Utilizando un “pincel electrónico” que le provee un programa de computación especialmente utilizado para imágenes digitalizadas, Gramajo pintó con diferentes colores dando una “intensidad tonal” muy particular a sus obras.

Oriunda de Tucumán, la maestra de artes plásticas trabajo en una serie de fotografía obtenidas con película tradicional en sepia y blanco y negro, luego digitalizadas y trabajadas posteriormente en computadora.

La muestra está compuesta de 10 trabajos y estará abierta al público en horario que coincide con los días de proyección de películas.

(Fuente: ADN)

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Norberto Amador* / Diario de Xalapa

Xalapa, Veracruz.- La fotografía en blanco y negro se encuentra actualmente en un nuevo status; hoy, más que nunca, este formato se aprecia en las galerías, al tiempo que las copias conocidas como “de autor” han aumentado su valor.

En entrevista, el excelente artista visual xalapeño Héctor Montes de Oca mencionó que este es su caso, pues ahora el público y el coleccionista toman en cuenta el proceso total del material, desde la toma hasta el revelado: “Quienes tenemos tiempo de trabajar blanco y negro, notamos que nunca se nos había pagado tan caro la copia ni había tenido tanta aceptación. Se está consciente de que en varios años va a haber menos material y a un costo más elevado”.

Montes de Oca refirió también a las diferencias entre la fotografía convencional con la digital y los resultados favorables que ha dado el avance de la tecnología: “Creo que la impresión fina es el área más estudiada y que ha tardado más tiempo en desarrollarse. Es donde se han realizado los mayores cambios tecnológicos. Actualmente se imprimen con tinta de carbón, que es una modificación especial realizada a a las impresoras profesionales. Con esto, los terminados pueden ser espectacularmente agradables y aceptables, hasta para las galerías más exigentes”.

El maestro comentó que históricamente, la producción en cualquier área está basada en lo que tiene una mayor eficacia, por lo consiguiente los fotógrafos tradicionales seguirán, aunque cada vez serán menos.

Señaló que en todas las galerías del mundo, el blanco y negro han cobrado un auge espectacular. Hoy, las demandas de los coleccionistas se enfocan a las copias hechas por el mismo autor, buscando la continuidad de cada imagen de forma completa, desde su concepción hasta la exposición, pues la conceptualización de la fotografía se explica comprendiendo la visión del artista, es decir, el proceso completo de manipulación. “La composición de la imagen involucra elementos como el tipo de material con el que se va a tomar la foto, tipo de luz, encuadre, todas las decisiones que definen el terminado. Se prevé cómo va a ser el terminado. A esto le llamamos previsualización, el punto de partida de los cambios.

La manipulación se explica como el tipo de revelado, ya sea al negativo (o negativo digital), revelado a un positivo, dilución en sepia, ampliación, luz directa, luz difusa, todo ese cúmulo de posibilidades que ofrece el laboratorio”.

Al referirse a la impresión, indica: “En el negativo digital, la imagen se toma y se puede modificar. Lo ya capturado años antes puede cambiar, hay nuevos materiales, nuevos estilos que se van modificando, nuevas fórmulas de expresarse, las modas.

El blanco y negro sigue manteniendo esa constante, se sigue haciendo en analógico la toma y en digital los demás procesos: el negativo, la manipulación de revelado, la impresión, el montaje”.

En este punto explica por qué los grandes maestros de blanco y negro en la actualidad, “como Salgado, entre muchos otros”, siempre tardan 8 o 10 años en tener un impresor que es de cabecera: “Buscan quien pueda entender o darle continuidad a lo que se empezó con la toma. En la selección tienes que escoger qué va a capturar la lente; qué película y cómo lo revelas. Finalmente la impresora, la ampliadora, el material y el terminado. Cualquier cosa que modifique el terminado es totalmente diferente.

Tener una buena impresión con pigmentos de carbón, lo que se denomina piezografia, sin duda fue lo que más trabajo le costó a los ingenieros, a los investigadores y a la tecnología. El lugar prioritario es la base del papel; puede llegar a ser infinito por las aleaciones que permite el algodón, donde mejor imprime el carbón. Se vuelve a abrir la posibilidad de la experimentación y terminar los acabados”.

Montes de Oca indica que el proceso de prelavado, impresión, primer lavado, segundo lavado, tercer lavado, primer fijado, segundo fijado, tercer fijado, eliminador de hipo, el selenio reveladores y baño de paro, ahora se reducen a la selección de papel, calibración de la impresora e impresión de pigmentos de carbón.

Al cuestionársele sobre los requisitos que piden los galeristas para exponer fotografía de arte, el maestro comenta que “se pide un trabajo de buena calidad y que el tiraje sea lo mínimo posible, pues de ello depende el costo de la obra, de preferencia que haya una temática y que exista una lógica. Se pide también que se cumplan los formatos profesionales, es decir, si es digital corresponde pigmento de carbón en papel de algodón, y si es analógica, que sea papel fibra y virado al selenio. En cuestión del montaje, se debe instalar en María Luisa libre de ácido y de preferencia montados en aluminio muy delgado”.

¿Hasta cuándo los fotógrafos tradicionales seguirán en producción?

“Todo esto depende de las grandes compañías que tengan a cargo la producción de los materiales, pero hay tres cuestiones que están acelerando la extinción de esto: que la fotografía analógica contamina mucho, la reducción de tiempo en los procesos y los costos de la misma.

El avance en tecnología permite que los procesos de días, ahora se concluyan en horas. Antes, tan sólo un lavado se tardaba cuatro horas. En 15 años tendremos la tecnología para suplir y que no haya ningún contratiempo para los fotógrafos.

Estoy seguro que seguirán con la producción de fotos tradicional, quizá sea más especializado pero no acabará, alguna compañía se hará cargo de los materiales por siempre. Lo expreso porque el colodión, el paladio y platino son procesos que llevan más de 100 años y continúan vendiendo los materiales. Por ejemplo, en Inglaterra hay una compañía que hace los papeles. Lo que sí es que un papel de 16x 20 de Ilford, quizás en determinado tiempo tengamos que pagar con otro nombre cinco veces su costo original, el equivalente a lo que pagamos por una hoja de paladio.

Es caro porque implica horas-hombre y además una gran cantidad de materiales. Obtener una fotografía tradicional requiere la compra de diversos materiales: negativo, revelador, papel, químicos del papel”.

¿Cuál es el destino de la fotografía tradicional?

“En la actualidad lo único que cambió es tener una herramienta para hacer fotografía, los conceptos predominan y es lo que se vende. Problema y reto que los fotógrafos sean completos; como académico veo que los alumnos quedan perdidos cuando se enfocan a la tecnología. Lo explico como una película sin argumento en la que sólo hay tecnología. ¿Qué es lo que realmente se está ofreciendo?

Todos los fotógrafos nos hemos dirigido a lo digital porque no hay opciones, pero unos los enfrentamos de diferente forma, algunos profesionalmente y otros por obligación; al final todo va a ser por obligación.

En lo personal veo ventajas como la reducción en los precios debido a la rapidez y el ahorro en espacio; ahora se necesita una computadora buena antes una ampliadora buena.

La fotografía tradicional está definida como una opción alternativa. Muchos piensan que lo digital es una moda, pero es incorrecto pensarlo así, hay que adaptarse. Quizá años más tarde pueda ser otro tipo de fotografía, tal vez algún proceso tridimensional desconocido”.

Originario de Xalapa, Héctor Pedro Montes de Oca Flores realizó sus estudios profesionales en la licenciatura de Televisión y Cinematografía en la Universidad Veracruzana, en 1972. Es pasante en Arquitectura por la UV y master en Historia del Arte por la Scuola Nazionale de Arte en Florencia, Italia. También es master en Fotografía Publicitaria, master en Fotografía Profesional en Blanco y Negro, y doctor en Plataformas Digitales.

Ha recibido una gran cantidad de distinciones, entre ellas, una Mención Honorífica del Premio Nacional de la Bienal de Aguascalientes (1979); un Premio por la Muestra Nacional de Paisaje Urbano de Roma, Italia (1981); el Primer lugar en la Bienal Mundial de Fotografía “El Paisaje”, de Florencia, Italia (1981); medalla a la Excelencia en la Convención Internacional de Fotografía Guadalajara 2000; el reconocimiento por la exposición más visitada en el Centro Fotográfico “Manuel Alvarez Bravo” y la asociación civil Pro-Oaxaca A.C. por la muestra Cinco Elementos, en Oaxaca; tiene el grado honorífico de Maestro Profesional en Digital, por la Clemson University de Atlanta, Estados Unidos (2006).

Su trabajo se ha expuesto desde 1978 en países como Estados Unidos, Italia y Cuba, sin olvidar las múltiples ocasiones que ha mostrado sus fotografías en el Estado de Veracruz y ciudades como San Luis Potosí, Aguascalientes, Puebla y el Distrito Federal.

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Por Maren Peters
deutschland on line
El Bosque Atlántico se extiende por más de 3000 kilómetros a lo largo de la costa brasileña. Esa selva tropical está considerada uno de los hábitats naturales de más rica fauna en el mundo. Muchos de sus animales y plantas existen sólo en esa zona, en las faldas de la Sierra del Mar. Pero la paradisíaca región costera ha atraído a muchos seres humanos.

En la franja al borde del Atlántico viven unos 120 millones de seres humanos, unos dos tercios de la población total del Brasil. “De la superficie selvática original queda lamentablemente sólo menos del siete por ciento y también esas zonas han sufrido por la influencia humana”, dice el biólogo alemán Hubert Höfer, director del departamento de zoología del Museo de Ciencias Naturales de Karlsruhe, que coordina uno de los proyectos del Programa de Investigación Germano-Brasileño para el Bosque Atlántico. La cooperación es apoyada por el Ministerio Federal Alemán de Educación e Investigación (BMBF) con dos millones de euros por año y de la parte brasileña por el Consejo Nacional de Desarrollo Científico y Tecnológico (CNPa).

Höfer y sus colegas buscan en el Estado de Paraná “organismos indicadores” que permiten sacar conclusiones sobre el estado del ecosistema. “En esta región se conocen sólo las plantas, las aves y los mamíferos, pero el 75 de todas las especies animales son insectos”, explica Höfer. El equipo analiza desde el 2003 la fauna del suelo. Desde hormigas, pasando por escarabajos, arañas y gusanos hasta bacterias y hongos, los organismos son registrados y se determina su importancia para el ecosistema. Gracias a la cooperación con la ONG Sociedad de Investigaciones de la Vida Silvestre y Educación Ambiental (SPVS), que compró y reforestó terrenos no cultivados, los investigadores pueden ver cómo vuelve a desarrollarse la comunidad ecológica de la selva. Una especie animal llamó particularmente la atención a los zoólogos: por todos lados se halla en gran número la lombriz “Pontoscolex corethrurus”, cuyo origen se supone es la Guyana Francesa. Hoy es el habitante típico de las superficies agrícolas en casi toda América del Sur.

En otro proyecto en el vecino Estado de Santa Catarina, zoólogos de las universidades de Florianópolis y Tubinga investigan las interrelaciones entre animales y plantas tomando como ejemplo las Bromeliáceas. En las rosetas de hojas de las piñas se junta a menudo agua de lluvia. Esos mini charcos y las tupidas hojas de la planta brindan un hábitat protegido a muchos pequeños animales. El microcosmos de las Bromeliáceas es considerado un modelo para el desarrollo de la selva tropical lluviosa.

Algo más al norte, sobre la meseta de San Pablo, comienza la fragmentación del Bosque Atlántico en trozos aislados de selva. Un grupo de investigadores de la Universidad de San Pablo y el Centro Helmholtz de Investigaciones Ambientales dirigido por Klaus Henle, de Leipzig, analiza allí desde 2003 qué influencia tiene la situación insular sobre la biodiversidad. En términos generales se constató que en caso de una reducción de superficie de un 90 por ciento se pierde el 50 por ciento de las especies. Ello es válido sólo a corto plazo. “A largo plazo se pierden muchas más especies”, dice Henle. Para determinar en qué estado se halla el Bosque Atlántico, los investigadores determinan cuántas especies animales viven en qué número en las islas de selva. Sobre la base de esos y otros datos acerca del trozo de selva, los biólogos desarrollan modelos computarizados con los que se puede pronosticar el desarrollo y la capacidad de regeneración del ecosistema. “Para animales como el jaguar y el tapir, que necesitan mucho espacio, las perspectivas no son buenas”, pronostica Henle. De ayuda pueden servir franjas de selva que conecten entre sí los fragmentos y posibiliten que los animales puedan trasladarse de uno a otro.

Un proyecto similar comenzó ya en 2002 e el Estado de Río de Janeiro. Allí, científicos de diversas universidades de Río de Janeiro y San Pablo, la Empresa Brasileña de Investigaciones Agropecuarias (EMBRAPA) y el Instituto de Tecnología Tropical (ITT) de la Universidad de Ciencias Aplicadas de Colonia investigan las comunidades ecológicas en las faldas de montaña menos fértiles. Hartmut Gaese, del ITT:“Hemos analizado las interrelaciones entre la vegetación, el nivel de las aguas freáticas y los animales a diferentes alturas.” También con esos datos simulan los investigadores en la computadora cómo puede desarrollarse la selva. El objetivo es que los resultados coadyuven a mejorar el uso agrícola de las tierras y se pueda conservar la biodiversidad. “Sin árboles, el agua se evapora rápidamente del suelo o corre pendiente abajo”, dice Gaese. Por ello no es muy sensato crear una zona de pastura arriba en una falda, porque se secaría en corto tiempo.

En el norte del Bosque Atlántico, cerca de la ciudad de Recife, se han conservado algunos trozos aislados de selva entre las plantaciones de caña de azúcar. Científicos de la Universidad de Ulm y diversos institutos de investigación del Estado de Pernambuco analizan si la diversidad de animales y plantas puede conservarse también allí, pero constataron que la interrelación entre los organismos ya está considerablemente afectada en las islas de selva. Las semillas de árboles, por ejemplo, se diseminan poco, porque faltan determinadas especies animales. Los investigadores estudian ahora si la renaturalización puede ser apoyada con una diseminación de semillas por parte del ser humano.
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También el biólogo Höfer hace planes para el futuro: quiere hacer accesibles para todos los conocimientos logrados en los proyectos. Por ello ha fundado, junto con la Universidad de Paraná y el portal de Internet “Taxonline” el Centro Integrado para la Conservación de la Biodiversidad de la Bosque Atlántico “In Bio Veritas”. Su objetivo es concentrar los conocimientos sobre el Bosque Atlántico y realizar un aporte a la educación ambiental en general.

www.inbioveritas.net

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Por H. JOSEF HEBERT
Esta fotografía sin fechar proporcionada por IBM y the Feature Photo Service muestra al ingeniero de IBM Don Grice inspeccionando la computadora más rápida del mundo.
IBM, Feature Photo Service

WASHINGTON –
Científicos estadounidenses develaron el lunes la computadora más rápida del mundo, capaz de realizar 1.000 billones de cálculos por segundo, y cuyo propósito central será trabajar con armas nucleares.
Para dar una idea de la velocidad de la supercomputadora, expertos de IBM señalaron que si cada uno de los 6.000 millones de habitantes del planeta usaran una computadora personal y trabajaran 24 horas por día, les demoraría 46 años concretar lo que Roadrunner hace en un solo día.
La supercomputadora, que costó 100 millones de dólares, fue diseñada por ingenieros del Laboratorio Nacional de Los Alamos y por IBM Corporation.
Una de las tareas de la computadora, bautizada “Roadrunner” (Correcaminos) consistirá en simular explosiones atómicas.
Roadrunner es dos veces más rápida que el sistema Blue Gene de IBM en el Laboratorio Nacional Lawrence Livermore, la cual, a su vez, es tres veces más rápida que cualquier otra supercomputadora del mundo, según IBM.
“La computadora es un demonio de la velocidad. Nos permite resolver problemas tremendos”, dijo Thomas D’Agostino, presidente de la Administración Nacional de Seguridad Nuclear, que supervisa la investigación de armas atómicas y mantiene el arsenal nuclear de Estados Unidos.
Pero los funcionarios aseguraron que la supercomputadora podría ser aplicada en tareas civiles, como ingeniería, medicina y ciencia. Eso incluye el desarrollo de biocombustibles y el diseño de vehículos que gasten menos combustible.
Ingenieros de IBM y del laboratorio de Los Alamos trabajaron seis años en la tecnología de la computadora.
Algunos elementos de Roadrunner tienen como antecedentes juegos de video populares, dijo David Turek, vicepresidente del programa de supercomputadoras de IBM. En cierta forma, se trata “de una versión superior de Sony PlayStation 3″, indicó.
“Tomamos el diseño básico del chip (de PlayStation) y mejoramos su capacidad”, informó Turek.
Pero la supercomputadora Roadrunner difícilmente pueda asemejarse a un juego de video.
El sistema de interconexión ocupa 557 metros cuadrados (6.000 pies cuadrados) de espacio. Cuenta con 91,7 kilómetros (57 millas) de fibra óptica y pesa 226.800 kilos (medio millón de libras).
La supercomputadora, que está ahora en el laboratorio de investigaciones de IBM en Poughkeepsie, Nueva York, será trasladada en julio al Laboratorio Nacional Los Alamos, en Nuevo México

elnuevoherald.com

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Luis Hernández Serrano

I

Mi nieto de siete años se acostó en un campo de girasoles chiquiti­cos, que parecían margaritas, y me miró sonriente. Yo no tenía la cámara, pero su simpática imagen la llevo como una foto en mi cabeza, al igual que otras miles de escenas que han impresionado mi retina”.

Esta breve reflexión resume en cuerpo y alma a Ángel González Baldrich, uno de los más experimentados fotógrafos cubanos de todos los tiempos, en la primera entrevista de su vida. Desde hace casi cincuenta años firma sus gráficas con una sola palabra, como lo llama todo el mundo: Baldrich.

Nació en el barrio de Arroyo Apolo, en el municipio capitalino de Arroyo Naranjo, el 29 de julio de 1937. Su padre trabajaba en una ruta de guagua como jefe de línea, y lo llevaba con él a todos los lugares.

“No fui guagüero, aunque mi primer trabajo fue como mozo de limpieza de la ruta uno. No terminé el bachillerato y mi padre me dijo que tenía que trabajar. Yo limpiaba el piso de los ómnibus. Antes del año me quedé sin trabajo”.

A través de un amigo dibujante y diseñador de la publicitaria Mestre y Conill que vio sus dibujos y pinturas, comenzó a trabajar allí, y en su departamento de Fotografía se quedó fasci­nado cuando vio el proceso de impresión de las gráficas.

Con un fotógrafo al que califica de muy bue­no, Aladino Sánchez, aprendió a imprimir fotos. “No sé si tendría parentesco con el Aladino de la lámpara maravillosa, pero para mí al menos, era una magia lo que hacía en el laboratorio, no obstante a ser abogado de profesión. Al poco tiempo ya yo tomaba fotos en esa publicitaria, con mi primera cámara particular: una Ro­llieflex.

Cuenta que de muchacho, en las primeras fotos que tomó, empleó una cámara vieja de un vecino. Al poco tiempo se trasladó para la publi­citaria Siboney, frente al cine Acapulco, en Nue­vo Vedado, donde aprendió la técnica del reve­lado a color.

“La primera foto que me publicaron la tomé en la carretera que conduce a Bahía Honda, a un caballo que pastaba en primer plano y detrás se veía un valle y las montañas de la Sierra de los Órganos. La incluyeron en un anuncio comercial de las pastillas antiasmáticas Maico. Por lo menos salió en Bohemia”.

A Baldrich un día le dieron a revelar rollos con gráficas del Ejército Rebelde, e imprimió otras para propaganda del Movimiento 26 de Julio y en particular para el periódico clandestino Revolución.

“El 24 de diciembre de 1958 me dejaron ce­sante en aquella publicitaria y el triunfo del Pri­mero de Enero de 1959 me sorprendió desem­pleado nuevamente. Fui enseguida para allá y me dieron trabajo otra vez.

“Se unieron varias publicitarias en Radio­centro que poco después pasaron para frente al Hotel Nacional y con el transcurso de los meses se instaló allí la Comisión de Orientación Revo­lucionaria (COR), dirigida por César EscaIante, donde hice mis primeros pininos periodísticos.

“Ya como fotógrafo de prensa, mi primera gráfica se publicó en Pionero. Pero la foto mía de mayor repercusión fue un contraluz de Fidel, cuando inauguró la Escuela de Cuadros de la CTC, en La Coronela, a mediados de la déca­da del 70″.Estuvo inédita durante casi diez años, y a mitad de los 80 ocupó una primera página com­pleta de Juventud Rebelde. Tanto gustó ese contraluz que un profesor de Diseño que visitó el diario con sus alumnos, les dijo: “A esto es a lo que se le llama la imagen mínima”.

“La tomé de noche, a 15 metros de Fidel, antes de que subiera a la tribuna del acto. Una sola luz le daba en el rostro, de frente. Se te veía hasta el aliento al respirar, por el frío reinante. Yo tenía una Nikon recién estrenada y un lente de 300 milímetros. Fue tanto el foco de la gráfica que tuve que borrarle la respiración que se le congelaba en el aire”.

Baldrich recuerda cuando pasó a trabajar a la revista Mella. De esa época evoca sus reporta­jes por la Sierra Maestra durante la Crisis de Octubre en 1962, en páginas que se llamaron Mella en las trincheras.

No olvida a compañeros de esa publicación, como ChaIy Reyes, Frank Agüero, Peroga, Joaquín Ortega y a Juan DoIset. Baldrich ha realizad
o viajes de trabajo a varios países: Canadá, Alemania, lraq, Italia, España, Islas Cana­rias, Chile, México y Angola. El día de la fundación de Juven­tud Rebelde, en octu­bre de 1965, en que Fidel habló en el esta­dio Pedro Marrero, to­mó fotos bajo un agua­cero, con mucho cata­rro y 39 de fiebre.

II

“¿Tres de los mejores fotógrafos que ha tenido este diario? Reinaldo González, José Orozco (fallecido hace años) y Orlando Martí­nez Maqueira, quien murió recientemente, aún trabajando en Bo­hemia…, una irreparable pérdida.

“Para mí la fotografía ha sido todo en la vida. ¿Mis fotos más queridas? Además del contraluz de Fidel, otra que le tomé en el Pico Turquino, en 1965, cuando subieron los primeros médicos graduados por la Revolución. Solo se ve el fusil en el hombro de Fidel, un símbolo. Y la otra la tengo en un cuadro en la pared de mi cuarto: unos botes en la playa de Cojímar. La tomé cuando fui con Leonardo Padura a realizar un reportaje sobre Hemingway.

“¿Requisitos para ser fotógrafo? Observarlo todo con detenimiento, ser muy sensible ante lo bueno y lo malo, lo triste y lo alegre, lo pintoresco y lo grotesco. Querer llevar a la gente imágenes de lo que nosotros conocemos, y muchos por su trabajo no tienen el privilegio de ver.

“¿La emoción más grande? Cuando fui co­rresponsal de guerra en Angola, nos jugamos la vida. También cuando pasé el curso de piloto en Santa Fe, en aparatos como el Pipper, donde también voló el Che en 1960”.

Explica que antes en el laboratorio había que saberlo todo, para que las fotos salieran bien, y como cosa curiosa recuerda su reportaje a una farmacia china de la calle habanera de Zanja.

Dice que su plato fuerte es el paisaje y el retrato. Que es lo que le gusta, lo mejor que hace. Y menciona como sus fotógrafos favoritos, entre otros, a Osvaldo Salas, Raúl Corrales, José Tabío, Liborio Noval y Reinaldo González.

Si Baldrich hubiera tomado solo mil fotos anuales, en sus 47 años cámara en ristra, acu­mularía 47 000 en su vida profesional. Pero deben sobrepasar las 70 000. Y de ellas calcu­lamos que se han publicado en distintos órga­nos de prensa alrededor 8 000 ó 10 000. ¡Respetable estadística!

“Al privilegio de ser fotorreportero yo le llamo ‘maravilla’. Y parafraseando a Silvio, pienso que el fotógrafo ‘mira la tierra y sí ve más que tierra’, ve lo que el hombre ha hecho sobre ella con su trabajo y por ello merece fotos”.

Enfatiza en que Ios de su oficio no solo miran con los ojos, sino también con la mente y el corazón, aunque a él le gusta la improvi­sación, el “repentismo” en la fotografía.

“Sí, yo hablo poco, por mi carácter. Pero con­verso a través de las imágenes que capto. Hablo más con mis fotos que con mi boca. Me relaciono con los hechos y la gente poniéndolo todo dentro de mi cámara.

“¿Las fotos más difíciles? Algunas de las que me mandan a hacer. Y las más fáciles son aquellas que más me gustan: los trabaja­dores, los rostros, el mar, el paisaje, la natura­leza.

“Adoro el retrato porque el ser humano para mí es lo más importante. ¿Qué disfruto más? La foto que vaya hacer al día siguiente, el hecho nuevo, la incógnita de la nueva perso­na que vaya conocer y va a entrar en mi vida”.

Refiere que no extraña el cuarto oscuro, ni la ampliadora, ni el papel fotográfico, ni la química. Dice que fueron sus socios fuertes, pero llega­ron hasta un punto. Que son viejos compañe­ros. “Me despedí de ellos con cariño. Lo mismo debe ocurrirle a los redactores con la máquina de escribir y con el teletipo”.

Nos confiesa que pensó retirarse a los 60, hacer un bote y permutar para Guanabo, pero al enterarse de la llegada de la cámara digital y la computadora, escribió a la dirección del periódico y sugirió que adquirieran la técnica moderna.

“La foto digital es como tomar otro camino. Todos los días me asombra. Con lo nuevo se acabó aquel retoque a mano, pintando sobre la fotografía impresa, que te IIevaba media hora. Ahora todo se resuelve rápido con el mouse frente a la computadora: se quitan suciedades de los dientes, verrugas, cicatrices, manchas. Yo las arrugas de tu frente, por ejemplo, te las quito en un santiamén.

“Hay instantes tristes en que un niño llora porque la madre le pegó muy duro, y días felices como cuando el corresponsal nuestro de Ciego de Ávila, Luis Raúl, me dijo en su provincia: ¡Ah! ¿Usted es Baldrich? ¡Qué deseos tenía de conocerlo, me encan­tan sus fotos! Esas cosas para mí son diplo­mas del tamaño de la mesa esta. Me recompensan mucho.

“Mi oficio es una magia y mi cámara es mi vida entera. Siempre me ha
dicho la verdad, ha sido franca y abierta. En fin, la fotografía es mi gran amiga íntima”.

(Entrevista publicada en Juventud Rebelde, 12 de marzo de 2004)

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Fuente: Juventud Revelde

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Labores de limpieza de la monumental escultura de Tlaltecuhtli, descubierta en octubre del año pasado. Foto: Cortesía Proyecto Templo Mayor

Fragmentos del monolito de esa deidad mexica Foto: Cortesía Proyecto Templo Mayor

Para elaborar un modelo gráfico del monolito de Tlaltecuhtli, especialistas italianos y del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) captaron recientemente imágenes espectaculares de los cuatro fragmentos de la escultura antes de que ésta sea trasladada del lugar donde fue descubierta, el 2 de octubre de 2006.

El arqueólogo Leonardo López Luján detalla el proceso de elaboración de esa fotografía digital: “A partir de cierta base de datos se genera un modelo tridimensional que da cuenta de la fisonomía de los monumentos y de su posición relativa en el entorno –es casi como una fotografía en tercera dimensión”.

En otras palabras, agrega, “la computadora produce nubes compuestas por millones de puntos, conformando así imágenes espectaculares; se trata del registro espacial más preciso posible con tecnología de punta”.

Desde el hallazgo de Tlaltecuhtli han surgido evidencias que permiten inferir que debajo de esa gran piedra existe una cripta familiar de los últimos emperadores aztecas.

Alrededor de 1521, año en que Hernán Cortés y su ejército avasallaron la antigua Tenochtitlán, los mexicas ingresaron por última vez al lugar que los arqueólogos del Proyecto Templo Mayor podrían haber identificado como la tumba del rey Ahuítzotl (1486-1502).

Al salir sellaron el acceso en forma definitiva con una espesa capa de argamasa y varias capas de tierra y piedras. Este ingreso tan tardío y accidentado podría explicarse de diversas maneras, entre ellas, la inhumación en el mismo sitio de las cenizas de Moctezuma II o de Cuitláhuac.

El enigma de la tumba real de los mexicas parece revelarse ante las evidencias que un grupo de expertos está recuperando en torno al monolito de Tlaltecuhtli, deidad de la tierra descubierta hace casi un año al pie del Templo Mayor, y que ya fue escaneada tridimensionalmente por especialistas italianos y del INAH, produciendo una imagen de más de 30 millones de puntos que dan forma y volumen a la colosal escultura.

Las meticulosas excavaciones realizadas por el equipo multidisciplinario que encabeza López Luján, director del Proyecto Templo Mayor, sacaron a la luz el acceso vertical a un lugar todavía desconocido, quizá podría tratarse de un conjunto de cámaras funerarias.

Buenas expectativas

De los soberanos mexicas, las crónicas relatan que Ahuítzotl sucedió en el poder a Tizoc y logró importantes victorias militares que ampliaron los límites del imperio hasta el Soconusco, en la actual frontera con Guatemala. Este rey murió dos años después de la gran inundación que padeció Tenochtitlán en el año 1500.

Enseguida llegó al trono su sobrino, Moctezuma II, quien sucumbió ante los negativos presagios destinados a su pueblo y cayó en manos de los españoles comandados por Hernán Cortés, quienes tras someterlo lo mantuvieron en el poder de manera simbólica. Fue asesinado y su lugar lo ocupó su hermano Cuitláhuac, enfurecido promotor de la defensa contra los extranjeros, pero falleció en corto tiempo a causa de la viruela.

El acceso descubierto es una cavidad cuadrada de aproximadamente 1.50 metros por lado, la cual se abre en el piso de la plaza, justo al oeste de Tlaltecuhtli. Dicha cavidad está enmarcada por 15 bloques de piedra, cada uno de más de dos metros de longitud y medio metro de ancho. En su interior han sido hallados objetos que suelen aparecer en contextos funerarios del México antiguo, entre ellos, pendientes en forma de cabeza de pato.

Una muy cuidadosa exploración ha demostrado que las hipotéticas cámaras funerarias fueron “un espacio vivo”, pues el acceso estuvo en funcionamiento durante más de dos décadas, explica López Luján. De tratarse de una tumba, los mexicas habrían ingresado a ella en repetidas ocasiones, quizá para introducir ofrendas, inhumar otros cadáveres o extraer reliquias.

López Luján prosigue: “Grégory Pereira y Ximena Chávez, dos de los especialistas mejor capacitados en contextos funerarios, hicieron un pequeño túnel al oeste del monolito, liberando así el acceso. Especulamos que, si profundizamos la excavación en su interior, ingresaremos a un suerte de distribuidor de las cámaras funerarias”, suposición que se robustece con los estudios de georradar y resistividad eléctrica rea
lizados en fechas recientes.

“El hallazgo de un sello de estuco nos indica que las cámaras no fueron violadas en los siglos posteriores al último ingreso, fechado alrededor de 1521.”

Por tales razones, añade López Luján, “tenemos buenas expectativas”.

El investigador, quien fue premiado por la Academia Mexicana de Ciencias, aclara:

“Desde el 15 de noviembre pasado, cuando Eduardo Matos y yo dimos a conocer la hipótesis de que el monolito de Tlaltecuhtli podía ocultar bajo su enorme masa los restos mortales de Ahuítzotl, hemos acopiado información histórica y arqueológica sumamente sugerente.

“Sin embargo, todavía no contamos con evidencias contundentes para corroborar o desechar tal hipótesis. Seguiremos profundizando nuestra exploración en busca de nuevos indicios, pero esto nos llevará algún tiempo, dado el cuidado que se requiere en un contexto de esta naturaleza y debido a los obstáculos que representan las lluvias torrenciales que han caído en las semanas recientes.”

Uno de estos grupos de investigación, explica López Luján, es el del italiano Guido Galvani, de la Universidad de Ferrara, quien con apoyo de la Coordinación Nacional de Monumentos Históricos utilizó un escáner láser terrestre para registrar tridimensionalmente el monolito de Tlaltecuhtli.

El objetivo fue elaborar un modelo gráfico de los cuatro fragmentos de la escultura antes de que sean trasladados a unos metros de distancia del sitio donde fueron descubiertos, para su restauración.

Detalla: “El escáner láser terrestre es un equipo complejo y costoso que, automáticamente y a cada dos milímetros, toma medidas de la superficie de monumentos escultóricos y arquitectónicos. Realiza un barrido sistemático que produce una base de datos digitalizada y fidedigna de la topografía”.

En tanto, la bióloga Norma Valentín, la arqueóloga Osiris Quezada y otras especialistas descubrieron algunos metros al sur del monolito una riquísima ofrenda con siete esqueletos de águila real, tres de ibis, más de 60 cuchillos sacrificiales de gran tamaño, cientos de cuentas de piedra verde, objetos de madera y semillas de algodón y calabaza.

Calcas de pinturas murales

Por su parte, el equipo que coordina el japonés Saburo Sugiyama acaba de concluir el plano tridimensional computarizado de la zona arqueológica del Templo Mayor y de las áreas circunvecinas, el cual abarca una superficie superior a 15 mil metros cuadrados.

También el grupo de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), liderado por Luis Barba, descubrió la existencia de “un conjunto de cavidades” debajo y al poniente del monolito de Tlaltecuhtli, y ya concluyó al 100 por ciento la prospección en los predios que estuvieron ocupados por las casas de las Ajaracas y de las Campanas, donde utilizó un georradar y un resistivímetro.

En tanto, el equipo coordinado por el arqueólogo Eduardo Matos Moctezuma terminó las calcas de las pinturas murales que decoran varios de los edificios de la zona arqueológica, las cuales servirán de base “para elaborar en computadora los dibujos que serán publicados por el Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM”.

Finalmente, el equipo de la restauradora Virginia Pimentel ha concluido la toma de muestras en el monumental relieve de Tlaltecuhtli, necesarias para los análisis petrográficos, de pigmentos y de trazas de fluidos sanguíneos.

“Con ese estudio sabremos con exactitud de dónde fue extraída la piedra, la composición de los colores rojo, ocre, azul, blanco y negro con que fue pintada, y si se derramó sangre humana sobre la escultura”, puntualizó López Luján.

“Perseguimos un objetivo científico: explorar y registrar meticulosamente los contextos arqueológicos del Templo Mayor para reconstruir acontecimientos cruciales de nuestro pasado.”

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Patricia Pou es miembro del Grupo Imagen 83, que ha hecho posible esta dinámica visual en las principales galerías.

“En esta ocasión la finalidad de Photoimagen 2007 era tener una fuerte representación internacional y creo que lo hemos logrado, porque tenemos artistas de México, Puerto Rico, Martinica, Guadalupe, Cuba, Alemania, Estados Unidos, Francia, La India”, cuenta Patricia Pou.

A cada uno de los fotógrafos se le pidió que sus trabajos debieran abordar el tema “La ciudad”, presentar las metrópolis bajo la óptica que ellos prefirieran.

“De eso se trata el trabajo fotográfico, de que no haya límites, cada fotógrafo tiene su propia técnica, su propia visión, su propio técnica y entonces no queremos coartarlos en ese sentido”, precisa Pou, en la galería District & Co.

La pregunta no podía faltar. Cómo se logra sincronizar con los artistas y los espacios donde se presentarán las muestras individuales y colectivas.

“Podría decirse que el seis de octubre cerramos Photoimagen 2007 e inmediatamente abrimos Photoimagen 2008, es un trabajo del año completo”, responde Patricia Pou.

“Eso se logra Con organización, con un buen equipo de trabajo, contactando a los artistas extranjeros y en esta ocasión las embajadas nos dieron mucho apoyo, la americana, la de Francia y la de Alemania”, añade.

Su objetivo de grupo es que se le de el valor que en realidad tiene la fotografía, porque “mucha gente viene y ve eso y dice ay qué linda, pero no pagan lo que cuesta una fotografía para tenerla en su casa”.

Imágenes en vivo

En opinión de Patricia Pou: las personas están muy acostumbradas al tipo de pinturas al óleo, a los paisajitos y en la fotografía siempre se da a conocer la realidad.

“Y como en esta versión de Photoimagen es la ciudad, cuando vean la ciudad que va a presentar Imagen 83, es el caos, lo que hay en la ciudad en realidad, yo creo que a nosotros nos van a tirar piedras. Pero es la realidad y entonces a la gente no le gusta tener la realidad de frente todos los días”, anticipa.

La exposición del grupo organizador, Imagen 83, será el 18 de este mes en el Museo de las Casas Reales. Esto hay que verlo. Cuenta con la curaduría de Carlos Acero Ruiz, al igual que una gran parte de las demás exposiciones.

Los menos expertos y los menos conocidos también tienen su espacio. Así lo explica Xiomara Fernández, de Imagen 83.

“Hay algo muy importante, que Photoimagen no discrimina un artista por ser joven, tanto así que tenemos una exposición de los novel, de los que están dando pininos y no tienen un currículo que los soporte. Ellos están exponiendo en Casa de Teatro. Por ejemplo, en Santiago está el grupo que se llama Grufos y ellos tienen un Grufitos y esos niños van a exponer en esa ciudad”, explica.

Por el momento una prioridad es conseguir fondos para restaurar la casa de Imagen 83, ubicada en la zona Colonial.

Tienen muchas donaciones, como computadoras, lámparas y equipos, pero no poseen un lugar donde ponerlos.

“Ahora falta restaurar la casa, porque el fotógrafo aquí está desamparado. Eso se logra tocando puertas y buscando patrocinio, vendemos las páginas del catálogo y todo lo que tiene que ver con los bajantes. Hay como 30 fotógrafos, esta vez con mayor participación de artistas extranjeros”, concluye Fernández.

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Compañías como Google, Oracle y Telefónica fichan programadores en la Campus Party

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David Reid BBC Click

Puede resultar complicado visualizar el mundo real en tres dimensiones en un mapa tradicional.

Durante cientos de años, los mapas nos han ayudado a llegar desde un punto A hasta un punto B, pero su naturaleza plana y en dos dimensiones (2D) no siempre resulta útil en el mundo “real” en tres dimensiones (3D).

Durante siglos los cartógrafos han reducido kilómetros a milímetros y han movido y situado continentes con la punta de los dedos.

Los mapas, pese a el carisma de los nombres exóticos que contienen, te pueden volver loco con su letra diminuta y su gran tamaño.

Los mapas en internet no han mejorado mucho la situación. Pese a todas las promesas, los píxeles se parecen demasiado al papel.

Pero ahora, los mapas online están empezando a mejorar. Tanto Google como Microsoft han lanzado mapas en 3D, dando al usuario la posibilidad de moverse tanto de arriba a abajo como de derecha a izquierda.

Según el responsable de Microsoft para “Virtual Earth” (tierra virtual, en inglés, ), Stephen Lawler, “va a producirse un cambio en la manera en que la gente interactúa con sus computadoras, por lo que queremos que este entorno sea lo más real y tenga la mayor calidad posible”.

Microsoft no ha utilizado fotografías tomadas por satélite, sino aviones que han volado alrededor de las ciudades del mundo.

“Somos conscientes de todo lo que nos rodea. Pero si nos dan una cámara en 2D, nos será muy difícil capturar la esencia del entorno en el que nos movemos”, concluye Lawler.

“Las 3D dan la fluidez necesaria para navegar, para volar a través del entorno, así como el sentido más natural de que se trata de un entorno familiar”.

Modelo aéreo

En las películas, los efectos especiales se hacen a mano, “moviendo los píxeles”, según explican los que se dedican a este trabajo, pero el programa de Microsoft “Virtual Earth” funciona automáticamente, mediante el procesado de los datos fotográficos que recopila la compañía.

La textura de sus 3D es el resultado de una resolución fotográfica de 10 centímetros.

Los mapas en 3D le permiten a la gente ver como es el área desde abajo.

Microsoft no ha utilizado fotografías tomadas por satélite, sino aviones que han volado alrededor de las ciudades del mundo. Incluso llegaron a hacerse con la compañía austriaca que diseñó el sistema de la cámara para llevar a cabo las animaciones en 3D. El objetivo de la compañía: acabar con la película fotográfica en el último campo en el que se utiliza.

Según el director de fotogrametría de Microsoft, el doctor Franz Leberl, el campo de la cartografía aérea era uno de los pocos en los que la película fotográfica aún tenia un papel importante. En otras áreas, la película fotográfica ha desaparecido, por lo que con esta cámara lograremos hacer desaparecer la película fotográfica de la cartografía aérea”.

“Cuando se mira una escena urbana y el sol está brillando, se obtienen a menudo áreas demasiado brillantes, como sucede con los tejados metálicos o con las sombrillas en la plaza de un mercado. Se trata de un desafío que con la película fotográfica no se puede resolver: captar el detalle tanto en la sombra como en la luz.

“Si no se tiene resolución, no se tiene relieve, por lo que no se puede hacer un modelo en 3D porque no se ve nada”.

Oportunidades “virtuales”

Los anunciantes pueden utilizar estos programas para dar a conocer sus productos.

Una de las primeras reglas de los grandes imperios, es que si quieres reivindicar como propio un t
rozo de tierra, pones a trabajar a los cartógrafos para que hagan un mapa de la zona. Esa es la razón por la que los “conquistadores” del ciberespacio, Google y Microsoft, están tan contentos de reivindicar la parte digital del espacio en el que vivimos, cartografiándolo.

Microsoft creó el software para mejorar el rendimiento de las computadoras y Google la herramienta para buscar en Internet.

Ahora ambos se están moviendo hacia el mundo real para explotar su potencial.

“Virtual Earth”, de Microsoft, no solo permite ampliar la imagen como un superhéroe en Metrópolis, sino que parece que existen muchas oportunidades para los anunciantes.

Controversia

A cambio de una determinada cantidad, las compañías pueden utilizar la plataforma para mejorar sus sitios de internet. Una empresa inmobiliaria puede ahorrar a sus clientes muchas caminatas mostrando los terrenos alrededor de una casa o de un apartamento.

Google Earth se ha convertido en una de las herramientas cartográficas más populares.

Pero la lucha para la digitalización del planeta no está exenta de controversia.

La sensibilidad de algunas aplicaciones de Google Earth hace que se capten bases militares y centrales nucleares, que han tenido que ser eliminadas de los mapas como una medida de la lucha anti terrorista.

Pronto ambas compañías tendrán que enfrentarse a asuntos relacionados con la censura y la privacidad de las personas, asuntos que pueden surgir con una tecnología tan intrusiva.

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Un hacker ingresó en uno de los sistemas de correos electrónicos del Pentágono obligando a 1.500 usuarios a desconectar sus computadoras.

Los correos electrónicos afectados no contenían información clasificada.

Un portavoz del organismo de seguridad estadounidense informó que en las cuentas afectadas no existía ningún tipo de información con respecto a operaciones militares.

El funcionario también indicó que, diariamente, el Pentágono evita cientos de ataques dirigidos a su red electrónica.

El secretario de Defensa de Estados Unidos, Robert Gates, dijo que se habían tomado una “serie de medidas preventivas”.

Agregó que se tenía previsto que el sistema se reestableciera en poco tiempo.

Hipótesis

El portavoz del Pentágono indicó que los ataques podían venir de diferentes partes incluyendo “hackers que lo hacen por diversión, ciber-vigilantes, organizaciones nacionalistas, con determinadas agendas ideológicas y grupos transnacionales en diferentes países”.

Los funcionarios del organismo de seguridad estadounidense no revelaron si el hacker pudo leer los mensajes enviados a través del sistema de correos electrónicos.

A Gates se le preguntó si su cuenta fue afectada por lo ocurrido. El secretario de Defensa respondió: “Yo no utilizo el correo electrónico. Soy una persona poco tecnológica”.

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La tecnología informática es tan contaminante con la industria aérea.

El gobierno británico anunció un plan tendiente a reducir la emisión de dióxido de carbono que genera la producción, operación y la eliminación de computadoras.

Según los científicos, las computadoras personales (PC) así como muchos equipos de tecnología informática son tan responsables como la industria aeronáutica del calentamiento del planeta.

En efecto, se estima que los equipos de IT (como se llama a la tecnología informática por sus siglas en inglés) lanzan cada año a la atmósfera unas 35 millones de toneladas de gases de efecto invernadero.

El plan contempla la creación de un equipo de trabajo que será liderado por el gobierno municipal de la ciudad de Manchester, en el norte de Inglaterra.

Computadoras verdes

El grupo supervisará en esa ciudad, un programa piloto a través del cual se pondrán a prueba máquinas individuales que utilizan un 98% menos de energía que una PC común.

Bajo el nombre “Servicio de Computadoras Verdes”, una serie aplicaciones, así como el correo electrónico y la navegación de internet, serán realizadas en oficinas públicas y compañías privadas a través de centros de datos en lugar de computadoras individuales.
Partes de computadoras
La producción y eliminación de equipo informático es también contaminante.

Estos centros están diseñados para ser eficientes en el uso de energía y se accederá a estos a través de pequeñas cajas de enlace.

El programa también tiene como objetivo reducir en un 75% los materiales y procesos contaminantes que intervienen en la producción de computadoras personales.

El servicio comenzará a ponerse a prueba el año próximo y se espera que esté en uso en 2009.

“Cibercalentamiento”

“El ‘cibercalentamiento’ es un problema muy grande y por esta razón estamos adoptando la decisión de conformar este grupo de trabajo”, dijo el secretario británico para gobiernos locales, Phil Woolas.

“Es el primero de este tipo en todo el mundo y una señal de la seriedad con la que Gran Bretaña enfrenta este problema”, agregó.

El grupo de trabajo es el primero de este tipo en todo el mundo y una señal de la seriedad con la que el Reino Unido enfrenta este problema
Phil Woolas, gobierno británico
Por su parte el concejal Richard Leese, de la ciudad de Manchester, indicó que este servicio de computadoras verdes es parte de “un paquete de propuestas que pueden aportar una contribución fundamental al desafío que representa el cambio climático”.

Woolas y Leese coincidieron en señalar que “sustentabilidad e inclusión van de la mano”.

“Sólo si las comunidades se comprometen en acciones dirigidas a combatir el cambio climático, estos planes tendrán éxito”, dijo el primero de ellos.

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Foto: Félix Reyes

Estudió economía pero su pasión por la fotografía hizo que dejara de ejercer su profesión, “el acto de tomar una foto y el tener resultados, esa relación de ver la imagen y sentir una correspondencia, el saber que había creado cosas y en la economía no sucedía eso; me hizo cambiar, tenia que investigar, partir de muchas cosas ya dadas, para lograr ver resultados y en la fotografía es una cuestión natural” explica Alejandro Echeverria, fotógrafo oaxaqueño.
A los 22 años terminó su carrera, trabajó hasta los 30 años como economista, dos años antes empezó a tener contacto con lo que es la imagen, una cuestión totalmente desconocida para él, “al poner el ojo en el visor como que mi realidad se pierde, esa parte externa se va, la olvido, hay como un sumergimiento en ese visor y en ese motivo que estoy observando y delimitando y cuando veo esa imagen, para mi es muy importante y creo que a partir de ahí surjo como fotógrafo”
Para mí el acto de tomar fotos es una necesidad interna, poder sacar mi estrés y esa parte de locura que tenemos, sumergirme en ese mundo que es muy del fotógrafo, donde existe la individualidad y soledad con mi cámara y mi andar señala Echeverría
Reconoció que la fotografía documental o fotoperiodismo le cuesta trabajo, prefiere trabajar sobre el entorno urbano, encontrar en las paredes esos signos donde se expresa mucho la cuestión personal, humana o la cuestión social, su afección es mucho más al color, textura, formas que podrían acercarse más a la reflexión pictórica.
Dentro de sus trabajos importantes está el que realizó con la gente de la restauración en Santo Domingo porque “fue el contacto con la gente a las que llame los hacedores como el cantero, ladrillero, albañil, el peón, gente que bajaba de todos los pueblos que vivía y convivía ahí, desempeñando un trabajo muy duro y sus condiciones eran las mismas que hace 500 años cuando se construyo ese edificio”.
Su más reciente y primera exposición individual del fotógrafo en el extranjero se realizo en Portland, Oregon en la galería Froelick con 13 fotografías a color, tres de las cuales de la serie titulada “Borrón y cuenta nueva” “se refiere a la cuestión del movimiento que se dio y se vive en Oaxaca, la acción de las consignas en contra del gobierno y la acción del gobierno de borrarlas, sin embargo se iba acumulando y quedaban ahí todas las huellas de las frases”
Las otras diez fotografías, explica el artista se refieren al trabajo que siempre ha realizado sobre los registro de muros y el entorno urbano, tomas que captan en su andar cotidiano sin alterarlas
En cuanto a los muros que ha registrado desde hace diez años el artista cuenta que las intervenciones en los muros han variado de las consignas políticas al grafiti totalmente personal sin ninguna cuestión pero el movimiento del año pasado fue mucho mas fuerte esa intervención, el esténcil fue una de las situaciones mas fuertes dentro del movimiento ya que antes no existía o el hecho de pegar carteles en lugar de pintar, pues todas esas huellas de papeles y esas huellas en la pared han cambiado, esas sensaciones acerca de las texturas y del color que se expresan ahí.
La primera exposición del artista de la lente fue en 1990, Las canteras de Ixcotel, único trabajo en blanco y negro que ha realizado, obtuvo la primera beca del FOESCA 1993-1994 con el trabajo de restauración en Santo Domingo que se expuso posteriormente en el palacio de Minería en México y en Oaxaca, siguió su participación en el primer Foto Septiembre en 1996 en la Alianza Francesa, expuso “Muros Temporales” en el Museo de Arte Contemporáneo, y en 2004 presento la obra “En concreto” en el Álvarez Bravo.
Alejandro Echeverría afirmó que como fotógrafo hay una situación muy marginal dentro del mercado, “En mi caso he tenido la oportunidad de vender mi trabajo, ya sea en el ámbito personal o a través de algunas galerías; en Oaxaca faltan instituciones que puedan enfocar apoyos para los fotógrafos oaxaqueños; aunque quisieras exponer nadie te apoya para imprimir o para que envíes tu trabajo a otros lugares para que se exhiban”.
La fotografía en Oaxaca es muy pobre, no hay concursos o una feria de fotografía, aquí viene Foto Septiembre, pero no hay convocatorias de algún tema, para que todos los fotógrafos oaxaqueños puedan presentar algún trabajo con criterios de selección. Existe el Centro Fotográfico Álvarez Bravo o la Casa de San Agustín Etla, pero ninguno de los dos se ha preocupado por hacer concursos o llevar un seguimiento de cual es el progreso de los fotógrafos de la entidad.
Para el destacado fotógrafo, la tecnología digital aún no llega a sus manos, prefiere su cámara análoga Nikon, pero según su opinión con las cámaras digitales la tendencia es eliminar las películas, como que de aquí a 10 años ya no producirán rollos, “por ejemplo la diapositiva costaba 45 pesos y ahora cuesta el doble, en vez de que baje va incrementado los costos. Sin embargo tomas fotos con la cámara digital, lo bajas a tu computadora y se puede decir que no gastaste nada pero ya no se tiene una resolución buena para ciertos formatos. Para mí lo digital no le ha llegado a la calidad de los negativos, bueno en la mayoría de las cámaras
Alejandro Echeverría con sus años en la fotografía se siente satisfecho de tener una manera de ver, componer y expresar a través de imágenes, un papel importante dentro de la fotografía en Oaxaca. El artista ya prepara su siguiente exposición “Paisaje” para la Universidad Pedagógica Nacional de México.

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Una muestra del artista norteamericano David Lachapelle que reúne 25 fotos de celebridades, producciones para revistas y videoclips, fue inaugurada en el Malba David LaChapelle -célebre por fotografiar a estrellas como Madonna, Leo Di Caprio o Kate Moss- presentó “Heaven to Hell – Bellezas y desastres”, la exposición que incluye fotografías de gran tamaño tomadas por el artista y que forman parte del libro “Heaven to Hell” (2006), último título de una trilogía retrospectiva que completan “LaChappelle Land” (1996) y “Hotel LaChappelle” (1999). Recientemente nombrado por la revista American Photo como uno de los diez fotógrafos más importantes del mundo, LaChapelle comenzó su carrera como discípulo de Andy Warhol en la revista Interview, donde ya se vislumbraba su estilo de colores vibrantes e ideas poco tradicionales en producciones de moda y publicidad. “LaChapelle es una máquina de fabricar conceptos visuales que son diseminados hacia todos los medios contemporáneos. Sus ideas han alimentado durante las últimas dos décadas a revistas, televisores, afiches, tapas de discos, computadoras, libros y catálogos de arte”, señaló la curadora Eva Grinstein. Nacido en Fairfield, Connecticut, en 1969, LaChapelle trabajaba de mesero en el mítico Studio 54 de Nueva York, a los 18 años, cuando conoció a Andy Warhol, de quien aprendió una forma de expresar a través de la fotografía, con un tono sarcástico y una crítica mordaz de los caracteres de la cultura popular. El juego de los roles falseados es uno de los recursos más utilizados por LaChapelle, quien define su trabajo como “la transformación de la fantasía en fotografía”. Frente a la lente de LaChapelle desfilaron, en los últimos veinte años, celebridades de distintas disciplinas, como Britney Spears, Ewan Mc Gregor, Jude Law, Naomi Campbell, Pedro Almodóvar, Jean Paul Gaultier, Marilyn Manson, Courtney Love y Uma Thurman, entre otros. La estética surrealista con que trabaja las imágenes y el humor que pone en sus composiciones fotográficas lo han llevado a dejar su huella en medios tan diversos como las revistas Rolling Stone, I-D, Vogue o Vanity Fair, y marcas de alto nivel entre las que se destacan L’Oreal, Levi’s, MTV, Armani o Esteé Lauder. Sus claves ficcionales se apoyan en varios elementos reconocibles, muchos de ellos verdaderos clichés que atraviesan el ámbito del espectáculo y el entretenimiento y que remiten a la gráfica kitsch y empalagosa de los ochenta y también a la bandera gay. La muestra incluye la proyección de la película “Rize” (2005) y algunos de sus videoclips como “Natural blues” de Moby, “Rich girl” de Gwen Stefani, “Can’t hold us down” y “Dirty” de Christina Aguilera, “She ain’t right for you” de Macy Gray, “It’s my life” de No Doubt y “I’m glad” de Jennifer López. Además, se verá la serie realizada para la Vogue italiana en 2005 (mujeres hiperrefinadas e indolentes en medio de paisajes catastróficos), la divertida campaña con inflables gigantes, creada para la norteamericana Flaunt y la secuencia en torno de un hipotético Cristo contemporáneo, para la I-D de Londres. En estas escenas protagonizadas por figuras no mediáticas, el artista “invierte la imagen del consumo que parece celebrar para señalar, en cambio, las apocalípticas consecuencias de la humanidad misma”, sostiene Grinstein. La película “Rize”, que se exhibirá en el auditorio del museo, es un documental producido y realizado por L aChapelle que fue estrenado en el Sundance Festival en 2005 y exhibido en la Argentina en 2006, en el Festival Internacional de Mar del Plata. Testimonio del surgimiento de una nueva forma de danza callejera entre la comunidad negra del distrito South Central de Los Angeles, el film describe a los líderes del krumping, un estilo basado en movimientos ultraveloces, espásticos, que hace de metáfora de la violencia contenida entre los excluidos del sueño americano. Organizada por b-side, la muestra “Heaven to Hell – Bellezas y Desastres” se podrá visitar hasta el 21 de mayo, de jueves a lunes y feriados, de 12 a 20 y los miércoles de 12 a 21 (martes cerrado), en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, ubicado en Avenida Figueroa Alcorta 3415. Fuente: Télam

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EL PINTOR DEL POLÉMICO MURAL EN LA UASD

García Espino, muralista oficial para las construcciones del Gobierno

El Estado pagó más de RD$2 millones por una pintura en el hospital Taiwán, del autor José Altagracia García Espino. El artista se ha destacado por pintar los monumentos coloniales.

Ana Mitila Lora/Clave Digital

El pintor José Altagracia García Espino. Alberto Rosario/Clave Digital. SANTO DOMINGO, DN.-El pintor José Altagracia García Espino tiene una larga trayectoria. El autor del controversial mural pintado sobre una de las paredes de la Facultad de Ciencias Económicas y Sociales de la Universidad Autónoma de Santo Domingo (UASD) ha presentado 39 exposiciones en República Dominicana, así como 13 en el extranjero. De él, escribía Marianne de Tolentino en 1977 lo siguiente: “García Espino expone 29 cuadros, paisajes y retratos. Los retratos, meras copias convencionales (…) pero los paisajes, una buena parte de ellos impregnados de candor, señalan una paleta muy refrescante (…)”. De Tolentino es citada en la obra “Memoria de la Pintura Dominicana”. García Espino todavía se encuentra en medio de la polémica por asumir la responsabilidad de exaltar la figura de Joaquín Balaguer en la UASD. Su protagonismo en la discusión suscitada provoca una mirada a su trayectoria, sus obras y a la manera en que el Estado contrata a los artistas. García Espino es el autor de los murales del hospital de Taiwán, en Azua, del Centro Universitario Regional de Santiago, de los hospitales Robert Reid Cabral, Billini, Marcelino Vélez Santana y de la Policía Nacional; así como del Colegio Dominicano de Periodistas, de Pasaporte y Migración y de por lo menos cinco murales en la UASD, y de los retratos de los sindicalistas que se encuentran en la secretaría de Trabajo. Sólo por el mural del hospital de Taiwán, en Azua, el Gobierno erogó a nombre de García Espino, 381 mil pesos en junio de 2005 y 1.7 millones de pesos en septiembre del mismo año. Se desconoce la inversión del Estado en las demás obras. La cantidad de trabajos asignados al artista provoca malestar entre sus colegas. Luis Alberto Rodríguez Santos (Lars), docente de la Escuela de Artes Plástica de la UASD, reclama la realización de concursos “creíbles” y “no arreglados”. Amén de cuestionar la calidad de García Espino. “Se está invirtiendo un dinero y no se está enriqueciendo el patrimonio cultural porque ha surgido el pintor de la corte”, opina Lars. Dice que para la Biblioteca de la UASD se les llamó con prisa y cuando iban a proponer que el Gobierno inaugurara el edificio sin el mural para dar tiempo a la realización de un concurso interno entre los profesores para obtener la mejor propuesta, ya éste había sido asignado a García Espino. La versión de García Espino es que una comisión encargada rechazó las propuestas de los profesores, fue llamado y preparó su boceto en cuatro días y tuvo el mural listo para la reinauguración del edificio. Lars comenta que el Gobierno quería obligarlos a tener un mural listo en un mes y “eso es imposible”. García Espino rechaza que sea un artista favorecido por el Estado. Argumenta que desde inicios de los ochenta empezó a pintar monumentos coloniales, por lo que la Comisión para la celebración del V Centenario hizo suya su obra. “Mi colección de monumentos recorrió todas las provincias del país”. Ante las críticas desatadas tras la publicidad recibida por el mural de la UASD, puntualiza: “Soy un pintor dedicado a pintar y a leer. Algunos pintores toman esta carrera a la ligera y no con el compromiso que esto implica. Esto es un sacerdocio. No soy un bohemio, como están la mayoría de los pintores, en vez de fajarse a trabajar y estudiar, los encuentras en todos los sitios donde hay una bebentina”. Un autodidacta García Espino se inicia como autodidacta. Asistió por breve tiempo a la Escuela Nacional de Bellas Artes. Se graduó en la Universidad Autónoma de Santo Domingo en las carreras de Educación, mención Matemáticas, y obtuvo una licenciatura en Estadísticas. Presentó su primera exposición en 1969 Mantuvo una galería de Arte durante cuatro años en el Club Naco. En la actualidad su obra es exhibida en la Galería García Espino, en la zona universitaria. Entre su numerosa producción destacan los retratos de los padres de la patria, -un Duarte escandinavo- y la figura de Gregorio Luperón. Los paisajes y marinas también abundan. Además de su polémico mural con la imagen de Balaguer, en el primer nivel de la Facultad de Ciencias Económicas y Sociales hay otro de los murales de García Espino. En el centro se observan la imagen del Palacio Nacional y algunas computadoras. Dos de los personajes se parecen al doctor Rafael Alburquerque y al ingeniero Juan Temístocles Montás. Alberto Bass: “Saltamos de Vela Zanetti a García Espino” Clave Digital (CD). ¿Quiénes reúnen calidad para ser muralistas? Alberto Bass (AB). No todos pueden hacer un mural. El mural es muy difícil. Los murales cuentan una historia. Un muralista fue (José) Vela Zanetti, el preferido de la Era de Trujillo. CD. ¿García Espino reúne las condiciones para ser el muralista del oficialismo? AB. Los murales deben ser ejecutados por especialistas, no por contratistas. Los especialistas deben intervenir para depurar los proyectos, pero aquí, como pasa con la planificación urbana, lo que hay es un desorden absoluto. Los artistas están saturados de la improvisación imperante. Si se va a hacer un trabajo, un contratista no debe contratar a un artista en particular cuando es un trabajo de muralística a nivel nacional. Deben incluir a los artistas plásticos en las tareas del gobierno, pero si nada más designan a una o dos personas para que hagan todos los trabajos, es una política muy errada y excluyente. CD. ¿Hay un monopolio en la contratación de murales ? AB. En éste y en el primer gobierno del PLD. Ahí vienen las estaciones del Metro; si le dan esas contratas a la misma persona, será un tema conflictivo. De Trujillo se criticaba que los murales sólo los hacía Vela Zanetti, pero a Jaime Colson, también un excelente muralista, no le adjudicaban obras. Eligio Pichardo se tenía que conformar con escuelas públicas, porque los grandes lugares eran para Vela Zanetti, artista del oficialismo. Hemos pasado de Vela Zanetti a García Espino, que son pintores oficiales. Soy miembro fundador del Colegio Dominicano de Artistas Plásticos. Hemos luchado para que lo de Vela Zanetti no se repita. CD. ¿En el arte tampoco hay equidad ni democracia? AB. Los artistas no podemos callar ante lo que está sucediendo. El “pintor oficial” no puede hacer todos los trabajos habidos y por haber. Hay muchos artistas sin trabajo. Hay que beneficiar a la colectividad. Es necesario que los de mayor calidad, incluidos los jóvenes, tengan oportunidades, no grado a grado. No pueden hablar de un proyecto de nación cuando todos los murales los tiene un sólo artista. CD. ¿A qué atribuye esa primacía en el gobierno? AB. Pertenezco a la Secretaría de Cultura del PLD. Pinté gratis los murales del partido. Hay artistas boschistas, pero no pertenecen al clientelismo político, como son Oviedo, Elsa Núñez, Ángel Haché, Domingo Liz, pero ellos son ignorados. Y no quiero decir que sólo les den trabajo a los que militan en el partido.

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Enlarged Senses, 36.3×60, técnica mixta en digital.canvas, 2006 Opera Singer, 47×50, técnica mixta en canvas., 2007. SANTO DOMINGO.- No sabemos si llamarle disciplina de las artes plásticas a obras cuya brocha es un mouse (ratón) y su tinta píxeles (elemento de la imagen). De lo que sí estamos seguros es que con esta nueva forma de expresar la inspiración, los límites del lienzo, la pared o la piedra quedaron sepultados. Como todo fenómeno de reciente aplicación, el arte digital genera rechazo en los círculos más conservadores y puristas, que se niegan a denominarlo como un arte, catalogándolo como un esfuerzo o diseño meramente técnico que se desarrolla con la práctica. Avances cientíticos Pese a la controversia, el arte digital o arte de alta tecnología ha ido avanzando de la mano con la revolución computacional, desde sus inicios cerca de 1980 pasando por el boom de Microsoft Windows 95 hasta la soberanía de la multimedia y la interactividad de nuestros días. Además de gráficos, el arte digital se nutre de lo humano, de lo vivo, de miles de ideas libres expresadas en el mar inconmensurable de los píxeles diseminados en un monitor de cualquier tamaño, dígase una computadora o un celular de los más pequeños y avanzados. Este fenómeno abarca la fotografía, el cine y los videojuegos, lo que implica un enorme ejercicio de creatividad cargado de sentimiento, técnica, sensibilidad, dramatismo y destreza en el diseño, sin dudas nada que envidiarle a las demás formas de expresión artística. El arte tecnológico En nuestro país contamos con un artista taiwanés radicado desde 1977 que realizó el crossover o salto idiomático del lienzo a la pantalla. Se trata de Rafael J. C. Wu, un artista plástico con exposiciones en el Museo de Arte Modeno y una obra seleccionada en el XXI consurso de Arte Eduardo León Jimenes. Wu estudió por dos años en el Centro de Edición Avanzada de la Universidad de Massachusetts, Estados Unidos, y realizó su primera exposición de arte de alta tecnología en la galería de Arte Contemporáneo Han Mo de Pekín, China, en el año 2005, bajo el título de “Transformación de Caligrafía”. La misma fue expuesta en el 2006 en la Casa Italia de Santo Domingo. En días pasados inauguró en el Museo de las Casas Reales su segunda exposición de arte digital llamada “Serie Multi-líneas”. La muestra consta de 15 obras creadas con la novedosa técnica, convirtiéndose en el pionero en expresar el arte contemporáneo de esta forma. Está abierta al público en horario de 8:30 a.m. a 5:00 p.m. de martes a viernes y de 9:00 a.m. a 5:00 p.m. sábados y domingos. “Este es un nuevo idioma, no es una escuela es una tendencia, una corriente”, enfatiza el artista. Wu asegura que la mayoría de imágenes en esta serie fueron tomadas con cámara digital desde la televisión. “Actualmente vivimos en un tiempo lleno de imágenes, queriendo o no, éstas vienen como fuente de agua, desde periódicos, libros, películas, televisión, internet y vallas en la calle. Nosotros hoy día vemos miles de imágenes más que los viejos maestros como Miguel Ángel, Da Vinci, Picasso o Pollock”, expresa. Sus puntos de vista Para Wu, estas imágenes ya no están sujetas al objeto, salieron tanto de su dimensión original como de su material esencial, se independizaron completamente de su origen natural y se quedaron como una señal de comunicación. “Frente a millones de imágenes llenas de significados, los artistas no tienen posibilidad de quedarse tranquilos, por eso surgió el Postmodernismo y el Neo Expresionismo, siguieron el paso figurativo para expresar nuestro mundo, un mundo de abundancia, de variedad, de incoherencia, de complejos, de sinrazón, de lo inexplicable y lo indefinido”, argumenta Wu. Da Vinci, uno de los genios más brillantes de la historia no solamente dominaba bien el arte bidimensional sino que deseaba hacerla tridimensional, combinado con la matemática y la ingeniería. Siempre buscaba un nuevo medio en el cual emplear y agigantar la inteligencia e imaginación humana para crear un nuevo mundo del arte. Sin lugar a dudas que este arte de última generación tiene nuevos mundos por delante en los que podrá expandir su desarrollo de técnicas y efectos, así también un atractivo particular para el público moderno que exige un lenguaje multidimensional e interactivo que utilice las tecnologías de vanguardia para airear las inquietudes humanas conservando la esencia del arte, esa que va connatural a la historia del ser humano sin conocer fronteras de espacio y tiempo.

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