WASHINGTON.- La cineasta Cecilia Domeyko estrenará en Washington su filme “Nombre Secreto: Mariposas”, que relata la trágica y dolorosa historia de las tres hermanas Mirabal, asesinadas en 1960 por su incansable lucha contra la dictadura de Rafael Leónidas Trujillo en la República Dominicana.

El documental, de una hora de duración, se estrenará en el Festival de Cine Independiente del Distrito de Columbia (4-15 de marzo), en el que también participan otros cineastas latinos y tres españoles.

Domeyko, de origen chileno, terminó el documental en 2008, tras haber invertido diez años de trabajo debido a sus propias exigencias artísticas y a las dificultades para lograr financiación.

Una beca de la Organización de Estados Americanos (OEA) le permitió comenzar a trabajar en su proyecto cinematográfico en 1998.

Durante un mes entrevistó a supervivientes de la dictadura de uno de los tiranos más sanguinarios de Latinoamérica y a testigos de la historia de las hermanas María Teresa, Minerva y Patricia Mirabal.

La cineasta vivía de niña en República Dominicana y, según relata, le quedó grabada en la mente “ese sabor, esa sensación de miedo, el (tener que) guardar silencio, las cosas terribles que pasaron en ese país”.

Pero su fuente de inspiración para el documental fue la novela “En el tiempo de las mariposas”, de la escritora dominicana Julia Álvarez, basada en la vida de las hermanas Mirabal.

“Fue mi inspiración”, cuenta Domeyko, quien, tras leer esa novela, decidió efectuar su propia investigación sobre el destino de “las Mariposas” con el fin de contar los hechos de su historia.

La directora entrevistó a más de cuarenta testigos y habló con amigos, parientes, colegas y co-revolucionarios de las Mirabal.

Entre los testigos directos de la historia de las “heroínas” de República Dominicana destacan Bélgica “Dedé” Mirabal, la única superviviente de las hermanas Mirabal; Leandro Guzmán, esposo de María Teresa; y Minú, hija de Minerva, que tenía cuatro años cuando su madre murió.

Tras volver de República Dominicana, Domeyko realizó varios borradores de su documental, pero no quedó satisfecha y decidió, en 2003, darle más fuerza a las dramáticas vivencias de las hermanas y completarlo con escenas de actores para recrear los hechos.

El documental, una “obra híbrida”, entrelaza las entrevistas con escenas recreadas por los actores que se rodaron en La Habana.

La cineasta recuerda que, cuando realizó las entrevistas, varia décadas después de los hechos, se encontró aún con “mucho dolor”. Unos tenían respuestas casi “automáticas” por haber contado ya tantas veces su historia, y otros quizá para protegerse del dolor y de las lágrimas.

Las tres hermanas eran miembros del “Movimiento 14 de Junio”, liderado por Manuel Tavárez Justo, esposo de Minerva Mirabal, que luchaba contra la dictadura de Trujillo (1930-1961).

Las tres mujeres, de 25, 33 y 35 años entonces, fueron asesinadas, junto con su conductor, en la noche del 25 de noviembre de 1960 por orden de Trujillo, cuando venían de visitar a Tavárez y a Leandro Guzmán, esposo de María Teresa, quienes se encontraban presos en la cárcel de Puerto Plata.

El asesinato fue fruto de un plan organizado por el Servicio de Inteligencia de Trujillo.

Las Mirabal, como confesó uno de los autores del crimen años más tarde, fueron sacadas del “jeep” en el que viajaban para ser violadas y luego apaleadas hasta la muerte por sus verdugos.

Los cuerpos de las tres hermanas, y el del chófer que las acompañaba, fueron reintroducidos en el vehículo y lanzados a un abismo para que pareciera que se habían despeñado.

A raíz de este cruento asesinato, el 25 de noviembre fue declarado en 1981 por la ONU Día de la No Violencia contra la Mujer.

El documental también se proyectará el 30 de marzo en la OEA, ocasión en la que estarán también presentes “Dedé” y Leandro Guzmán, señaló Domeyko.

FUENTE: EFE

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Utilizando un “pincel electrónico” que le provee un programa de computación especialmente utilizado para imágenes digitalizadas, Gramajo pintó con diferentes colores dando una “intensidad tonal” muy particular a sus obras.

Oriunda de Tucumán, la maestra de artes plásticas trabajo en una serie de fotografía obtenidas con película tradicional en sepia y blanco y negro, luego digitalizadas y trabajadas posteriormente en computadora.

La muestra está compuesta de 10 trabajos y estará abierta al público en horario que coincide con los días de proyección de películas.

(Fuente: ADN)

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Berlín reúne la más ambiciosa retrospectiva de Richard Avedon, el hombre que elevó la fotografía a categoría de arte y que fue la mirada más valorada por la moda, los famosos y los poderosos.

Marilyn Monroe. richard avedon

ITZIAR REYERO. BERLÍN. Marilyn Monroe, Audrey Hepburn y Marlene Dietrich son algunas de las estrellas del firmamento hollywoodiense que pasaron por el estudio de Avedon, muchas de cuyas imágenes se convirtieron en iconos de su tiempo.
Su serie Family retrata a los máximos representantes de la jet set estadounidense, como los poderosos políticos de la talla de Nixon, George Bush, Gerald Ford y los Kennedy o intelectuales como Susan Sontag y Salman Rushdie.
Bob Dylan, Janis Joplin, los cuatro Beatles, el escritor Samuel Beckett, el poeta Ezra Pound, el director de cine Jean Renoir o el artista Francis Bacon son otros de los que posaron ante él.
Pero, el fotógrafo, comprometido en la lucha contra los derechos civiles, no hizo diferencias de clase y junto a estos grandes nombres de la sociedad norteamericana retrató a las caras anónimas y figuras trágicas de los núcleos más deprimidos del país.
A este último grupo pertenece su serie In the American West, en la que presenta con crudeza a obreros, granjeros, camareras de bares de mala muerte que miran a la cámara sin tapujos y mineros que acaban de salir de la gruta embadurnados de hollín.
Hombres retratados -con independencia de su condición social- al natural y sobre un fondo blanco por Avedon que en su condición de antropocentrista
-su interés por los paisajes es escaso- colocó al hombre en el centro de la creación.
La cámara del genio neoyorquino logró inmortalizar las intimidades del retratado o, según sus propias palabras, captar los “contenidos inexplorados del rostro humano”.
El director del Martin-Gropius, Gereon Sievernich, subrayó en la rueda de prensa de presentación de la retrospectiva que la exposición -la “más bonita” realizada por el museo hasta la fecha- constituye una invitación “a mirar a la Historia de la Fotografía” de la mano de Avedon.
“Su obra es impactante, sus retratos conmueven. Un fotógrafo que logra eso, quizá no tiene la verdad, pero sí está cerca”, señaló el responsable del museo tras advertir que, aunque normalmente se le conoce como un fotógrafo de la moda, “hay otro Avedon”.
La directora de la Fundación Richard Avedon, Norma Stevens, calificó al fotógrafo como “genio apasionado y entusiasta” y “amante de la perfección”.
La exhibición, dividida en ocho salas, supone un recorrido cronológico a las obras más influyentes del estadounidense, entre las que destaca el retrato en grupo de Andy Warhol and Members of the Factory, un altar de diez metros de largo por tres de ancho.
En esta imponente composición aparecen, de pie, vestidos o desnudos, algunos de los habituales del Factory, uno de los lugares donde empezó a fraguarse la revolución artística y sexual de los años sesenta.
Entre sus primeras obras destaca su majestuosa instantánea de la modelo Dovima entre unos enormes elefantes, una imagen que atraparía toda la atención de la habitación, si no fuera porque comparte espacio con otras grandes de la pasarela como Suzy Parker y Twiggy, que visten elegantes trajes de Dior, Cardin y Balenciaga.
Especialmente celebrado es su retrato a una frágil Monroe -cuya mirada parece anunciar su suicidio- o la fotografía a Charles Chaplin, quien despide la era McCarthy haciendo un gesto de demonio, como si quisiera mandarlo al mismísimo.
Sobresalen también sus fotos de la última noche de 1989, año de la caída del Muro, en la que retrata el contraste entre el júbilo de los berlineses y su angustia por un futuro incierto.
La exposición Richard Avedon: fotografía 1946-2004, que se abrirá al público este domingo, es fruto de la colaboración de Louisiana y la fundación que lleva su nombre y está previsto que el año que viene visite Amsterdam y San Francisco.

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NUEVA YORK (AFP) – El actor estadounidense Paul Newman falleció el viernes de cáncer a los 83 años, un año después de haberse despedido del cine, oficio en el que se consagró con más de 60 películas, entre ellas “Butch Cassidy and the Sundance Kid” (Dos hombres y un destino), “El golpe” o “El color del dinero”.

Tras conocerse la noticia, los homenajes a Newman comenzaron en distintos lugares del mundo y reunieron amigos, estrellas y celebridades.

El actor estadounidense Robert Redford, amigo y coprotagonista de Newman en recordadas películas como “Butch Cassidy and the Sundance Kid” y “El golpe”, encabezó los homenajes.

“Hay un punto en el que los sentimientos van más allá de las palabras”, dijo Redford, de 72 años, según el programa Entertainment Tonight. “He perdido un verdadero amigo. Mi vida y este país son mejores porque él estuvo en ambas”.

George Clooney dijo que el actor “sentó un precedente demasiado alto para el resto”, “no sólo para los actores, sino para todos”.

El director y ganador del Oscar Sam Mendes dirigió a Newman en el filme “Camino a la perdición” y dijo que hacerlo fue “lo más destacado” de su carrera.

Daniel Craig, quien interpretó al hijo de Newman en esa película, lo recordó como “uno de los más grandes actores de todos los tiempos”. Dijo que con él se terminaba una era.

Para Gina Lollobrigida Newman era un hombre para “respetar y apreciar”, según la agencia ANSA.

Julia Roberts, quien trabajó con él en una obra de caridad para niños enfermos, agregó: “Fue mi héroe”.

El ex presidente Bill Clinton y su esposa, la senadora Hillary Clinton, se refirieron a la generosidad de Newman: “Paul fue un ícono, un campeón para los niños”, afirmaron en una declaración.

“La obra de Paul Newman fue la actuación. Su pasión fue para las carreras de automóviles. Su amor fue para su familia y amigos. Y su corazón y alma fueron dedicados a ayudar a hacer del mundo un mejor lugar para todos”, dijo Robert Forrester, el vicepresidente de la fundación Newman’s Own al anunciar el deceso desde Westport, Connecticut. El actor sufría de cáncer, pero no se anunció el lugar de su fallecimiento.

Newman, quien el 10 de mayo hizo su última aparición pública en el evento de automovilismo de Indianápolis, se había despedido de la actuación el 25 de mayo de 2007 en una entrevista a la cadena estadounidense ABC, en la que con mucha franqueza admitió los bemoles de la edad.

El último trabajo del actor de ojos azul profundo que fue todo un sex-symbol del cine hollywoodense, fue prestando su voz a uno de los automóviles animados de “Cars” en 2006.

Newman, diez veces nominado a los premios de la Academia, ganador de dos Oscar honoríficos y uno en 1987 como Mejor Actor por su papel en “El color del dinero” de Martin Scorsese, nació en Cleveland (Ohio) el 26 de enero de 1925.

Debutó en los escenarios en 1949 y en 1952 ingresó al Actor’s Studio lo que le permitió ganarse su primer papel en la pieza “Picnic” de William Inge en las tablas de Broadway.

Vivió épocas de gloria y su nombre quedó impreso en la memoria colectiva con su protagónico en “Butch Cassidy” (Dos hombres y un destino, 1969), al lado de Robert Redford, y “The Sting” (El Golpe, 1973).

Fanático de las carreras automovilísticas y filántropo de larga data, Newman se casó dos veces y tuvo cinco hijos.

En 1993 recibió por tercera vez un Oscar pero como premio a sus labores humanitarias: las ganancias de su empresa de alimentos Newman’s Own son donadas a obras caritativas.

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Por Luis Bonich

El “Mes de la Fotografía/Bariloche”, en su 12° edición intenta lograr como en el transcurso de estos años, ser el punto de encuentro, de cada vez más diversas propuestas fotográficas provenientes de todo el país.

La muestra comienza el 25 de Septiembre y se extenderá hasta el 25 de Octubre; fue declarada de Interés Parlamentario, por la Cámara de Diputados de la Nación, De Interés Provincial por la Legislatura de la Provincia de Río Negro y de Interés por el Consejo Deliberante Municipalidad S. C. de Bariloche. Mientras que el 18 de septiembre se inaugurará en la Secretaría de Turismo de la Nación. Suipacha 1111. Auditorio. Bs. As.

Contará con la presencia de los fotógrafos: Ataulfo Pérez Aznar, Don Ripka, Ricard, Martiniuk, Pablo Añeli, Martín Acosta, Mariano Salomón, Emiliano Lasalvia, Hernán Villar, Daniel Cabaza, Martín García y Ariel Ríos, Javier Mosquera, Agustina Roacio, Tamara Barrueco de Vansay, Natalia Henkel, Lucía López, Fabián Oger, Irina Dambrauskas, Axel Pincemin, Marcos Rodríguez, Raúl Cárdenas, Luis Seróni fotógrafos (emergentes) locales, y de Villa La Angostura.

La profesora Julieta Escardó, y por su puesto la participación de los fotógrafos profesionales, organizadores y mentores de este importante evento a nivel nacional Luis Bonich y Andrea Bravo.

También contaremos con la participación especial de Yael García Ruiz, la Dra. Analía Woloszezuk (Abogada), Alejandro Montes de Oca y Alejandro Reynoso.

A continuación, el programa oficial.

Prensa. Agente Oficial: Luciano Giudice.

“Mes de la Fotografía / Bariloche” 12° edic. 2008
Declaración de Interés Parlamentario, por la Cámara de Diputados de la Nación.
Declaración de Interés Provincial por la Legislatura de la Provincia de Río Negro.
Declaración de Interés por el Consejo Deliberante Municipalidad S. C. de Bariloche

Director y Coordinador: Luis P. Bonich. (Fotógrafo.)
Asistente en Fotografía: Andrea Bravo. (Fotógrafa.)
Asistente sala Frey: Yael García Ruiz. (Fotógrafa.)
Asesora Letrada: Dra. Analía Woloszezuk (Abogada)
Asesor en Fotografía: Alejandro Montes de Oca (Fotógrafo)
Asesor en Fotografía: Alejandro Reynoso. (Fotógrafo)

Sub.-Secretaria de Cultura: Lic. María Victoria Arroyo.
Prensa. Agente Oficial: Luciano Giudice. (Periodista.)

Programa Oficial.

18/09/08. 11hs. Presentación Oficial del evento, a la Prensa en la Secretaría de
Turismo de la Nación. Suipacha 1111. Auditorio. Bs. As.
25/09. 18,30hs. Inauguración Oficial del “Mes de la Fotografía – Bariloche”
Sala de Prensa de la Municipalidad: “Isabel Moreiras de Bustos”
19,30hs. Inauguración: “Objetivos” autor, Pablo Añeli, Fotógrafo,
Reportero gráfico. (Fotografías, pinturas y esculturas).
Sala “Isabel Moreiras de Bustos”. Libre y gratuito.
25/09 21hs. Taller de -Reportaje fotográfico- a cargo del Fotoperiodista.
Martín Acosta. (Vacantes limitadas, arancelado). (Inscripción)
(Lugar) Sala de Prensa Municipal. Centro Cívico.
26/09 11hs, Inauguración de “Intervalos y Movimientos” (Teatro y cine)
de Mariano Salomón, Fotógrafo y Psicólogo. Sala: “Cecilia Girgenti”
Museo de la Patagonia. Centro Cívico.
26/09 18hs: Taller de -Reportaje Fotográfico- a cargo de Martín Acosta
Fotógrafo, Reportero Gráfico, (Área de contenidos)
Escuela de Fotoperiodismo ARGRA). (Lugar): Universidad FASTA.
26/09 21hs. Proyecciones: a cargo de los fotógrafos invitados: Martín Acosta,
Emiliano Lasalvia, (La Nación), Pablo Añeli (Clarín), Mariano
Salomón, etc.
(Lugar): UFASTA. Av. Pioneros 38. Libre y gratuito.
27/09 09hs. Taller de -Reportaje Fotográfico- a cargo del Fotógrafo: Martín
Acosta. (Contenidos Esc. ARGRA). Lugar: UFASTA. Pioneros 38.
28/09 17hs. Final del -Taller de Reportaje Fotográfico-, a cargo de Martín
Acosta (Contenidos Escuela de la ARGRA) Sala Emilio Frey.
30/09 11hs. Inauguración de la muestra fotográfica: “Punta Lara” autor,
Ataulfo Pérez Aznar, Fotógrafo Argentino. Director de la Galería
Omega de La Plata. Sala: “Choneck” Museo de la Patagonia. C. Cívico.
1°/10 11hs. Distinción Honorífica al Fotógrafo Argentino Ataulfo Pérez
Aznar, por parte del Honorable Consejo Deliberante Municipal.
1°/10 12hs. Inauguración de la muestra de fotógrafos (emergentes) locales.
Sala del Consejo Deliberante Municipal. Libre y gratuito.
1°/10 18hs. Fotografía Documental: Seminario a cargo del Fotógrafo,
Ataulfo Pérez Aznar. (Vacantes limitadas. Arancelado).
(Lugar): Sala Emilio Frey. Centro Cívico.
2/10 11hs. Inauguración de la muestra fotográfica: “Desnudos” autores: de
Villa la Angostura y San Carlos de Bariloche.
Sala Emilio Frey. Centro Cívico.
2/10 18hs. Seminario de Fotografía Documental a cargo del Fotógrafo.
Ataulfo Pérez Aznar. (Lugar): Sala Emilio Frey. Centro Cívico.
2/10 21,30. “Suspiros”. Autor: Hernán Villar, Muestra Fotográfica.
(Lugar): -Mondilla- Gallardo 35. Inauguración.
3/10 18hs. Cierre del -Seminario de Fotografía Documental-. A cargo del
Fotógrafo: Ataulfo Pérez Aznar. (Lugar): Sala Emilio Frey. C. Cívico.
3/10 21hs. Proyecciones: Ataulfo Pérez Aznar, (presentará parte de su obra).
(Lugar): Sala Emilio Frey. (Libre y gratuito).
6/10 11hs. Inauguración de muestra colectiva “Un Viaje” (Arqueología). Museo
Paleontológico de Lamarque. Daniel Cabaza, Martin García y Ariel Rios. Pcia. Río Negro.
Sala: “Ex – Correo” Centro Cívico.
6/10 18hs. Inicio del Seminario: “Teoría de la Imagen” (Semiótica) docente:
Prof. Julieta Escardó. Fotógrafa Argentina, (Directora del “Centro
Ecléctico de la Imagen”) Bs. As. (Vacantes Limitadas, arancelado).
(Lugar): Universidad FASTA. Av. Pioneros 38.
7/10 17hs. Inauguración de la muestra, (a confirmar): Galería
Universidad FASTA.
7/10 18hs. Seminario de “Teoría de la Imagen” Semiótica. Prof. Julieta
Escardó. Vacantes limitadas, arancelado. Lugar: UFASTA.
8/10 9hs. Cierre del Seminario de “Teoría de la Imagen” Julieta Escardó.
UFASTA.
9/10 11hs. Inauguración Oficial de las muestras colectivas: “La Figura Humana”
de -Fotógrafos deEsquel y Asociación Fotógrafos Andino Patagónica”. Auspicia: -Agencia Cultura Río Negro- Centro Administrativo Bariloche.
(Lugar): Onelli y Vilcapugio. (Libre y gratuito).
10/10 21hs. Proyecciones: Documentales de Grandes Maestros de la Fotografía.
Presentación a cargo del Grupo Fotográfico Esquel. Sala de Prensa
Municipal. “Isabel Moreiras de Bustos” Centro Cívico.(Libre y gratuito)
14/10 11 hs. Inauguración de la muestra “ Gauchos Criollos” a cargo del
Fotógrafo: Javier Mosquera. Sala Tante Frida.
14/10 18 hs. Ensayo Fotográfico, Taller a cargo del Profesor: Don Ripka,
Fotógrafo Profesional, (reportero gráfico). (Director de la Agencia Sudaca
Photos) Vacantes limitadas, Arancelado.
(Lugar): Universidad FASTA. Av. Pioneros 38.
15/10 18 hs. Ensayo Fotográfico, a cargo del Fotógrafo. (EEUU – Argentino)
Don Ripka. (Lugar) Universidad FASTA. Av. Pioneros 38.
16/10 18 hs. Ensayo Fotográfico, cierre del Taller a cargo del prof. Fotógrafo;
Don Ripka. (Agencia SUDACA – PHOTOS).
17/10 15hs. “Iniciación a la Fotografía para niños”, a cargo de Andrea Bravo,
Fotógrafa profesional. (Argentina). Auspicia: Menger – Foto. (Vacantes
hasta 80 niños). (Libre – Gratuito.) (Lugar): Sala de Prensa “Isabel
Moreiras de Bustos”. Centro Cívico.
18/10 “Iniciación a la fotografía para niños” Salida de toma, a cargo de Andrea
Bravo, Fotógrafa barilochense; (Auspicia Menger – Foto). (Lugar) Sala de
Prensa Municipal. Centro Cívico. (Gratis).
21/10 10hs.Fotografía Digital, a cargo del Fotógrafo, Profesor: Ricardo
Martiniuk. (Especialista destacado). Niveles: Básico y avanzados.
Vacantes limitadas. Arancelado. (Lugar): UFASTA, Av. Pioneros 38.
22/10 10 hs. Fotografía Digital, a cardo del prof. Ricardo Martiniuk. UFASTA.
23/10 10 hs. Fotografía Digital, cierre del ciclo, a cargo del prof. Ricardo
Martiniuk. (Lugar): Universidad FASTA. Av. Pioneros 38.
24/10 “Iniciación a la fotografía para niños” Evaluación final de los trabajos
Realizados a cargo de: Andrea Bravo, (Fotógrafa) con la asistencia del
Fotógrafo: Luis Bonich. (Auspicia Menger – Foto). (Libre y gratuito).
25/10 Cierre del “Mes de la Fotografía – Bariloche” 12° edición, en el -Mercado
de la Estepa-. Autores: Agustina Roacio, Tamara Barrueco
de Vansay, Natalia Henkel, Lucía López, Fabián Oger, Irina
Dambrauskas, Axel Pincemin, Marcos Rodríguez, Raúl Cárdenas, Luis Seróni.
Lugar: ruta 40 sur y rutas 23. (Libre y gratuito.)

# Nota. La Organización del evento entregará, Certificados de valides curricular en todos los Seminarios y Talleres, a aquellos participantes que cumplan con la asistencia perfecta, a los mismos.
# Programa sujeto a modificaciones.
Colaboradores: Ariel Cárdenas, Patricia Villaseñor, Guillermo Partridge.
E-mail: mesdelafotografiaenbariloche@yahoo.com.ar

Pág. Web: www.mesdelafotografia.com.ar
TEL: 02944 – 15666605.

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El don de ver más allá, convertir el don en arte y entender el arte como un compromiso. Sara Facio ha dado batalla por la fotografía desde adentro de la fotografía. Su obra es imponente: capturó con maestría momentos clave de la historia argentina y retrató a personajes célebres como Julio Cortázar, Pablo Neruda, Astor Piazzolla, entre muchos otros. Bajó la realidad al formato imagen, y la lectura de su trabajo permite entender una evolución que va más allá de lo puramente estético.

Una buena porción de su obra está compilada en la muestra Sara Facio Antológica 1960-2005, que se inaugurará este jueves en Villa Victoria –Matheu 1851-. Está integrada por 179 imágenes, bajo la curación del equipo Imago-Sara Facio

Es la antología más importante realizada sobre la carrera de Sara Facio; propone un recorrido que atraviesa series como Buenos Aires Buenos Aires, Humanario, un trabajo realizado con enfermos mentales en el año 1976, Funerales del presidente Perón; Pablo Neruda en Isla Negra (años 70); Retratos de Escritores de América latina (Alejandra Pizarnik, Gabriel García Márquez, Mario Vargas Llosa, entre otros) y De Brujos y Hechiceras, realizada entre 1963 y 2005 en la que fotografió a personajes de la cultura nacional e internacional como Victoria Ocampo, María Elena Walsh, Jeanne Moreau, Federico Leloir, Astor Piazzolla y Roberto Goyeneche.

También hay capítulos menos conocidos sus primeras obras premiadas (años 60) o las series Actos de fe en Guatemala; Autopaisajes (años 90), Bestiario (realizada con la artista Nushi Muntaabski) y Metrópolis. También se exhibirán por primera vez las fotografías de la serie Perón Vuelve (años 70), y se ha reservado un espacio para exponer los retratos que otros fotógrafos, como Annemarie Heinrich, Anatole Saderman, María Cristina Orive, Ataúlfo Pérez Aznar o la cineasta alemana Margarethe von Trotta, han realizado sobre ella.

“Convencidos de la importancia de la figura de Sara Facio para las artes visuales argentinas, esta muestra constituye un homenaje a su actividad, tanto como productora de imágenes que son hoy patrimonio de la historia cultural de los argentinos, como por su accionar en el campo de la fotografía en la Argentina”, explican los organizadores.

Los méritos de Facio exceden los estrictamente artístico. Cuando en la Argentina, a principios de los 60, la fotografía constituía un territorio desvalorizado y casi ignorado promovió la creación de la Fotogalería del Centro Cultural San Martín, un espacio que se caracterizó por su regularidad y la ajustada selección de sus expositores. También se abocó a la formación de la Colección de Fotografías del Museo Nacional de Bellas Artes. Constituyó así el primer núcleo de fotografías que ingresaba al Patrimonio Nacional. Entre tanto, en 1970 fundó la Azotea, junto a María Cristina Oribe, editorial que ha publicado libros de primer nivel, dedicados a la obra de fotógrafos argentinos.

Bio breve

Fotógrafa, editora y curadora, Sara Facio nació en la Argentina en 1932 y se graduó en la Escuela Nacional de Bellas Artes en 1953. Se inició en la fotografía en 1957. Fue asistente de Annemarie Heinrich. En 1973 fundó, con María Cristina Orive, La Azotea Editorial Fotográfica, que aún dirige. Es fundadora del Consejo Argentino de Fotografía desde 1978. En 1985 creó y dirigió hasta 1998 la Fotogalería del Teatro General San Martín de Buenos Aires. Desde 1995 es curadora del patrimonio de fotografía del Museo Nacional de Bellas Artes, cuya colección formó y presentó al público en 1998. Expuso en el país y en el extranjero, y sus fotografías integran colecciones privadas y públicas de la Argentina y otros países de América latina, Estados Unidos, Francia, Inglaterra, Italia y Japón. Recibió numerosos premios por su trayectoria y por sus publicaciones de fotografía

(Fuente:ciudadabstrakta.com)

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MADRID, España (EFE).- Desde hace años su nombre suena para el premio Nobel, pero este miércoles los Premios Príncipe de Asturias se han anticipado con la concesión del galardón de las Letras a Margaret Atwood, la dama de las letras canadiense, novelista y poeta, comprometida y con una profunda mirada sobre las relaciones humanas.

Margaret Atwood.
Margaret Atwood, nacida en Ottawa en 1939, fue premiada con el Booker Prize en 2000 y es autora de más de veinte obras de ficción, entre ellas “El cuento de la criada”, una critica feroz a la sociedad totalitaria, además de “El asesino ciego”, “Ojo de gato”, y “Resurgir”, una novela incluida por el critico Harold Blomm en su libro sobre las mejores obras que forman el canon occidental.

Pero también está considerada como una de las grandes poetas del siglo XX.

Intimista, irónica, reivindicadora de la lucha de la mujer y de los derechos humanos, Atwood colabora con Amnistía Internacional, desde donde ha defendido los derechos territoriales de los indios mohawks.

La escritora es una incondicional de los escritores franceses del siglo XIX, como Flaubert, Zola o Maupassant; los clásicos rusos o Cervantes, de donde se nutrió para diseccionar las relaciones humanas como si fuera un entomólogo, profesión que ejerció su padre en la Universidad de Toronto, pero aplicando su fina ironía, su humor y grandes dosis de misterio y psicología.

De mirada azul cristalina y rasgos suaves, Atwood siempre tiene una sonrisa en la boca.

Con 19 años empezó a escribir sus primeros poemas, que ya estaban impregnados de referencias mitológicas, y que luego se desplazarían hacia el interés por el misterio, las referencias culturales, literarias y pictóricas.

La escritora canadiense suele decir que cuando escribe una novela “es como si construyera una casa” y cuando hace poesía se siente “como un pájaro cuando canta”.

“La poesía se escribe con la mano izquierda y corresponde a una zona del cerebro que se encarga de la música y de las áreas más creativas”, agrega.

Unas palabras que ponen de manifiesto la necesidad de metamorfosear la realidad con su poesía y meterse en ese “universo aural”, como ella lo denomina, y que plasma así: “sabiendo que somos solamente/las sombras vacilantes que proyecta una vela”.

Algunas de las novelas de Margaret Atwood, que escribe en inglés y francés, han sido llevadas al cine y al teatro, como “La mujer comestible”(1969), “El cuento de la criada” (1985), que también se convirtió en ópera, “Alice Grace” y “El asesino ciego”.

Traducida a más de treinta idiomas, que incluyen el persa, japonés, turco, finlandés, coreano, islandés y estonio, Margaret Atwood publicó su último libro de poesía “The Door” en 2007, y una colección de relatos “The Tent”, en 2006.

El jurado ha destacado en su fallo la “espléndida obra literaria” de la autora canadiense, “que ha explorado diferentes géneros literarios con agudeza e ironía”.

Los premios Príncipe de Asturias están dotados con 50.000 euros (77.600 dólares) y la reproducción de una estatuilla diseñada por Joan Miró.

El galardón de las Letras ha recaído anteriormente en autores como Juan Rulfo, Mario Vargas Llosa, Camilo José Cela, Claudio Rodríguez, Carlos Fuentes, Francisco Umbral, Günter Grass, Augusto Monterroso, Doris Lessing, Arthur Miller, Susan Sontag, Claudio Magris, Paul Auster y Amos Oz, que lo recibió en 2007. EFE

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El AFI presenta periódicamente la selección de las mejores películas del año.

Pero este año, por primera vez, ha hecho la selección más completa de las 100 mejores películas del cine estadounidense en el último siglo, clasificadas por categorías.

En el género de comedia romántica, la inolvidable película “Luces de la ciudad” (1931), de Charles Chaplin, se impuso a “Annie Hall” (1977), de Woody Allen, y a “Sucedió una noche” (1934), de Frank Capra.

El AFI clasificó a “El Padrino” (1972), “Uno de los nuestros” (1990) y “El Padrino II” (1974) como indiscutibles ganadoras del género de Gángster, y a “Lawrence de Arabia” (1962) como la mejor película épica por delante de “Ben-Hur” (1959).

El Western más memorable, según la AFI, fue “Centauros del desierto” (1956), de John Ford, por delante de “Solo ante el peligro” (1952) y “Raíces profundas” (1953).

En la categoría de Dibujos Animados, la encantadora “Blancanieves y los siete enanitos” (1937) se impuso a otros clásicos de la factoría Disney como “Pinocho” (1940) y “Bambi” (1942).

Otro clásico, “El mago de Oz” (1939), quedó como primera en la categoría de Fantasía, que superó a la taquillera “El Señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo” (2001), que logró el segundo puesto.

La vencedora del género de Ciencia Ficción fue “2001: Una odisea en el espacio” (1968), seguida de cerca por “La guerra de las galaxias” (1997) y “E.T. – El Extraterrestre” (1982).

En deportes, “Toro salvaje” (1980) venció a “Rocky” (1977).

Por último, en el género de películas de tribunales, el instituto eligió como mejor de la historia “Matar a un ruiseñor” (1963), y en la categoría de Misterio una película del maestro del género, Alfred Hitchcock, “Vértigo” (1958).

Entre las 100 mejores películas de la historia del cine estadounidense hay cuatro de Hitchcock (“Vértigo”, “Con la muerte en los talones”, “La ventana indiscreta” y “Crimen perfecto”).

Le siguen, con tres cada uno, Steven Spielberg (“La lista de Schindler”, “Salvar al soldado Ryan” y “E.T. – El Extraterrestre”) y Stanley Kubrick (“La naranja mecánica”, “2001: una odisea en el espacio” y “Espartaco”).

Entre los directores más citados, en dos ocasiones cada uno, están John Ford, Frank Capra, George Cukor, Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Ridley Scott, Otto Preminger, Howard Hawks, Victor Fleming, William Wyler, James Cameron o Sidney Lumet. EFE

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ÁNGELES GARCÍA 12/04/2008

Fotos de Horacio Coppola-

‘Máquina desnuda’-

El fotógrafo argentino Horacio Coppola, de 101 años, ha trazado la historia de la capital argentina desde los años veinte y ha logrado un retrato de la soledad urbana, como puede verse en una exposición que acaba de inaugurarse en Madrid
La Boca, la avenida de Mayo, la calle Corrientes, el cementerio de la Recoleta, el paseo de Colón, Alvear; las parejas bajo la luz de noche porteña, son imágenes ligadas al fotógrafo más famoso de Argentina, Horacio Coppola (Buenos Aires, 1906). Todos los lugares reconocibles del Buenos Aires más elegante y auténtico vienen de la cámara de este artista que, con su Leica en la mano, se ha pateado como ningún otro las calles de su ciudad y los escenarios europeos del arte de vanguardia. La Fundación Telefónica (www. fundacion.telefonica.com) expone hasta el 25 de mayo una gran retrospectiva de este artista: 125 fotografías y 4 cortometrajes.

Es el hijo menor de una familia de clase media de origen italiano. Él mismo ha escrito sobre su entorno. “Nací el 31 de julio de 1906, en el dormitorio de mis padres, en el 2º piso de la casa construida en 1901, proyectada y dirigida por mi padre: Corrientes, 3060. Comencé mi vida como décimo miembro en el seno de una familia de adultos. Me ofrecieron una plural iniciación y paralelamente aprendí a caminar y a hablar, a escuchar música, a cultivar plantas y a cortar flores, a ser artesano en el más amplio y diverso manejo de instrumentos, incluida ¿a su tiempo? la cámara fotográfica, a criar y convivir con pájaros y la más variada clase de animales, a leer y escribir y manejar periódicos y libros y a conocer la existencia de idiomas: genovés, italiano, francés, en el marco del ejercicio del criollo; la mecánica, las artes, la ciencia, la literatura. Mi hogar: un mundo organizado, ya cumplido”.

Ese peculiar hogar, la calle y los viajes fueron la gran universidad a la que asistió este artista autodidacta. Fue una forma de aprender que él siempre ha agradecido y a la que considera que se debe el carácter personal que siempre tuvo su trabajo.

Su afición por la fotografía se la contagió su hermano mayor, quien, con una cámara de gran formato, retrataba a menudo escenas familiares. Al joven Horacio le fascinaba capturar imágenes de quienes formaban su entorno. Al principio la hace en su tiempo libre mientras vive del dinero que consigue con cualquier trabajo esporádico. “Soy fotógrafo”, se proclamó Coppola. “Mi obra, imagen óptica de lo real, transcrita por la cámara y contenida en la imagen final, es testimonio de mi identidad de autor: fragmento de la realidad, creatura de mi visión, ahora liberada según su orden para vivir su vida propia”. Las transformaciones que Buenos Aires experimenta en torno a la década de los veinte fascinan a Coppola. El contraste entre lo viejo y lo nuevo lo plasma una y otra vez. De día y de noche. Solo o acompañado por los amigos de aquellos años. Muchos de estos amigos son gente interesada por el mundo artístico. Pintores, escritores. Por medio de ese mundo conoce pronto a Borges. La primera edición de Evaristo Carriego está ilustrada con fotografías de Horacio Coppola.

Al final de los años veinte, viaja a Europa y recorre Alemania, Francia, España e Italia. Es en Alemania donde por fin consigue una Leica, la cámara con la que entonces soñaba todo fotógrafo. Sin abandonar definitivamente las de gran formato, no se desprende nunca de su cámara. Es con ese nuevo juguete con el que a la vuelta realiza sus fotografías más conocidas. Gran parte de ellas nutren la exposición madrileña.

Quiere retratar su patria con su historia pasada y presente desde todos los ángulos posibles. También “lo criollo”, escribe. “Cada uno desde su mundo. Mundo según la edad, lo vivo de cada uno. Yo, testigo del hacer de cada uno. Yo, suelto, mirando a todas horas, desde el balcón, el mundo que pasa por la calle Corrientes. También la constelación de Orión y la Cruz del Sur, desde la fronda invasora de los plátanos”.

Pura poesía mezclada con el Buenos Aires que emerge por cada rincón. Se convierte en el fotógrafo de la ciudad y de sus habitantes, de los empedrados de las calles del centro, de las edificaciones que crecen junto a las bellas arboledas de los parques bonaerenses.

En las nuevas avenidas le fascinan los enormes coches negros que avanzan deslumbrando con sus faros a los peatones. Le interesan los escaparates lujosos donde se vende la ropa carísima de los modistos europeos. En sus placas está ese Buenos Aires con pretensiones de ser Nueva York o Milán. Muchas fotografías están pobladas por hombres perfectamente trajeados y tocados con sombrero que contemplan llenos de curiosidad las transformaciones de sus calles y plazas.

No faltan las viviendas humildes ocupadas por personajes de rostros surcados por arrugas prematuras, producto del mal vivir, aunque, en general, la ciudad que retrata Horacio Coppola está casi siempre vacía. Sus retratos bonaerenses recuerdan el Madrid pintado por Antonio López. Son puras metáforas de la soledad del hombre contemporáneo. Los edificios son los que de verdad habitan en la ciudad. Salvo cuando retrata el caos del centro comercial en hora punta, la ciudad de Coppola es un cúmulo de líneas arquitectónicas enlazadas de tal manera que ofrece una panorámica abstracta la mayor parte de las veces. A principios de la década de los treinta, Coppola emprende un segundo viaje a Europa. Considera que la etapa del retrato callejero está agotada y quiere aprender de los grandes maestros europeos. Se inscribe en la Bauhaus y allí permanece hasta el cierre del centro por la presión nazi. Pero le da tiempo a co
nocer la esencia de los grandes creadores del Viejo Continente. De esta etapa proceden las fotografías con las que muestra su fascinación por el cubismo en general y por el pintor español Juan Gris en particular.

En este tiempo, también se acrecienta su amor por el cine, un arte que casi había nacido a la par que él. “El cine es la base de mi formación autodidacta”, ha escrito Coppola. “El cine era un niño cuando yo era un pibe en apuros”.

Coppola filmó varias películas propias, cortometrajes y documentales, entre ellos, Así nació el Obelisco (16 milímetros, 6 minutos), en 1936. La exposición incluye cuatro cortometrajes. Toda su obra cinematográfica fue restaurada por el Malba (Museo de Arte Latinoamericano Buenos Aires) para la exposición que allí se le dedicó hace un par de años. La difusión de la fotografía y la enseñanza de ésta ha ocupado gran parte de su tiempo. A finales de los cuarenta, con su esposa y también fotógrafa Grete Stern, abre un estudio fotográfico, punto de encuentro con muchos intelectuales exiliados españoles y judíos huidos del terror nazi.

A punto de cumplir 102 años, algunos se lo encuentran todavía con la mirada distraída en el paisaje del Buenos Aires de hoy. De paseo sobre su silla de ruedas, acompañado de alguno de sus muchos amigos o alumnos, seguro que añora aquel Buenos Aires que hace ya mucho dejó de existir.

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En el Centro Cultural de España Exposición de fotografías de Max Pou

SANTO DOMINGO.- El Centro Cultural de España presentará este próximo jueves 17 de abril a las 7:30 de la noche la muestra “Las Ciudades de Don Max”, del desaparecido maestro de la fotografía dominicana Máximo Rodríguez Pou, más conocido como Max Pou.

La exposición curada por Carlos Acero y Paula Gómez cuenta con el apoyo de la Fundación Imagen 83 y estará abierta al público hasta el 11 de mayo.

Max Pou se dedicó principalmente a la fotografía social, siendo testigo de importantes acontecimientos de la vida nacional. Inició su carrera en el año 1949, a la edad de 24 años, exponiendo por primera vez en 1950 en el Instituto Cultural Dominico-Americano.

Durante el periodo comprendido entre los años 1949 y 1962 se desarrolló como fotógrafo profesional especializado en retrato, paisaje y urbanismo.

Incursionó por primera vez en el cine en 1959 con el documental “El Puente para elYaque” al que siguieron “Vía Libre” en 1962, “El esfuerzo de un pueblo” en 1968, “Carnaval dominicano” en 1969, y “Santo Domingo: Cuna de América” en el año 1970.

Su carrera como documentalista concluyó en 1982 con el rodaje de “Patrimonio Cultural de la República Dominicana”, dedicado a la labor de preservación y rescate de la arquitectura colonial de la zona histórica de Santo Domingo.

En 1973 dirigió el mediometraje “Luisa” que sería utilizado posteriormente en la campaña de planificación familiar a nivel nacional en ese mismo año, logrando exhibirse en el Festival de Bilbao de 1975.

En el año 2002 recibió el Premio Internacional Lumière de la Unión Nacional de Productores y Autores de Cine de Italia. Máximo Rodríguez Pou falleció a los 81 años de edad dejando un legado imborrable que sin duda le sitúa como uno de los más importantes fotógrafos de la historia dominicana.

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Día de la Mujer Trabajadora

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Navarro dictará dos clases magistrales el 8 y 9 de marzo a estudiantes de cine y a jóvenes creadores especializados en cine y fotografía, dijeron los organizadores en un comunicado.

El Festival de Cine de Guadalajara, uno de los más prestigiosos de México y en cuya fundación participó el realizador mexicano Guillermo Del Toro (“El laberinto del fauno”), tendrá lugar en la ciudad de Guadalajara (oeste del país) del 7 al 14 de marzo.

El fotógrafo Navarro (ciudad de México 1955) trabajó en Francia como ayudante del director de fotografía Ricardo Aronovich, filmó con el director Nicolás Echevarría la película “Cabeza de vaca”, que ganó el Ariel y fue candidata al Óscar como Mejor Película Extranjera.

Participó en los filmes “Desperado” y “From dusk till dawn”, de Robert Rodríguez, así como “Silencio roto”, de Montxo Armendáriz. Con Quentin Tarantino filmó “Jackie Brown” y con Del Toro ha trabajado en “Cronos”, “El espinazo del diablo”, “El Laberinto del fauno” y las dos entregas de “Hellboy”.

“Es la primera ocasión que estos seminarios -organizados por la Fundación Autor de la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE) y el Instituto Luis Buñuel, ambos españoles- tienen lugar fuera de Europa”, dijo el comunicado sobre los talleres que serán impartidos en el festival de Guadalajara.

Los organizadores dijeron que en estos seminarios se ofrecen directrices para que una película iberoamericana logre penetrar en mercados internacionales, especialmente en Europa.

Otros ponentes serán Gerardo Herrero, presidente de Tornasol Films (España), Antonio Saura, productor de Zebra Producciones (España), y Claudia Landsbergerm directora ejecutiva de Holland Films (Holanda), según reseña la agencia Efe.

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Al igual que como ocurrió en el caso del protagonista de esta entrevista, el que esto escribe tuvo durante su estadía en el periódico El Heraldo de México la posibilidad de acercarme a un mundo lleno de glamour y fantasía, al cual muchos darían lo que fuera por estar dentro; además de estar cerca de otras personas que, con sus ideales y experiencias, me inyectaron más deseos de permanecer y crecer de manera profesional.

Su nombre es Gerardo Beretta, o Jerry Beretta (como le conocemos todos los que hemos convivido con él), experimentado fotógrafo artístico y publicitario que en breve, y de nuevo en complicidad con su esposa Carmen, dará a conocer un libro objeto, llamado “La Carmen”, el cual consta de fotografías de desnudos originales de ella, además de dedicarse a preparar dos libros más, uno sobre sus trabajos como fotógrafo artístico y otro en el que resumirá los 21 años que se dedicó a ser el fotógrafo oficial de los nominados, “Voces” y “Rostros” de El Heraldo de México.

Asistir a su estudio durante la preproducción de estos eventos, ya fuera como reportero o como asistente de la coordinación general, era un verdadero placer en todo el sentido de la palabra. La posibilidad de escuchar y formar parte de charlas amenas, probar buena comida y beber jugos, refrescos y hasta un buen vino de vez en cuando, además de poder conocer a “las estrellas” de una manera más humana y hasta hacernos “amigos” de ellos, era lo que formaba parte de esas mañanas, tardes y hasta noches de sesiones fotográficas con Jerry Beretta.

¿Qué dejó en ti, profesional y personalmente, la experiencia de formar parte del equipo de las Entregas de Heraldos?
“Fueron 21 años seguidos. Se dice fácil… pero la ‘netiux’ es que con todo y las sesiones largas y en ocasiones desveladas, es uno de los trabajos que forman parte de mi cosmogonía personal. Es como mis creencias, nadie me lo puede quitar. Me encantaba el sentir festivo, glamoroso, el cuchicheo de quienes, a su vez, participan en el imaginario de este país, su dedicación y algo que no me fue aparente al principio pero de lo cual, por arte de alguna magia o ángel se dio, la confianza que depositaban en mi persona y oficio.

“Espero que hayan sido pocos los casos en que no haya estado a la altura de las expectativas, con excepción de los que si conozco (dos o tres ‘namas’). Nadie es monedita de oro y en ocasiones, pocas, los defectos de carácter no son compatibles. Me encantaba que podía experimentar con luces, fondos, poses, siempre buscando entregarme a quién tenía enfrente. Ese era mi reto, tanto técnico como expresivo. Por supuesto que esto fue posible gracias a la mente abierta y generosa de quienes dirigían la operación, en especial Don Guillermo Vázquez Villalobos (Q.E.P.D.), Mauricio Peña Flores y sus magníficos colaboradores. Vaya, en 21 años no recuerdo (o no supe) haber tenido roce alguno con quienes me confiaban su trabajo y su cabellera (y la mía) si no quedaba bien”.

La lista de estrellas captadas por tu lente debe ser muy extensa…
“Demasiado larga. Lo que si puedo decir es que, gracias a este proyecto anual, tuve frente a mi cámara a un gran número de los grandes actores y actrices de mi país, así como a futuras luminarias que han demostrado tener lo que se necesita…ahhh ! y mujeres bellas. Esto fue un regalo”.

¿Recuerdas una anécdota que consideres digna de contar?
“Pues ¿que te diré? La anécdota general es que, siempre, llegaban con mucha prisa. Sólo tenían 15 minutos y, tres o cuatro horas después, aún estaban en el estudio. Magia o ángel, no se quién la operaba. En alguna ocasión, escuche a un director de cine decir que le aplicaran cámara italiana a una escena. Cuando me enteré cómo funcionaba me pasmé. Diplomacia absoluta y vieras que, en pocas ocasiones, y siempre a los principiantes Divos o Divas, una vez que ya tenía yo lo que se necesitaba aplicaba la técnica y todos felices.

“Algo que a la fecha celebro es cuando, fotografiando a Rafael Baledon y su esposa, que era pequeña de estatura, les pegunté como le hacían (!!!), y ella sin ningún empacho contestó: ‘Jerry, mientras el centro embone chín… a su madre las extremidades’ y ¡zas! una presencia maravillosa en sus fotografías y carcajadas de todos los presentes por supuesto. Así de grande era este asunto”.

Si la fotografía fue hecha con el corazón, lo técnico pasa a otro plano.

¿Cómo se convierte la fotografía en Jerry Beretta la fotografía en un modo para expresar sus ideas?
“Realmente no sé como, simplemente se dio. Es más, yo no escogí esta disciplina, ella me escogió a mí. Estaba en la universidad por 1968 estudiando Ciencias y Técnicas de la Información, lo que hoy llaman Comunicación, pero es una carrera distinta, y llevábamos taller de Fotografía el cual, por cierto, reprobé. Al año siguiente, mi padre me regaló una cámara y ¡zas! me clavé. Durante los siguientes cuatro años de carrera no dejé la cámara nunca. De hecho, se convirtió en mi estereotipo”.

¿Cómo se da el giro que la transforma en tu manera de vivir de ella?
“En 1972 se me presentó un libro llamado ‘Photographis’, editado en Suiza, que contenía lo mejor de la Fotografía Publicitaria del mundo, y ahí fue cuando conscientemente me dije que eso es lo que yo quería hacer. Comencé a trabajar en ello junto con un amigo, Sergio Zambrano, que ya hacía catálogos finos y había que mejorar la fotografía. Y como en todo oficio, el “clavarse” rindió frutos. Al poco tiempo, comencé a buscar clientes en el medio de la agencias de publicidad.

“La primer foto que me confiaron fue una de Hot Cakes en McCann Erickson que, por cierto, Doña Maria Luisa, mamá del magnifico cartonista editorial Paco Calderón, fue la estilista. Desde entonces he trabajado en el medio publicitario y de comunicación: anuncios, catálogos, portada de discos, retrato de artistas, propaganda política, etc., y nunca he dejado de producir fotografías de corte ‘auto encargo’, lo que me permite continuar desarrollando mi amado oficio”.

¿Que es lo que diferencia a tus fotografías de las demás, tanto en lo artístico como en lo técnico?
“Bueno en lo técnico, tanto antes como ahora (era digital), mantenerse en la cresta de la ola del bien hacer es un trabajo cotidiano y una pasión en si. En ocasiones ocurre que las circunstancias no confluyen para que todos los elementos de una fotografía se den de manera armónica y precisa, sin embargo, el resultado final técnico se deberá al conocimiento y buen uso que de las herramientas asequibles se haga. Y es aquí en donde aquello que tu llamas ‘artístico’ hace aparición.

“Estoy consciente que, para obtener una magnífica fotografía de ese momento volátil, debe haber voluntad y talento para ello en los involucrados. En otras palabras, si la fotografía de quién fuere se lee amable y por ello humana, y dice algo del que posa aunque sea por sólo unos segundos, y valga la pena verla, ¡ya chingué ! Pero, ¿que las diferencia de otras fotografías?, creo que sólo quien las ve podrá decirlo”.

El hecho de haber fotografiado el desnudo durante tantos años me ha hecho sensible a los sentimientos ajenos.

Eres un gran aficionado al sexo y a las fotografías de desnudos femeninos. ¿Qué es lo que deseas transmitir al público con ellas? ¿Cómo le haces el amor a una fotografía?
“La sexualidad es un gran obsequio de la naturaleza humana y, como en todo lo humano, hay que dirigirla, educarla, mas no precisamente con temor como lo han hecho hasta ahora clérigos y políticos, viejos socios siniestros en la conducción de masas de personas con nivel de abstracción básico.

“Debo agregar que el llamado ‘Nuevo Erotismo’ me fascina, pero más por lo directo que por lo postmoderno. Pienso que es una etapa necesaria en la expresión humana y que la tecnología ha facilitado para, en un futuro establecer otro camino a la sexualidad y su estética. Es como canción de protesta, casi todos tienen por qué y con quién cantarla. En otras palabras, hay que involucrarse en cuerpo, mente y espíritu para lograr un resultado amoroso”.

Con Carmen, y utilizando la fotografía como medio de expresión, tiró por la borda muchos tabúes.

¿Qué planes tienes para este año, laboralmente hablando?
“Voy a poner en orden una cantidad de archivo que se ha acumulado, aplicando lo que Ernest Hass, una de las vacas sagradas de la fotografia internacional solía decir : ‘Tira la basura o bien estarás asombrado de cuanto tienes y deprimido por lo poco que hay’.

“Lo que se salve lo voy a preparar digitalmente y buscaré la manera de sintetizarlo y publicarlo. Entre ello está la intención de hacer un libro de los 21 años que participé en los Heraldos. Mucho trabajo, mucho trabajo y yo que soy flojo”.

Sabemos que tienes un libro objeto, con fotografías de tu esposa Carmen…
“Exactamente al igual que este libro, que se titula ‘La Carmen’, es en el tono que voy a preparar el de los Heraldos y otro de mi trabajo fotográfico. Contiene setenta páginas, cada una de ellas es una fotografía original impresa en papel de algodón y tintas de carbón, intercalados con textos impresos en papel transparente y encuadernado.

“Ojalá encuentre la manera de publicarlo en forma tradicional para compartir lo que ha sido una de las travesías de vida más elocuentes de lo que significa llevarse bien y tirar por la borda muchos tabúes, utilizando la fotografía como medio de expresarlo”.

Ahora hablemos de la fotografía en movimiento Jerry, el cine. ¿Cuál es tu película favorita? Aquella que has visto tantas veces y aún vas por más.
“Sin duda ‘Lawrence de Arabia’, de David Lean. Necesitamos un Lawrence aquí en México, pero no creo que pueda”.

¿Quién es tu actor o actriz favoritos?
“Robert de Niro y Meryll Streep. A ella le creo todo”.

¿Cómo sería una película dirigida por ti?
“¡Una Catástrofe!”.

¿Qué opinas de la fotografía artística que se hace hoy día en México?
“No sólo hoy en día, desde que hay fotografía en México se realiza un tipo de fotografía difícil de producir en otro país. Tanto extranjeros como nacionales quedan extasiados ante lo bueno, lo malo y lo feo y hay algo en el aire que ronronea y lo propicia. Si bien se le da mayor difusión a la fotografía documentalista con, en ocasiones, compromiso social, quienes con su amado oficio laboran en otras áreas expresivas y también metafóricas son magníficos.

“Sin embargo, el estigma de ‘la vida no vale nada’ opaca a no pocos maestros. Vaya y lo conozco de primera instancia. Hay muchos fotógrafos que ni idea tienen que es el Derecho de Autor y menos qué significa. En ocasiones, me entristece cuando, por ejemplo, ve uno un libro de por ejemplo los Mayas, que fue editado en otras latitudes con fotógrafos enviados por ellos. Son pocos los proyectos que se desarrollan en México, de pocos lectores y menos poder de compra. Habría que hacerlos aquí con miras a la exportación y establecer esos canales. En cuanto a la fotografía publicitaria, pues qué te diré, con que se vea”.
Fotografías: Jerry Beretta.

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Fotografía de Manuel Montes de la serie Lazos de sangre, 2007. / DA

El uso del blanco y negro viene a reforzar ese aspecto del desnudo clásico. “Y además, porque aunque la vida es en color, la fotografía en blanco y negro es más realista y tiene mucha más fuerza, que el color, y además, el color dulcifica la imagen de alguna manera y le da matices menos fuertes”, señala. Una de las ideas de Montes era simplificar todos los conceptos, desde la puesta en escena, escenografía, maquillaje, incluso la propia desnudez, para restar elementos a la fotografía hasta quedarse en lo más puro, en la esencia. “A la vez que iba eliminando componentes, también intenté trabajar sin luz, por eso traté con los mínimos requisitos de iluminación, utilizando básicamente una luz principal, que atacaba el motivo o el sujeto con un ángulo determinado, pero básicamente una sola”, indica.

El desnudo se ha convertido en habitual en el trabajo de Manuel Montes sólo en los tres últimos proyectos. En Creadores mostraba retratos de artistas canarios hechos a tamaño natural, desnudos, y expuestos en el Centro de Arte la Recova en la bienal pasada. Íntimo cotidiano fue la siguiente exposición, y estaba basada en desnudos sobre los que se proyectaban luces de colores. “El público tiene la percepción de que todos mis trabajos son de desnudos porque estos trabajos se hacen más populares, y la gente los conoce más”. Hace poco tiempo también hizo una serie en la que mostraba monumentos naturales de Tenerife, que “eran paisajes en el concepto clásico, en blanco y negro, procurando esquivar todos los signos de progreso y la intemporalidad, para eliminar todo lo que podían ser casas, tendidos eléctricos y procurando hacer las obras en su contexto natural”. También es fotoperiodista, por eso le gustan las fotos de calle y de viajes.

Jóvenes

Montes opina que los jóvenes fotógrafos de ahora se siguen interesando por el desnudo, solo que “este género requiere unos preparativos ciertamente complejos”, y añade “los desnudos necesitan un espacio, o muy solitario, o un estudio adecuado para hacerlo, y contar con la complicidad de los modelos, y requiere una puesta en escena más complicada de hacer que por ejemplo fotodocumento, paisaje u otra cosa que no necesita más elementos que la cámara y tú”.

Sobre estos nuevos fotógrafos dice que tiene una virtud, que es la versatilidad puesto que viene de distintas ramas de la formación, “no solamente de la fotografía, sino también de historia del arte, bellas artes, periodismo, y otras, e incluso pintores y escultores se reciclan y alternan su trabajo con la fotografía”.

Manuel Montes trabaja también en vídeo y cine, y al respecto dice que en estos trabajos audiovisuales han influido, en la manera de hacerlos, en su formación fotográfica. “Todo lo que sea trabajar con la imagen, ya sea de carácter electrónico, vídeo o cualquier otro tipo, la base fundamental es la fotografía, el análisis de la luz, la composición, el encuadre, todos esos elementos son fotográficos. En el cine una figura que pasa desapercibida es la del director de fotografía y sobre él recae el principal papel a la hora de innovar los productos audiovisuales, y esos profesionales fundamentalmente proceden del mundo de la fotografía”, aclara.

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El ex director de DFoto, Enrique Ordóñez. [JOSE USOZ]

SAN SEBASTIÁN. DV. La Fundación Ordóñez Falcón anunció ayer oficialmente que renuncia a organizar la quinta edición de DFoto. Su responsable, Enrique Ordóñez ya había adelantado esta posibilidad y ayer lo confirmó: «La feria surgió dentro del ámbito de los acuerdos entre las instituciones y nuestra fundación para crear en el futuro el centro internacional de fotografía en Tabacalera. Había un apartado que se refería a eventos que destacaran la importancia de la fotografía y el vídeo en el arte contemporáneo y reforzaran el papel internacional de San Sebastián como ciudad de la imagen, papel que ya contaba con otro protagonista fundamental, el cine. Dentro de ese ámbito, fuimos bastante osados y creamos la feria internacional DFoto. El año pasado se llegó a la conclusión de que el Centro Ordóñez Falcón de Fotografía (COFF) no iba a estar en Tabacalera y la feria se quedaba en algo meramente comercial».

Ordóñez considera que la finalidad de la fundación no es hacer ferias comerciales. «Se ha demostrado que San Sebastián es una ciudad excelente para organizar este tipo de eventos y estaremos dispuestos a ayudar a cualquiera que quiera continuar con nuestra aventura. DFoto era sorprendente para una ciudad que no estaba en el circuito y que ha quedado claro que fue un acierto gracias al apoyo de todo el mundo».

Reitera que no crearon la feria para ganar dinero sino como un eje más de lo que debía ser una ciudad de la imagen dentro de unos criterios que se fijaron en su día, como la celebración de exposiciones o conferencias. «Si nuestra participación en el proyecto de Tabacalera no seguía adelante, perdíamos la sustancia de nuestras actividades».

No hay candidatos

Y aunque habla de su disponibilidad de ceder el testigo a otras personas para continuar con el evento fotográfico no tiene noticias de que haya alguna persona o entidad dispuesta. «Se ha demostrado que es interesante para la ciudad. Sean empresas o instituciones nuestro apoyo será total».

Es cierto que a lo largo de las cuatro ediciones de DFoto, Enrique Ordóñez se ha quejado reiteradamente de la falta de apoyo institucional, tanto porque no compraban obras durante la feria como porque tampoco ayudaban financieramente para atraer a los coleccionistas, que son el objetivo final de cualquier feria. Aunque ayer puntualizaba que ésta no es la razón de la renuncia. «Hemos luchado mucho en estos cuatro años, con la satisfacción que comporta sacar adelante algo desde la nada. Si en estos momentos hubiésemos tenido cualquier apoyo institucional, al no estar Tabacalera tampoco hubiésemos seguido».

Mantiene que es una buena oportunidad que una experiencia como DFoto o similar perviva, «porque ha tenido mucha repercusión».

Enrique Ordóñez asegura que el hecho de que un proyecto en el que había volcado tanta ilusión desaparezca no le deja un regusto amargo o ni se siente dolido. «Tabacalera ha tomado un camino diferente al que inicialmente se planteó y sus responsables creían que no encajábamos en él. Me queda una enorme satisfacción de haber consolidado en tan poco tiempo y con un equipo tan pequeño una feria que tenía su nombre dentro del ámbito internacional. Las cartas que estamos recibiendo estos días demuestran que no nos habíamos confundido. Transmiten un cariño extraordinario».

El ya ex director de DFoto no se muestra triste por la decisión porque «un clavo con otro se quita. Ahora todos nuestros esfuerzos se centran en sacar adelante el Centro de Arte Contemporánea de Huarte (Navarra)».

Este nuevo proyecto es el que le ha hecho aparcar la idea de crear en breve el Centro Ordóñez Falcón de Fotografía. Hace unos meses, tras conocer la decisión de Tabacalera, anunció que «tres ciudades españolas y una europea están dispuestas a acogernos porque un centro como el que concebimos no existe en Europa». Ahorala idea está en stand by «para centrarnos en Huarte. Cuando logremos ponerlo en marcha totalmente retomaremos la idea porque no hemos hecho un esfuerzo de veinte años coleccionando obra -junto a su mujer posee una de las colecciones europeas más importantes- para que se quede en nada. Siempre hemos mantenido que el lenguaje fotográfico y de vídeo es el del siglo XXI».

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Luis Hernández Serrano

I

Mi nieto de siete años se acostó en un campo de girasoles chiquiti­cos, que parecían margaritas, y me miró sonriente. Yo no tenía la cámara, pero su simpática imagen la llevo como una foto en mi cabeza, al igual que otras miles de escenas que han impresionado mi retina”.

Esta breve reflexión resume en cuerpo y alma a Ángel González Baldrich, uno de los más experimentados fotógrafos cubanos de todos los tiempos, en la primera entrevista de su vida. Desde hace casi cincuenta años firma sus gráficas con una sola palabra, como lo llama todo el mundo: Baldrich.

Nació en el barrio de Arroyo Apolo, en el municipio capitalino de Arroyo Naranjo, el 29 de julio de 1937. Su padre trabajaba en una ruta de guagua como jefe de línea, y lo llevaba con él a todos los lugares.

“No fui guagüero, aunque mi primer trabajo fue como mozo de limpieza de la ruta uno. No terminé el bachillerato y mi padre me dijo que tenía que trabajar. Yo limpiaba el piso de los ómnibus. Antes del año me quedé sin trabajo”.

A través de un amigo dibujante y diseñador de la publicitaria Mestre y Conill que vio sus dibujos y pinturas, comenzó a trabajar allí, y en su departamento de Fotografía se quedó fasci­nado cuando vio el proceso de impresión de las gráficas.

Con un fotógrafo al que califica de muy bue­no, Aladino Sánchez, aprendió a imprimir fotos. “No sé si tendría parentesco con el Aladino de la lámpara maravillosa, pero para mí al menos, era una magia lo que hacía en el laboratorio, no obstante a ser abogado de profesión. Al poco tiempo ya yo tomaba fotos en esa publicitaria, con mi primera cámara particular: una Ro­llieflex.

Cuenta que de muchacho, en las primeras fotos que tomó, empleó una cámara vieja de un vecino. Al poco tiempo se trasladó para la publi­citaria Siboney, frente al cine Acapulco, en Nue­vo Vedado, donde aprendió la técnica del reve­lado a color.

“La primera foto que me publicaron la tomé en la carretera que conduce a Bahía Honda, a un caballo que pastaba en primer plano y detrás se veía un valle y las montañas de la Sierra de los Órganos. La incluyeron en un anuncio comercial de las pastillas antiasmáticas Maico. Por lo menos salió en Bohemia”.

A Baldrich un día le dieron a revelar rollos con gráficas del Ejército Rebelde, e imprimió otras para propaganda del Movimiento 26 de Julio y en particular para el periódico clandestino Revolución.

“El 24 de diciembre de 1958 me dejaron ce­sante en aquella publicitaria y el triunfo del Pri­mero de Enero de 1959 me sorprendió desem­pleado nuevamente. Fui enseguida para allá y me dieron trabajo otra vez.

“Se unieron varias publicitarias en Radio­centro que poco después pasaron para frente al Hotel Nacional y con el transcurso de los meses se instaló allí la Comisión de Orientación Revo­lucionaria (COR), dirigida por César EscaIante, donde hice mis primeros pininos periodísticos.

“Ya como fotógrafo de prensa, mi primera gráfica se publicó en Pionero. Pero la foto mía de mayor repercusión fue un contraluz de Fidel, cuando inauguró la Escuela de Cuadros de la CTC, en La Coronela, a mediados de la déca­da del 70″.Estuvo inédita durante casi diez años, y a mitad de los 80 ocupó una primera página com­pleta de Juventud Rebelde. Tanto gustó ese contraluz que un profesor de Diseño que visitó el diario con sus alumnos, les dijo: “A esto es a lo que se le llama la imagen mínima”.

“La tomé de noche, a 15 metros de Fidel, antes de que subiera a la tribuna del acto. Una sola luz le daba en el rostro, de frente. Se te veía hasta el aliento al respirar, por el frío reinante. Yo tenía una Nikon recién estrenada y un lente de 300 milímetros. Fue tanto el foco de la gráfica que tuve que borrarle la respiración que se le congelaba en el aire”.

Baldrich recuerda cuando pasó a trabajar a la revista Mella. De esa época evoca sus reporta­jes por la Sierra Maestra durante la Crisis de Octubre en 1962, en páginas que se llamaron Mella en las trincheras.

No olvida a compañeros de esa publicación, como ChaIy Reyes, Frank Agüero, Peroga, Joaquín Ortega y a Juan DoIset. Baldrich ha realizad
o viajes de trabajo a varios países: Canadá, Alemania, lraq, Italia, España, Islas Cana­rias, Chile, México y Angola. El día de la fundación de Juven­tud Rebelde, en octu­bre de 1965, en que Fidel habló en el esta­dio Pedro Marrero, to­mó fotos bajo un agua­cero, con mucho cata­rro y 39 de fiebre.

II

“¿Tres de los mejores fotógrafos que ha tenido este diario? Reinaldo González, José Orozco (fallecido hace años) y Orlando Martí­nez Maqueira, quien murió recientemente, aún trabajando en Bo­hemia…, una irreparable pérdida.

“Para mí la fotografía ha sido todo en la vida. ¿Mis fotos más queridas? Además del contraluz de Fidel, otra que le tomé en el Pico Turquino, en 1965, cuando subieron los primeros médicos graduados por la Revolución. Solo se ve el fusil en el hombro de Fidel, un símbolo. Y la otra la tengo en un cuadro en la pared de mi cuarto: unos botes en la playa de Cojímar. La tomé cuando fui con Leonardo Padura a realizar un reportaje sobre Hemingway.

“¿Requisitos para ser fotógrafo? Observarlo todo con detenimiento, ser muy sensible ante lo bueno y lo malo, lo triste y lo alegre, lo pintoresco y lo grotesco. Querer llevar a la gente imágenes de lo que nosotros conocemos, y muchos por su trabajo no tienen el privilegio de ver.

“¿La emoción más grande? Cuando fui co­rresponsal de guerra en Angola, nos jugamos la vida. También cuando pasé el curso de piloto en Santa Fe, en aparatos como el Pipper, donde también voló el Che en 1960”.

Explica que antes en el laboratorio había que saberlo todo, para que las fotos salieran bien, y como cosa curiosa recuerda su reportaje a una farmacia china de la calle habanera de Zanja.

Dice que su plato fuerte es el paisaje y el retrato. Que es lo que le gusta, lo mejor que hace. Y menciona como sus fotógrafos favoritos, entre otros, a Osvaldo Salas, Raúl Corrales, José Tabío, Liborio Noval y Reinaldo González.

Si Baldrich hubiera tomado solo mil fotos anuales, en sus 47 años cámara en ristra, acu­mularía 47 000 en su vida profesional. Pero deben sobrepasar las 70 000. Y de ellas calcu­lamos que se han publicado en distintos órga­nos de prensa alrededor 8 000 ó 10 000. ¡Respetable estadística!

“Al privilegio de ser fotorreportero yo le llamo ‘maravilla’. Y parafraseando a Silvio, pienso que el fotógrafo ‘mira la tierra y sí ve más que tierra’, ve lo que el hombre ha hecho sobre ella con su trabajo y por ello merece fotos”.

Enfatiza en que Ios de su oficio no solo miran con los ojos, sino también con la mente y el corazón, aunque a él le gusta la improvi­sación, el “repentismo” en la fotografía.

“Sí, yo hablo poco, por mi carácter. Pero con­verso a través de las imágenes que capto. Hablo más con mis fotos que con mi boca. Me relaciono con los hechos y la gente poniéndolo todo dentro de mi cámara.

“¿Las fotos más difíciles? Algunas de las que me mandan a hacer. Y las más fáciles son aquellas que más me gustan: los trabaja­dores, los rostros, el mar, el paisaje, la natura­leza.

“Adoro el retrato porque el ser humano para mí es lo más importante. ¿Qué disfruto más? La foto que vaya hacer al día siguiente, el hecho nuevo, la incógnita de la nueva perso­na que vaya conocer y va a entrar en mi vida”.

Refiere que no extraña el cuarto oscuro, ni la ampliadora, ni el papel fotográfico, ni la química. Dice que fueron sus socios fuertes, pero llega­ron hasta un punto. Que son viejos compañe­ros. “Me despedí de ellos con cariño. Lo mismo debe ocurrirle a los redactores con la máquina de escribir y con el teletipo”.

Nos confiesa que pensó retirarse a los 60, hacer un bote y permutar para Guanabo, pero al enterarse de la llegada de la cámara digital y la computadora, escribió a la dirección del periódico y sugirió que adquirieran la técnica moderna.

“La foto digital es como tomar otro camino. Todos los días me asombra. Con lo nuevo se acabó aquel retoque a mano, pintando sobre la fotografía impresa, que te IIevaba media hora. Ahora todo se resuelve rápido con el mouse frente a la computadora: se quitan suciedades de los dientes, verrugas, cicatrices, manchas. Yo las arrugas de tu frente, por ejemplo, te las quito en un santiamén.

“Hay instantes tristes en que un niño llora porque la madre le pegó muy duro, y días felices como cuando el corresponsal nuestro de Ciego de Ávila, Luis Raúl, me dijo en su provincia: ¡Ah! ¿Usted es Baldrich? ¡Qué deseos tenía de conocerlo, me encan­tan sus fotos! Esas cosas para mí son diplo­mas del tamaño de la mesa esta. Me recompensan mucho.

“Mi oficio es una magia y mi cámara es mi vida entera. Siempre me ha
dicho la verdad, ha sido franca y abierta. En fin, la fotografía es mi gran amiga íntima”.

(Entrevista publicada en Juventud Rebelde, 12 de marzo de 2004)

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“Cuando el reportero gráfico tiene la cámara en la cara, está por lo que hace. No ve nada más. (…). La reacción es posterior, sobre todo en este caso, que fue terrible”, confesó años después. “Ves aquel espectáculo y empiezas a reaccionar y vomitar indignación contra el crimen”.

Sus palabras y sus imágenes, su condición de hombre y de cronista. Su forma partidaria de retratar el siglo XX español… La exposición Las vidas de un fotógrafo (abierta hasta el 6 de enero) cuenta esto y mucho más en el Centro Conde Duque de Madrid a través de más de 300 imágenes, carteles, diarios y entrevistas con David Trueba y Kim Manresa sobre su figura. El retrato lo completa su hijo Sergi de viva voz. “Mi padre era introvertido. Se entretenía viendo jugar a los niños en una plaza de Barcelona a través de una caja con un agujero. Le obsesionaban los encuadres. Quería ser cámara de cine”.

Pero cuando creció, Centelles empezó a trabajar en un laboratorio de fotografía y a colaborar con periódicos; llegó a la conclusión de que le sería más fácil buscarse la vida como reportero gráfico. La Leica, que compró en 1934 por 900 pesetas, obró después el milagro y le hizo olvidarse del cine. Con ella fotografió la vida cotidiana de la Barcelona anterior al alzamiento, pero también “su” Guerra Civil y “su” derrota. Ejerció el fotoperiodismo como juez y parte, así que no tuvo más remedio que exiliarse, y lo hizo cargado con una maleta llena de negativos. “Fue para evitar las previsibles represalias del Ejército franquista sobre los protagonistas de sus fotos”, afirma el comisario, Miquel Berga.

Centelles retrató su vida en el campo de concentración de Bram (Francia) y, una vez fuera, puso su experiencia al servicio de la causa y de un fotógrafo francés. “Colaboró con la falsificación de documentos para el grupo de resistentes españoles”, apunta Berga. Hasta 1944 no regresó a Cataluña y además sin sus negativos -los dejó a buen recaudo en la casa de unos amigos en Carcasona y no los recuperó hasta pasados unos años-. Centelles se libró de la cárcel, pero el franquismo lo condenó a no ejercer su profesión y tuvo que reinventarse a sí mismo; se hizo fotógrafo industrial y publicitario.

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En 1985 murió en Barcelona. No hacía ni un año que le habían concedido el Premio Nacional de Artes Plásticas. Un reconocimiento tardío.

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Rei Blanco expone su trabajo en los espacios expositivos de Capuy

Vislumbrado por la técnica y el lenguaje fotográfico, Rei Blanco no deja de explorar las miles de posibilidades que hay cuando se pone detrás de una cámara: “Estoy siempre fascinado con las posibilidades expresivas que descubro. Es una manera de sentir”".

Lo dice porque la exposición Re-crear que muestra ahora en la sala de Exposiciones Capuy (Av. Ppal El Bosque, CC Expreso, piso 3, Chacaíto), incluye varias series, muy diferentes entre si: Biogramas (hojas escaneadas); Nuevas familias (registro de performances, con un planteamiento casi cinematográfico); Tierra firme (fotos en blanco y negro hechas en el Orinoco, registran primeros planos de nudos y elementos de muelle); Venus Magcy (fotos impresas en acero perforado); Parque Central, (una foto arquitectónica tomada con un lente hecho por el artista, que semeja un ojo de pez).

La diversidad de tratamientos no es incoherente para Blanco, por el contrario, es normal tener investigaciones diferentes por sus inquietudes en áreas afines como el arte, la fotografía, el cine y el teatro. Sin embago, todos estos trabajos tienen en común sus inquietudes son por el lenguaje fotográfico. “No me dedico a un tema nada más sino que voy explorando a medida que van surgiendo algunas inquietudes”.

Teniendo tantos lenguajes a mano, a Blanco le atrae el lenguaje fotográfico por sus limitaciones: “En la fotografía se está limitado a un cuadro, y llevar ese solo instante a tener una máxima expresión de lo que puedes decir, es lo mas fasciante: Estar limitado a ese justo instante. Eso no sucede con otro lenguaje. Eso lo hace un reto”.

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