimenta alguna, en especial en una ciudad donde durante cuatro sexenios un escultor, Francisco Olaguíbel, pugnó hasta la desesperación por el retiro del impuesto taparrabos de una escultura de la Diana Cazadora pues sus rotundas caderas de delicia broncínea, habían ofendido a la mocha esposa del mocho y mandilón presidente poblano, Manuel Ávila Camacho.
La fotografía en el Zócalo me parece una bonita forma del desmadre, pero compararlo con la Capilla Sixtina del arte fotográfico o darle un valor más allá de la ocurrencia ingeniosa (ingenio y genio no son la misma cosa) me parece fuera de proporción.

racarsa@hotmail.com

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MEXICO (AP) – Spencer Tunick logró el domingo la instalación de cuerpos desnudos más grande que haya hecho hasta ahora en la plaza del Zócalo de la capital mexicana, una de las más antiguas y más grandes del continente.

“¡Qué momento para la escena del arte mexicano!… ¡Fue maravilloso”, dijo el artista neoyorkino en una breve conferencia de prensa tras culminar su proyecto. Más de 18.000 personas participaron del proyecto que será publicado en septiembre.

“Yo no trabajo con records. Yo sólo creo figuras y formas con los cuerpos. Es una abstracción, una actuación, una instalación, así que no me importa cuánta gente se presentó”, afirmó sin otorgar espacio a preguntas.

Desde antes de las 4:00 de la mañana las principales vías de acceso al centro histórico se comenzaron a atascar de personas que en tono festivo llegaban al lugar dispuestos a dejar el pudor y desnudarse.

Sólo se podía accesar a la plaza por dos calles que durante varias horas permanecieron inundadas de personas que reían, hablaban con los medios, se apiñaban para poder entrar, llenaban sus formularios de registro a último minuto o hacían llamadas telefónicas.

“Yo creo que esto refleja la necesidad de cambio y de integración con las corrientes mundiales”, manifestó Oscar Román Muñoz, ingeniero en sistemas de comunicación.

Para Tunick, “todos los ojos deben mirar al sur, desde Estados Unidos a la ciudad de México, para que vean cómo un país puede ser libre y tratar el cuerpo desnudo como arte, no como pornografía, ni como un crimen, sino con felicidad”.

Dijo que Europa también debía empezar a fijarse de que “hay algo pasando en México” en términos culturales y de arte.

“Para mí, México es ahora el corazón de Latinoamérica”, declaró.

Mientras las personas entraban al área designada y se acomodaban, los que esperaban cantaron “Cielito lindo” o coreaban “México, México”.

Ni siquiera había salido el sol cuando la multitud escuchó las palabras de bienvenida de Tunick, así como algunas instrucciones, que incluían la prohibición de gorras, joyería telefónos celulares, cámaras, o hacer “fiestas” en la parte más alejada al fotógrafo.

El artista dio permiso para quitarse la ropa: unos obedecieron de inmediato y otros corrieron como si se tratara de un acto de liberación.

La plaza de 122 metros de ancho por 175 metros de largo, se cubrió poco a poco de manera uniforme por los miles de cuerpos que le daban un tono monocromático a la plaza.

Pasó alrededor de media hora antes de que se pudiera hacer la primera toma y eran notorios los movimientos para combatir la brisa fría que corría por el lugar.

A las 7:18 de la mañana, tras ver el lento amanecer, el fotógrafo hizo su primera toma de las personas de pie desde el balcón de un hotel a un lado de la plaza.

Minutos más tarde la gente se acostó, formando una especie de alfombra humana de la que sobresalía un hombre en silla de ruedas. Luego el gigantesco grupo se colocó en posición fetal, que le dio a la explanada una textura surreal.

La gente pidió entonces a coro “otra, otra”, como si se tratara de un concierto, así que Tunick les pidió que se movieran a una de las calles que desembocan en el Zócalo para volverlos a retratar.

La disposición no parecía disminuir y Tunick pidió que le dieran la espalda, y la luz mañanera tiñó de un color especial sus espaldas. La gente colocó los brazos sobre los hombros de sus vecinos o levantó los brazos a pedidos del artista, creando distintas dinámicas visuales.

Al ver que muchos se iban marchando Tunick le pidió a las mujeres que regresaran al centro de la plaza y con ellas hizo nuevas tomas. Ese fue el momento político: casi en su totalidad las mujeres gritaron “sí al aborto”, en apoyo a la reciente ley para despenalizar esa práctica que hace tan sólo unas semanas creó una gran controversia en la capital mexicana.

Muchos hombres, ya vestidos, se acercaron para ver las tomas y entonces surgió un momento de tensión en el que pareció que la situación se podía salir de control.

Fue necesario desalojarlos y era palpable la molestia de las que tuvieron que atravesar entre ellos para encontrar su ropa.

Los organizadores reconocier
on que fue una situación difícil, pero “el balance es más positivo y se demostró la madurez del pueblo”, señaló Gerardo Estrada, uno de los coordinadores.

Mediante un acuerdo, la catedral que está a uno de los cuatro lados de la plaza, no podría formar parte de las fotos, como tampoco la inmensa bandera que cada mañana se iza en el centro de la explanada y cuyo acto el domingo se atrasó hasta el mediodía.

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Leticia Felgueroso

POR CÉSAR NAVARRO

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Aunque tuviera 90 años, el estadunidense Spencer Tunick (Middletown, Nueva York, 1967) encontraría ”frescas” sus archipublicitadas instalaciones masivas de seres humanos desnudos en espacios públicos, expresó a La Jornada.

El artista anunció ayer que el domingo 29 de abril, después de esperar tres largos años, efectuará por fin un proyecto fotográfico y de video en un lugar de la ciudad de México que, ”por tradición”, revelará siete días antes de la fecha, para el que espera atraer a 4 mil participantes. Bien podría ser en el campus de Ciudad Universitaria.

También, dio a conocer la creación de la página web www.spencertunickmexico.unam.mx, donde los interesados podrán inscribirse. Y como la instalación requiere que los participantes se desnuden por completo, los voluntarios deberán contar con la mayoría de edad y ceder los derechos de las imágenes y del registro en video que realizará TvUNAM, para su posterior difusión.

Tres instalaciones por año

Si los proyectos de Tunick mantienen su frescura es porque sólo realiza tres al año. El de la ciudad de México será el primero de 2007, mientras que el segundo será en Amsterdam, como parte del Holland Festival. El tercero aún es un secreto, porque hay que conseguir los permisos y tener la forma de inscribirse antes de anunciarlo, pero también tendría sede en Europa.

Desde 2004, Tunick cultivó la esperanza de que aquí algún museo o institución de arte contemporáneo se interesara por financiar un proyecto suyo en el país. Pero, ”para bien o para peor”, las instituciones con las cuales se reunió decidieron no asumirlo (La Jornada, 22/04/05).

Hasta el momento el costo de la instalación asciende a un millón 240 mil pesos, pero podría llegar a un millón y medio de pesos, informó Marco Antonio Hernández Murrieta, presidente de la Fundación Murrieta, patrocinador junto con Difusión Cultural de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y la Secretaría de Cultura del Gobierno del DF.

La mitad de los gastos serán cubiertos por dos coleccionistas particulares, cuyos nombres no fueron revelados, y el resto por las instituciones mencionadas.

Los organizadores tratan de mantener a Tunick alejado de lo político, porque los trámites burocráticos lo ”deprimen”.

Explica: ”Por lo general las ciudades obtienen la imagen necesaria de otras urbes. Los políticos siempre se muestran muy nerviosos en cuanto a la acogida del arte público en general, pues lleva un poco de tiempo. Tienen que ver qué se hizo en otras partes y si fue exitoso. Este es el tiempo más largo que he trabajado en una instalación”. Al empeño de Mireya Escalante se debe que el proyecto haya cuajado.

En Santiago de Chile, por ejemplo, su trabajo fue el catalizador para que más de 4 mil personas sacudieran ”una opresión de 10 años y comenzaran algo nuevo”.

Aunque nunca fue su pretensión que eso pasara, porque ”pienso que podemos crear una obra de arte y tener un momento de belleza y libertad o lo que sea. Para mí no se trata de un rally o de una protesta”.

Abstracción y cuerpos como forma

Para su primer trabajo en grupo, en 1994, frente al edificio de la Organización de las Naciones Unidas, en Nueva York, Tunick contó con 28 personas. Aunque no lo veía como una protesta, consistió en su ”modo personal de tratar el genocidio en Ruanda y Bosnia”. Si en un principio su trabajo era más ”un grito en contra de la agresión hacia el cuerpo”, ahora, trabaja más con la abstracción y los cuerpos como forma.

Aparte de Santiago de Chile, Tunick ha hecho instalaciones en Sao Paulo, Buenos Aires y Caracas. Le ha ido bien en Latinoamérica. En su estado natal, sin embargo, tuvo que ganar su derecho de trabajar en la Corte Suprema de la Nación, donde lo apoyó la juez Ruth Ginsberg.

Tunick ve el cuerpo humano como una flor. ”Si uno dispone un millar de flores en cierta forma, entonces, se trata de arte de concepto orientado”. Le gusta trabajar al amanecer, cuando ”el sol aun está debajo del horizonte y el cielo entero es una caja de luz”. Emplea el cuerpo como ”una cobija que tranquiliza situaciones”.

-¿Algún día le rogarán para que haga sus instalaciones en diferentes países?

-Acabo de cumplir 40 años, tal vez cuando tenga 50 habré obtenido un poco más de reconocimiento. Pero estoy bien, durante los próximos 10 años no me importa si me rechazan.

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