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Al igual que como ocurrió en el caso del protagonista de esta entrevista, el que esto escribe tuvo durante su estadía en el periódico El Heraldo de México la posibilidad de acercarme a un mundo lleno de glamour y fantasía, al cual muchos darían lo que fuera por estar dentro; además de estar cerca de otras personas que, con sus ideales y experiencias, me inyectaron más deseos de permanecer y crecer de manera profesional.

Su nombre es Gerardo Beretta, o Jerry Beretta (como le conocemos todos los que hemos convivido con él), experimentado fotógrafo artístico y publicitario que en breve, y de nuevo en complicidad con su esposa Carmen, dará a conocer un libro objeto, llamado “La Carmen”, el cual consta de fotografías de desnudos originales de ella, además de dedicarse a preparar dos libros más, uno sobre sus trabajos como fotógrafo artístico y otro en el que resumirá los 21 años que se dedicó a ser el fotógrafo oficial de los nominados, “Voces” y “Rostros” de El Heraldo de México.

Asistir a su estudio durante la preproducción de estos eventos, ya fuera como reportero o como asistente de la coordinación general, era un verdadero placer en todo el sentido de la palabra. La posibilidad de escuchar y formar parte de charlas amenas, probar buena comida y beber jugos, refrescos y hasta un buen vino de vez en cuando, además de poder conocer a “las estrellas” de una manera más humana y hasta hacernos “amigos” de ellos, era lo que formaba parte de esas mañanas, tardes y hasta noches de sesiones fotográficas con Jerry Beretta.

¿Qué dejó en ti, profesional y personalmente, la experiencia de formar parte del equipo de las Entregas de Heraldos?
“Fueron 21 años seguidos. Se dice fácil… pero la ‘netiux’ es que con todo y las sesiones largas y en ocasiones desveladas, es uno de los trabajos que forman parte de mi cosmogonía personal. Es como mis creencias, nadie me lo puede quitar. Me encantaba el sentir festivo, glamoroso, el cuchicheo de quienes, a su vez, participan en el imaginario de este país, su dedicación y algo que no me fue aparente al principio pero de lo cual, por arte de alguna magia o ángel se dio, la confianza que depositaban en mi persona y oficio.

“Espero que hayan sido pocos los casos en que no haya estado a la altura de las expectativas, con excepción de los que si conozco (dos o tres ‘namas’). Nadie es monedita de oro y en ocasiones, pocas, los defectos de carácter no son compatibles. Me encantaba que podía experimentar con luces, fondos, poses, siempre buscando entregarme a quién tenía enfrente. Ese era mi reto, tanto técnico como expresivo. Por supuesto que esto fue posible gracias a la mente abierta y generosa de quienes dirigían la operación, en especial Don Guillermo Vázquez Villalobos (Q.E.P.D.), Mauricio Peña Flores y sus magníficos colaboradores. Vaya, en 21 años no recuerdo (o no supe) haber tenido roce alguno con quienes me confiaban su trabajo y su cabellera (y la mía) si no quedaba bien”.

La lista de estrellas captadas por tu lente debe ser muy extensa…
“Demasiado larga. Lo que si puedo decir es que, gracias a este proyecto anual, tuve frente a mi cámara a un gran número de los grandes actores y actrices de mi país, así como a futuras luminarias que han demostrado tener lo que se necesita…ahhh ! y mujeres bellas. Esto fue un regalo”.

¿Recuerdas una anécdota que consideres digna de contar?
“Pues ¿que te diré? La anécdota general es que, siempre, llegaban con mucha prisa. Sólo tenían 15 minutos y, tres o cuatro horas después, aún estaban en el estudio. Magia o ángel, no se quién la operaba. En alguna ocasión, escuche a un director de cine decir que le aplicaran cámara italiana a una escena. Cuando me enteré cómo funcionaba me pasmé. Diplomacia absoluta y vieras que, en pocas ocasiones, y siempre a los principiantes Divos o Divas, una vez que ya tenía yo lo que se necesitaba aplicaba la técnica y todos felices.

“Algo que a la fecha celebro es cuando, fotografiando a Rafael Baledon y su esposa, que era pequeña de estatura, les pegunté como le hacían (!!!), y ella sin ningún empacho contestó: ‘Jerry, mientras el centro embone chín… a su madre las extremidades’ y ¡zas! una presencia maravillosa en sus fotografías y carcajadas de todos los presentes por supuesto. Así de grande era este asunto”.

Si la fotografía fue hecha con el corazón, lo técnico pasa a otro plano.

¿Cómo se convierte la fotografía en Jerry Beretta la fotografía en un modo para expresar sus ideas?
“Realmente no sé como, simplemente se dio. Es más, yo no escogí esta disciplina, ella me escogió a mí. Estaba en la universidad por 1968 estudiando Ciencias y Técnicas de la Información, lo que hoy llaman Comunicación, pero es una carrera distinta, y llevábamos taller de Fotografía el cual, por cierto, reprobé. Al año siguiente, mi padre me regaló una cámara y ¡zas! me clavé. Durante los siguientes cuatro años de carrera no dejé la cámara nunca. De hecho, se convirtió en mi estereotipo”.

¿Cómo se da el giro que la transforma en tu manera de vivir de ella?
“En 1972 se me presentó un libro llamado ‘Photographis’, editado en Suiza, que contenía lo mejor de la Fotografía Publicitaria del mundo, y ahí fue cuando conscientemente me dije que eso es lo que yo quería hacer. Comencé a trabajar en ello junto con un amigo, Sergio Zambrano, que ya hacía catálogos finos y había que mejorar la fotografía. Y como en todo oficio, el “clavarse” rindió frutos. Al poco tiempo, comencé a buscar clientes en el medio de la agencias de publicidad.

“La primer foto que me confiaron fue una de Hot Cakes en McCann Erickson que, por cierto, Doña Maria Luisa, mamá del magnifico cartonista editorial Paco Calderón, fue la estilista. Desde entonces he trabajado en el medio publicitario y de comunicación: anuncios, catálogos, portada de discos, retrato de artistas, propaganda política, etc., y nunca he dejado de producir fotografías de corte ‘auto encargo’, lo que me permite continuar desarrollando mi amado oficio”.

¿Que es lo que diferencia a tus fotografías de las demás, tanto en lo artístico como en lo técnico?
“Bueno en lo técnico, tanto antes como ahora (era digital), mantenerse en la cresta de la ola del bien hacer es un trabajo cotidiano y una pasión en si. En ocasiones ocurre que las circunstancias no confluyen para que todos los elementos de una fotografía se den de manera armónica y precisa, sin embargo, el resultado final técnico se deberá al conocimiento y buen uso que de las herramientas asequibles se haga. Y es aquí en donde aquello que tu llamas ‘artístico’ hace aparición.

“Estoy consciente que, para obtener una magnífica fotografía de ese momento volátil, debe haber voluntad y talento para ello en los involucrados. En otras palabras, si la fotografía de quién fuere se lee amable y por ello humana, y dice algo del que posa aunque sea por sólo unos segundos, y valga la pena verla, ¡ya chingué ! Pero, ¿que las diferencia de otras fotografías?, creo que sólo quien las ve podrá decirlo”.

El hecho de haber fotografiado el desnudo durante tantos años me ha hecho sensible a los sentimientos ajenos.

Eres un gran aficionado al sexo y a las fotografías de desnudos femeninos. ¿Qué es lo que deseas transmitir al público con ellas? ¿Cómo le haces el amor a una fotografía?
“La sexualidad es un gran obsequio de la naturaleza humana y, como en todo lo humano, hay que dirigirla, educarla, mas no precisamente con temor como lo han hecho hasta ahora clérigos y políticos, viejos socios siniestros en la conducción de masas de personas con nivel de abstracción básico.

“Debo agregar que el llamado ‘Nuevo Erotismo’ me fascina, pero más por lo directo que por lo postmoderno. Pienso que es una etapa necesaria en la expresión humana y que la tecnología ha facilitado para, en un futuro establecer otro camino a la sexualidad y su estética. Es como canción de protesta, casi todos tienen por qué y con quién cantarla. En otras palabras, hay que involucrarse en cuerpo, mente y espíritu para lograr un resultado amoroso”.

Con Carmen, y utilizando la fotografía como medio de expresión, tiró por la borda muchos tabúes.

¿Qué planes tienes para este año, laboralmente hablando?
“Voy a poner en orden una cantidad de archivo que se ha acumulado, aplicando lo que Ernest Hass, una de las vacas sagradas de la fotografia internacional solía decir : ‘Tira la basura o bien estarás asombrado de cuanto tienes y deprimido por lo poco que hay’.

“Lo que se salve lo voy a preparar digitalmente y buscaré la manera de sintetizarlo y publicarlo. Entre ello está la intención de hacer un libro de los 21 años que participé en los Heraldos. Mucho trabajo, mucho trabajo y yo que soy flojo”.

Sabemos que tienes un libro objeto, con fotografías de tu esposa Carmen…
“Exactamente al igual que este libro, que se titula ‘La Carmen’, es en el tono que voy a preparar el de los Heraldos y otro de mi trabajo fotográfico. Contiene setenta páginas, cada una de ellas es una fotografía original impresa en papel de algodón y tintas de carbón, intercalados con textos impresos en papel transparente y encuadernado.

“Ojalá encuentre la manera de publicarlo en forma tradicional para compartir lo que ha sido una de las travesías de vida más elocuentes de lo que significa llevarse bien y tirar por la borda muchos tabúes, utilizando la fotografía como medio de expresarlo”.

Ahora hablemos de la fotografía en movimiento Jerry, el cine. ¿Cuál es tu película favorita? Aquella que has visto tantas veces y aún vas por más.
“Sin duda ‘Lawrence de Arabia’, de David Lean. Necesitamos un Lawrence aquí en México, pero no creo que pueda”.

¿Quién es tu actor o actriz favoritos?
“Robert de Niro y Meryll Streep. A ella le creo todo”.

¿Cómo sería una película dirigida por ti?
“¡Una Catástrofe!”.

¿Qué opinas de la fotografía artística que se hace hoy día en México?
“No sólo hoy en día, desde que hay fotografía en México se realiza un tipo de fotografía difícil de producir en otro país. Tanto extranjeros como nacionales quedan extasiados ante lo bueno, lo malo y lo feo y hay algo en el aire que ronronea y lo propicia. Si bien se le da mayor difusión a la fotografía documentalista con, en ocasiones, compromiso social, quienes con su amado oficio laboran en otras áreas expresivas y también metafóricas son magníficos.

“Sin embargo, el estigma de ‘la vida no vale nada’ opaca a no pocos maestros. Vaya y lo conozco de primera instancia. Hay muchos fotógrafos que ni idea tienen que es el Derecho de Autor y menos qué significa. En ocasiones, me entristece cuando, por ejemplo, ve uno un libro de por ejemplo los Mayas, que fue editado en otras latitudes con fotógrafos enviados por ellos. Son pocos los proyectos que se desarrollan en México, de pocos lectores y menos poder de compra. Habría que hacerlos aquí con miras a la exportación y establecer esos canales. En cuanto a la fotografía publicitaria, pues qué te diré, con que se vea”.
Fotografías: Jerry Beretta.

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Fotografía de Manuel Montes de la serie Lazos de sangre, 2007. / DA

El uso del blanco y negro viene a reforzar ese aspecto del desnudo clásico. “Y además, porque aunque la vida es en color, la fotografía en blanco y negro es más realista y tiene mucha más fuerza, que el color, y además, el color dulcifica la imagen de alguna manera y le da matices menos fuertes”, señala. Una de las ideas de Montes era simplificar todos los conceptos, desde la puesta en escena, escenografía, maquillaje, incluso la propia desnudez, para restar elementos a la fotografía hasta quedarse en lo más puro, en la esencia. “A la vez que iba eliminando componentes, también intenté trabajar sin luz, por eso traté con los mínimos requisitos de iluminación, utilizando básicamente una luz principal, que atacaba el motivo o el sujeto con un ángulo determinado, pero básicamente una sola”, indica.

El desnudo se ha convertido en habitual en el trabajo de Manuel Montes sólo en los tres últimos proyectos. En Creadores mostraba retratos de artistas canarios hechos a tamaño natural, desnudos, y expuestos en el Centro de Arte la Recova en la bienal pasada. Íntimo cotidiano fue la siguiente exposición, y estaba basada en desnudos sobre los que se proyectaban luces de colores. “El público tiene la percepción de que todos mis trabajos son de desnudos porque estos trabajos se hacen más populares, y la gente los conoce más”. Hace poco tiempo también hizo una serie en la que mostraba monumentos naturales de Tenerife, que “eran paisajes en el concepto clásico, en blanco y negro, procurando esquivar todos los signos de progreso y la intemporalidad, para eliminar todo lo que podían ser casas, tendidos eléctricos y procurando hacer las obras en su contexto natural”. También es fotoperiodista, por eso le gustan las fotos de calle y de viajes.

Jóvenes

Montes opina que los jóvenes fotógrafos de ahora se siguen interesando por el desnudo, solo que “este género requiere unos preparativos ciertamente complejos”, y añade “los desnudos necesitan un espacio, o muy solitario, o un estudio adecuado para hacerlo, y contar con la complicidad de los modelos, y requiere una puesta en escena más complicada de hacer que por ejemplo fotodocumento, paisaje u otra cosa que no necesita más elementos que la cámara y tú”.

Sobre estos nuevos fotógrafos dice que tiene una virtud, que es la versatilidad puesto que viene de distintas ramas de la formación, “no solamente de la fotografía, sino también de historia del arte, bellas artes, periodismo, y otras, e incluso pintores y escultores se reciclan y alternan su trabajo con la fotografía”.

Manuel Montes trabaja también en vídeo y cine, y al respecto dice que en estos trabajos audiovisuales han influido, en la manera de hacerlos, en su formación fotográfica. “Todo lo que sea trabajar con la imagen, ya sea de carácter electrónico, vídeo o cualquier otro tipo, la base fundamental es la fotografía, el análisis de la luz, la composición, el encuadre, todos esos elementos son fotográficos. En el cine una figura que pasa desapercibida es la del director de fotografía y sobre él recae el principal papel a la hora de innovar los productos audiovisuales, y esos profesionales fundamentalmente proceden del mundo de la fotografía”, aclara.

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El Universal

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Jean-Baptiste Barret Robert Charlotte Jean-Francois Manicom MARIANNE DE TOLENTINO Es un motivo de gran alegría que se celebre por segunda vez, a un año de distancia, el Mes de la Fotografía en Santo Domingo, y no dudamos de que en el 2008 habrá una tercera edición del evento. Photoimagen es la institución organizadora y responsable de este logro, encabezada por los fotógrafos Mayra Johnson, su directora general, y Carlos Acero, subdirector, que, desde el 2006, se ha entregado con pasión a esa fiesta de la imagen, como lo atestiguan sus cinco textos publicados en la gazeta Photoimagen, y su exposición personal del 2006, presentada allí por Myrna Guerrero. Una verdadera explosión de la fotografía dominicana, intensificada por las mujeres fotógrafas, ha sucedido, imponiéndose en las exposiciones, las bienales y las publicaciones. Producir anualmente un mes de dedicación especial, a la vez fortalece, dinamiza y disciplina nuestra fotografía, invitando además a muy notables artistas internacionales de la cámara, como es el caso de los fotógrafos que exponen en los salones de la Embajada de Francia. Sentimos la participación de esos franco-caribeños con emoción, ya que, en el 2000, el Centro Cultural Cariforo había celebrado en el Palacio de Bellas Artes, como parte de su programa Cariforum, una gran muestra de pintura y de fotografía de todo el Caribe, también dedicada a la Ciudad (“Urban life in Caribbean”, La Vida urbana en el Caribe), ¡quedando la nostalgia y el hermoso catálogo!. Como bien lo señala poéticamente Mayra Johnson, “cada ciudad tiene vida propia, y, como su gente, tiene su lenguaje”. Uno de los más destacados participantes fue entonces Robert Charlotte – de Martinica-, que nos cautiva ahora nuevamente. Respecto a Mujesira Elezovic -alma de esa iniciativa en cuarteto desde el primer momento-, Jean-Baptiste Barret y Jean-François Manicom, una travesura del correo electrónico interrumpió la comunicación…. Felizmente, el departamento cultural de la Embajada de Francia materializó el proyecto en colaboración con los expositores e instituciones antillanas francesas: hoy tenemos, muy bien distribuidas entre las salas del primer y el segundo piso, cuatro exposiciones personales para esta actividad de grupo. La Exposición Si tuviéramos que aplicar una calificación primordial a esta exposición, es su inteligencia. Ha sabido combinar cuatro personalidades, y cada pequeña individual nos estimula para que disfrutemos la siguiente y descubramos su singularidad. Cabe señalar que, sin descartar totalmente el aporte digital, los artistas preservan, en sus obras, de técnica impecable, la categoría fotográfica tradicional. El título,”Deambulancias urbanas” puede interpretarse como un paseo por la implacable foto-realidad de Jean-Baptiste Barret y de Mujesira Elezovic, cruzándose luego el umbral de lo real-fantástico, a través del “diálogo” de las fotos-instalaciones de Robert Charlotte y Jean-François Manicom. Jean-Baptiste Barret deja subsistir la veracidad de la fotografía testimonio. Aparentemente, sus espacios -aquí el espacio es muy importante- toman la forma de paisajes urbanos antillanos, donde el campo todavía queda cercano y la banalización anónima es incontenible. ¡El parqueo adquiere un valor simbólico! Ahora bien, observamos la presencia de un pequeño personaje: el hombre está en ese mundo deshumanizado… pero adrede reducido a su mínima intervención, aparentemente. De hecho es un elemento principal en el escenario, a nivel del mensaje, y más cuando nos percatamos de que siempre se trata del propio fotógrafo, con expresiones y “disfraces” distintos. No es Cindy Sherman y sus autorretratos obsesivos, sino un testigo ¿acusador?- a quien, una vez descubierto, iremos buscando, imagen tras imagen, hasta en una multitud Mujesira Elezovic demuestra una fuerza, una calidad, un esmero impresionantes. Ella despliega el arte del retrato fotográfico, pero anónimo, convirtiéndolo en estudio sociológico espontáneo. Son mujeres – hay muy pocos hombres, y sin rostros, si bien recordamos- en la calle y en su andar cotidiano. Que sean una, dos tres, cuatro o más en un cuadro, cada una, todas generaciones incluidas, propone el impacto de su rostro. Nuestra mirada se prolonga, y la preocupación o el cuestionamiento, legible en estas caras graves, se convierte en un elmento constitutivo de la reflexión fotográfica… y la condición humana. Los “fondos negros” -título de la serie-, absolutos, concentran toda la atención en los protagonistas. También aportan una segunda dimensión tanto estética como técnica, ingrediente fundamental de esta iconografía singular. Subir a la segunda planta -¡todavía se debe acostumbrar el público a esa segunda etapa, y en cada exposición!- modifica los esquemas de mirada y las propuestas estéticas. Además tanto en Jean-François Manicom como en Robert Charlotte, movimiento, superposiciones y/o repeticiones presentan una relación del cuerpo con el espacio y el tiempo. El tema de la ciudad pierde importancia, y , en nuestro criterio, poco entra en la sustancia de sus imágenes subjetivas, experimentales, fascinantes al fin. El sonido-narrativa y musicalización acompañan las obras. Ambas muestras -cortas-, instaladas simétricamente son apasionantes. Jean-François Manicom, en Estados Inestables, anima los personajes, los desmaterializa, los descompone, evocando una mutación, de la cual sólo se nos ofrece una primera fase y sin embargo sugiere la continuidad… más allá del cuadro y de la secuencia. En el políptico, de ambiente industrial arrabalizado, aparte de la figura-luz y su estela, surgen rostros misteriosos como “apresados” en la chatarra, a modo de espectadores a la expectativa. Reina un ambiente onírico-fantástico, mientras la mirada de un joven, que ocupa el centro de la instalación a manera de una imagen hagiográfica inquieta e interpela al otro -o sea a nosotros-. El código cromático fundamental de la fotografía, en blanco y negro, fortalece una percepción a la vez dramática y mágica. Fue, como lo menciona mos, una alegría reencontrar a Robert Charlotte, después de años de “ausencia” y admirar la intensidad estética de sus fotografías, que visualizan el lirismo y exaltan una belleza… sin complacencia. El dinamismo de sus imágenes juega con la superposición cuerpo / soporte absolutamente anónimo, con la geometría y la organicidad, con un efecto de difuminado que desplaza la mirada hacia la introspección. En el duo de imágenes centrales, -perturbadoras y perturbadas-, la comunicación de fenómenos parasicológicos se transmite por el contraste entre la luz y la oscuridad, el blanco y el negro, sugiriendo la tercera… y la cuarta dimensión.

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1. Photoimagen 2012 se centrará en la idea de Tránsitos. Mayra A. Johnson Depratt. Santo Domingo, 06 de Febrero, 2012....

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“Si extraemos cosas preciosas de la tierra, invitaremos al desastre.Próximos al día de la purificación se tejerán telarañas de un lado al otro del cielo.Puede que algún día caiga un recipiente lleno de cenizas, que quemará la tierra y hará hervir los océanos.”

Profecías HOPI.

Definitivamente fui un niño precoz, mi primer happenings lo hago a la edad de 7 años, mi hermano Ramón me tomó una foto en el Lago de Maracaibo orinando; y comenzó mi historia: Vida, Pasiones y Resurrecciones. Dibujaba con creyones prismacolor y armaba mecanos, lector insaciable de Emilio Salgari, Alejandro Dumas, Julio Verne, Las novelas Westerns de Stephania, Oscar Wilde, William Shakespeare, Walt Witman, Las Mil y una Noche; esto por supuesto prendió una imaginación, llena de corsarios, mosqueteros, héroes, antihéroes, viajes, perfumes, ropaje, sabores, mujeres…., mujeres, y así continúan las cosas.

1.958: Liceo Andrés Bello, actor en la obra “El Convidado de Piedra”, basada en la vida de Don Juan, de Alejandro Pushkin, director Eduardo Calcaño (Anécdota con Claudio Perna).

1.959: Comienzo los estudios de teatro en La Escuela del Sindicato de Radio y Televisión. Profesores, Román Chalbaud y Rafael Briceño. Tomo clases de baile en el Ballet Nacional de Venezuela, de las Hermanas Contreras. 1.960, asisto al Festival Mundial de la Danza, Habana, Cuba, con este grupo. 1.961, se funda el Techo de la Ballena en el garaje de mi casa, en la Urb. El Conde (Carlos Contramaestre, médico de profesión y Gonzalo Castellano, Arquitecto) convencen a mi santa madre, que ellos eran decentes y llenos de buenas intenciones. Paralelamente ingreso a la Escuela de Teatro del Ateneo de Caracas (Horacio Peterson), Danza Moderna con Griska Holguin y Sonia Sanoja, Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas, Facultad de Arquitectura (UCV), Teatro Universitario, donde conozco a José Ignacio Cabrujas, Álvaro de Rosson, Nicolás Curiel (Director). 1.965: fundo en complicidad con José Ignacio Cabrujas la “Pequeña Compañía”, Teatro y Danza en el TEA (Teatro Experimental de Arquitectura) con la cual montamos “Testimonio” y “Homenaje a Herry Miller”, los primeros espectáculos multimedia realizados en la América Latina (teatro, danza improvisada, proyecciones de diapositivas, cine, luces especiales, etc.). Después de estas experiencias me fui a vivir a New York City. Ya en 1.963 había estado en esa ciudad tomando cursos intensivos de danza con Marta Graham, y Alwin Nikolai. 1.966 monto “The Illumination of the Buddha”, primer espectáculo psicodélico en N.Y.C., con Allen Ginsberg y Timothy Leary (El profeta del LSD). 1.967 fundo y dirijo “The Fundation for the Totality” con Juan Downy, Manuel Quinto, Jaime Barrios, Waldo Díaz Balart, José Rodríguez Soltero y muchas bellas chicas (primer grupo de vanguardia latinoamericano fundado en New York City). Comienzo a trabajar en “The Factory”, con Andy Warhol, participo en varias de sus películas y con la “Fundation for the Totality”, realizamos muchos happenings y teatro de guerrilla en las calles de N.Y.C. En 1.968 realizamos la primera película sobre el Che Guevara, “Diálogo con Che” (idea y actor principal), director José Rodríguez Soltero, con esta película fuimos invitados a los principales festivales de cine del momento: Cannes, Berlín, Spoleto, Munich, Roma, La Cinemateca “Palais de Chaillot. París, etc. Participo en infinidad de eventos en este período. 1.975 formalizo mi incursión en las Artes Plásticas con la Santería (gráficas, fotos, instalaciones de altares, etc.), en el Bogarin Workshop Gallery, N.Y.C., con esta muestra inauguro La Sala Anexa del Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imber, texto de presentación de Aquiles Nazoa y Gregory Battcock. Esta exposición recorro gran parte de Venezuela en compañía del músico Vitas Brenner y Aquiles Nazoa. Me regreso a N.Y.C y luego de un largo viaje por Europa voy a la casa de Leonardo DaVinci, en Vinci, Italia, y siento en carne propia la estética de las perspectivas (o che dulce cosa e questa Prospecttiva! Paolo Ucello). 1.979 monto “The Seven Vanishing Points” (Performance, Installation, Imágenes Fotográficas Intervenidas), en la Cayman Gallery, N.Y.C., y luego en Caracas en la Galería “G”. 1.980 comienzo a desarrollar el tema del petróleo como concepto, ícono del arte contemporáneo y para esto me valgo de todos los medios de expresión, fotos, gráficas, intervenciones, performance, instalaciones, esculturas monumentales, internet, CD rom, videos, DVD. Por supuesto desarrollando el concepto de la unión Arte, Ciencia y Tecnología. A mediados de los 80 conozco a Claudio Mendoza, astrofísico, y comenzamos una relación de trabajo con estos conceptos. Realizamos el proyecto “Mené Digital”, Centro Científico IBM. Este libro y exposición se montó en el Centro de Arte del Banco Consolidado, en 1.993. El evento fue bautizado por José Ignacio Cabrujas. En 1.997 participo en la XLVII Bienal de Venecia, Italia, representando a Venezuela. En 1.999 monto el “Modelo Estándar de la Materia: Tributo al Siglo XX”, en el MACCSI. 2.002 monto “Ruptura Espontánea de Simetría: El Barril de Dios”. Con esta muestra, giro por España, Londres, Italia, París. En el 2.004 la Escuela de Letras de la Universidad Católica Andrés Bello rinde un homenaje a mi obra con un ciclo de charlas denominadas “Arte, Ciencia y Tecnología en la obra de Rolando Peña”, y presento la exposición “Imágenes de la Resistencia” (fotos digitales, acciones, videos) en la Sala de Fotografía Margot Benacerraf, Ateneo de Caracas. Organizo “Los Diálogos de la Reistencia” en la O.N.G. (Organización Nelson Garrido). 2.005 presento “La Energía Oscura: Tributo a Albert Einstein” (instalación multimedia interactiva) en la fundación Corp Group, centro cultural. Esta muestra sirvió para celebrar el año mundial de la física. Aparte de las actividades como artista plástico he trabajado como curador y promotor de exposiciones de carácter internacional como “Les Droits de L’Art” en París, Francia, organizada dentro del marco de la celebración del “Bicentenario de La Revolución Francesa” en 1.989; Pierre Restany, “Le Coeur et la Raison”, Morlaix, Francia, y la curaduría de la participación venezolana en la “V Muestra Internacional de Vídeo” en Sevilla, España, ambas en 1991; y “Au Dela”, Observatori 2.001 en el 2º Festival internacional de la Investigación Artística de Valencia, España. He dictado conferencias sobre Arte de Vanguardia en Universidades, Fundaciones y Museos de Europa, Estados Unidos y Venezuela.

Ser indiferente es ser Cómplice Lo contrario de la Libertad, es la Muerte Lo heroico es comprender lo cotidiano y transformarlo en Arte Petróleo seré, mas Petróleo enamorado.

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México, 25 May (Notimex).- La Fototeca Nacional, ubicada en Pachuca, Hidalgo, está a su máxima capacidad y le urge tener nuevas instalaciones, afirmó la investigadora Rosa Casanova, ex directora de esa dependencia y compiladora junto a Adriana Konzevik de “Luces sobre México, catálogo selectivo de la Fototeca Nacional del INAH”.

Entrevistada luego de la presentación del libro coeditado por el Instituto Nacional de Antreopología e Historia (INAH) y Editorial RM, la especialista dijo además que el principal almacen fotografico del país necesita ampliar los servicios que ofrece, destinar mayores recursos para investigación y ampliar su catalogo de publicaciones.

“A la Fototeca Nacional -dijo- le urge tener nuevas instalaciones, y aunque todos sabemos que la cultura tiene pocas posibilidades económicas, las necesita por muchos motivos, pues ha crecido de tal manera que ya no cabe y necesita tener otra serie de servicios para tener las posibilidades de una institución moderna”.

En el momento de su inauguración ocurrido hace 30 años, fue una de las instituciones más avanzadas en su tipo, sin embargo, ahora necesita “más investigadores que puedan trabajar sobre los diferentes acervos y temas; tener más publicaciones, pero todo esto implica un proceso que es difícil en las circunstancias de la Fototeca, reconoció.

Creada en 1976, al Fototeca resguarda el acervo fotográfico más importante del país con cerca de 900 mil piezas que cubren 160 años de fotografía en México, actualmente es el centro de actividades del Sistema Nacional de Fototecas (SINAFO) y cuenta con 41 fondos provenientes de diversas adquisiciones y donaciones.

El material con el que cuenta se refiere tanto a las diferentes etapas de la técnica y el arte fotográfico y al extenso horizonte de disciplinas que tuvieron en la fotografía una herramienta básica de trabajo, como la arqueología, la antropología, la arquitectura, el urbanismo, la sociología, la economía, la ecología, la salud, la astronomía y la historia.

Este recinto, agregó Casanovaq, “necesita más espacio”, que podría implementarse en el mismo ex Convento de San Francisco donde se ubica, además de colocarse a la vanguardia en cuanto a equipo se refiere, de acuerdo con las últimas tegnologías de la fotografía.

Explicó que parte de los acervos con que cuenta la Fototeca, tienen su origen en el desaparecido Museo Nacional que integró una de las más ricas colecciones de tomas relativas al estudio arqueológico, etnográfico, histórico y monumental de México.

El recinto cuenta además con un Centro de Documentación, que reúne material documental, hemerográfico y bibliográfico de temas referentes al quehacer fotográfico. Sigue. Requiere/dos/fotográfico.

También existe en el inmueble una sala de exposiciones temporales en la que se presentan muestras fotográficas consideradas de nivel internacional, y el Museo de la Fotografía, en el que se materializa una parte fundamental de la labor que se lleva a cabo en esta institución.

En la compilación, presentada en el auditorio Fray Bernardino de Sahagún del Museo Nacional de Antropología, con los comentarios de Alfonso Morales y Antonio Saborit, se incluyen 326 imágenes que dan cuenta de cada uno de los fondos que integran el acervo de la Fototeca.

El catálogo, editado en español e inglés, contiene una variedad de fotografías a lo largo de sus casi 300 páginas que dan cuenta de la historia del país y es acompañado por un disco compacto que posee mil 200 imágenes, todas ellas provistas de un sistema de búsqueda para consultas cruzadas y de su respectiva ficha técnica, enriquecida con observaciones.

“Luces sobre México” se estructura a partir de los fondos que alberga la Fototeca, mediante su clasificación en cinco vertientes: el Casasola, como fondo fundacional; los institucionales: Culhuacán, Chapultepec, Etnico, Prehispánico, Expedición de Cempoala y Jorge R. Acosta.

Además, da cuenta de los coleccionistas: Felipe Teixidor, Guillermo Tovar de Teresa, Familia Alvarez Bravo Urbajtel, Otto Dahl y Jorge Guerra; los autorales: Cruces y Campa, C.B Waite/ W. Scott, Guillermo Kahlo, Hugo Brehme, Tina Modotti, SEMO, José Antonio Bustamante, Arnulfo Viveros, Bonifacio Maraveles, Nacho López, Consejo Mexicano de Fotografía, Carlos Jurado y Fotografía Extranjera.

Pero también integra los fondos provenientes de donaciones, adquisiciones y otros como Imágenes de Cámara, Juan Antonio Azurmendi, Observatorio de Tacubaya, Eduardo Oropeza, Vives Price, Marcos Rocha, Peter Smithers, Fotografía Estereoscópica, Estado de Hidalgo, Estados de la República , Salud Pública, Serrano/Vidal, Revista Hoy, Gustavo Díaz Ordaz e Incremento Acervo.

Con un preámbulo del historiador y crítico de arte Olivier Debroise, el catálogo da cuenta de la labor fotográfica de profesionales y aficionados; informa sobre las diversas técnicas empleadas; deja constancia de la vida misma de las piezas, muestra la dimensión internacional del acervo, y reseña las imágenes fotoperiodísticas, del ámbito cotidiano y de búsqueda artística.

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Foto: Félix Reyes

Estudió economía pero su pasión por la fotografía hizo que dejara de ejercer su profesión, “el acto de tomar una foto y el tener resultados, esa relación de ver la imagen y sentir una correspondencia, el saber que había creado cosas y en la economía no sucedía eso; me hizo cambiar, tenia que investigar, partir de muchas cosas ya dadas, para lograr ver resultados y en la fotografía es una cuestión natural” explica Alejandro Echeverria, fotógrafo oaxaqueño.
A los 22 años terminó su carrera, trabajó hasta los 30 años como economista, dos años antes empezó a tener contacto con lo que es la imagen, una cuestión totalmente desconocida para él, “al poner el ojo en el visor como que mi realidad se pierde, esa parte externa se va, la olvido, hay como un sumergimiento en ese visor y en ese motivo que estoy observando y delimitando y cuando veo esa imagen, para mi es muy importante y creo que a partir de ahí surjo como fotógrafo”
Para mí el acto de tomar fotos es una necesidad interna, poder sacar mi estrés y esa parte de locura que tenemos, sumergirme en ese mundo que es muy del fotógrafo, donde existe la individualidad y soledad con mi cámara y mi andar señala Echeverría
Reconoció que la fotografía documental o fotoperiodismo le cuesta trabajo, prefiere trabajar sobre el entorno urbano, encontrar en las paredes esos signos donde se expresa mucho la cuestión personal, humana o la cuestión social, su afección es mucho más al color, textura, formas que podrían acercarse más a la reflexión pictórica.
Dentro de sus trabajos importantes está el que realizó con la gente de la restauración en Santo Domingo porque “fue el contacto con la gente a las que llame los hacedores como el cantero, ladrillero, albañil, el peón, gente que bajaba de todos los pueblos que vivía y convivía ahí, desempeñando un trabajo muy duro y sus condiciones eran las mismas que hace 500 años cuando se construyo ese edificio”.
Su más reciente y primera exposición individual del fotógrafo en el extranjero se realizo en Portland, Oregon en la galería Froelick con 13 fotografías a color, tres de las cuales de la serie titulada “Borrón y cuenta nueva” “se refiere a la cuestión del movimiento que se dio y se vive en Oaxaca, la acción de las consignas en contra del gobierno y la acción del gobierno de borrarlas, sin embargo se iba acumulando y quedaban ahí todas las huellas de las frases”
Las otras diez fotografías, explica el artista se refieren al trabajo que siempre ha realizado sobre los registro de muros y el entorno urbano, tomas que captan en su andar cotidiano sin alterarlas
En cuanto a los muros que ha registrado desde hace diez años el artista cuenta que las intervenciones en los muros han variado de las consignas políticas al grafiti totalmente personal sin ninguna cuestión pero el movimiento del año pasado fue mucho mas fuerte esa intervención, el esténcil fue una de las situaciones mas fuertes dentro del movimiento ya que antes no existía o el hecho de pegar carteles en lugar de pintar, pues todas esas huellas de papeles y esas huellas en la pared han cambiado, esas sensaciones acerca de las texturas y del color que se expresan ahí.
La primera exposición del artista de la lente fue en 1990, Las canteras de Ixcotel, único trabajo en blanco y negro que ha realizado, obtuvo la primera beca del FOESCA 1993-1994 con el trabajo de restauración en Santo Domingo que se expuso posteriormente en el palacio de Minería en México y en Oaxaca, siguió su participación en el primer Foto Septiembre en 1996 en la Alianza Francesa, expuso “Muros Temporales” en el Museo de Arte Contemporáneo, y en 2004 presento la obra “En concreto” en el Álvarez Bravo.
Alejandro Echeverría afirmó que como fotógrafo hay una situación muy marginal dentro del mercado, “En mi caso he tenido la oportunidad de vender mi trabajo, ya sea en el ámbito personal o a través de algunas galerías; en Oaxaca faltan instituciones que puedan enfocar apoyos para los fotógrafos oaxaqueños; aunque quisieras exponer nadie te apoya para imprimir o para que envíes tu trabajo a otros lugares para que se exhiban”.
La fotografía en Oaxaca es muy pobre, no hay concursos o una feria de fotografía, aquí viene Foto Septiembre, pero no hay convocatorias de algún tema, para que todos los fotógrafos oaxaqueños puedan presentar algún trabajo con criterios de selección. Existe el Centro Fotográfico Álvarez Bravo o la Casa de San Agustín Etla, pero ninguno de los dos se ha preocupado por hacer concursos o llevar un seguimiento de cual es el progreso de los fotógrafos de la entidad.
Para el destacado fotógrafo, la tecnología digital aún no llega a sus manos, prefiere su cámara análoga Nikon, pero según su opinión con las cámaras digitales la tendencia es eliminar las películas, como que de aquí a 10 años ya no producirán rollos, “por ejemplo la diapositiva costaba 45 pesos y ahora cuesta el doble, en vez de que baje va incrementado los costos. Sin embargo tomas fotos con la cámara digital, lo bajas a tu computadora y se puede decir que no gastaste nada pero ya no se tiene una resolución buena para ciertos formatos. Para mí lo digital no le ha llegado a la calidad de los negativos, bueno en la mayoría de las cámaras
Alejandro Echeverría con sus años en la fotografía se siente satisfecho de tener una manera de ver, componer y expresar a través de imágenes, un papel importante dentro de la fotografía en Oaxaca. El artista ya prepara su siguiente exposición “Paisaje” para la Universidad Pedagógica Nacional de México.

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Mercader y Yoryi Morel Aura Celeste Vivir con imaginación es vivir reinventando. Estar abierto a la vida, al tiempo, al mundo. Apostar todo a la búsqueda del “divino cinabrio”, jugar sin perder ni ganar. Seguir jugando. Infinitamente. Vivir el azar, no forzar ni reforzar nunca nada. Eso es libertad, eso es franquear las puertas de la percepción, eso es acción/imaginación. José Mercader es un imaginero de la risa y de la velocidad mental. Un fugitivo de la república y del turbión existencial, cuya práctica artística nos deja ver los punzantes efectos, o más bien, los depurados y deliciosos niveles de elaboración simbólica con que se manifiesta la misma consciencia nacional a través de su más expresiva visualidad. Cada vez que nos visita tengo que pensar. Cada ocasión en que retorna desde las regiones hiperbóreas de la fuga, Mercader me desquicia, me hace recuperar la risotada y la memoria. La risotada estalla ante las afiladas imágenes del absurdo. La memoria guarda los días más bellos de nuestras vidas, los días iguales de “la pulga” los domingos, de la Uasd, de Silvano Lora pintando sus murales en El Conde cada sábado en la tarde. Mercader hace que casi me vuelva adicto a la nostalgia. Cuando sé que está en la mediaisla me remonto mucho antes y todavía más atrás de la perestroika, de la caída del Muro de Berlín, de los martes de la poesía, de los días fugitivos de la Zona Colonial, de Miguel de Mena y la revista Cachivache, de Luís-terror-Días “arrebatao” cantando “la bomba”, “el guerrero”, “los mormones” y “Vickiana” con Freddy Ginebra anunciando los premios en Casa de Teatro. La mismidad de Mercader se hunde en lo más profundo de la psiquis nacional. Su retroalimento proviene de ciertos espacios míticos de Santo Domingo como el Altar de la Patria, el Palacio Nacional, el Parque Colón, el Palacio de Justicia, Güibia, el Obelisco, La Tacita, Dumbo, Paco, el kilómetro 0, el parque Independencia_ Lugares de la paranoia, la amnesia y la esquizia colectivas, donde polizontes, eminencias y putas ondean los trapos del honor, los huesos de la ética y las más recientes cicatrices del estado posmoderno. Mercader también me parte el alma y hace que me retuerza de la risa, de rabia y de dolor cuando nuestros políticos, jueces, cardenales, sacerdotes, herejes, soldados, abogados de Dios y del Diablo, empresarios, farsantes, poetas, héroes, policías, reinas, chulos y performers, desfilan por la galería de sus espectrológicas, esperpénticas y encantadoras transfiguraciones. Como artista, Mercader es un rebelde y un provocador. Por ejemplo, me hace pensar en Carlos Goico y en la exposición que casi nunca le hago porque, al decir de mi adorada Martha, siempre estoy “sesgado” por lo que amo, admiro y respeto demasiado. Y eso es, precisamente, lo que me pasa en el caso de mi amigo y delirante “Fauno de las Uvas de Oro”. Y, no se por qué, pero, pienso igualmente en la profetica serie de “Los Macuclillos” que con tanta acidez e ironía presentara José-Chichi-García Cordero hace más de diez años en el MAM. Se trata de los auténticos personajes de una tragicomedia metafísica. Rostros fríos de calieses, espectros de miradas siniestras, ojos pálidos, ojeras de piratas, mejillas de sombras, ángeles de corazones corrompidos. Definitivamente, no hay quien se salve. Chichi y Mercader ponen en abismo la realidad maravillosa de nuestra polisíntesis, el simulacro ancestral y cotidiano de nuestra sociedad. Asímismo, Mercader me hace reflexionar sobre el único jefe de la policía nacional (BSP) que se ha atrevido a borrar “las fichas” del espanto. Y el policía es apreciado. Tanto así que los muchachos de Gualey, al pegajoso ritmo de “reggeton” y en actitud admirativa, le llaman “El Científico”. Y que conste: antiguamente en barrios como Cristo Rey, Capotillo y Espaillat, a los jefes y ex jefes de la PN le llamaban asesinos. Por eso, cuando estoy frente a sus deliciosas y terribles caricaturas de algunos de los más connotados políticos del patio, digamos: JB, HM, HD, VSB, RA, MOB, VC, AAC o LFR, tengo que pensar en un pueblo aterrorizado por films como “Jurasicpark”, “los dueños del país” o y “el regreso de los zombies”, pero igualmente en las dramáticas transformaciones sociales que definen y enriquecen los variados y espectaculares matices culturales de nuestro presente. Invitado especial de la X Feria Internacional del Libro Santo Domingo 2007, José Mercader presenta en el Museo de Arte Moderno su exposición de caricaturas en distintos formatos titulada: “Caricaturola/homenaje a Daumier”, compuesta por más de 130 obras representando personalidades públicas, tanto del ámbito social, político y deportivo como cultural y artístico, facturadas con sorprendente precisión y gracia al óleo sobre tela. Esta es una exposición que nadie puede dejar de ver si quiere salvarse. Porque Mercader es tan rebelde como el mismo Jesucristo, como el Che, como Amaury: el le hace ver al buey sus garrapatas, espanta las moscas del mercado y promueve el amor sin límites más allá del reino de los cielos, aunque recientemente sea reconocido por sus memorable exposiciones en el Museo de Arte Moderno y en Casa de Teatro, así como por sus milagrosos trabajos publicados en la prensa nacional. Desde hace más de dos décadas reside en Québec, Canadá. Sus publicaciones aparecen regularmente en el semanario Clave y por internet en www.rebelion.org Pero es mi querido Koldo, quien mejor nos habla del duende exterminador y siempre risueño de Mercader. Aquí dejamos algunos de sus fragmentos para los lectores de Areito: LAS TRES Y TANTAS VIRTUDES DE JOSÉ MERCADER “_Si el esperpento, como dijera Valle Inclán, es en el campo de la literatura la exposición de la realidad a la lógica matemática de un espejo cóncavo (el culo de un vaso de vino, por ejemplo) semejante virtud observa la caricatura en el plano gráfico. En Luces de Bohemia, Max Estrella definía en su delirio la técnica del esperpento al asegurar: “Los héroes clásicos reflejados en los espejos cóncavos hacen posible el esperpento porque el sentido trágico de la vida sólo puede darse con una estética sistemáticamente deformada”. La misma premisa había seguido Goya en su pintura negra, apelando al contraste y a la degradación para mejor reflejar la realidad. Y de idéntica manera trabaja la caricatura José Mercader, apoyándose en tres virtudes, no precisamente teologales, que si bien en otros artistas también son relevantes, en el caso que nos ocupa disfrutan la propiedad de aparecer juntas y, además, en su más alta y cálida expresión. Por un lado la capacidad imprescindible para saber captar esos rasgos básicos que, diestramente manejados, transformen al personaje en estudio en su mejor y más veraz versión. Nadie como Mercader para en dos trazos, simples y precisos, descubrir la cara oculta de su eminencia o de Su Santidad, develar el verdadero espíritu del Presidente, (de cualquier presidente) o desnudar al estoico general hasta que nadie pueda distinguirlo de la montura. Por otra parte, también dispone Mercader de la agudeza y creatividad necesarias para reconvertir una expresión en un emblema y así lograr que las orejas hablen lo que los ojos mienten o hacer posible que a un apéndice nasal le salgan dientes, que ensotanados mediadores parezcan hipopótamos, y murciélagos algunos periodistas. Y, finalmente, una disposición y capacidad para el trabajo que si en lugar de al arte hubiera dedicado al comercio, ya hace muchas caricaturas lo habrían convertido en millonario o en senador de la República”..

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A pesar de la enorme distancia entre una ciudad canadiense y otra cubana, y de lenguas, sistemas políticos, sociales y económicos diferentes, y de climas totalmente opuestos, artistas de ambas ciudades parecen tener varias cosas en común, lo cual nos llevaría a pensar en las siempre increíbles posibilidades del arte como medio, actitud y gesto capaz de relacionar e integrar seres humanos por encima de sus diferencias y contribuir a una mejor comprensión de estas.

Existe la creencia generalizada de que ciertas culturas, basadas específicamente en una lengua común, están más aptas para el intercambio, para el diálogo fructífero en el terreno de las expresiones artísticas a partir de códigos visuales emparentados desde sus mismas raíces y estructuras significantes similares, muchas de ellas sedimentadas y legitimadas en el transcurso de los siglos, y si estas culturas se desarrollan en una geografía afín y en medio de situaciones sociopolíticas cercanas, con más razón se afianzan los argumentos para considerarlas como partes constitutivas de una misma condición humana, intelectual y espiritual.

Sin embargo la realidad, la vida misma, nos depara muchas sorpresas, y es por ello que podemos encontrar en remotas regiones del planeta –Asia, Medio Oriente, África, por ejemplo– códigos visuales mucho más cercanos y familiares a nosotros que aquellos provenientes de áreas cultural y geográficamente vinculadas a nuestra existencia aquí en América latina y El Caribe. Esto puede sentirse, comprobarse incluso, cuando observamos la fecunda obra del artista cubano Wifredo Lam (1902-1982), quien desde mediados de la década del 40 del pasado siglo, asimiló y asumió como suya una zona considerable del legado de diferentes culturas asiáticas y africanas para alimentar su obra enérgica, vital, descolonizadora y universal en el terreno de la pintura, el grabado y los objetos que lo convirtieron, de hecho, en uno de los artistas más sobresalientes del arte del siglo xx y admirado, sobre todo, en Europa y los Estados Unidos.

Se han escrito numerosos ensayos en el campo de la historiografía y la crítica para explicar la significación de la obra de Lam en los contextos cubano y caribeño, pero aún quedan por descifrar aspectos de su indudable atracción en otros contextos lejanos geográficamente. Tal vez haya que acudir también, sin prejuicios de ninguna índole, a la poesía, la magia y la seducción de sus imágenes, de ese universo de formas, espacios y colores que contienen símbolos y signos identificables en el imaginario colectivo de pueblos y culturas dispersos por todo el planeta y que, inconscientemente quizás, llevamos muchos seres humanos consigo por aquello de las migraciones a través de la historia, las conquistas y colonizaciones, los entrecruzamientos, los procesos de transculturación, hibridación y mestizaje que cada día, sin darnos cuenta, nos acercan más unos a otros.

Ese fenómeno nos sorprende también, en ocasiones, cuando nos enfrentamos ante un grupo de obras producidas en otras latitudes, tal como debiera ocurrir con este intercambio entre artistas de dos ciudades pertenecientes a culturas que se han desarrollado de manera independiente una de otra: Québec y La Habana.

Los artistas cubanos que participan por primera vez de este intercambio –gracias a la iniciativa y perseverancia de Richard Martel luego de su estancia en dos ocasiones como performer en la Bienal de La Habana del 2006 y del 2003 así como desde sus visitas a nuestro país a partir de 1991– son intérpretes significativos del arte contemporáneo de la Isla que se desarrolla con fuerza desde la década de 1990. A la mayoría los une el propósito de ensayar sus ideas, de crear sus propuestas artísticas dentro del fértil terreno de las nuevas tecnologías y de las intervenciones en espacios públicos. Les interesa explorar los límites del espacio físico donde pueden estar ubicadas sus obras en un intento por desbordarlo pero sin que ello implique desconocerlo sino todo lo contrario.

José Manuel Fors , el de más larga trayectoria del grupo, es un fotógrafo que ha ido deconstruyendo la imagen impresa hasta someterla a procesos de intensa fragmentación plana y volumétrica que resignifiquen sus propios códigos hasta crear otras imágenes en cierto sentido “nuevas”. Lo mismo ha hecho con el instrumental típico de la fotografía: cámara, lentes, trípodes, filmes, obturadores, los cuales se subordinan en aras de una nueva “gramática” visual generativa que alcance un alto grado de discursividad estética a la manera tradicional del arte, ya sea por la vía del objeto, de la escultura y hasta de la propia pintura.

Nelson Ramírez y Liudmila Velazco –por lo general trabajan en pareja– ejercitan en ensayo fotográfico lo mismo desde contenidos vinculados al contexto social y político como desde la fotografía misma. En un principio les fascinó la ciudad de la Habana, parte de su arquitectura ecléctica y ruinosa; luego otras zonas urbanas hasta llegar a la inmensidad espacial de la Plaza de la Revolución que les sirvió de pretexto para sondear las relaciones del individuo y la historia. Pero no se sintieron satisfechos con las dos dimensiones del papel fotográfico y comenzaron a incluir objetos, mobiliario, adornos domésticos, banderas, libros, todo aquello que alimentara el nudo de esa relación difícil hasta llegar a una suerte de instalación. La fotografía para ellos es un soporte más que participa de un discurso complejo en lo ideológico y estético, lo que les permite abordar prácticamente cualquier asunto de la realidad cotidiana y universal.

Aymée García comenzó como una joven pintora que se apropiaba de los códigos visuales del Renacimiento para plantear ideas en torno a la mujer y su rol social. Dotó a la pintura de otra dimensión objetual y escultórica en la continuación de sus reflexiones en cuestiones de género, luego inclinadas al ámbito doméstico donde la mujer aún tiene un rol fundamental. Los objetos que la rodean pasaron a ser protagonistas en sus instalaciones, desplazando por momentos a la pintura hasta que descubrió las posibilidades de la fotografía digital que, de hecho, hacía las veces de obra pictórica de notoria ambigüedad. La fotografía es para ella, ahora, un instrumento tan poderoso como la pintura para seguir indagando en torno a lo femenino en el mundo contemporáneo.

Raúl Cordero casi siempre ha elaborado sus obras a partir de la fotografía, sobre todo en la pintura. Luego desarrolló la fotograf
ía en sí misma, en blanco y negro, hasta ir acercándose al video y la video instalación, también en blanco y negro. Ha incursionado en grandes formatos relacionados con el espacio público, a tal punto de que siente una especial atracción por ubicar sus obras en pleno contacto con el peatón, con el espectador a nivel urbano. Aborda diferentes temas y asuntos en sus obras, desde las relaciones humanas y cotidianas hasta los límites del discurso político donde se cruzan la existencia, la economía y la historia. Su interés y pasión por la música lo ha llevado a indagar en la construcción de obras a la manera de los disc jockeys tradicionales, lo cual es una alternativa creadora más dentro de su compleja trayectoria.

Luis Gómez ha recorrido un extenso camino dentro de la escultura y el objeto hasta lo más reciente en materia de video y computación, pasando por la fotografía a color, el dibujo, la pintura. Prácticamente ha cruzado por el arte contemporáneo cubano como por un fértil campo de creación múltiple sin detenerse en un paraje específico pues sus inquietudes son asombrosas en cuanto a soportes y temas. Sus preocupaciones se dirigen hacia un sentido de problematización de la existencia humana y del arte mismo y es en ese proceso de reflexión constante donde halla las mejores definiciones de sus propuestas artísticas.

Rigoberto Mena es un pintor de pies a cabeza. Y de la mejor tradición abstracta en nuestro país. Sus obras se hallan elaboradas sobre lienzos, maderas, metales y desde hace un tiempo a esta parte ha extendido sus límites al entorno citadino, como otros artistas cubanos, inconforme con el espacio cerrado de las galerías y museos. En la búsqueda de una imagen urbana de su reciente creación ha enfrentado la arquitectura habanera colonial y la de principios del siglo xx para dialogar con ella en toda su intensidad matérica, gráfica y pictórica: el resultado es una fusión de óleos, soldadura eléctrica, objetos cotidianos, metros contadores de agua y gas, contenedores de equipos de aire acondicionado, rejas de hierro, alambres de hierro en solares yermos de la ciudad de La Habana que por primera vez integra con una clara medida del peso de cada elemento y el equilibrio sostenido entre ellos.

Alain Pino explora la ductilidad de ciertos materiales considerados no artísticos para conformar sus complejas instalaciones en cualquier espacio posible pues domina con amplitud paredes, techos, pisos. Su vínculo raigal con el arte contemporáneo es a través de la fotografía impresa en soportes de plástico transparente, desde donde deforma la imagen en blanco y negro hasta someterla a las angustias, ansiedades y obsesiones del hombre: su discurso pasa a través de la ira, el grito y a veces del lado opuesto: la calma, la contemplación.

Fernando Rodríguez es reconocido por la construcción de un heterónimo, Francisco de la Cal , cuya finalidad es decir las cosas en nombre de él, cercano y alejado a la vez de todo compromiso estricto con el arte y la realidad. Con el tiempo, Francisco de la Cal redujo su discursividad verbal, sus “opiniones”, para diluirse en una masa compacta de otros franciscos , en esa muchedumbre silenciosa que es arrastrada, por momentos, hasta situaciones límites y absurdas en lo social y político. Este proceso de colectivización de lo que fue un individuo, ha pasado por el objeto y la instalación, la escultura, hasta desembocar en el video y la digitalización conocida como 3D y en la que su obra ha devenido argumentos muy bien facturados en animaciones con un alto sentido del humor.

Alejandro González , quizás el más joven de todos los artistas aquí representados, es un devoto de la fotografía, sea en blanco y negro o en colores. Le han fascinado los múltiples significados de la huella del hombre en el entramado urbano de la capital del país, la relevancia de ciertos elementos arquitectónicos y objetos por el nivel de plasticidad que comportan así como descubrir el rostro de hombres y mujeres en la noche habanera en situaciones de marginalización, de outsiders , fuera de las consabidas estructuras sociales impuestas por el orden y el control políticos. De ahí que sus imágenes actúan como registros sociológicos de un momento crucial de la realidad, documentos de identidad ciudadana o ensayo antropológico en ciertos territorios de lo que puede considerarse un universo oculto a la cotidianidad más evidente.

Mayin-B trabaja desde hace suficiente tiempo ya como un caso especial dentro de las estructuras de exhibición y circulación de las obras artísticas pues es uno de los pocos performers que existen y se mantienen fieles a su condición. Trabaja la mayor parte de su obra en espacios abiertos y públicos, provocando continuamente al espectador indiferente al arte, ya sea en portales y fachadas, parques, calles, utilizando fundamentalmente su propio cuerpo como soporte principal aunque se apoya en animales, objetos, fuego, equipos, sonidos, agua. Su propósito es crear diversas reacciones en el público, detonar su pasividad ante ciertas situaciones y condiciones, sean estas de índole intelectual o emocional, en una búsqueda afanosa por establecer finalmente relaciones mediante el impacto visual de orden estético.

Son artistas jóvenes –exceptuando quizás 3 de ellos que rebasan los 40 años de edad– de intensa y fecunda trayectoria en el arte cubano más reciente que tienen en común una cierta pluralidad de propuestas artísticas que no les impide alcanzar profundos niveles de conceptualización y reflexión en torno a problemas candentes del arte y la sociedad. Sus obras acusan gran simplicidad estructural, gran economía de medios, adaptándose sin dificultades a la realidad en que se insertan y a las condiciones materiales en las cuales trabajan. No puede hablarse de una filiación trascendente en cada uno, sea de orden conceptualista, minimal , performática , neofigurativa, pues no se lo han propuesto dadas las circunstancias tan variadas en que han trabajado dentro y fuera de Cuba: de ahí que una de sus principales virtudes es la de actuar en correspondencia e interrelación con los contextos y culturas que enfrentan.

La oportunidad de confrontar su ideario estético en una ciudad como Québec debe aumentar aun más sus expectativas creadoras y medir, por consiguiente, el grado de comunicación de sus obras construidas al calor de cualquier paradigma estético, dentro o fuera de cualquier paradigma crítico que han actuado como constantes en el arte cubano de las últimas décadas.

El flujo constante de artistas cubanos hacia el exterior en forma de intercambios como este, de participación en talleres o simposiums , de exhibiciones colectivas e individuales, becas, residencias prolongadas, ha ido moldeando el propio arte cubano producido por los más jóvenes, de modo especial. Ello relanza y reformula su condición de universalidad , o globalidad si se quiere llamarla así, que va mucho más allá de apropiaciones, hibridaciones y mestizajes tan al uso en el último cuarto del pasado siglo y sobre las que se escribió en cantidad considerable, pues a pesar de las influencias e interrelaciones necesarias que se establecen en todo contacto, estamos en presencia de una producción que no se desmarca esencialmente del contexto en la que surge: pareciera un destino, un fatum que nos obliga a reflexionar acerca, una vez más, de las identidades en acción que participan de procesos cada vez más complejos en la conformación de nuestra cultura (o quizás ya sería más apropiado decir de nuestras culturas) visual (es).

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Acuarelas del Señor Zanahoria, personaje que ilustró el segmento Metropolitánicamentehablando de la sección cultural dominical de este diario, pintadas por Marvin Olivares, serán expuestas en la Escuela Nacional de Artes Plásticas “Rafael Padilla”.

En esta oportunidad se mostrarán 30 piezas, vistas únicamente por algunos amigos del pintor, bajo el título Zanahoriamentehablando. El personaje es una síntesis de un chapín común, infame, vulgar, heroico, ingenuo, cotidiano que registra situaciones urbanas.

El artista

Marvin Olivares (Guatemala, 1963) tiene una importante trayectoria de premios y reconocimientos artísticos.

Ha ganado cuatro puestos en bienales de arte Paiz. Dos en pintura, 1986 y 1994 (Mención Honorífica y Glifo de Bronce, respectivamente); Glifo de Oro en fotografía (1998); e instalación, (Mención, en 2002). Además ganó el Premio Único Jóvenes Creadores, en 1999.

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Ochocientos y pico de años han transcurrido, más o menos, desde la fundación de México en el centro del lago de Tenochtitlán, de donde surgió nuestra actual Ciudad de México. Los aztecas, nuestros abuelos, se las arreglaron para sobrevivir entre culebras y nopaleras, entre pedruscos que componían el islote al que los habían confinado los habitantes de los pueblos de la ribera del lago, seguros de que sería la tumba de la tribu.

Contra todos los pronósticos, progresaron, se desarrollaron y fundaron un imperio que se extendió al norte, al sur, al oriente y al occidente del continente americano: sus sabios y guías dijeron que mientras el mundo existiera Tenochtitlán sería su centro, y aquí estamos viendo cumplida su profecía en la ciudad más poblada del mundo, que ha sido hecha por hombres capaces de vencer la adversidad y seguir adelante.

La historia de nuestra ciudad se antoja maravillosa e increíble. Historiadores primigenios dejaron memoria a través de las imágenes de los códices, del portento de su arquitectura y del grandioso arte de la escultura azteca. Labrados en piedra están sus dioses y el significado del universo que construyeron en muy poco tiempo.

Como un relámpago, todo se transformó con la conquista pronosticada, pero finalmente todo se asimiló con el caudal de nuestro mundo, el nuevo mundo, esperanza y salvación cumplidas con los tesoros de estas tierras, y el enorme potencial humano de esta civilización, de estas culturas que pasmaron con sus maravillas al viejo mundo europeo, que llegó para renovarse con la sangre de los americanos, para constituirse a través de una mezcla violatoria en la nueva raza que somos nosotros.

Desde el siglo pasado la fotografía ha sido testigo del proceso de lucha cotidiana por una reivindicación de todos los derechos y las libertades conculcados por los gachupines y, a cambio, realizar los sueños y las utopías que ha sido capaz de crear la raza humana. En estas tierras de América convertidas en laboratorios, se han ensayado y continúan ensayándose, a través de luchas sociales y políticas, todas aquellas formas y teorías que pueden lograr una nueva vida, la del hombre renovado que fructifique en justicia y libertad.

Hasta hoy con esas imágenes la fotografía todavía testimonia este esfuerzo sobrehumano por lograr estas condiciones anheladas. Los ojos y las mentes de los fotógrafos de América trabajan incesantemente, las instituciones donde se conservan sus trabajos se multiplican, los medios cotidianos se perfeccionan con estos propósitos en todo el continente y en nuestra ciudad se escriben con luz las dramáticas luchas sociales y los logros que, gota a gota, conforman el caudaloso río de la vida de nuestra sociedad.

Esto es a grandes rasgos la conjunción de la fotografía y la ciudad.

Ante este escenario una reflexión se impone: si en lugar de la cruz y la espada se hubiera usado la fotografía como un medio descubridor, otra sería la historia y otro sería el resultado. La fotografía llegó tarde, aunque nunca es tarde para la verdad y la justicia. Los fotógrafos se afanan testimoniando el drama de la miseria, la explotación y el engaño que durante 500 años nos ha condenado a vivir esclavizados a formas coloniales altamente sofisticadas que aún rinden extraordinarias ganancias a las potencias que clavan sus garras en el cuerpo de nuestro continente.

Los fotógrafos trabajan más para lograr una conciencia nítida de esta situación, por eso es que se trata de desvirtuar su capacidad fundamental: ser testigo irrefutable de la historia, como lo profetizó Balzac cuando nació la fotografía a principios del siglo XIX.

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