Fotografía Dominicana » Che Guevara

Concurso de fotografía “Imágenes de una Historia”

Juan Guzman — Mon, 20 Oct 2008 12:38:53 +0000

“… En cualquier libro de técnica fotográfica se puede ver la imagen de técnica y las dimensiones de las obras.

un paisaje nocturno en el que brilla la luna llena y suyo texto

explicativo nos revela el secreto de esa oscuridad a pleno sol, pero la

naturaleza del baño sensitivo con que está cubierta mi retina no es

bien conocida para el lector, apenas la intuyo yo…”

Ernesto Che Guevara

“Entendámonos”, 1951

En conmemoración al 50 aniversario del Triunfo de la Revolución, de

la Batalla de Santa Clara y del descarrilamiento y toma del Tren

Blindado, el Monumento que recuerda esta acción convoca al

concurso de fotografía “Imágenes de una Historia”.

Los interesados podrán seleccionar uno o más lugares relacionados

con estos acontecimientos sin límite de obras, en fotografía

analógica o digital. Se puede participar con fotomanipulaciones

digitales respetando los requisitos establecidos.

No se admite ninguna obra premiada en eventos anteriores.

Se sugiere utilizar el formato de 30 cm. x 40 cm, exceptuando

aquellas obras que por sus características exijan otras dimensiones.

La premiación tendrá lugar el día 29 de diciembre de 2008 en

nuestra Institución y estará acompañada de la exposición de las

obras más relevantes que incluirá las fotografías premiadas.

Los trabajos pueden ser entregados o enviados al Monumento a la

acción contra el Tren Blindado, Carretera a Camajuaní entre línea

férrea y puente La Cruz, Santa Clara, Villa Clara, hasta el día primero

de diciembre, acompañados de los datos del autor, el título, la

“… En cualquier libro de técnica fotográfica se puede ver la imagen de técnica y las dimensiones de las obras.

BASES IV CONCURSO NACIONAL DE FOTOGRAFÍA NATALIO PURAS (APECO), 2011 MINISTERIO DE CULTURA SUBSECRETARÍA DE CULTURA PARA LA REGIÓN NORTE...
Premiación IV concurso Nacional de fotografía APECO, blanco y negro (2011) Tesoro de Cimarrón, fotografía ganadora del primer lugar. Artista: Pedro...

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El Che : INAUGURACIÓN DE UNA MUESTRA QUE HA GENERADO DEBATE EN EEUU Y GRAN BRETAÑA

Juan Guzman — Thu, 25 Oct 2007 15:52:00 +0000

Una exposición en BCN revisa la transformación del Che en marca

• La Virreina exhibe 300 piezas que explican la conversión del símbolo revolucionario en producto
• Dos artistas cubanos utilizan al guerrillero como modelo de publicidad para relojes y automóviles

: Los Dobles del Che, una colección de imágenes de internet reproducidas en el catálogo de la muestra. Foto: CH€! REVOLUCIÓN Y MERCADO

GEMMA TRAMULLAS
BARCELONA

En plena revisión del mito del Che y cuando se cumplen 40 años de su muerte, llega a Barcelona Ch€! Revolución y mercado, una exposición sobre el proceso de transformación de la fotografía del guerrillero que tomó Alberto Korda en 1960, inicialmente un icono revolucionario, en una marca de consumo global. La comisaria de fotografía contemporánea Trisha Ziff ha investigado durante tres años los distintos usos de esta imagen: “¿Por qué el Che? –se preguntaba ayer ayer poco antes de la inauguración–. Porque es un fenómeno. No hay otra imagen como esta en la historia de la fotografía. No solo es la más reproducida de la historia, sino la más maleable. En esta cultura donde no hay nada sagrado, solo la esvástica permanece inalterada”.
La muestra de la Virreina reúne unos 300 objetos de 30 países que reproducen la imagen conocida como El guerrillero heroico, desde la hoja de contactos de Korda –en la que antes del fotograma de Ernesto Che Guevara aparecen los de Simon de Beauvoir y Jean Paul Sartre, que ese día también estaban en La Habana– hasta un billete de dólar con el rostro del Che en lugar del de Abraham Lincoln. Antes de llegar a Barcelona, la exposición ha pasado por Nueva York, México, Londres, Amsterdam, Tenerife y Milán, donde ha suscitado reacciones dispares.

PROTESTAS
En Estados Unidos provocó las protestas de la comunidad cubana residente en Miami, en Londres borraron de la lista de invitados a la inauguración al líder del Sinn Fein, Gerry Adams, y en Milán “todos los taxistas decían que la habían visto, supongo que por la tradición eurocomunista del país”, según contó Trisha Ziff. En Barcelona, la portavoz del PP en el Ayuntamiento, Àngels Esteller, criticó la muestra porque el Che “era un guerrillero que defendía métodos violentos”. El delegado de Cultura del Ayuntamiento, Jordi Martí, contestó ayer que, con esa premisa, “tampoco se podría estar representando la obra Stalin en el Tívoli”.
Para la exposición de Barcelona se han añadido varias obras nuevas, entre ellas un póster de Joan Fontcuberta en el que el artista sostiene una loncha de jamón ibérico donde, al estilo de la sábana santa, se entrevé la imagen del Che. Otra novedad es la instalación de los artistas cubanos Jorge Mata y Radamés Molina. Basándose en fotos históricas del Che con un reloj Rolex y apoyándose en un Toyota Land Cruiser en Bolivia, los autores crean falsas campañas de publicidad protagonizadas por “nuestro modelo favorito”.
Trisha Ziff describía ayer la fotografía de Alberto Korda como “un logotipo, una franquicia, un negocio” y avanzaba una hipótesis sobre por qué, 40 años después, es posible encontrar exactamente la misma imagen “en una camiseta de 600 euros en una boutique árabe y en el tanga de una brasileña”: “La imagen solo puede sobrevivir en el sistema capitalista siempre que retenga el radicalismo que lleva dentro. Los jóvenes que llevan camisetas del Che no saben mucho de él, pero intuyen que simboliza el cambio y quien lo lleva se destaca de la mayoría. Es una imagen que se las ha apañado para reflejar los sueños de una generación y esta contradicción es lo que la hace fascinante”.

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Vida ,pasión y resurrección de la Performance

Juan Guzman — Thu, 31 May 2007 14:17:00 +0000

Rolando Peña

La imaginación es más importante que el conocimiento.
Albert Einstein.

“Si extraemos cosas preciosas de la tierra, invitaremos al desastre.Próximos al día de la purificación se tejerán telarañas de un lado al otro del cielo.Puede que algún día caiga un recipiente lleno de cenizas, que quemará la tierra y hará hervir los océanos.”

Profecías HOPI.

Definitivamente fui un niño precoz, mi primer happenings lo hago a la edad de 7 años, mi hermano Ramón me tomó una foto en el Lago de Maracaibo orinando; y comenzó mi historia: Vida, Pasiones y Resurrecciones. Dibujaba con creyones prismacolor y armaba mecanos, lector insaciable de Emilio Salgari, Alejandro Dumas, Julio Verne, Las novelas Westerns de Stephania, Oscar Wilde, William Shakespeare, Walt Witman, Las Mil y una Noche; esto por supuesto prendió una imaginación, llena de corsarios, mosqueteros, héroes, antihéroes, viajes, perfumes, ropaje, sabores, mujeres…., mujeres, y así continúan las cosas.

1.958: Liceo Andrés Bello, actor en la obra “El Convidado de Piedra”, basada en la vida de Don Juan, de Alejandro Pushkin, director Eduardo Calcaño (Anécdota con Claudio Perna).

1.959: Comienzo los estudios de teatro en La Escuela del Sindicato de Radio y Televisión. Profesores, Román Chalbaud y Rafael Briceño. Tomo clases de baile en el Ballet Nacional de Venezuela, de las Hermanas Contreras. 1.960, asisto al Festival Mundial de la Danza, Habana, Cuba, con este grupo. 1.961, se funda el Techo de la Ballena en el garaje de mi casa, en la Urb. El Conde (Carlos Contramaestre, médico de profesión y Gonzalo Castellano, Arquitecto) convencen a mi santa madre, que ellos eran decentes y llenos de buenas intenciones. Paralelamente ingreso a la Escuela de Teatro del Ateneo de Caracas (Horacio Peterson), Danza Moderna con Griska Holguin y Sonia Sanoja, Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas, Facultad de Arquitectura (UCV), Teatro Universitario, donde conozco a José Ignacio Cabrujas, Álvaro de Rosson, Nicolás Curiel (Director). 1.965: fundo en complicidad con José Ignacio Cabrujas la “Pequeña Compañía”, Teatro y Danza en el TEA (Teatro Experimental de Arquitectura) con la cual montamos “Testimonio” y “Homenaje a Herry Miller”, los primeros espectáculos multimedia realizados en la América Latina (teatro, danza improvisada, proyecciones de diapositivas, cine, luces especiales, etc.). Después de estas experiencias me fui a vivir a New York City. Ya en 1.963 había estado en esa ciudad tomando cursos intensivos de danza con Marta Graham, y Alwin Nikolai. 1.966 monto “The Illumination of the Buddha”, primer espectáculo psicodélico en N.Y.C., con Allen Ginsberg y Timothy Leary (El profeta del LSD). 1.967 fundo y dirijo “The Fundation for the Totality” con Juan Downy, Manuel Quinto, Jaime Barrios, Waldo Díaz Balart, José Rodríguez Soltero y muchas bellas chicas (primer grupo de vanguardia latinoamericano fundado en New York City). Comienzo a trabajar en “The Factory”, con Andy Warhol, participo en varias de sus películas y con la “Fundation for the Totality”, realizamos muchos happenings y teatro de guerrilla en las calles de N.Y.C. En 1.968 realizamos la primera película sobre el Che Guevara, “Diálogo con Che” (idea y actor principal), director José Rodríguez Soltero, con esta película fuimos invitados a los principales festivales de cine del momento: Cannes, Berlín, Spoleto, Munich, Roma, La Cinemateca “Palais de Chaillot. París, etc. Participo en infinidad de eventos en este período. 1.975 formalizo mi incursión en las Artes Plásticas con la Santería (gráficas, fotos, instalaciones de altares, etc.), en el Bogarin Workshop Gallery, N.Y.C., con esta muestra inauguro La Sala Anexa del Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imber, texto de presentación de Aquiles Nazoa y Gregory Battcock. Esta exposición recorro gran parte de Venezuela en compañía del músico Vitas Brenner y Aquiles Nazoa. Me regreso a N.Y.C y luego de un largo viaje por Europa voy a la casa de Leonardo DaVinci, en Vinci, Italia, y siento en carne propia la estética de las perspectivas (o che dulce cosa e questa Prospecttiva! Paolo Ucello). 1.979 monto “The Seven Vanishing Points” (Performance, Installation, Imágenes Fotográficas Intervenidas), en la Cayman Gallery, N.Y.C., y luego en Caracas en la Galería “G”. 1.980 comienzo a desarrollar el tema del petróleo como concepto, ícono del arte contemporáneo y para esto me valgo de todos los medios de expresión, fotos, gráficas, intervenciones, performance, instalaciones, esculturas monumentales, internet, CD rom, videos, DVD. Por supuesto desarrollando el concepto de la unión Arte, Ciencia y Tecnología. A mediados de los 80 conozco a Claudio Mendoza, astrofísico, y comenzamos una relación de trabajo con estos conceptos. Realizamos el proyecto “Mené Digital”, Centro Científico IBM. Este libro y exposición se montó en el Centro de Arte del Banco Consolidado, en 1.993. El evento fue bautizado por José Ignacio Cabrujas. En 1.997 participo en la XLVII Bienal de Venecia, Italia, representando a Venezuela. En 1.999 monto el “Modelo Estándar de la Materia: Tributo al Siglo XX”, en el MACCSI. 2.002 monto “Ruptura Espontánea de Simetría: El Barril de Dios”. Con esta muestra, giro por España, Londres, Italia, París. En el 2.004 la Escuela de Letras de la Universidad Católica Andrés Bello rinde un homenaje a mi obra con un ciclo de charlas denominadas “Arte, Ciencia y Tecnología en la obra de Rolando Peña”, y presento la exposición “Imágenes de la Resistencia” (fotos digitales, acciones, videos) en la Sala de Fotografía Margot Benacerraf, Ateneo de Caracas. Organizo “Los Diálogos de la Reistencia” en la O.N.G. (Organización Nelson Garrido). 2.005 presento “La Energía Oscura: Tributo a Albert Einstein” (instalación multimedia interactiva) en la fundación Corp Group, centro cultural. Esta muestra sirvió para celebrar el año mundial de la física. Aparte de las actividades como artista plástico he trabajado como curador y promotor de exposiciones de carácter internacional como “Les Droits de L’Art” en París, Francia, organizada dentro del marco de la celebración del “Bicentenario de La Revolución Francesa” en 1.989; Pierre Restany, “Le Coeur et la Raison”, Morlaix, Francia, y la curaduría de la participación venezolana en la “V Muestra Internacional de Vídeo” en Sevilla, España, ambas en 1991; y “Au Dela”, Observatori 2.001 en el 2º Festival internacional de la Investigación Artística de Valencia, España. He dictado conferencias sobre Arte de Vanguardia en Universidades, Fundaciones y Museos de Europa, Estados Unidos y Venezuela.

Ser indiferente es ser Cómplice Lo contrario de la Libertad, es la Muerte Lo heroico es comprender lo cotidiano y transformarlo en Arte Petróleo seré, mas Petróleo enamorado.

Rolando Peña, Caracas, O.N.G. 2.007.

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Andy Warhol: un artista presente ´hasta en la sopa´

Juan Guzman — Mon, 19 Feb 2007 17:13:00 +0000

A 20 años de su muerte, el padre del pop art es un icono y su obra se reproduce en objetos variados como tazas o jeans

Wilbert Torre
El Universal
Lunes 19 de febrero de 2007

NUEVA YORK.- Si tienes 30 dólares puedes ir a un almacén fotográfico de la calle 51 de Nueva York y, en unos minutos, tendrás en las manos tu rostro impreso como si fuera una de esas obras coloridas y excéntricas de Andy Warhol.

A 20 años de su muerte, el artista pop se multiplica en tasas de café, álbumes de música, camisetas, bolsas de mujer, calendarios y tarjetas de felicitación que se venden en Estados Unidos, Europa, Asia, África y América Latina. Al mismo tiempo, en las grandes subastas internacionales, Warhol sigue rompiendo sus propios récords.

Andrew Warhola era hijo de un minero y una mujer que cultivaba flores. La mayor parte de su vida utilizó un nombre falso, un peluquín platinado y falleció en medio de un escándalo.

Dos décadas después de muerto ha probado la efectividad de su filosofía, la cual entendía al arte como negocio: Andy Warhol, el personaje excéntrico al que encarnó durante cuatro décadas, es el artista pop más exitoso del mundo.

El 22 de febrero se cumplirán 20 años de que Andy Warhol murió en Manhattan, y el rubio tímido que daba entrevistas monosilábicas, el que era desafiantemente gay, el mismo que se operó la nariz apenas alcanzó la mayoría de edad, se mantiene sin duda como uno de los estadounidenses más importantes del siglo pasado y uno de los artistas más exhibidos y mejor cotizados.

Warhol tuvo la audacia de producir imágenes comunes en cantidades industriales que tuvieran un impacto devastador y que resistieran el paso del tiempo: su lata de conserva Campbells ha mutado en un icono tan vendido y publicitado como la legendaria fotografía del Che Guevara, inmortalizada por el fotógrafo cubano Korda.

Warhol no sólo era un artista de vanguardia, sino un observador irónico del consumismo, que replicó en el arte el efecto de la producción en masa. Por eso sigue siendo uno de los personajes más exitosos en la historia del arte contemporáneo: sus obras recorren importantes galerías de París, Londres y Nueva York, como si se tratara de un artista en boga.

Es el Dorian Gray del arte pop: sus obras no envejecen, no pasan de moda y se pueden encontrar donde sea, como si detrás de ellas hubiera una elefántica mercadotecnia.

También juega a la ubiquidad: está enterrado en un cementerio de Pittsburgh, pero se encuentra más vivo y vigente que nunca. Además de toda la parafernalia, otro ejemplo es que Levi´s, el gigantesco emporio que ha vestido a millones en el planeta, produjo su propia obra “warholesca”: unos vaqueros que llevan impresas varias de sus famosas imágenes. Los jeans Warhol Factori X -como fueron bautizados- se lanzaron a la venta en 185 dólares.

El legado de Warhol y su influencia en el arte pop de estos días es indiscutible. La Fundación Andy Warhol de Nueva York coordina la exhibición de su obra en todo el mundo y es una reconocida institución de aliento a los artistas contemporáneos.

El Museo Warhol de Pittsburgh posee una extensa colección de objetos personales y obra del artista y auspicia talleres en los que analiza la filosofía, pensamiento y proceso creativo de Warhol.

FUNGLODE exhibe hasta el 29 de abril la exposición fotográfica “Patrimonio Nuestro” Frederic Emam-Zade, Catherine Florentino, Victoria Thomen, Amanda Tatiana Forteza y...

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Para una historia de la fotografía: Fidel en la Sierra Maestra, 1958

Juan Guzman — Sat, 10 Feb 2007 12:07:00 +0000

Por: Rufino del Valle

10 de Febrero, 2007

La foto y su historia: Fidel Castro en la Sierra Maestra, 1958

Después del desembarco en Las Coloradas y del desigual enfrentamiento con las tropas de la dictadura de Fulgencio Batista en Alegría de Pío, Fidel Castro y doce combatientes partieron a la Sierra Maestra, la altura más alta de Cuba. Durante dos años pelearon fuertemente para hacer a Cuba Libre y soberana, como lo soñó José Martí. Esta es una de las imágenes más divulgadas internacionalmente del jefe de la Revolución Cubana, en esa etapa. Fue publicada por primera vez en el semanario francés París Match y fue tomada por el fotógrafo y periodista español Enrique Meneses en febrero de 1958, en la zona de La Mesa, antigua provincia de Oriente.

Meneses Miriaty, Enrique (Madrid, 21 de octubre de 1929)
Fotógrafo, periodista, profesor de fotoperiodismo y escritor español. Director de ABC de Las Américas, creador y director de “Los Aventureros” en Radio Nacional Española, y ha colaborado en decenas de diarios y revistas de todo el mundo. Está considerado uno de los pioneros del fotoperiodismo español, maestro de fotógrafos y periodistas. Ha vivido en Francia, Portugal, Egipto y Estados Unidos, y ha viajado por la India, Oriente Medio, el África negra y Cuba, entre otros países. Testigo de excepción de los acontecimientos más importantes de la segunda mitad del siglo veinte; pernoctó con los manifestantes de la marcha sobre Washington que lideró Martin Luther King; fotografió la Guerra de los Seis Días entre Egipto e Israel, el entierro del presidente Kennedy, la boda de los reyes de España; entrevistó al Dalai Lama, a Nasser, a Abdel-Krim; ha sido Chief-Bureau de París-Match para Oriente Medio y fue el primer reportero gráfico que ascendió a la Sierra Maestra en la última quincena de 1957. Allí fotografió y convivió con Fidel Castro, el Che Guevara y el resto de los barbudos de la Comandancia Rebelde. Los negativos en blanco y negro, tomados en Cuba, los reveló en casa del ingeniero Agustín Capó, un aficionado de lujo a la fotografía, en La Habana y los de color en el Studio Naranjo con la colaboración del fotógrafo Rolando Montalbán. A su regreso a España, a mediados de los sesenta, monta Fotopress con Prensa Española y posteriormente crea y dirige para Televisión Española el programa A toda plana. Más adelante forma parte del equipo de Los Reporteros, y luego produce Robinson en África, además de dirigir la edición española de Playboy. Como periodista y escritor es autor de numerosos libros como: Fidel Castro (Ed. Afrodisio Aguado, 1966); Nasser, el último faraón (Prensa Española, 1970); La bruja desnuda (Ed. Alce, 1976); Seso y Sexo (Ed. Campus, 1979); Escrito en carne (Planeta, 1981); Una experiencia humana… Robinson en África (Planeta, 1984); La nostalgia es un error (Planeta); José Luis de Vilallonga (Grupo Libro 88, 1993); Castro, empieza la revolución (Espasa Calpe, 1995); África, de Cairo a Cabo (Plaza & Janés, 1998); Hasta aquí hemos llegado (Ediciones del Viento, 2006). En la actualidad es colaborador de Periodista Digital, donde mantiene su propio “blog”.
(Datos tomados del Diccionario de la Fotografía Cubana de Ramón Cabrales, en edición)

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En Chile se aplaude a fotógrafos bolivianos

Juan Guzman — Mon, 18 Dec 2006 02:19:00 +0000

Por la muestra Bolivia más allá del tiempo, que se encuentra en Santiago de Chile, han pasado miles de visitantes. La prensa local y mundial ha ponderado el conjunto.

Desde Galicia hasta Australia, la prensa ha dedicado amplias notas a la muestra de fotografía boliviana que Acción Cultural, dirigida por Sandra Boulanger, hace posible en Chile. Los medios locales y agencias del mundo se hicieron eco de la muestra, atraídos por las fotos del Che Guevara muerto, tomadas por Freddy Alborta. Con ese gancho, la mirada extranjera dio el salto hacia lo nuevo que en fotografía se produce en el país: con sorpresa y con elogios por la variedad de conceptos que se desarrollan sobre la imagen fija.

Waldermar Sommer • Una vez más se hace admirar el arte boliviano. Primero fue la maravillosa pintura colonial. Ahora, una especie de síntesis histórica de su fotografía. Nada sabíamos de ella.(…) En líneas generales, cabría caracterizar esta exposición por sus marcadas raíces costumbrista y popular, por su permanente ánimo nacionalista, por el empleo predominante del blanco y negro.

Núñez de Arco. La colección Núñez de Arco da comienzo cronológico a la exposición con un grupo de placas de vidrio de 1910. En amplias dimensiones, un mismo autor anónimo y un mismo protagonista les dan el ser. Corresponde este último a un carismático hombre de estatura muy menguada. Se lo presenta con el ropaje, con la puesta en escena, como animador del más barroco de los mestizajes. Parece encarnar, pleno de dignidad, los poderes político y religioso del siglo XVIII. Dos imágenes suyas —A caballo y Poco más de un metro— resultan de una originalidad y vigor expresivo inolvidables. También anónimos y de comienzos de la centuria pasada hay que destacar la calidad visual y documental de Mineros (L.D. Gismondi), además de la gracia argumental de Comparsa de los bohemios y de Joyería Rubio, ambas de Julio Cordero.

Alrededor del Che Guevara. Ya realizada a fines de los años 60, la serie de instantáneas alrededor del cadáver del Che Guevara ha hecho famoso, internacionalmente y con razón, a Freddy Alborta. Nadie como él supo captar el aura heroica, insólitamente emanada de esos despojos.

Entre los fotógrafos bolivianos de la actualidad, sobresale (…) Sol Mateo. Su propuesta surge más ambiciosa y conceptual que la de sus compatriotas. Así, además de un muy convincente video, opta por situaciones con violento contraste temático (…) Asimismo, una idea bien definida sustenta Antofagasta, de Erika Ewel. Interesante instalación de 2004, consta de un cuarteto fotográfico intervenido, al que se integran, con sencillez y eficacia, agua y unos pocos objetos: pecera y barquito de papel. Sin duda, su mensaje hacia el país visitante no podía ser más explícito. Si ahora la obra del valioso y conceptual Roberto Valcárcel no llega a convencernos —confusa y poco unitaria—, ocurre lo contrario con un fotógrafo naturalista y directo, Patricio Crooker. Su políptico en colores retrata la individualidad de rostros masculinos curtidos con intensidad por la vida. Son los Guerreros (2006) que combatieron en el Chaco. Boulanger recoge La espera. Ahí, su situación y la manera de enfocarla se vinculan a las tomas multitudinarias de cien años antes. El Mercurio

Mario Fonseca • Bolivia es un país difícil por una multiplicidad vital que no permite definirla sin dejar siempre algo fuera. Sean sus etnias originales y la supervivencia de éstas tras medio milenio de dominio blanco; sea su historia de ingentes riquezas y oprobiosos despojos; sea su política de grandes visiones rayanas en lo utópico o de pequeñas ambiciones refociladas en lo pedestre, estas dimensiones contrastantes quedan ilustradas al recorrer su geografía (…) Así, hacer arte en Bolivia resulta también muy difícil: la gravitación identitaria es tan fuerte que los trayectos zigzaguean entre la convocatoria de las raíces vernáculas y la mirada excéntrica por la que sus artistas intentan situarse en el universo contingente y global. La muestra de fotografía boliviana permite atisbar estas vicisitudes (Además de las fotos de archivo), nueve autores que transitan dos generaciones ponen en exhibición sus síntesis de identidades colectivas e individuales, desde testimonios expresivos o interpretaciones oníricas de la realidad. Los retratos empecinados de Crooker o los pájaros de fuego de Palza recolectan datos duros locales para restituirlos con intensidad, en tanto Anastasov y Lampo lo hacen a mayor distancia, con-

signando las ironías de la transculturización. Lombardi exacerba estos intercambios en su escena matrimonial, bordeando el efectismo sociológico, mientras Sol Mateo cae directamente en un epater le bourgois algo trasnochado, si bien salva su Vic-

toria. En Valcárcel parecen converger periplos biográficos, y no tanto en fotografías intervenidas como en una suerte de pinturas digitales cargadas de anécdotas. Boulanger interviene fuentes análogas y digitales con coloreado manual y barnices, en que a veces la imagen de fondo parece querer sustraerse de tanto acopio y otras lo suma como atributo. Ewel, en fin, trabaja la fotografía desde las artes visuales, logrando el desplazamiento de su origen documental a la voluntad de la artista en la consecución de un nuevo espacio expresivo. En lo que nos atañe en Chile, su políptico Antofagasta no puede ser más pertinente, y no tanto por su evocación histórica sino por la emotiva, que es la que finalmente persiste en el tiempo.

La exposición

Título • Bolivia más allá del tiempo, fotografías.

Lugar y fecha • Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago de Chile. Hasta el 31 de diciembre de 2006.

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Collage de grandes fotógrafos Colectiva de fotografía en la galería Marlborough ‘Juicio Final’, obra...

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Fototeca de Cuba: 20 años de historia

Juan Guzman — Tue, 21 Nov 2006 12:22:00 +0000

La Fototeca de Cuba, particular museo-galería ubicado en la Plaza Vieja, en pleno corazón del centro histórico de la Habana Vieja, llega este noviembre a sus 20 años de fundada. Allí se preserva buena parte de la memoria iconográfica de más de 165 años de historia de la fotografía en este archipiélago.
Y para celebrar este aniversario ha sido organizado un coloquio, del 20 al 22 de noviembre, al que han llamado mes de la fotografía. Los encuentros teóricos tendrán por sede la propia Fototeca, de 9:30 de la mañana a 1:30 de la tarde. Participarán artistas, especialistas, críticos, curadores e interesados de México, España y Cuba.
Habrá conferencias sobre temas como la conservación y las colecciones de fotografía, la semiótica de la imagen, la comercialización y la obra fotográfica, nuevas tecnologías en la fotografía, el fotoperiodismo en la actualidad, la fotografía latinoamericana, así como fotografía cubana contemporánea, entre otros.
Para la conclusión del coloquio se prevé la inauguración de la exposición “Reencuentro”. Esto será el miércoles 22 de noviembre, a las cinco de la tarde, en el Convento de San Francisco de Asís.
Miles de fotos y negativos, colecciones de libros, documentos y catálogos de Cuba y otros países son atesorados en las bóvedas de la Fototeca. Esta institución, perteneciente al Consejo Nacional de las Artes Plásticas, cumple las funciones de archivo, museo y galería para mostrar la historia y el presente de esa manifestación de las artes visuales en la Isla.
En 1840 se realizó la primera fotografía en nuestro país y un año más tarde, el 3 de enero de 1841, fue inaugurado el primer estudio fotográfico público de Cuba y de Iberoamérica. Éste estuvo ubicado en la calle Obispo, en La Habana Vieja. Con una historia que llega ya a los 166 años, el arte fotográfico cubano ha recogido buena parte de nuestra memoria colectiva y ha logrado situarse en lugares de avanzada dentro de la cultura nacional.
Y precisamente para conservar, estudiar y promover ese rico y extenso patrimonio fotográfico del país fue creada, en noviembre de 1986, la Fototeca de Cuba. Allí también ha tenido espacio la difusión de la fotografía internacional.
La Fototeca cumple funciones de archivo, por cuanto guarda una amplia y valiosa colección de documentos; constituye, a la vez, un museo, donde se atesora la más amplia y valiosa colección de fotografía cubana conocida hasta el momento. Del mismo modo, es una galería, con salas de exposiciones transitorias, en las que se exhiben generalmente obras no pertenecientes a la colección, tanto de creadores cubanos como extranjeros.
La institución sirve de sede igualmente para la realización de conferencias, cursos y talleres, tanto prácticos como teóricos, de carácter nacional y extranjero.
El triunfo de la Revolución, en 1959, concedió a la fotografía un sitio especial. Muchos estudiosos y artistas reconocen que a partir de ese momento comenzó su historia como género coherente. Los fotógrafos lograron entonces imágenes que movieron resortes en el espectador, mientras que otras se convirtieron en íconos. Entre las múltiples obras paradigmáticas de los años 60 de la pasada centuria, se encuentra la famosa foto de Ernesto Che Guevara, realizada por Alberto Díaz, Korda, el 5 de marzo de 1960, en La Habana. Esa imagen ha sido considerada por los críticos como uno de los diez mejores retratos fotográficos de todas las épocas y la instantánea más reproducida de la historia de la fotografía mundial.
Pero la Fototeca de Cuba no sólo recoge en sus principales colecciones la obra de nombres imprescindibles de la historia del arte fotográfico en esta Isla, sino que también promueve hoy la obra de los jóvenes talentos.
Con una larga tradición que acumula ya 166 años de historia, los fotógrafos cubanos de diferentes generaciones muestran una consolidada obra de innegables valores, todo lo cual es atesorado y difundido por la Fototeca de Cuba. Allí dialogan el pasado y el quehacer más actual de esta manifestación de las artes visuales.

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Fototeca cubana orgullosa de foto al Che Guevara

Juan Guzman — Mon, 20 Nov 2006 22:29:00 +0000

La Fototeca de Cuba, que preserva gran parte de la memoria iconográfica de la Isla de los últimos 165 años, cumple hoy XX años, con uno de los mejores retratos del mundo en sus archivos.
Se trata de la famosa foto de Ernesto Che Guevara, tomada el 5 de marzo de 1960, en la Plaza de la Revolución de La Habana por el artista cubano Alberto Díaz, Korda, ya fallecido.
Esa imagen ha sido enaltecida por la crítica y se ha convertido en la instantánea más reproducida de la historia de la fotografía mundial.
El nuevo aniversario de esta institución se festejará con un coloquio denominado Mes de la Fotografía, que se prolongará hasta el día 22 venidero en su sede de La Habana Vieja, refiere una nota digital difundida aquí.
Artistas, especialistas, críticos, curadores e interesados de México, España y Cuba participarán en este evento para abordar temas como la conservación y las colecciones de fotografía.
Otras conferencias previstas están referidas a la semiótica de la imagen, la comercialización y la obra fotográfica, nuevas tecnologías en la fotografía, el fotoperiodismo en la actualidad, la fotografía latinoamericana, así como fotografía cubana contemporánea.
Miles de fotos y negativos, colecciones de libros, documentos y catálogos de Cuba y otros países son atesorados en las bóvedas de la Fototeca.
Perteneciente al Consejo Nacional de las Artes Plásticas, este centro hace las funciones de archivo, museo y galería para mostrar la historia y el presente de esa manifestación artística en la Isla.
En 1840 se realizó la primera fotografía en Cuba, según los registros, y el 3 de enero de 1841 se inauguró aquí el primer estudio fotográfico público de Iberoamérica.

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Ampudia, la (in)digestión del arte

Juan Guzman — Thu, 26 Oct 2006 20:00:00 +0000

SÃ³lo una idea devoradora
Comisario: Mariano Navarro. ARTIUM. Francia, 24. Vitoria. Hasta el 18 de febrero.

DocumentaciÃ³n, 2001. VÃdeo

Eugenio Ampudia (Valladolid, 1958) ha venido desarrollando desde los aÃ±os ochenta una obra en la que los medios tecnolÃ³gicos se sitÃºan al servicio de la crÃtica sobre la instituciÃ³n artÃstica y el papel del artista como comunicador de ideas. Este aÃ±o ha participado en la Bienal de Singapur y expondrÃ¡ en las de Caracas y el Project Art Room de Colonia. Ha realizado actividades de comisariado (Urbietorbi y Pronombres personales para PhotoespaÃ±a) y dirigido seminarios y talleres.

Una de las preguntas retÃ³ricas, por inÃºtiles, mÃ¡s repetidas en el Ãºltimo siglo es Â¿quÃ© es el Arte? Y eso, suponiendo que hoy en dÃa haya que seguir escribiÃ©ndolo como lo acabo de hacer, con mayÃºscula. MÃ¡s allÃ¡ del sueÃ±o de muchos historiadores, crÃticos y especialistas en estÃ©tica, la respuesta mÃ¡s ramplona, la que formula la llamada teorÃa institucional, es la correcta: es arte aquello que la instituciÃ³n artÃstica declara como tal. Entendiendo que la susodicha instituciÃ³n no es otra cosa que el complejo conglomerado de museos, galerÃas, mercado y creadores. Â¿TambiÃ©n pÃºblico? No siempre.

Eugenio Ampudia utiliza el espacio artÃstico institucional para criticar la instituciÃ³n artÃstica, convenientemente diseccionada en sus diversos componentes. En este sentido, su obra tiene mÃ¡s el carÃ¡cter de un revisitar las ideas sobre el arte del siglo XX que una verdadera ruptura. En un juego que recuerda lejanamente a la ironÃa de ciertas piezas de Jeff Koons y la tensiÃ³n que crean en el espacio comunicativo de lo artÃstico (me estÃ¡ tomando el pelo, soy consciente de que me estÃ¡ tomando el pelo, pero he pagado una entrada por verlo, o miles de dÃ³lares por poseerlo).

Ampudia compara el mundo del arte actual con un aparato digestivo que requiere una alimentaciÃ³n cotidiana y en cuyo recorrido se va produciendo el proceso de asimilaciÃ³n de nutrientes y eliminaciÃ³n de detritus, y esa es la idea que ha servido de organizaciÃ³n espacial para la exposiciÃ³n: una serie de espacios destinados a un operador concreto, unidos por espacios de trÃ¡nsito en los que se disponen piezas que, si no constituyen el eje troncal del discurso, ayudan a la circulaciÃ³n.

El arranque se centra en una idea central del postestructuralismo: la muerte del artista, entendido como una persona de cualidades superiores a la media, poseedor de una sensibilidad privilegiada. Una creaciÃ³n mÃ¡s, al fin, de la persona fÃsica que se esconde tras la firma de la obra y tras el mito elaborado por los medios de comunicaciÃ³n. Las propuestas concretas son un tanto deflacionarias, pero en ella podemos ver la mirada de Picasso (supuestamente el elemento que hace de su pintura una muestra de genialidad), rebajada al nivel de un simple efecto de juego de ordenador. A DalÃ enfrentado, muro contra muro, al Che Guevara (saque usted mismo las conclusiones) y la sombra flotante de Beuys, acertadamente titulada El ChamÃ¡n.

La materialidad de la propia obra y su especificidad son visitadas en Bleu II, la reproducciÃ³n de la obra de Joan MirÃ³ en la que, recurriendo a una especie de puntillismo fotogrÃ¡fico ya demasiado visto, las fotos de los visitantes, retratados con cÃ¡maras
polaroid sobre un fondo azul, rojo o negro, van rellenando las dos mil casillas de la gran cuadrÃcula dispuesta en la pared y construyendo, a lo largo del perÃodo de exhibiciÃ³n, la representaciÃ³n del cuadro. El desplazamiento de la construcciÃ³n del sentido desde el autor al espectador se transmuta aquÃ en la propia materializaciÃ³n de la obra, en la que el espectador se convierte en elemento doblemente necesario. No solo por el hecho, habitualmente olvidado, de que sin observador no hay imagen, sino manchas, sino porque su paso por la sala, y su aceptaciÃ³n del juego, son condiciÃ³n sine qua non para la existencia de la obra. Colateralmente, el artista se atreve a introducir un elemento que cobra cada vez mayor importancia en el Ã¡mbito institucional: la mediciÃ³n de audiencias.

La audiencia es uno de los elementos que contribuyen a crear e incrementar el valor aÃ±adido de la obra de arte, pero el concepto de valor implica la entrada en el juego de la economÃa y sus actores: el uno privado, el otro pÃºblico. El privado ha existido desde antes de inventarse el Arte, es el mecenas, el coleccionista, la persona cuya contraprestaciÃ³n econÃ³mica permite vivir al artista. El segundo es una creaciÃ³n del XVIII: el lugar especÃfico en el que se exhibe y se conserva. Pero en el que, al mismo tiempo, se separa de la sociedad. Me refiero al museo, la invenciÃ³n ilustrada que tiene por objeto acumular, ordenar, clasificar y, finalmente, definir determinados objetos como arte. A ella dedica Ampudia una de las obras de menor efecto (si lo que se pretende es comunicar y reflexionar sobre el arte como comunicaciÃ³n) del conjunto. Fuego frÃo I, a pesar de sus reelaboraciones, sigue siendo una pieza fallida, cuyo intento radical y revolucionario (prender fuego al museo) queda como el adjetivo del tÃtulo: enfriado por una mala materializaciÃ³n de la idea. Y esa frialdad se extiende a las piezas Espacio habitable o Comprar aire, dirigidas a la figura del coleccionista, pero que no logran ese chirriar que consigue Koons.

La llegada al colon, puesto que de aparatos digestivos estamos hablando, provoca una pequeÃ±a sorpresa. En juego es una instalaciÃ³n de vÃdeo de dos canales en la que se reproducen algunas jugadas de un partido de fÃºtbol con una pequeÃ±a particularidad: el balÃ³n ha sido sustituido por un libro, exhibido a la entrada: El impacto de lo nuevo, de Robert Hugues, sobre el que se ha pegado una etiqueta que refuerza el tÃ©rmino lo nuevo. La interpretaciÃ³n propuesta es que, en un juego con reglas rÃgidas, cerrado, como el fÃºtbol, lo que se disputan los jugadores es lo nuevo. Pero esa lectura deja de lado la trayectoria de un Hugues que considera menores a artistas como Jenny Holzer, Francesco Clemente o el mismo Koons, y prescindible la mayor parte del arte contemporÃ¡neo. Y con ello los regates futbolÃsticos adquieren una nueva dimensiÃ³n

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El Che, una biografía a la altura del mito

Juan Guzman — Tue, 03 Oct 2006 21:28:00 +0000

Nuevos datos completan el libro sobre el líder revolucionario escrito por Jon Lee Anderson

Su ejecución a la edad de 39 años en Vallegrande (Bolivia), lejos de enterrarle en el olvido de los muertos le instaló para siempre en el mundo de los vivos y realzó la estatura mítica de Ernesto Che Guevara. “¡Dispara, cobarde, sólo vas a matar a un hombre!”, fueron sus últimas palabras a su verdugo, reportadas como reales o inventadas por un periodista. Fue enterrado en un lugar desconocido en las montañas, con las manos cortadas de dos tajos secos, como si sus enemigos le temieran más muerto que cuando estaba vivo.
A bordo del desvencijado barco Granma, el médico argentino inició un viaje épico en el que cruzó el Caribe con una misión: invadir Cuba y echar del poder al dictador Fulgencio Batista. Le acompañaba Fidel Castro. En dos años entraban en La Habana para instaurar la única revolución socialista que triunfó en América. El Che, el titán que plantó batalla a los yankees. El Che, el gurú moral que proclamó la existencia de un Hombre Nuevo. El romántico Che que abandonó la revolución cubana para, enfermo, proseguir la lucha contra la opresión y la tiranía. Hasta la muerte.
Han pasado casi 40 años de su fallecimiento en octubre de 1967. Mucho se ha escrito desde entonces sobre el guerrillero, ideólogo y líder. Pero no existía una biografía a la altura del mito. En parte por las restricciones informativas impuestas por el régimen cubano. Hasta hoy, cuando se edita en español la historia revisada de la vida del Che Guevara escrita en 1997 por el periodista estadounidense John Lee Anderson: Che, una vida revolucionaria (Anagrama).
Reportero de raza, Anderson ha tenido acceso a archivos y documentos nunca antes consultados, ha entrevistado a familiares y amigos íntimos de Guevara, ha escrito la biografía definitiva. Puede que la controversia rodee al libro, pero siempre ocurre cuando se trata del comandante.
Periodista de la revista The New Yorker, que más que un referente de la vida literaria estadounidense se ha convertido en una de las más sólidas fuentes de información sobre la esquizofrénicamente secretista Administración de Bush -el reportero Seymour Hersh destapaba en The New Yorker el escándalo de las torturas de Abu Ghraib-, Anderson rechaza la etiqueta de corresponsal de guerra para definirse como “un periodista que suele ir a las guerras”.
Veterano de los conflictos de Centroamérica y de muchas otras batallas, autor de un libro clave para comprender la historia de Irak en los últimos años y su actual invasión y de un volumen sobre el mundo de las guerrillas, Anderson desmenuza la vida de Ernesto Che Guevara con la intención de separar al hombre del mito.
Sólo dos latinoamericanos han formado parte de la lista de las 100 figuras más importantes del siglo XX establecida por la revista Time. Uno de ellos fue el Che. Pero su figura ha ido más allá de ideologías. La imagen del Che está en camisetas, tazas, pósters, bolsos… todos ellos objetos basados en la fotografía Guerrillero heroico, que Korda le tomó en 1960 y que pudieron verse en una exposición que concluyó en febrero pasado en Nueva York bajo el título ¡Che! Revolución y comercio.
Parecía que los ojos estaban a punto de abrírsele, pero yacía muerto sobre una fría piedra de lavar, con una apariencia cercana a la imagen de Jesucristo, en una imagen que daría la vuelta al mundo: la de su muerte. Casi cuatro décadas después, el Che es un símbolo de rebelión precisamente cuando ya no es un peligro.

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Estrenarán próximamente documental en homenaje al Che titulado San Ernesto de la Higuera

Juan Guzman — Wed, 30 Aug 2006 23:03:00 +0000

La Habana, San Ernesto de la Higuera, documental con el cual debuta en este género la laureada actriz cubana Isabel Santos, será estrenado el ocho de septiembre en esta capital.
Conocida por sus roles en las cintas Clandestinos y Miel para Oshún, Santos presenta un novedoso material sobre Ernesto Che Guevara, filmado en Bolivia, en el lugar donde el Guerrillero Heroico fue asesinado en 1967, reporta la ain.
El binomio de realización de la obra se completa con Rafael Solís, destacado director de fotografía y su compañero en la vida.
La dirección de fotografía del corto, patrocinado por el Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos, ICAIC, corresponde a Rigoberto Senarega; mientras Rubén Pacheco y Gustavo Puertocarrero fungen como asistentes de Dirección, Producción y Sonido.
En el cine 23 y 12, a las 8.00 pm, el día del aniversario 39 de la muerte del Che, será la premier del documental San Ernesto de la Higuera, cuya música es de Lucía Huergo.
Isabel Santos se inició en la pantalla grande con el protagónico de la comedia Se permuta (1983) del director Juan Carlos Tabío, y desde entonces se ha mantenido en el mundo cinematográfico cultivando también el drama, entre otros géneros.
Rafael Solís llega al cine a finales de los 70 a través del grupo de cine aficionado CASA, que también integraban Rigoberto Senarega y Jorge Luis Sánchez.
A finales de los años 80, Solís pasa al cine profesional, donde ha desarrollado una carrera siempre ascendente en el campo fotográfico y la dirección de fotografía.

Premio Funglode, 2011 (Fotografía, documental, Cuento, Poesía, Ensayo y Periodismo) La Fundación Global Democracia y Desarrollo (FUNGLODE) y la Global...

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(Tucuman-Argentina) imagenes fotograficas que narran asombrosamente la historia

Juan Guzman — Thu, 24 Aug 2006 13:44:00 +0000

Un daguerrotipo del general San Martín y una toma de la Casa Histórica con su fachada original integran una muestra con más de 50 trabajos. Los tucumanos podrán disfrutar de un registro único de la historia argentina.
LAS MAS ANTIGUAS. El curador Abel Alexander muestra los daguerrotipos del gobernador de Salta Miguel Otero y del general José de San Martín. LA GACETA / FRANCO VERA
Hoja de ruta
• Casa Histórica (Congreso 141): “La fotografía en la historia argentina”, con trabajos de Abel Alexander (corresponsal del diario Clarín). Podrá ser visitada de lunes a viernes de 10 a 18; sábados y domingos, de 13 a 19.
La mañana del 15 de octubre de 1845, el fotógrafo John Bennet realizó la primera toma fotográfica de la Argentina. Frente a una rudimentaria cámara de madera, muy al estilo de las que popularizó el cine hollywoodense, el gobernador federal de Salta, Miguel Otero se acomodó su impecable traje y posó para la posteridad. Hoy, 161 años después, ese daguerrotipo vuelve a asombrar a los tucumanos en la muestra “La fotografía en la historia argentina”, con la que se inauguró ayer la II Bienal Argentina de Fotografía Documental.
La muestra, que puede verse en la Casa Histórica (ver Hoja de ruta), incluye material de archivo recopilado por el diario Clarín y que integró el libro en homenaje a los 60 años de esa publicación. Aunque, en rigor, una buena parte de las imágenes expuestas pertenecen al Archivo General de la Nación. Como el daguerrotipo (primeros retratos tomados por el viejo sistema fotográfico creado por el físico francés Daguerre) del general José de San Martín que data de 1848. O la única toma que existe de la Casa Histórica en su aspecto original, que fue tomada en 1848 por el fotógrafo Angel Paganelli.
“El trabajo consistió en buscar aquella foto que refleje mejor algún suceso emblemático. Es algo que, en el siglo XX era muy sencillo, pero en el XIX representaba una tarea muy compleja”, señaló Abel Alexander, curador de la muestra. Y contó un ejemplo: “la Batalla de Caseros produjo cambios profundos en la Argentina, pero no existen registros gráficos de ella”.
En la muestra hay también fotos de varios presidentes argentinos, del cuerpo del Che Guevara, asesinado en octubre de 1967 y de hechos históricos que marcaron a fuego la historia argentina, como la Guerra de Malvinas, el alzamiento Carapintada y, más recientemente, la foto de Néstor Kirchner con el rostro sangrante (tras haber sido golpeado justamente por una cámara fotográfica) el día que asumió como presidente.
“La gente cree que los museos están repletos de archivos fotográficos; pero, en realidad, la mayor parte de las fotos históricas están en poder de las familias argentinas. Ellas integran el gran archivo de la historia argentina”, agregó Alexander.
Gran interés
La inauguración de la muestra congregó en la Casa Histórica a funcionarios, fotógrafos y público en general.
El director de la bienal, Julio Pantoja, agradeció la confianza de los expositores y señaló que el encuentro es el ámbito propicio para debatir y reflexionar sobre el fotoperiodismo en general y sobre la problemática que rodea a las imágenes testimoniales.
Alexander, en tanto, destacó que es la primera vez que esta selección de fotos se exhibe como una muestra organizada, ya que fue concebida para ser publicada como libro de imágenes.
Cambios
Ayer también se inauguró la muestra “NECAH 1879”, de Res de Buenos Aires, en el Centro de Altos Estudios (CAE). Allí también iba a abrirse la muestra “Buenos Aires Off”, del fotógrafo estadounidense Don Rypka. Pero, por problemas técnicos, la exposición fue levantada.
Julio Pantoja pidió disculpas al público que asistió al acto y anunció que se está buscando el lugar adecuado para montar los trabajos de Rypka, que muestran insólitas tomas de la ciudad de Buenos Aires.
Fotos que revelan el otro lado de las cosas
“Estoy muy contento de estar en Tucumán y de participar de este acontecimiento. La fotografía testimonial es un arte que debe contar con todo el apoyo”. La afirmación pertenece al director del British Council, Martin Fryer, que participó ayer de la inauguración de la muestra “La mirada justa”, en el Museo de Bellas Artes Timoteo Navarro. Organizada en forma conjunta por el British Council y la Asociación por los Derechos Civiles, la exhibición reúne trabajos de varios artistas sobre la realidad argentina.
Otra de las muestras que se inauguró ayer en el Museo es “Amrik”. Presencia árabe en América del Sur”, que incluye trabajos de fotógrafos de Brasil, Bolivia, Paraguay, Ecuador, Argentina y Chile.
En el mismo museo, pero en una sala adyacente, se puede ver la exhibición “Tango, nunca antes de medianoche”, de la corresponsal de Clarín en Nueva York, Adriana Groisman. La artista, que estuvo presente anoche en la inauguración, destacó la necesidad de que se valorice aún más la tarea del fotoperiodista. “Nosotros tratamos de ver la realidad desde un ángulo distinto. Y, en mi caso, intento mostrar siempre aquello que los demás no consiguen ver”, señaló Groisman, que fue contratada por el National Geografic para trabajar en la producción de un documental sobre el hundimiento del General Belgrano durante la Guerra de Malvinas.
También quedó inaugurada la muestra “The Veil”, con trabajos de la fotógrafa estadounidense Rania Matar.

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CHE entre la moda y la polemica

Juan Guzman — Fri, 02 Jun 2006 18:54:00 +0000

Bandera con la imagen del Che Guevara
La muestra se centrará en la “narrativa” generada por la foto que hizo Korda al Che Guevara en 1960.
Una exposición sobre el Che Guevara que se inicia en la capital británica ha generado la polémica por la remoción de Gerry Adams, dirigente del partido norirlandés Sinn Fein, de la lista de invitados a la inauguración.
La muestra, “titulada Che Guevara: Revolucionario e Icono” se exhibirá en el Museo Victoria y Alberto de Londres desde el próximo lunes, y estará centrada en la famosa fotografía del líder guerrillero tomada por el fotógrafo Alberto Díaz Korda en 1960.
Según el Victoria y Alberto, la exposición “se enfocará en la narrativa de esta única imagen uniendo afiches, filmes, ropa y objetos artísticos procedentes de más de 30 países” que se han inspirado en la foto de Korda.
Me quedé sin palabras. La invitación a Gerry no fue un ardid publicitario y jamás pasó por mi mente que podría ser un problema
Trisha Ziff, curadora
Adams, el dirigente del Sinn Fein -el ala política del Ejército Republicano Irlandés (IRA, por sus siglas en inglés)- fue invitado a la inauguración de la muestra por la propia curadora, Trisha Ziff.
Según dijo el político a medios de prensa irlandeses, los responsables del museo comunicaron a Ziff que aceptaban su lista de invitados, a excepción de Gerry Adams debido a que su presencia no era “ni relevante ni apropiada”.

¿Al propio Che?

El periódico británico The Guardian informa que Ziff se manifestó indignada con la decisión del Victoria y Alberto.

“Me quedé sin palabras. La invitación a Gerry no fue un ardid publicitario y jamás pasó por mi mente que podría ser un problema”, declaró Ziff.

Gerry Adams, dirigente del Sinn Fein
Adams es dirigente del Sinn Fein, el ala política del Ejército Republicano Irlandés.
The Guardian cita palabras de Adams preguntándose si al propio Che Guevara, de estar vivo, también se le habría prohibido asistir a la muestra.

Posteriormente, la curadora recibió la explicación de que la política del museo era no incluir en sus listas de invitados a figuras de relevante filiación política pero que podría llevar a Adams como “un invitado personal”.
De cualquier manera, la presencia de Adams en la apertura de la muestra parece difícil, debido a que el líder del Sinn Feinn tiene compromisos políticos en España, donde se reunirá con dirigentes del País Vasco.
Un portavoz del Victoria y Alberto rechazó dar detalles a The Guardian sobre la política que sigue el museo en la conformación de las listas de invitados a la apertura de las exposiciones.
A la vez reiteró que en la inauguración estarán presentes unos mil invitados del mundo de la moda, el diseño y la fotografía.
El partido de Adams, el Sinn Fein, nació del movimiento republicano que se opone a la presencia británica en cualquier parte de la isla de Irlanda.

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Rene Fortrunato Admirado en Mexico

Juan Guzman — Mon, 29 May 2006 10:37:00 +0000

René Fortunato recopila con sus documentales la Era de Trujillo y la Guerra de Abril del 65.
Clave Digital/Fuente Externa

SANTO DOMINGO, D.N.- Para el escritor mexicano Francisco Javier Ramírez Flores, especialista en cine latinoamericano, el cineasta dominicano René Fortunato, ocupa un lugar destacado entre los cineastas de América Latina, cuyas obras están íntimamente ligadas a los problemas políticos y sociales de sus respectivos pueblos.

En un artículo publicado en la revista de la Cineteca Nacional de México, a propósito de la celebración de la Muestra de Cine Uruguayo, el pasado mes de abril, Ramírez Flores hace una introducción a lo que él llama “el cine combativo” en América Latina, afirmando que “de una u otra forma, todas las cinematografías latinoamericanas sufrieron un cambio importante durante los años sesenta y setenta. Muchos cineastas se forjaron dentro de las universidades; otros se ejercitaron a través del manejo empírico de la cámara. Sin embargo, todos se vieron influidos por los movimientos revolucionarios que se gestaron en sus países contra las dictaduras. Tras el triunfo de la revolución cubana, los vientos del cambio se regaron por toda Latinoamérica al grito de “Seamos realistas: pidamos lo imposible”, frase dicha por Ernesto Che Guevara, con la cual muchos jóvenes se atrevieron a soñar en el cambio.”

En otra parte de su artículo, Ramírez Flores pasa a señalar lo que él considera las figuras más relevantes de ese tipo de cine: “El cine combativo tomó sus cauces teniendo como base las obras de Tomás Gutiérrez Olea, Fernando Birri y Glauber Rocha; jóvenes como Patricio Guzmán en Chile, Jorge Sanjinés en Bolivia, René Fortunato en la República Dominicana, Fernando Solanas en Argentina, entre otros, tomaron su pequeñas cámaras de súper 8 ó 16 milímetros, o incluso el video, para crear un testimonio visual que reflejase la realidad de sus países.”

En el artículo, el autor hace un revisión del cine uruguayo actual, citando sus producciones y realizadores mas relevantes.

La Cineteca Nacional de México, una de las más importantes de iberoamérica, ha hecho dos muestras de los largometrajes documentales de René Fortunato, en febrero de 1999 y en febrero del 2005, con un notable éxito de publico y critica. En la actualidad los documentales de Fortunato “El Poder del Jefe”, “La Trinchera del Honor”, “La Violencia del Poder” y “La Herencia del Tirano”, se venden en las principales librerías de la capital azteca, entre las que se destacan, Gandhi, Sotano, Ganco y las de Conaculta.El cine documental que realiza René Fortunato, ha despertado un enorme interés internacional en los últimos años, solo en el buscador de internet Google hay trescientas veinte mil paginas -320,000- que se refieren a sus largometrajes documentales y a todo lo relacionado con ellos, y su sitio oficial en la red www.videocinepalau.com recibe cientos de visitas diarias

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Centro Leon abrira muchas puertas: Josep Vicent Monzo

Juan Guzman — Mon, 15 May 2006 13:57:00 +0000

FUENTE: CENTRO LEON/ENTREVISTAS

Josep Vicent Monzó, conservador del Instituto Valenciano de Arte Moderno, conversa en el Centro León sobre la exposición El retrato en la colección del IVAM y sobre uno de los proyectos que más le ha ilusionado en su labor como curador y conservador de fotografía

Josep Vicent Monzó es conservador de fotografía del IVAM y curador de la exposición Gabriel Cualladó que se presentó recientemente en el Instituto Cervantes de Nueva York

Josep Vicent Monzó no tiene vista, tiene mirada. Esa puede ser la razón por la que siempre pronuncia la palabra luz antes de cualquier otra. Más que una entrevista, este diálogo con Josep Vicent Monzó es fruto de extensas jornadas de trabajo. Sucedió mientras Monzó laboraba, junto al equipo del Centro León, en el montaje de la exposición El retrato en la colección del IVAM. Con guantes blancos y el ceño fruncido, como quien siempre mira a lo lejos, Josep Vicent camina por todos los espacios de la sala mientras hilvana las historias de cada una de las imágenes de la muestra. “El Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) es uno de los frutos de la llegada de la democracia a España –dice mientras el rotulador pone las siglas de la institución sobre una pared–. Una vez acabada la dictadura franquista, en el país no había instituciones dedicadas al arte contemporáneo y el IVAM fue el primer museo de las autonomías y el pionero en validar al arte moderno”.
Además de su encomiable labor como conservador del IVAM, donde se ha consagrado por entero al estudio y la difusión de la fotografía, Monzó es el creador de una singularísima obra. “El autor agradece el apoyo y el interés que han mostrado sus amigos –dice una breve nota al final de uno de sus libros– al proporcionarle los animales que aparecen en sus fotografías”. Como una reminiscencia de su infancia y de su relación con un padre de oficio carnicero, Monzó ha retratado cientos de animales muertos. Peces, aves, reptiles y mamíferos son revividos por el artista en una obra que les confiere un nuevo hábitat, desdibujando el terrible hálito que la Parca deja en todo lo que toca.
Pero cuando Monzó habla de todos los proyectos en los que ha estado inmiscuido, indefectiblemente subraya dos: el rescate de la obra del fotógrafo valenciano Gabriel Cualladó y la comisaría de la exposición Ernesto Che Guevara fotógrafo.

¿Por qué el IVAM escogió los retratos de su colección para su primera muestra en el Centro León?
El público en general asocia directamente fotografía con retrato. Todos hemos estado vinculados a un retrato, desde el nacimiento hasta la cédula de identidad. Por eso una de las formas más didácticas de explicar el gran valor de la colección de fotografía del IVAM, era a través de los retratos que ella posee. Esta exposición nos sirve, además, para mostrar la evolución de la fotografía en sí misma. Mientras avanzamos por cada uno de sus ámbitos, podemos ver cómo la mirada del fotógrafo fue cambiando a la par que las sociedades evolucionan. De manera que tenemos por un lado el concepto artístico de los contenidos de la fotografías, a través de los rostros de los seres humanos, al mismo tiempo que se ofrece el legado documental que se va reflejando en cada una de las imágenes.

Entonces, ¿cuál es la mejor manera de “leer” este centenar de retratos?
Si nos atenemos al montaje que se ha hecho en el Centro León, que es exquisito, sólo hay que dejarse llevar por las paredes. El retrato… es una oportunidad única de apreciar a los grandes maestros que han escrito la historia de la fotografía, junto con autores contemporáneos que están descifrando los rostros de hoy, tanto en Europa, como en América Latina y otras latitudes. Por eso la muestra enlaza la obra de Walker Evans y Paul Strand con Graciela Iturbides y Julio Mitchel. La colección del IVAM siempre ha intentado mezclar dos componentes básicos: la búsqueda de la belleza y de la experimentación técnica con el compromiso que rodea a cada fotógrafo. Por eso no es casual que nos vallamos encontrando fotografías de diferentes artistas que han mirado de una forma muy similar con cuarenta o cincuenta años de diferencia.

¿Por qué dedicarle todo un ámbito a la obra de Gabriel Cualladó?
La obra de Gabriel Cualladó representa en España el espíritu de un cambio esencial de una fotografía costumbrista a una fotografía humanista. En el Centro León se ha conseguido de una manera espléndida un diálogo del ámbito de Gabriel Cualladó con el ámbito de La mirada humanista. Esto posibilita que su obra comparta un mismo discurso con otros creadores, reflejando contextos personales. Cualladó demuestra cómo la fotografía sencilla, directa, sin trucos, puede conformar un gran discurso estético sobre rostros sencillos que conforman una sociedad. En esto, su obra también dialoga con la de los fotógrafos dominicanos que participaron en Reinvenciones…, la exposición que el Centro León presentó en el IVAM.

¿Cómo ha sido la experiencia de trabajo de Monzó en República Dominicana?
Única, inolvidable. En República Dominicana he encontrado un pueblo noblísimo y esmerado con mucho celo por su cultura y por todo lo que los identifica como dominicanos. El trabajo en el Centro León también me ha dado la oportunidad de ser parte de uno de los proyectos culturales más importantes del Caribe y de América Latina. Puedo asegurar que en la mismísima Europa no hay muchos sitios como este. El Centro León abrirá muchas puertas en el futuro, de República Dominicana hacia el mundo y del mundo hacia República Dominicana. Por eso estoy orgulloso de haber sido uno de los primeros en entrar por ellas.

Un fotógrafo excepcional llamado Ernesto Guevara
¿Cómo fue tu encuentro con la fotografía del Che?
Yo conocía muy bien a todos los Ernesto Guevara. Conocía al estudiante de medicina que se había ido con su amigo Alberto Granados en una motocicleta a lo largo de toda América del Sur. Conocía al individuo que se unió a Fidel Castro en México para hacer la revolución con la que tanto había soñado. Conocía al comandante, al gran estratega que libró combates cruciales a lo largo de la guerra de guerrillas en Cuba. Conocía, en fin, a ese perenne revolucionario que creía, ante todo, en el hombre y en la posibilidad de un futuro mejor para todos. De manera que cuando encontré al Ernesto Guevara fotógrafo ya era para mí un viejo conocido. Más que un encuentro con el hombre, fue un encuentro con su mirada. Por eso me obsesioné con ello. Quería diseminar esa verdadera pasión por la fotografía, que es quizá uno de los aspectos menos difundidos de su vida.

¿El Che era un guerrillero aficionado a la fotografía o un fotógrafo de verdad?
No, no, era un fotógrafo, un gran fotógrafo. Si te fijas bien, en muchas de sus fotografías tiene una cámara colgada del cuello. En algunas tiene un fusil Garand M1 y en otras su pistola Colt, per
o en muchas más tiene su cámara. Él sabía tirar del gatillo, pero también supo empuñar una cámara y tirar del obturador. Aún en las peores circunstancias de su vida nunca pudo privarse de la necesidad de tener consigo una máquina y una película virgen. Cuando lo asesinaron, en la Higuera, llevaba en su mochila varios rollos sin revelar. El Che era un gran observador y poseía una mirada privilegiada. Puedo afirmar que si se hubiera dedicado única y exclusivamente a fotografiar, igual hubiera trascendido. Las imágenes que se conservan y la selección que aparece en Ernesto Che Guevara fotógrafo, lo demuestran.

Entonces, no se trata de una afición, de un “violín de Ingres”, se trata de una vocación verdadera…
Exacto. No hay que pensar que son fotografías curiosas o familiares. Son más que nada las imágenes de un trabajo incansable, de un ojo atento al mundo, a las expresiones, fenómenos de los que era testigo en sus viajes. Se trata de una exposición que sorprende al público incluso a los más conocedores de la figura del Che. Es una verdadera revelación. La vocación y la obsesión del Che por la fotografía influyeron hasta en los retratos que otros fotógrafos le hicieron a él. De alguna manera, él, con su postura y su actitud, inducía el encuadre y el gesto de la imagen. Insisto, tenía una gran mirada, era un gran previsor de cuánta riqueza había del otro lado del lente.

¿Cuánto se conserva de todas las fotografías hechas por el Che?
Dadas las circunstancias en las que vivió siempre, se conserva muy poco. Gran parte de sus películas se perdieron sin ni siquiera ser reveladas, de manera que el instante quedó únicamente en sus ojos. Gran parte de su obra se perdió en los mismos sitios donde la hacía. Pueblos, campamentos guerrilleros, lejanos países. Todo lo que él vio fue retratado por él, desafortunadamente no siempre había a su lado alguien dispuesto a salvar ese legado. Otras veces, había cosas mucho más importantes y valiosas que salvar antes que una película fotográfica. Ese es el precio que pagó un hombre que vivía dentro de la historia, que era la historia.

¿Cuántas imágenes componen la exposición?
La muestra está compuesta por 120 fotografías. Muchas de ellas son copias de la época realizadas por el propio Che. Él solía también trabajar en el laboratorio. Además de los originales, la exposición contiene copias obtenidas a partir de los negativos o reproducciones de los positivos originales. Propusimos un recorrido que comenzaba con un autorretrato que se hizo en 1951 y continúa con sus primeros trabajos, realizados en 1953, durante su célebre viaje en motocicleta a través del continente americano. Ya en México, el Che El “Che” se ganó la vida como fotógrafo ambulante en los parques y jardines de la ciudad. Luego, realizó varios reportajes sobre el ascenso al volcán Popocatépelt y sobre las ruinas Mayas. Trabajó también como fotógrafo para la Agencia Latina, realizando la cobertura de los Juegos Panamericanos de 1955. Luego vendría su encuentro con Fidel Castro y su participación en la gesta del Gramna.
Con el triunfo de la Revolución cubana, fue nombrado como embajador itinerante y siguió fotografiando todos los países que visitaba. Fotografió África, Asia y Europa. En 1961, al asumir el cargo de Ministro de Industria, realizó un increíble trabajo documental sobre los cambios que se gestaban en la sociedad cubana, mientras recorría las industrias y visitaba a los obreros.
La foto que cierra la muestra es también un autorretrato que realizó en Tanzania, dos años antes de que sus andanzas acabaran en la Quebrada de Yuro, el 8 de octubre de 1967. para realizar la exposición, fue vital la colaboración del Centro de Estudios Che Guevara de la Habana. La complicidad de su viuda, Aleida March y de su hijo, Camilo Guevara, fue para mí muy importante.

¿Hay alguna posibilidad de que esta exposición se exhiba en República Dominicana?
Creo que sí y para mí sería muy importante. Estoy muy comprometido con la difusión de la obra fotográfica de Ernesto Guevara y me gustaría que se exhibiera en cada rincón de su latino América. A través del Centro León ya hemos establecido un puente cultural con este país tan rico y tan diverso, de manera que a partir de ahora se gestarán muchos proyectos donde siempre abordaremos muestras muy humanas y muy reveladoras de lo que somos, de lo que hemos logrado ser de un lado y del otro del océano. El Che no sólo vivió en el Caribe sino que se identificó por entero con esta región donde hizo una de sus más grandes proezas. Sí, creo totalmente posible que podamos traer esas imágenes a República Dominicana.

Camilo Venegas
(Centro León)

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Arte de Nuestra America en Viena

Juan Guzman — Wed, 19 Apr 2006 23:47:00 +0000

(de La Ventana-Portal Informativo de Casa de las Americas)
Piezas de Berni, Seguí, Lam, Toledo y Matta, entre muchos otras, conforman la muestra de la Casa de las Américas Obras de unos sesenta creadores que forman parte de la Colección Arte de Nuestra América, perteneciente a la Casa de las Américas, serán expuestas próximamente en Viena en el contexto de las acciones culturales que acompañarán a la Cuarta Cumbre Unión Europea-América Latina y el Caribe, que se celebrará en la capital austríaca el 12 de mayo.Lourdes Benigni, directora de Artes Plásticas de la Casa, precisó que en la muestra se incluyen importantes figuras del arte latinoamericano y caribeño como los argentinos Antonio Berni (1905-1981) y Antonio Seguí (Córdoba, 1934), el cubano Wifredo Lam (1902-1982), el mexicano Francisco Toledo (Oaxaca, 1940) y el chileno Roberto Matta (1911-2002). La Casa de las Américas trabaja actualmente en un proyecto cuyo objetivo fundamental apunta al reposicionamiento de su colección, que incluye pintura, grabado, fotografía, instalaciones, esculturas, libros de autores, videoarte y otras expresiones artísticas. La primera acción ha sido la celebración del Año Matta, iniciado el pasado mes de marzo con una muestra de obras que donó o realizó en la Isla el pintor chileno, quien desde 1963 hasta los últimos años de su vida mantuvo una fluida y estrecha relación con la Casa, en cuyo vestíbulo recibe a los visitantes desde los años ´60 el mural Cuba es la capital, realizado por Matta con tierra de los alrededores del edificio, entre otros materiales. La exposición Matta permite apreciar tres grandes pinturas de caballete, incluidas Han tomado las estrellas, perteneciente al Museo Nacional de Bellas Artes, y Para que la libertad no se convierta en estatua, un mural de 10 por tres metros que identifica la Sala Che Guevara de la Casa de las Américas; además, un boceto de mural que realizó a fines de los 60 con estudiantes de arte, 46 grabados, cinco reproducciones en off seft, cinco dibujos, un vitral, un prototipo de colchón, siete libros objetos o portafolios y tres prototipos de sillas, para un total de 72 obras, la mayoría atesoradas por la Casa. Hasta marzo del 2007, el Año Matta constará, además, de dos encuentros teóricos internacionales con participación de coleccionistas y especialistas en la obra del artista, uno en noviembre de este año y el otro en marzo de 2007, cuando se prevé presentar el catálogo de la exposición. Le seguirán ―aunque quizá no con carácter anual― otros homenajes que mostrarán las obras de grandes de la plástica latinoamericana y caribeña que posee la Casa en su colección Arte de Nuestra América, conformada por 16 222 piezas representativas de lo mejor que en materia de arte se ha hecho en la región desde los años sesenta, donadas a la institución por los artistas que la han visitado y participado en sus exposiciones. “Son obras muy representativas de las maneras de hacer desde la década del 60 y 70 y un patrimonio cultural del continente americano, que debe conocerlas”, comentó Benigni al hablar sobre los objetivos del proyecto para reposicionar la Colección Arte de Nuestra América, en la que también resaltan autores como David Alfaro Siqueiros, Emilio Pettoruti, Amelia Peláez, Tomie Ohtake, Julio Le Parc, Rafael Coronel, Carlos Cruz Diez, Carlos Colombino, Fernando Szyszlo, Edgar Negret, Luis Camnitzer, Liliana Porter, Alejandro Obregón, Antonio Frasconi y Herve Telemaque.

La rosa de Bayahíbe, nuestra flor nacional, es un cactus Pertenece a la familia de las cactáceas y es uno...

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