Los países acordaron un pacto no legalmente vinculante. Establecieron que la temperatura media del planeta no podría elevarse más allá de dos grados en este siglo y decidieron reunirse nuevamente en Bonn dentro de seis meses.

También, atendiendo al reclamo de Washington, aceptaron liberar toda la información sobre las emisiones nacionales de gases de efecto invernadero. Ningún país quedó ”enteramente satisfecho” con el pacto, dijo en conferencia de prensa el presidente de Estados Unidos, Barack Obama, quien estimó muy difícil alcanzar un acuerdo, incluso el año próximo.

Las futuras generaciones podrían encontrar un planeta radicalmente transformado, con grandes zonas cuyas temperaturas serán entre siete y 14 grados más calientes y por tanto inhabitables.

En ese mundo en llamas, la elevación del nivel del mar entre uno y dos metros hacia 2100 dejará cientos de millones de personas sin hogar, según los últimos datos científicos presentados en septiembre en la ”Conferencia Internacional de la Ciencia Climática Cuatro Grados y más allá”, celebrada en la Universidad de Oxford.

Esta realidad científica es la que golpea, mientras los resultados de la conferencia de Copenhague, que se celebró entre el 7 de diciembre y este viernes, ofrecen pocos avances.

”Nuestros líderes no captan la escala del problema ni la velocidad de los cambios. No se dan cuenta de que deben actuar ahora”, dijo el climatólogo Andrew Weaver, de la canadiense University of British Columbia, y autor principal de los informes del Grupo Intergubernamental de Expertos sobre el Cambio Climático (IPCC).

”Ahora” significa que las emisiones globales de dióxido de carbono deberían llegar a su punto máximo en cinco años y empezar a declinar enseguida para llegar casi a cero en 2050, según un informe que reúne los últimos hallazgos científicos de los principales investigadores del área, entre ellos Weaver.

”El diagnóstico de Copenhague 2009: Actualizando al mundo en la última ciencia del cambio climático” fue publicado una semana antes de que empezara la COP-15.

”Metas más modestas y alcanzables a corto plazo pondrán al planeta en la senda correcta”, es la afirmación habitual del primer ministro de Canadá, Stephen Harper. Sus ”modestas” metas son una reducción de tres por ciento de las emisiones de gases invernadero entre 1990 y 2020. Las metas de Estados Unidos son algo mejores.

Según la evidencia científica, los más brillantes investigadores concluyeron que Canadá y otras naciones industriales deben reducir sus emisiones entre 25 y 40 por ciento para 2020, respecto de 1990, para que haya alguna esperanza de que la temperatura no aumente más de dos grados.

”Dos grados será muy difícil de lograr para la sociedad moderna”, advirtió PÃ¥l Prestrud, investigador del Ártico y director del Center for International Climate and Environmental Research, con sede en Noruega.

Incluso si todas las emisiones se eliminaran hoy, las temperaturas globales declinarían muy lentamente, en un período de mil años. ”Si esperamos mucho, será muy tarde”, dijo Presetrud a TerraViva.

Ningún científico cree que estabilizar el clima en dos grados más pondrá al planeta en ”la senda correcta”. El Ártico se está derritiendo con el actual aumento de 0,8 grado. El hielo del polo Norte podría desaparecer en el verano en sólo cinco o 10 años.

¿Qué pasa cuando el extremo frío del planeta, que determina el sistema climático mundial, se calienta? Los patrones de lluvias y temperaturas en Europa y América del Norte cambiarán, afectando la agricultura, la forestación y el suministro de agua, sostiene el informe ”Arctic Climate Feedbacks: Global Implications”, publicado en septiembre.

Un Ártico más caliente emitirá grandes volúmenes de dióxido de carbono y de metano, hoy encerrados en los helados suelos del permafrost. Una vez que el proceso se desate, el calentamiento sería imparable.

Con dos grados más, la mayoría de los corales morirán por una combinación de calor y acidificación de las aguas oceánicas. Los arrecifes coralinos son los criaderos de gran parte de los peces, de los que dependen cientos de millones de personas. La elevación del nivel del mar desplazará a otros muchos millones.

Por último, dos grados más es sólo un promedio mundial. Eso significa que las temperaturas subirán entre uno y cinco grados dependiendo las regiones. Y también al menos un metro de elevación del mar para 2100.

Los humanos han gozado de 10.000 años de estabilidad climática, cuando la temperatura media varió en menos de un grado, afirma Robert Corell, director del Programa Cambio Global del Centro H. John Heinz III para la Ciencia, la Economía y el Ambiente, con sede en Washington.

Las emisiones globales en los últimos cinco años han estado por encima del peor escenario planteado por el IPCC y en la senda de un aumento de cinco a seis grados de las temperaturas para 2100, dijo Corell a TerraViva.

Los sistemas naturales de absorción de carbono, océanos y bosques, están reduciendo su capacidad, lo que significa que el efecto invernadero se incrementará más rápidamente.

Los compromisos de reducciones planteados en Copenhague significan un aumento de 3,8 grados, agregó.

”El gobierno de Canadá no tiene una maldita idea de lo que quiere decir un aumento de dos grados”, afirmó el canadiense Weaver.

”Lo que hacen los políticos es una lavada de cara, sus propuestas suenan bien, pero son un engaño, a sí mismos y a nosotros”, sostuvo el respetado especialista James Hansen en un artículo publicado el 29 de noviembre en Observer.

”¿Nos pondremos de pie y daremos una bofetada en la cara a los políticos del mundo para que vean la realidad?”, cuestionó Hansen, director del Institudo Goddard para Estudios Espaciales de la NASA.

”Se necesitará mucho de nosotros, probablemente que tomemos las calles. ¿O los dejaremos que sigan jugando entre ellos y con nosotros, traicionando a nuestros hijos y a nuestros nietos?”.

Fuente: http://www.ipsnoticias.net/nota.asp?idnews=94280

No related posts.

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

APEC tiene 21 miembros, incluidos tres latinoamericanos: Chile, México y Perú.

Los líderes de los países y territorios de la cuenca del Océano Pacífico acordaron disminuir las emisiones de gases de efecto de invernadero y adoptar metas relativas a la eficiencia energética y la reforestación.

Reunidos en la cumbre del Foro de Cooperación Económica Asia-Pacífico (APEC, por sus siglas en inglés), en Sydney, Australia, 21 líderes internacionales firmaron la Declaración de Sydney sobre el Cambio Climático, la Seguridad Energética y el Desarrollo Limpio.

Pero la Declaración de Sydney representa una aspiración, en lugar de ser vinculante, lo que ha generado críticas por parte de algunos grupos ecologistas, que la ven como algo simbólico, no concreto.

Seis de los mayores emisores de dióxido de carbono del mundo, incluidos los dos principales contaminadores, China y Estados Unidos, son miembros de APEC.

Es la primera vez que estos dos países han aceptado metas globales para reducir las emisiones.

Intensidad energética

El foro normalmente se centra en el comercio y el desarrollo económico, pero este año, en medio de las crecientes preocupaciones por el cambio climático, este tema ha ocupado el lugar prioritario de la agenda.

La próxima cumbre de APEC será en Lima y Cusco, Perú, en noviembre de 2008.

La declaración reconoce que el mundo tiene que frenar, detener y dar marcha atrás a las emisiones de gases de invernadero.

Con ese fin, los miembros de APEC dicen que mejorarán la intensidad energética, que es la cantidad de energía necesaria para producir una unidad de crecimiento económico.

La cifra que han acordado como meta es el 25%, antes de 2030.

La declaración también aboga por un incremento de los bosques en la región, de al menos 20 millones de hectáreas en los próximos 15 años.

Al anunciar el acuerdo, el primer ministro de Australia, John Howard, dijo que éste alentará el consenso internacional antes de una reunión de la ONU en Bali, Indonesia, el próximo año, que se centrará en la búsqueda de un sucesor al Protocolo de Kioto.

No related posts.

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

No hay muchos lugares en nuestro entorno donde disfrutar de una cercanía amistosa con grandes animales, ya que nuestra fauna es por lo general bastante esquiva. Sin embargo, en latitudes más septentrionales, y en momentos concretos, nos podemos acercar mucho a algunas especies.

.

Entre estos animales los de naturaleza más agradecida son las focas. Dos especies son las habituales en el norte del Atlántico: la foca común (Phoca vitulina) y la gris (Halichoerus grypus).

La foca gris es un mamífero marino de un montón de kilos, cuyas hembras son moteadas, los machos oscuros y todos tienen una nariz característicamente romana. Aunque se pasan la mayor parte de su vida en mar abierto, en algunas épocas del año se acercan a la costa para sus asuntos de familia. El momento en que esto sucede es variable según la latitud: las focas de Shetland pueden hacerlo ya en Septiembre, pero más al sur llegan a la playa a finales de otoño y principio del invierno. Es el caso de la Donna Nook National Nature Reserve (DNNR), en Lincolnshire (Reino Unido), que es uno de los puntos más visitados entre Noviembre y Enero por los fotógrafos de naturaleza.

Ésta es una colonia relativamente reciente, utilizada desde finales de los años 70. Ocupa un banco de arena a cierta distancia de la costa, sólo accesible desde tierra durante la bajamar. Básicamente ha prosperado por existir entre ese banco y la tierra firme un campo de tiro de la aviación militar. Con una metodología estrictamente británica, la RAF realiza bombardeos de prácticas de lunes a viernes, pero cuando llega el fin de semana retira los casquillos y la reserva se abre para el acceso libre del público. Esporádicamente -y también de forma británica- los militares recolocan durante las prácticas alguna que otra foca que se mete en mala situación, para evitarle ser pulverizada. Probablemente este sea uno de los campos de entrenamiento para las misiones en Irak, donde no se bombardean focas. Los animales no parecen inmutarse ni por los bombazos, ni por los turistas del weekend; si bien es cierto que éstos últimos se quedan en el césped de la orilla. Hay allí un buen número de estos Pinnípedos, que se pueden observar sin tener que emprender la penosa caminata hasta el banco de arena.

El respeto y el conocimiento de los sujetos fotografiados son las mejores credenciales del fotógrafo de naturaleza. Conviene documentarse bien sobre las escenas que vamos a encontrar en la colonia de cría. De hecho, vamos a presenciar la mayor parte de su vida sexual, ya que las madres han ido a tierra para dar a luz. Se han reagrupado en torno a los machos formando harenes (no pregunten quién decide), alumbrando a sus crías y amamantándolas de forma acelerada, puesto que hay poco tiempo y tienen que crecer muy rápido. Para este fin, la leche de foca es tan rica en grasa que es de consistencia pastosa. Cuando al cabo de unas tres semanas las crías cambian su adorable pelaje blanco (que no es impermeable) por su primer traje de natación grisáceo, ya estarán en condiciones de emanciparse. A partir de ese momento los machos vuelven a fecundar a las hembras y es cuando se observan las peleas más espectaculares entre ellos. Poco tiempo después, todos desaparecen otra vez en el mar, y a mediados de Enero ya no queda ningún ejemplar.

Para nuestro viaje fotográfico al lugar utilizaremos un fin de semana extendido, aterrizando un viernes por la tarde en alguno de los aeropuertos del norte de Londres. La ciudad donde nos hemos de alojar es Louth, la más cercana a la reserva y a un centenar de millas del aeropuerto. Si hay la opción de aterrizar en Doncaster la distancia a recorrer por carretera será menor, lo cual puede ser interesante para el viaje de vuelta por si el lunes por la mañana los horarios son algo justos. Así, disfrutaremos de dos días enteros para fotografiar nuestras amigas las focas.

O eso creemos, porque nos encontraremos que el tiempo aprovechable será en realidad muy inferior. Dada la época en que estamos, la luz desaparecerá muy pronto y cerca de las cuatro de la tarde será inútil seguir trabajando. Esto se suma a las mareas, que pueden expulsarnos mucho antes. Si la climatología está en plena forma, puede constituir una absoluta pesadilla y forzarnos a abandonar prematuramente.

Las condiciones ambientales que sufriremos en el banco de arena no son tan duras como las del Ártico, pero en conjunto son muy complicadas. A unas temperaturas que no se alejan mucho de los cero grados se le suman vientos frecuentes y fuertes, que arrastran mucha arena, y levantan el agua de un mar siempre embravecido. Cuando deja de soplar, llegan lluvias intensas y fuertes granizadas. La sensación de indefensión que uno experimenta en estas condiciones es muy intensa, especialmente si se piensa en lo lejano que queda cualquier tipo de refugio. La parte positiva es que todo cambia muy rápido: en cualquier momento puede aparecer el sol y gozaremos entonces de una magnífica luz dorada que modela a la perfección el pelaje de los animales y la textura de la arena. Pero tanto si nos es dada esta bendición como si se nos condena al infierno atmosférico, no habrá tiempo para dudas técnicas. Mejor revisamos el equipo, decidimos de antemano qué material vamos a utilizar y cómo lo haremos.

Las condiciones son también extremas para el material digital, por lo que todo debe ir recubierto de plástico. Dan buenos resultados las bolsas fuertes de basura o de bricolaje, atadas a los parasoles con cintas aislantes. Resultan interesantes los zooms en esta situación, por supuesto, porque no podremos cambiar de ópticas a menos que amaine el viento; nuestro sensor no nos lo perdonaría. Las cámaras de alta gama aportan una impermeabilización que aquí se va a agradecer mucho. En dos ocasiones nuestra Nikon D2X resultó alcanzada de lleno por el oleaje del mar sin la menor consecuencia para la cámara.

Las personas se prepararán con doble o triple capa de vestimenta para solventar el problema térmico, la protección contra el viento, la impermeabilización y las proyecciones de arena. Un día, a las 8 de la mañana,encontramos en el banco de arena a una sonrosada señorita británica equipada con tacones altos y tejanos,empapada,impertérrita y con aspe
cto de llevar allí varias horas.

Un corto trayecto en coche desde Louth nos dejará en el aparcamiento de la reserva, donde nos enfundaremos con toda la ropa que faltaba por colocar. Este famoso aparcamiento es nuestro punto de partida a pie. Allí hay un chiringuito móvil donde una pareja mayor vende pescado con patatas fritas y caldos. También vemos unos carteles algo inquietantes que nos piden que no entremos a la planicie de lodo si hay bandera roja, so pena de ser pulverizado. Otros letreros informan de que los bebés focas serán adorables, pero que tienen dientes y los utilizan. Unos guardias cercanos dan información sobre las mareas, recogen avisos, vigilan con prismáticos a los fotógrafos del banco, y procuran que todo vaya bien. En general, al tratarse de un campo de focas y no de un campo de fútbol, el civismo imperante es muy elevado y nadie molesta a nadie.

La caminata desde el aparcamiento hasta el banco se realiza por una llanura de fango y limo, que exige calzado impermeable. Es un trayecto incómodo de unos dos kilómetros que tomará un mínimo de tres cuartos de hora. Se llegará al banco de arena utilizando las referencias de tiro de los aviones, unas curiosas estructuras blancas que luego serán una pesadilla para las fotos, porque aparecen en todos los horizontes que no habían resultado torcidos por la emoción.

Empezaremos a oír las focas conforme nos acercamos a la barra de arena, que se eleva un par de metros como mucho sobre el nivel del fango y del mar. Descansaremos el paso, y en el umbral del mundo de las focas, quizá nos detendremos sin darnos cuenta. Es uno de esos momentos que no se olvidan: los bramidos roncos de los animales vienen de todas direcciones, el ambiente es de otro mundo y la atmósfera neblinosa imprime una sensación fantasmagórica muy acusada. Llegados al banco, deambularemos entre centenares de focas más o menos impertérritas, dispuestas en la arena como para una exposición. Las podremos ver a escasos metros amamantando sus cachorros, apareándose entre las olas, jugando con los bebés y peleándose los machos.

¿Qué más podemos decir? A partir de ese momento dispararemos nuestras cámaras, con descanso o sin él según nuestro temperamento. Hay que tener unas precauciones básicas obvias con los animales, tan cercanos que los podríamos llegar a tocar. Pero las focas funcionan a base de territorios y distancias, tanto entre ellas como con los intrusos. Las madres con sus crías no se van a mover a menos que nos acerquemos demasiado, pero el riesgo viene de los machos cuya función es precisamente la vigilancia. Son animales sorprendentemente rápidos sobre la arena cuando están enfadados, y no sólo nos pueden morder sino también arrollar. Y los más potentes miden casi tres metros y pesan cerca de 300 kilogramos. O sea que ojo a la retaguardia, especialmente si se oyen ladridos de aviso, porque podrían ser para nosotros. Por lo demás, ninguna imagen compensaría haber perturbado una familia, especialmente habiendo tantas para escoger.

Con tantas emociones las horas se nos pasarán volando, la marea subirá, el sol bajará y habrá que volver. La caminata por el fango será esta vez más cansina y menos impaciente, porque conforme baja la adrenalina sentiremos una gran relajación, y una sensación de maravillada gratitud por lo que vivimos.

Llegados al aparcamiento y de vuelta al alojamiento, la ducha tibia será una de las más gratificantes en mucho tiempo. Y poco después, entre los amigos al final del día, los pubs de Louth ayudarán con sus alimentos y bebidas vigorizantes, a restaurar las fuerzas que perdimos viajando a pie al mágico mundo de las focas.

Equipo utilizado

Texto y fotos: Roger Eritjà

No related posts.

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

El deshielo, producido por el calentamiento global, puede dejar a los esquimales sin sus hábitats.

No related posts.

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

Un mamut de marfil, hallado en Alemania, se considera la pieza artística completa más antigua

JOSÉ COMAS – Berlín – 24/06/2007

Tiene 3,7 centímetros de largo, pesa 7,5 gramos y es la obra de arte completa más antigua conocida hasta la fecha. El hallazgo de un mamut de marfil hace un año, que estos días se ha hecho público, causa sensación: por primera vez se encuentra una figura completa de unos 35.000 años de antigüedad. Tiene 10.000 años más que la Venus de Willendorf y 20.000 más que el bisonte de las cuevas de Altamira. Los arqueólogos del Instituto de Prehistoria de la prestigiosa universidad alemana de Tubinga encontraron la bella estatuilla durante las excavaciones de la cueva de Vogelherdhöhle, ya famosa por otros hallazgos. Nicholas Conard, director del Instituto, considera este mamut “mucho más valioso que las carísimas obras de Klimt”.

El 22 de junio del año pasado, Markus Schumacher, estudiante de Prehistoria de la Universidad de Tubinga, en el suroeste de Alemania, que trabajaba con un grupo de otros 15 en las excavaciones de la gruta de Vogelherdhöhle, encontró una especie de piedra cubierta de barro. Tras las labores de limpieza, salió a relucir un mamut tallado en marfil de 3,7 centímetros de largo y 7,5 gramos de peso. Se trata de una obra de arte de unos 35.000 años, por primera vez una pieza completa, tal vez la más antigua de la historia, unos 10.000 años más que la Venus de Willendorf y 20.000 más que el bisonte de las cuevas de Altamira.

N. Conard: “No puede calificarse en absoluto de primitiva, sino de altamente desarrollada y hermosa”

El hallazgo se anunció estos días, un año después, para respetar las reglas científicas que exigen una comprobación de la autenticidad y la publicación en algún texto especializado.

El catedrático de Prehistoria de Tubinga Nicholas Conard, de 45 años, a duras penas podía controlar su entusiasmo al describir la pieza: “El mamut ha sido realizado con mucho cuidado y precisión. El rabo picudo, las fuertes patas y la dinámica trompa confirman que la representación de la figura más antigua no puede calificarse de ninguna manera de primitiva, sino de altamente desarrollada y hermosa”.

Los hombres que tallaron el mamut eran los cromañón, que poblaron aquella región del sureste de Alemania entre los ríos Rin y Danubio en el paleolítico superior, en el periodo auriñaciense. El mamut constituía una base para la supervivencia de aquellos hombres de las cavernas. Les proporcionaba carne para alimentarse, piel para protegerse del frío y huesos con los que fabricar instrumentos. Para cazar a los mamuts se servían de lanzas y también les tendían trampas. En las cuevas encontraban protección frente a las inclemencias del clima y a posibles enemigos.

Las excavaciones en la cueva de Vogelherdhöhle se remontan a comienzos de los años treinta del siglo pasado. El arqueólogo Gustav Riek realizó importantes hallazgos de trozos de figuras de mamut y de caballos salvajes. Como buena parte de los profesores alemanes, Riek se puso al servicio del nazismo y gozó de la protección del jefe de las SS, Heinrich Himmler. Entre 1940 y 1941 fue uno de los directores del campo de concentración de Hinzert, destinado a la reeducación de los que los nazis consideraban criminales. Riek desapareció después de la guerra, pero en 1956 le dieron una cátedra de Arqueología Prehistórica en Tubinga, que ocupó hasta su jubilación, en 1968.

En los trabajos arqueológicos actuales en la cueva participa la experta María Malina, que explica que se realizan durante varias semanas en verano: “Somos un equipo de unas 12 personas de muy diversas nacionalidades. Estudiantes que trabajan voluntarios y lo hacen gratis. Sólo reciben alojamiento y comida porque no tenemos mucho dinero y nos financiamos sobre todo con donaciones privadas”. El año pasado trabajaron dos meses, entre el 15 de mayo y el 13 de julio, examinaron 38 metros cúbicos de tierra y llenaron 3.837 sacos de 16 litros con sedimentos.

Los actuales arqueólogos llevan examinados 80 metros cúbicos, casi un 20% de los extraídos en los años treinta. Malina también habla con entusiasmo del hallazgo del mamut: “Lo más especial es que está casi entero. El problema de estas figuras de marfil es que se descascarillan y se rompen con el paso de los siglos. Normalmente, sólo encontramos piezas aisladas y con suerte podemos hacer un rompecabezas. Este mamut es algo muy especial, que tallaron los primeros humanos anatómicamente modernos”.

Explica Malina: “El trabajo de los arqueólogos es muy duro. Se hace fuera de la cueva porque los excavadores de los años treinta sacaron los sedimentos para encontrar las piezas. Acumulamos los sedimentos, los colamos y los lavamos para encontrar las piezas. No encontramos casi nada sobre el terreno, sino sólo después, al tratar los sedimentos”.

No está claro el uso de la talla del mamut para los hombres de las cavernas. Conard dice que hay “una docena de posibles explicaciones. Puede que tenga que ver con el chamanismo o que sea simplemente un juguete. Tal vez servía como ayuda en el parto para sostenerlo en la mano. Es difícil encontrar una respuesta definitiva”.

Tiene que luchar Conard para conseguir financiación para los trabajos de excavación, que cuestan medio millón de euros al año, pero sólo cuenta con 100.000. No se explica el científico que se paguen 140 millones de euros en una subasta por un cuadro del pintor austriaco Gustav Klimt y no haya dinero para el mamut: “No tengo nada contra Klimt, pero este mamut es mucho más valioso. Si se tiene en cuenta la parte que representa Klimt en la historia del arte mundial, los precios que alcanzan sus cuadros son disparatados. Me parece que debería valorarse el arte prehistórico porque es muchísimo más antiguo y escaso. El problema es que la arqueología está mal financiada en todo el mundo, también en Alemania”.

Nicholas Conard, que dirige el Instituto de Prehistoria de la histórica universidad alemana de Tubinga y cuyos trabajos de investigación constituyen una valiosa aportación a la idea de que los hombres primitivos que poblaban Europa procedían de África, no se limita a la teoría, sino que participa también en las excavaciones. En su opinión, el hallazgo del mamut es “un muy importante”. “Es la primera pieza que encontramos entera”, afirma. “La idea de que el arte empieza de manera sencilla para complicarse con el tiempo es errónea. El arte prehistórico que encontramos es perfecto, acabado. Lo es el mamut, que es la primera obra de arte figurativo que conocemos en el mundo”.

No related posts.

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

No related posts.

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

Related posts:

1. 3 Alberti en fotografía. Este mes en Casa de Teatro. “Me atrevo a decir, que estos tres artistas del lente...

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

A pesar de la enorme distancia entre una ciudad canadiense y otra cubana, y de lenguas, sistemas políticos, sociales y económicos diferentes, y de climas totalmente opuestos, artistas de ambas ciudades parecen tener varias cosas en común, lo cual nos llevaría a pensar en las siempre increíbles posibilidades del arte como medio, actitud y gesto capaz de relacionar e integrar seres humanos por encima de sus diferencias y contribuir a una mejor comprensión de estas.

Existe la creencia generalizada de que ciertas culturas, basadas específicamente en una lengua común, están más aptas para el intercambio, para el diálogo fructífero en el terreno de las expresiones artísticas a partir de códigos visuales emparentados desde sus mismas raíces y estructuras significantes similares, muchas de ellas sedimentadas y legitimadas en el transcurso de los siglos, y si estas culturas se desarrollan en una geografía afín y en medio de situaciones sociopolíticas cercanas, con más razón se afianzan los argumentos para considerarlas como partes constitutivas de una misma condición humana, intelectual y espiritual.

Sin embargo la realidad, la vida misma, nos depara muchas sorpresas, y es por ello que podemos encontrar en remotas regiones del planeta –Asia, Medio Oriente, África, por ejemplo– códigos visuales mucho más cercanos y familiares a nosotros que aquellos provenientes de áreas cultural y geográficamente vinculadas a nuestra existencia aquí en América latina y El Caribe. Esto puede sentirse, comprobarse incluso, cuando observamos la fecunda obra del artista cubano Wifredo Lam (1902-1982), quien desde mediados de la década del 40 del pasado siglo, asimiló y asumió como suya una zona considerable del legado de diferentes culturas asiáticas y africanas para alimentar su obra enérgica, vital, descolonizadora y universal en el terreno de la pintura, el grabado y los objetos que lo convirtieron, de hecho, en uno de los artistas más sobresalientes del arte del siglo xx y admirado, sobre todo, en Europa y los Estados Unidos.

Se han escrito numerosos ensayos en el campo de la historiografía y la crítica para explicar la significación de la obra de Lam en los contextos cubano y caribeño, pero aún quedan por descifrar aspectos de su indudable atracción en otros contextos lejanos geográficamente. Tal vez haya que acudir también, sin prejuicios de ninguna índole, a la poesía, la magia y la seducción de sus imágenes, de ese universo de formas, espacios y colores que contienen símbolos y signos identificables en el imaginario colectivo de pueblos y culturas dispersos por todo el planeta y que, inconscientemente quizás, llevamos muchos seres humanos consigo por aquello de las migraciones a través de la historia, las conquistas y colonizaciones, los entrecruzamientos, los procesos de transculturación, hibridación y mestizaje que cada día, sin darnos cuenta, nos acercan más unos a otros.

Ese fenómeno nos sorprende también, en ocasiones, cuando nos enfrentamos ante un grupo de obras producidas en otras latitudes, tal como debiera ocurrir con este intercambio entre artistas de dos ciudades pertenecientes a culturas que se han desarrollado de manera independiente una de otra: Québec y La Habana.

Los artistas cubanos que participan por primera vez de este intercambio –gracias a la iniciativa y perseverancia de Richard Martel luego de su estancia en dos ocasiones como performer en la Bienal de La Habana del 2006 y del 2003 así como desde sus visitas a nuestro país a partir de 1991– son intérpretes significativos del arte contemporáneo de la Isla que se desarrolla con fuerza desde la década de 1990. A la mayoría los une el propósito de ensayar sus ideas, de crear sus propuestas artísticas dentro del fértil terreno de las nuevas tecnologías y de las intervenciones en espacios públicos. Les interesa explorar los límites del espacio físico donde pueden estar ubicadas sus obras en un intento por desbordarlo pero sin que ello implique desconocerlo sino todo lo contrario.

José Manuel Fors , el de más larga trayectoria del grupo, es un fotógrafo que ha ido deconstruyendo la imagen impresa hasta someterla a procesos de intensa fragmentación plana y volumétrica que resignifiquen sus propios códigos hasta crear otras imágenes en cierto sentido “nuevas”. Lo mismo ha hecho con el instrumental típico de la fotografía: cámara, lentes, trípodes, filmes, obturadores, los cuales se subordinan en aras de una nueva “gramática” visual generativa que alcance un alto grado de discursividad estética a la manera tradicional del arte, ya sea por la vía del objeto, de la escultura y hasta de la propia pintura.

Nelson Ramírez y Liudmila Velazco –por lo general trabajan en pareja– ejercitan en ensayo fotográfico lo mismo desde contenidos vinculados al contexto social y político como desde la fotografía misma. En un principio les fascinó la ciudad de la Habana, parte de su arquitectura ecléctica y ruinosa; luego otras zonas urbanas hasta llegar a la inmensidad espacial de la Plaza de la Revolución que les sirvió de pretexto para sondear las relaciones del individuo y la historia. Pero no se sintieron satisfechos con las dos dimensiones del papel fotográfico y comenzaron a incluir objetos, mobiliario, adornos domésticos, banderas, libros, todo aquello que alimentara el nudo de esa relación difícil hasta llegar a una suerte de instalación. La fotografía para ellos es un soporte más que participa de un discurso complejo en lo ideológico y estético, lo que les permite abordar prácticamente cualquier asunto de la realidad cotidiana y universal.

Aymée García comenzó como una joven pintora que se apropiaba de los códigos visuales del Renacimiento para plantear ideas en torno a la mujer y su rol social. Dotó a la pintura de otra dimensión objetual y escultórica en la continuación de sus reflexiones en cuestiones de género, luego inclinadas al ámbito doméstico donde la mujer aún tiene un rol fundamental. Los objetos que la rodean pasaron a ser protagonistas en sus instalaciones, desplazando por momentos a la pintura hasta que descubrió las posibilidades de la fotografía digital que, de hecho, hacía las veces de obra pictórica de notoria ambigüedad. La fotografía es para ella, ahora, un instrumento tan poderoso como la pintura para seguir indagando en torno a lo femenino en el mundo contemporáneo.

Raúl Cordero casi siempre ha elaborado sus obras a partir de la fotografía, sobre todo en la pintura. Luego desarrolló la fotograf
ía en sí misma, en blanco y negro, hasta ir acercándose al video y la video instalación, también en blanco y negro. Ha incursionado en grandes formatos relacionados con el espacio público, a tal punto de que siente una especial atracción por ubicar sus obras en pleno contacto con el peatón, con el espectador a nivel urbano. Aborda diferentes temas y asuntos en sus obras, desde las relaciones humanas y cotidianas hasta los límites del discurso político donde se cruzan la existencia, la economía y la historia. Su interés y pasión por la música lo ha llevado a indagar en la construcción de obras a la manera de los disc jockeys tradicionales, lo cual es una alternativa creadora más dentro de su compleja trayectoria.

Luis Gómez ha recorrido un extenso camino dentro de la escultura y el objeto hasta lo más reciente en materia de video y computación, pasando por la fotografía a color, el dibujo, la pintura. Prácticamente ha cruzado por el arte contemporáneo cubano como por un fértil campo de creación múltiple sin detenerse en un paraje específico pues sus inquietudes son asombrosas en cuanto a soportes y temas. Sus preocupaciones se dirigen hacia un sentido de problematización de la existencia humana y del arte mismo y es en ese proceso de reflexión constante donde halla las mejores definiciones de sus propuestas artísticas.

Rigoberto Mena es un pintor de pies a cabeza. Y de la mejor tradición abstracta en nuestro país. Sus obras se hallan elaboradas sobre lienzos, maderas, metales y desde hace un tiempo a esta parte ha extendido sus límites al entorno citadino, como otros artistas cubanos, inconforme con el espacio cerrado de las galerías y museos. En la búsqueda de una imagen urbana de su reciente creación ha enfrentado la arquitectura habanera colonial y la de principios del siglo xx para dialogar con ella en toda su intensidad matérica, gráfica y pictórica: el resultado es una fusión de óleos, soldadura eléctrica, objetos cotidianos, metros contadores de agua y gas, contenedores de equipos de aire acondicionado, rejas de hierro, alambres de hierro en solares yermos de la ciudad de La Habana que por primera vez integra con una clara medida del peso de cada elemento y el equilibrio sostenido entre ellos.

Alain Pino explora la ductilidad de ciertos materiales considerados no artísticos para conformar sus complejas instalaciones en cualquier espacio posible pues domina con amplitud paredes, techos, pisos. Su vínculo raigal con el arte contemporáneo es a través de la fotografía impresa en soportes de plástico transparente, desde donde deforma la imagen en blanco y negro hasta someterla a las angustias, ansiedades y obsesiones del hombre: su discurso pasa a través de la ira, el grito y a veces del lado opuesto: la calma, la contemplación.

Fernando Rodríguez es reconocido por la construcción de un heterónimo, Francisco de la Cal , cuya finalidad es decir las cosas en nombre de él, cercano y alejado a la vez de todo compromiso estricto con el arte y la realidad. Con el tiempo, Francisco de la Cal redujo su discursividad verbal, sus “opiniones”, para diluirse en una masa compacta de otros franciscos , en esa muchedumbre silenciosa que es arrastrada, por momentos, hasta situaciones límites y absurdas en lo social y político. Este proceso de colectivización de lo que fue un individuo, ha pasado por el objeto y la instalación, la escultura, hasta desembocar en el video y la digitalización conocida como 3D y en la que su obra ha devenido argumentos muy bien facturados en animaciones con un alto sentido del humor.

Alejandro González , quizás el más joven de todos los artistas aquí representados, es un devoto de la fotografía, sea en blanco y negro o en colores. Le han fascinado los múltiples significados de la huella del hombre en el entramado urbano de la capital del país, la relevancia de ciertos elementos arquitectónicos y objetos por el nivel de plasticidad que comportan así como descubrir el rostro de hombres y mujeres en la noche habanera en situaciones de marginalización, de outsiders , fuera de las consabidas estructuras sociales impuestas por el orden y el control políticos. De ahí que sus imágenes actúan como registros sociológicos de un momento crucial de la realidad, documentos de identidad ciudadana o ensayo antropológico en ciertos territorios de lo que puede considerarse un universo oculto a la cotidianidad más evidente.

Mayin-B trabaja desde hace suficiente tiempo ya como un caso especial dentro de las estructuras de exhibición y circulación de las obras artísticas pues es uno de los pocos performers que existen y se mantienen fieles a su condición. Trabaja la mayor parte de su obra en espacios abiertos y públicos, provocando continuamente al espectador indiferente al arte, ya sea en portales y fachadas, parques, calles, utilizando fundamentalmente su propio cuerpo como soporte principal aunque se apoya en animales, objetos, fuego, equipos, sonidos, agua. Su propósito es crear diversas reacciones en el público, detonar su pasividad ante ciertas situaciones y condiciones, sean estas de índole intelectual o emocional, en una búsqueda afanosa por establecer finalmente relaciones mediante el impacto visual de orden estético.

Son artistas jóvenes –exceptuando quizás 3 de ellos que rebasan los 40 años de edad– de intensa y fecunda trayectoria en el arte cubano más reciente que tienen en común una cierta pluralidad de propuestas artísticas que no les impide alcanzar profundos niveles de conceptualización y reflexión en torno a problemas candentes del arte y la sociedad. Sus obras acusan gran simplicidad estructural, gran economía de medios, adaptándose sin dificultades a la realidad en que se insertan y a las condiciones materiales en las cuales trabajan. No puede hablarse de una filiación trascendente en cada uno, sea de orden conceptualista, minimal , performática , neofigurativa, pues no se lo han propuesto dadas las circunstancias tan variadas en que han trabajado dentro y fuera de Cuba: de ahí que una de sus principales virtudes es la de actuar en correspondencia e interrelación con los contextos y culturas que enfrentan.

La oportunidad de confrontar su ideario estético en una ciudad como Québec debe aumentar aun más sus expectativas creadoras y medir, por consiguiente, el grado de comunicación de sus obras construidas al calor de cualquier paradigma estético, dentro o fuera de cualquier paradigma crítico que han actuado como constantes en el arte cubano de las últimas décadas.

El flujo constante de artistas cubanos hacia el exterior en forma de intercambios como este, de participación en talleres o simposiums , de exhibiciones colectivas e individuales, becas, residencias prolongadas, ha ido moldeando el propio arte cubano producido por los más jóvenes, de modo especial. Ello relanza y reformula su condición de universalidad , o globalidad si se quiere llamarla así, que va mucho más allá de apropiaciones, hibridaciones y mestizajes tan al uso en el último cuarto del pasado siglo y sobre las que se escribió en cantidad considerable, pues a pesar de las influencias e interrelaciones necesarias que se establecen en todo contacto, estamos en presencia de una producción que no se desmarca esencialmente del contexto en la que surge: pareciera un destino, un fatum que nos obliga a reflexionar acerca, una vez más, de las identidades en acción que participan de procesos cada vez más complejos en la conformación de nuestra cultura (o quizás ya sería más apropiado decir de nuestras culturas) visual (es).

No related posts.

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

	Ejecutivos de IPAD

(RPP) El arte y diseño, en todas sus dimensiones, ha tomado gran importancia en nuestro país. Cada día más jóvenes se interesan en seguir carreras gráficas y de creatividad visual. Ante esta evolución, el Instituto Peruano de Arte y Diseño (IPAD) se ha convertido en una importante alternativa del medio, por sus novedosas herramientas y metodologías de enseñanza.

Muestra de ello, es la presentación de los mejores exponentes de la gráfica argentina y de la fotografía peruana que realizó el IPAD, a través de las conferencias denominadas “Diseño Gráfico a la Parrilla” y “Fotografía a la Brasa”. Este evento fue el marco de bienvenida al semestre académico IPAD 2007 – I, el cual tuvo como delicioso entremés un divertido show de mimos, quienes se encargaron de deleitar con sus extravagancias al público asistente.

Durante el evento, los alumnos pudieron disfrutar de las exquisiteces de la fotografía peruana con la exposición del fotógrafo José Chuquiure, Profesor del IPAD y de la Universidad San Martín de Porres. Le siguió la posta el editor gráfico, Jair Ramírez, quien proyectó las imágenes que respaldan su larga y premiada trayectoria a través del fotoperiodismo.

Como cierre de esta parte del banquete, el fotógrafo Fico Salmón hizo gala de su reconocido trabajo con una muestra de su arte al servicio del mundo publicitario. “Ojo por ojo, diente por diente y buen provecho para todos los asistentes”.

Luego hicieron su aparición las carnecitas del diseño argentino con el Director General de Marca / Diseño Estratégico, Carlos Venancio, el Director de Arte de Marca, Fabián Goya, y el Editor Gráfico de Cuatro Media, Darío Contreras. Estos creativos se encargaron de mostrar un recorrido de la realidad y proyección del diseño gráfico sudamericano. Cabe indicar que los tres son profesores de la Universidad de Buenos Aires en Argentina.

IPAD es líder formando profesionales, por investigar, promover y estimular la Creatividad Visual en sus carreras de Diseño Gráfico y Fotografía Profesional de tres años de duración. Además, el IPAD imparte carreras cortas de 1 año y cursos de 2 meses como Diseño Gráfico Digital, Fotografía, Diseño de Páginas Web y Animación 3D, a fin de impulsar el óptimo aprovechamiento del potencial humano, inculcando siempre un espíritu ejecutor de micro, pequeñas y medianas empresas. www.ipad.edu.pe.

Related posts:

1. Juliá teme la ´despersonalización del periodista gráfico´ El periodista Pablo Juliá, ha destacado hoy la progresiva sustitución...
2. Bases 10mo. Premio Internacional de fotografia Wifredo Garcia. Casa de Teatro, 2011. Ir directo al Post...

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

Jaclin Campos

FAUSTO JÁQUEZ ORGANIZÓ LA EXPOSICIÓN “THE AMERICAN CARIBBEAN ART”, EN SHANGAIUn total de 25 cuadros conformaron la exposición titulada “The American Caribbean Art”.
Fausto Jáquez: la muestra incluyó diferentes estilos, pero siempre retratando el Caribe.

SANTO DOMINGO.- No existen fronteras para las artes plásticas dominicanas. Así lo demostró la exposición “The American Caribbean Art”, realizada del 13 al 26 de enero en la galería Big Warehouse de Shangai, República Popular de China.

Organizada por el artista Fausto Jáquez, la muestra incluyó 25 obras creadas por el mismo Jáquez, Ramón Sandoval, Ed Vásquez, Rafael Trinidad y Melanio Guzmán.

Distintos factores se conjugaron para permitir el largo viaje emprendido por el arte criollo hasta una de las más importantes ciudades de China continental. Además de las facilidades ofrecidas en Shangai a los galeristas, desempeñaron un papel preponderante la curiosidad y el espíritu emprendedor de Jáquez, quien aparte de pintar, es promotor de arte.

Desde muy joven, la milenaria cultura china cautivó al artista santiaguero que en el verano del año pasado por fin cumplió su sueño de realizar un amplio recorrido por 14 ciudades de la nación oriental.

Después de esa primera visita, de dos meses de duración, Jáquez regresó a China a finales del 2006. Esta vez se hizo acompañar de las 25 pinturas que formarían parte de la exposición e hizo contactos con galeristas y artistas de Shangai, donde el gobierno ha dispuesto una zona especial para el arte, donde los creadores y promotores reciben facilidades. “Escogí estas obras porque tienen diferentes estilos, pero siempre retratando el Caribe, sus colores y figuras, el folclor, las costumbres”, comenta Jáquez, quien ha montado exposiciones en Canadá, varias ciudades de Estados Unidos y Guatemala.

Un acercamiento
Aunque la intención última de la iniciativa era promover el arte dominicano, el nombre de la exposición hace referencia al Caribe y América, porque así resultaba más fácil ubicar a los habitantes del otro lado del mundo cuya atención se trataba de conquistar. Y Jáquez opina que cumplió su cometido, a juzgar por sus palabras: “La opinión que tuvieron los pintores de allá y de los críticos que visitaron la exposición fue muy favorable”.

Precisamente, el colorido de las pinturas despertó el interés del público chino, que preguntaba el porqué del movimiento y la alegría en la paleta de los cinco artistas que exponían.

Las explicaciones sobre el clima y la idiosincrasia de los dominicanos fueron complementadas con la proyección de videos que mostraban las playas y ciudades del país. Un reportaje para la televisión y varios en los periódicos contribuyeron a la promoción de la muestra colectiva, en la cual se vendieron ocho obras.

Al respecto, el organizador informa que turistas de otros puntos de China y Asia se mostraron interesados por las pinturas, pero por tratarse de cuadros grandes -así lo prefirió para que lucieran más elegantes- no podían llevárselas. “Si hubiese sido fácil transportarlos se hubieran vendido la mayoría de los cuadros”, afirma Jáquez, quien no se manejó con apoyo estatal para dar forma a esta iniciativa.

De la muestra surgieron nuevos planes. A la intención de galeristas chinos de organizar exposiciones individuales con cada uno de los artistas cuya obra se exhibió, se suma la posibilidad de que creadores chinos vengan a exponer al país.

Por el costo, este último proyecto se presenta más complicado. Para su materialización habría que recurrir al Estado o a instituciones privadas.

Justamente por limitantes de costos, Ramón Sandoval, Ed Vásquez, Rafael Trinidad y Melanio Guzmán no viajaron a China para participar personalmente en el evento realizado en la galería Big Warehouse.

RAMÓN SANDOVAL. Nació en Santo Domingo. Estudió en la Escuela de Bellas Artes y en la Escuela Nacional de Bellas Artes San Alejandro, de La Habana, Cuba. Ha recibido premios en la universidad de La Habana (1999) y la Casa de la Cultura, de Miami (2002).

ED VÁSQUEZ. Nació en Santo Domingo y estudió en la Escuela de Bellas Artes, Altos de Chavón y la escuela de diseño de Parsons, Nueva York. Su trabajo ha sido reconocido en la Bienal del Níquel y Art Match (2003).

RAFAEL TRINIDAD. Nació en Santo Domingo, donde estudió en la Escuela de Bellas Artes y en la Escuela de Arte Moderno. Su labor ha sido reconocida por la Casa de la Cultura de Miami (2004) y la Fundación Dominicana de Arte de Nueva York (2005).

MELANIO GUZMÁN. Nació en Santiago y se graduó de arquitecto en la Universidad Tecnológica. Entre los premios en su haber se cuentan los otorgados por Cecara, en Santiago (2002), y la Casa de la Cultura de Miami (2004).

No related posts.

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

Grupo de organizadoras de la exposición y de la fiesta que Ekin celebrará el sábado en la localidad. [LIMIA]

No related posts.

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

Lucina Jiménez López
El Universal
Viernes 22 de diciembre de 2006

No related posts.

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

Redacción BBC Mundo “Me acerqué mucho a la naturaleza y entonces, como último gran proyecto -porque ya voy quedando mayor, tengo 62 años y este proyecto me llevará ocho- tomé la decisión de hacer una historia sobre la megadiversidad del planeta”. Yo no tengo una misión como fotógrafo. Tengo una forma de vida Sebastiao Salgado La historia se llama “Génesis” y es el gran proyecto en el que se ha embarcado el fotógrafo brasileño Sebastiao Salgado, autor de clásicos de la fotografía del siglo XX como su registro de la desaparición del trabajo manual y el impacto de las migraciones. “Génesis” nació a partir de otro proyecto muy personal: el Instituto Terra, que Salgado fundó junto a su esposa Lelia y cuyo objetivo es recuperar un área de selva en la costa atlántica de Brasil, donde el fotógrafo pasó su infancia. Salgado también ha creado con la UNESCO un proyecto educacional que utiliza imágenes de “Génesis” y será llevado a escuelas primarias, libre de derechos de autor. BBC Mundo habló con Sebastiao Salgado sobre su relación con la naturaleza, el Instituto Terra y su “último gran proyecto”. Los lectores compartieron también sus comentarios sobre una de las imágenes de “Génesis”. Lea los comentarios de los lectores ¿Por qué se embarcó en “Génesis”? El Instituto Terra en imágenes Es un proyecto que empezó en gran medida en función de otro proyecto medioambiental que tenemos en Brasil (el Instituto Terra, en Minas Gerais, www.instituto terra.org). Trabajamos allí para la recuperación de una parte de la floresta o selva tropical de la costa atlántica en Brasil desde hace 15 años. Esto me llevó a un acercamiento muy grande con la naturaleza. Hemos plantado muchos árboles. Este año habremos llegado a más de un millón de árboles. Tenemos un centro educacional, tenemos un gran vivero, trabajamos en el desarrollo sostenible de una gran región. Este año habremos plantado ya más de un millón de árboles Como decía, me acerqué mucho a la naturaleza, y entonces, como último gran proyecto -porque ya voy quedando mayor, tengo 62 años y este proyecto me llevará ocho- tomé la decisión de hacer una historia, que se llama “Génesis”, sobre la megadiversidad del planeta. ¿Qué es lo que usted busca con este proyecto? hspace="0" vspace="0" width="203" /> Ballenas francas australes en la costa argentina. ©Sebastiao Salgado/Amazonas/nbpictures Amplíe imagen La idea es presentar el planeta de una cierta forma a la gente, de modo que -quien sabe- tal vez yo pueda ayudar a que la gente comprenda un poco mejor su planeta. La idea también es mostrar lo que aún tenemos puro en el planeta y que tendríamos que preservar hoy. Entonces tomé la decisión de fotografiar partes del planeta que son puras y aún hay muchas muy puras. Hemos destruido 54% del planeta pero esto significa que cerca del 46% aún está allí y que si nosotros le prestamos atención, podríamos preservarla y mantener un cierto equilibrio que hoy estamos casi rompiendo. Nos hemos apartado mucho de nuestro planeta. Nos hemos quedado puramente urbanos Creo también que nos hemos apartado mucho de nuestro planeta. Nos hemos quedado puramente urbanos y tenemos hoy la pretensión de ser un animal puramente racional, y toda esta parte espiritual e instintiva que ha permitido la preservación de nuestra especie hasta hoy está siendo descuidada. Hemos creado este desequilibrio entre nosotros y la naturaleza que somos, nos consideramos algo aparte, distinto. El proyecto es intentar buscar “Génesis” hoy, y presentarla a la gente, convivimos con “Génesis” pero la mayoría de la gente no lo sabe. Y tenemos que preservarla. ¿En qué medida cree que sus fotos tienen el poder de hacer que, sobre todo la generación joven, pueda ver lo que antes no veía? Intento dar dignidad a los animales, que un aspecto, una forma gráfica, una textura lleve a la gente a interesarse Espero que las fotos puedan ayudar a hacer eso. Estoy fotografiando de forma que las imágenes generen interés por otras especies. Intento dar dignidad a los animales, que un aspecto, una forma gráfica, una textura lleve a la gente a interesarse a través de publicaciones y exhibiciones. También estamos creando un programa educacional con la UNESCO, y tenemos un patrocinador, la compañía Arcelor Brasil. Hemos creado un proyecto educacional para las escuelas primarias con estas imágenes. Hemos puesto a prueba ya el piloto en una escuela de Brasil y ha sido un éxito. Ahora la UNESCO en Ecuador está traduciendo el proyecto en español y estamos consiguiendo el apoyo para que se utilice en algunas partes del país. *** Comunidad indígena en Mato Grosso, Brasil. ©Sebastiao Salgado/Amazonas/nbpictures Amplíe imagen También las autoridades de Asturias, España, aceptaron utilizar el proyecto en escuelas de Asturias. A través de UNESCO, nuestro objetivo es regalar a los países que lo quieran este programa educacional, libre de derechos de autor sobre el texto y sobre las fotografías. Creo que si conseguimos llegar a los niños que están hoy en la primaria, posiblemente en 30 años cuando estén dirigiendo el mundo, quien sabe si estos niños no tendrán un corazón más abierto hacia la naturaleza, a otras especies, a nuestro planeta. Dada la enorme riqueza de colores cuando se trata de biodiversidad, ¿en qué medida cree que sus imágenes en blanco y negro pueden transmitir esencias que otras imágenes a color no logran mostrar? Siempre he trabajado en blanco y negro. La historia del blanco y negro muestra siempre esa abstracción, que permite a la gente concentrarse en la esencia de la imagen, en la dignidad de la gente o de los animales. A través de UNESCO, nuestro objetivo es regalar a los países que lo quieran este programa educacional, libre de derechos de autor sobre el texto y sobre las fotografías Yo creo que el blanco y negro tiene esta fuerza, a pesar de no ser una representación fiel de la realidad como el color. El blanco y negro es una representación abstracta que lleva a una fijación de la imagen muy fuerte en la mente de los observadores. Las imágenes de la naturaleza hace mucho que no se hacen en blanco y negro, sí en el inicio y una parte del siglo XX, y tuvieron su poder. Yo solamente fotografío en blanco y negro, así que al hacer esta historia tenía que ser en blanco y negro y creo que las imágenes cumplirán un poco su misión. En Asturias, por ejemplo, donde se conmemoran los 25 años de la entrega de los premios Príncipe de Asturias. La conmemoración cerró con una exhibición de 100 fotografías de Génesis presentadas en Oviedo. Creo que la exhibición interesa a la gente. En las fotos se ven varias especies en peligro de extinción. Kafuzi, un gorila joven en Uganda. ©Sebastiao Salgado/Amazonas/nbpictures Amplíe imagen Fotografié, por ejemplo, los gorilas en las montañas Virunga en África. Los gorilas de montaña están en total peligro de extinción, existen menos de 700, un número muy pequeño, en el mundo. Fotografié también las ballenas francas australes en Argentina, que también están al borde de la desaparición. Hay menos de 2.700 ballenas francas australes. Y de las francas del norte quedan 300 ballenas. Pero no sólo estoy tomando fotos de especies en peligro de desaparición. También capto imágenes de las otras, en donde las encuentre, en su mundo. Volviendo a los motivos que lo llevaron a embarcarse en “Génesis”, usted dijo que todo comenzó con su experiencia en el instituto Terra. ¿Qué cambió en usted y qué aprendió con ese trabajo en Terra? Mucho, mucho. El hecho de trabajar en un intento por recuperar una tierra completamente degradada, hasta el punto de que cuando iniciamos el proyecto en Terra pensamos que la recuperación tal vez ya no era posible. La tierra parecía muerta, pero no era verdad, la tierra estaba viva. Como dije ya plantamos cerca de un millón árboles y hoy tenemos una floresta, un ecosistema muy parecido al que fue destruido, una floresta joven. El sólo hecho de mirar un árbol en medio de un millón y ver lo que un árbol es capaz de tener en sí: el número de pájaros, de insectos, de animales pequeños, de toda la vida que está cerca de un árbol, es de una riqueza tan inmensa Y hemos visto que es posible recuperar los sistemas de agua, traer los pájaros y ver que los animales van regresando. Hay una esperanza muy grande. Hemos destruido mucho pero podemos rehacer mucho. Nos ha hecho comprender muchas cosas. El sólo hecho de mirar un árbol en medio de un millón y ver lo que un árbol es capaz de tener en sí: el número de pájaros, de insectos, de animales pequeños, de toda la vida que está cerca de un árbol, es de una riqueza tan inmensa. Y también vemos que nosotros al fin nos sentimos muy, muy bien cerca de la naturaleza y cuando estamos recibiendo lo que la naturaleza da. Da alegria poderla recuperar. Tenemos entendido que usted creció en esa área de selva atlántica en Minas Gerais que hoy busca recuperar y que esa zona en su infancia estaba poblada de árboles. Se trata entonces de un proyecto muy personal. Es muy personal, incluso comenzamos el proyecto del Instituto Terra con mi esposa Lelia. Compramos tierra que fue de mis padres para iniciar el proyecto y la hemos transformado en un parque nacional y hoy es un placer ver que la tierra que yo conocí como floresta cuando niño hoy está volviendo a ser floresta. Cuando usted llega a algún lugar, como el hogar de las ballenas francas australes, lleva seguramente mucho tiempo sentir el lugar incluso en forma espiritual, y hacerle justicia. ¿Podría hablarnos sobre su forma de trabajar? Es posible acercarse a todos los animales. Ellos tienen una curiosidad respecto a nosotros igualita a la que nosotros tenemos respecto a ellos Hace falta tiempo. Por ejemplo, las ballenas que son seres que viven a grandes profundidades, son seres muy curiosos y con los que es fácil mantener una relación. Hubo una ballena que cada vez que llegábamos se aproximaba al barco y movía su cuerpo casi 180 grados para ver quien venía, nos daba señales, se calmaba y venía cerca de nosotros. Terminamos sintiéndonos muy cercanos a esta ballena. Es posible acercarse a todos los animales. Ellos tienen una curiosidad respecto a nosotros igualita a la que nosotros tenemos respecto a ellos. Algunos podrían decir que su forma de vida es difícil. Siempre está viajando, cambiando lugares, muchos difíciles y remotos. ¿Es esta la forma en la que le gustaría vivir muchos años más? Es la forma en que siempre he vivido y tengo tal vez cinco o seis años más para terminar este proyecto. Pero no es difícil. Es un gran placer. Hay que tener una cierta disciplina de vida y de alimentación Es la forma en que siempre he vivido y tengo tal vez cinco o seis años más para terminar este proyecto. Pero no es difícil. Es un gran placer. Hay que tener una cierta disciplina de vida y de alimentación, porque hay que caminar mucho. Hace poco llegué de Rusia, de la Kamchatka. Allí en 50 días hemos hecho cerca de 500 kilómetros a pie. Se camina todo un día de la mañana a la noche, la alimentación es poca, pero es buena. Y se ven cosas maravillosas. Al pasar allí mucho tiempo las cosas pasan muy cerca, los cambios de clima, de luz, de viento, de todo. Es de una fuerza muy grande poder vivir adentro de la naturaleza, aprendiendo cosas. ¿Cómo ve usted a esta altura de su vida su misión como fotógrafo? Yo no tengo una misión como fotógrafo ni una misión como militante ni nada de eso. Yo tengo una forma de vida, es mi forma de vida. Entonces para mi es un placer muy grande ir, fotografiar, participar y que esas fotografías sirvan para algo, a comprender, a una mejor relación entre nosotros, a un mejor acercamiento al planeta, a una mejor distribución de renta. A pesar de que he fotografiado muchas cosas muy difíciles, muy duras, yo tengo esperanza de que podamos resolver esos problemas y vivir de otra forma. ***Quien desee más información sobre el proyecto de Salgado para las escuelas primarias debe escribir a Maria Helena Leite Barbosa Sobral en la siguiente dirección de correo electrónico: mhsobral@bei.com.br

No related posts.

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

Las cuencas de algunos ríos africanos se está secando.

Los recursos hídricos de África están decreciendo de una forma sin precedentes, informaron el martes científicos estadounidenses.

Imágenes satelitales muestran en detalle cómo ha disminuido el nivel de agua en algunas partes del continente africano.

“Es la primera vez que pudimos captar esas variaciones”, dijo un profesor de la Universidad de California, Jay Famiglietti, durante una reunión de la Unión Geofísica de Estados Unidos.

“Es un indicador muy importante de un cambio climático”, agregó.

El Gravity Recovery and Climate Experiment (GRACE, por sus siglas en inglés), creado en 2002 entre la NASA y el Centro Aereoespacial Alemán, mide el nivel del agua que está sobre y debajo de la superficie de la Tierra.

“No alarmarse”

GRACE descubrió que, en los últimos tres años, el agua en la cuenca del Río Congo ha decrecido casi el doble de la cantidad que los africanos consumen anualmente, excluyendo la irrigación, indicó Famiglietti.

La información relevada por GRACE también encontró que las Cuencas de los ríos Zambezi y Nilo también se están secando, mientras que el nivel de agua se incrementa en las cuencas de los ríos Misisipí y Colorado (Estados Unidos).

“Sabemos que las cosas van y vienen, por lo que no hay razón para alarmarse”, observó Famiglietti, y agregó que los científicos necesitan un período más largo de tiempo para llegar a conclusiones más definitivas.

GRACE mostró en otro estudio cómo la masa de hielo de Groenlandia se está derritiendo más rápido que lo estimado y cómo la capa de hielo del Antártico se está contrayendo de forma significativa.

Los científicos están muy preocupados por estas tendencias de reducción del hielo, en las cuales el calentamiento global juega un rol primordial.

No related posts.

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

No related posts.

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

No related posts.

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.