Fotografía Dominicana » Camara

Fotografía Profesional con una nueva opción de medio formato: Leaf AFi

Juan Guzman — Wed, 18 Jun 2008 11:26:58 +0000

Se presentó en la Argentina la Leaf AFi, un innovador sistema de cámara digital desarrollado en colaboración con fotógrafos de primera línea. Sus avanzadas características
camara profesional leaf afi
Leaf, líder mundial en fotografía digital, pionera y tradicional fabricante de “Backs digitales” desarrolló su propia cámara profesional digital de medio formato, la Leaf AFi.

Este producto único y exclusivo en su género tiene una ficha técnica de avanzada, como por ejemplo: CCD de mayor tamaño; ópticas Schneider; autofocus; pantalla LCD con touchscreen; operación autónoma de computador; sincronización de flash a 1/1000 segundos; disparo en ráfaga continua (71 fps); software Leaf Capture 11.1 (para Mac y PC); y versiones de 22, 28 y 33 megapíxeles.

Eduardo Bursztyn, gerente regional para Latinoamérica de Leaf, explicó que “lo que más nos importa es la experiencia del fotógrafo, que tengan resultados satisfactorios. Eso es lo que dicta el resultado de un producto”.

En igual sentido, agregó que Leaf posee “el 45% del market share de Brasil y que está muy bien posicionada en la Argentina y Chile”.

Luis Ojeda, uno de los más respetados fotógrafos de la Argentina, dijo que “es muy importante este lanzamiento, un verdadero fenómeno”.

“En mi estudio realizamos tomas tanto de productos como modelo. Por medio del sistema digital logré ampliar mi visión creativa, posibilitando darle a mi estilo de fotos características nunca antes logradas. Para lograr esto necesito un buen soporte y, luego de varias pruebas, encontré en Leaf el ideal que me asegura lo que estoy buscando: tanto en el buen tamaño de imagen como en la fidelidad de color”, agregó.

Por su lado, Eduardo Torres, fotógrafo especialista en gastronomía, editorial y publicitaria, como así también en figura humana, still life y productos en general, relató que la “incorporación a nuestro estudio del back Leaf Aptus 65 significó un avance muy importante en cuanto a la calidad y versatilidad de captura”.

“El resultado ha sido tan satisfactorio a lo largo de este primer año, que ya estamos pensando en la incorporación de un segundo back Leaf para el año próximo”, agregó.

Bursztyn destacó la importancia de contar con un buen respaldo en la Argentina y mencionó a Optica Cosentino, que representa a Leaf en el país.

(Infoabe.com)

Jarabacoa, frío al medio día. Unas tres décadas atrás conocí Jarabacoa. Para entonces la carretera...

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Habla la Cámara

Juan Guzman — Mon, 16 Jun 2008 10:57:13 +0000

Buscadores de imágenes invaden la ciudad en ‘La noche de la fotografía’

BEATRIZ PORTINARI – Madrid – 14/06/2008

“Mi dueño está enfermo. No es que le guste la fotografía, sino que hace fotos compulsivamente y necesita tratamiento. Tiene cuatro cámaras, incluidas lomográficas y analógicas, compactas y semiprofesionales como yo. Hasta ha creado con sus amigos una web, www.captura.org, y ya han subido 15.000 imágenes. A veces le acompaño a Fotógrafos Anónimos, donde hace terapia, pero no sirve de nada”.

“Mi dueño ha creado una ‘web’ a la que ha subido 15.000 fotos”, dice una máquina

El testimonio desgarrador de la cámara de Andreu Buenafuente se repetía ayer entre la tribu de capturadores de imágenes de La noche de la fotografía, organizada por PhotoEspaña (www.phedigital.com). Casi mil cámaras y sus respectivos propietarios salieron por la tarde desde la Fundación Canal donde Buenafuente anunció el tema del Photomaratón: la resistencia.

“¿Te parece poca resistencia convivir con una dueña de 69 años hiperactiva y dicharachera? Lleva toda la tarde cantando Eres un enfermo, con sus amigas del taller de fotografía organizado por los Servicios Sociales del distrito Centro”, suspiraba una cámara compacta enganchada con una correa a la muñeca de su dueña. Imposible escapar. Fotos y más fotos al profesor del taller, a otros participantes y a sus compañeras que se tomaban la gincana a risa.

Algunas de las máquinas aportaban un particular punto de vista como la de Francisco, que disparaba desde su silla de ruedas. “Antes de estar así hacía fotos desde arriba y ahora me he acostumbrado a compensar esta perspectiva con los objetivos. Aunque sí es cierto que quizás aporte algo distinto”, afirmaba el fotógrafo con humildad. Mientras bajaba la Castellana vio cómo otros muchos fotógrafos se abalanzaban sobre los tacones kilométricos de una joven.

Clic por la resistencia. También clic por una multa de la policía aunque finalmente la cámara de Francisco optó por presentar en el concurso el casco de un obrerode la construcción. Otros participantes ironizaron con un heavy bebiendo calimocho en la Gran Vía o una grúa en plena crisis económica.

La fiesta de la fotografía continuaba horas después en el barrio de Las Letras, donde se repartieron 250 cajas de zapatos convertidas en cámaras oscuras. Una cayó en manos del profesional más joven del maratón, Álvar, 10 años y las ideas claras. “Pactó con su padre que el recorrido, por mucha resistencia que hubiera, incluiría tiendas de chuches y descansos. No es la primera vez que emplea una cámara estenopeica como yo. Así que ahora sabrá aprovechar mejor el único disparo posible”, argumentaba la caja.

Hacia la media noche, la tribu de fotógrafos esperaba ver el trabajo y las fotografías del colectivo Captura Org proyectadas en pantalla gigante con música en directo de pinchadiscos. Clic por la resistencia.

La Cámara de Papá Ángel Jiménez de Luis Periodista especializado en tecnología y ‘gadgets’,...
Ricardo Read nos deja ver: “Lágrimas detrás de mi Cámara” Hoy quiero ser eco, eco integro y total de Ricardo,...

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Fantasías de mujer

Juan Guzman — Sun, 13 Apr 2008 23:08:00 +0000

JULIA LUZÃN 06/04/2008
Parecen fotos, pero son sueÃ±os. Protagonizados por mujeres, viajan por museos de todo el mundo en busca de espectadores que los conviertan en realidad.

LA MUJER DE ROJO- ELLEN KOOI

Fabular en torno al retrato de un hombre que no llegÃ³ a conocer es el origen del que nacen las extraÃ±as, inquietantes y bellÃsimas obras de Ellen Kooi (Leeuwarden, Holanda, 1962). âDe pequeÃ±a me asombraba la fotografÃa con su extraÃ±o silencio. EncontrÃ© una de mi abuelo y me imaginaba todo tipo de historias alrededor de su rostro. Era mi hÃ©roe. MÃ¡s tarde me enterÃ© de cosas que me derrumbaron el mito. Igual fue Ã©ste el origen de lo que hice mÃ¡s tarde cuando comencÃ© a trabajar con la realidad aparente de una foto para contar mis propias historiasâ.

Sus dos aficiones, el arte y el teatro, llevaron a esta holandesa que sale poco de Haarlem, a 20 kilÃ³metros de Amsterdan, donde vive, a trabajar con la camara como lo hacia con los pinceles en la escuela de bellas artes dondes estudio. Su vida cambio el dÃa en que afronto uno de los trabajos practicos, hacer carteles. SacÃ³ de su mochila el montÃ³n de fotos que habia ido tomando a grupos teatrales y el pÃ³ster le quedÃ³ tan estupendo que todas las compaÃ±ias de comicos solo querian ser captados por su camara. Tenia que hacer carteles de obras que aÃºn no se habÃan estrenado y fue a partir de ahÃ cuando empecÃ© a interesarme en la relacion entre cuerpo y tiempo de una forma mas espacial, dijo en una entrevista a Catherine SomzÃ©.

Ellen Kooi no deja nada al azar en su trabajo. Como si realizara una pelÃcula, primero dibuja la escena y luego dirige a sus modelos. Busca localizaciones y sitÃºa la acciÃ³n en un paisaje. Pero, paradÃ³jicamente, sus fotografÃas no parecen en absoluto elaboradas, son de una espontaneidad increÃble.

Ella retrata como pintaban los grandes maestros holandeses del siglo XVII. Con una diferencia: en cada obra de esta mujer se esconde una historia, un relato que habla de melancolÃa, desengaÃ±o o frustraciÃ³n. Cuando se observa una foto de Ellen Kooi y sus campos de hierba hÃºmeda, canales y bosques, se sabe de inmediato de dÃ³nde son estos paisajes. Forman parte de la tradiciÃ³n heredada de SalomÃ³n o Jacob van Ruisdael. âLa mayor parte de mi trabajo estÃ¡ relacionada con mi entorno. La gente que llegÃ³ a Holanda no vino y se asentÃ³ sin mÃ¡s; tuvimos que construir el espacio alrededor nuestro, porque el agua nos rodea. Hemos adoptado el paisaje a nuestras necesidades. Con mis fotos intento recrear mis impresiones de algunos paisajes. Son metÃ¡foras para esas sensacionesâ.

Octavio Zaya, comisario de la exposiciÃ³n de Ellen Kooi que podrÃ¡ verse en La Casa Encendida de Madrid, sugiere alguna intenciÃ³n mÃ¡s profunda: âElla utiliza una naturaleza perfecta para producir imÃ¡genes onÃricas. Recurre a ella para crear lugares donde ocurren acontecimientos ambiguos e inexplicables. Mientras Kooi sostiene ante nosotros el paisaje ideal, sus personajes y sus misteriosas acciones parecen consumidos en algo que podrÃa socavar ese ideal. En esos paisajes se muestra tanto la belleza como la desorientaciÃ³nâ.

Siempre hay mujeres en las fÃ¡bulas de Ellen Kooi. En movimiento, en soledad. Es de las pocas fotÃ³grafas que adoptan la naturaleza como el escenario donde se desarrolla la acciÃ³n. A veces hace guiÃ±os o rinde homenajes sinceros a los artistas que mÃ¡s han influido en su trabajo, como Caspar David Friedrich. Por ejemplo, el retrato de la mujer vestida de rojo hundida en un mar de espigas remite a uno de los cuadros emblemÃ¡ticos del arte contemporÃ¡neo, Christinaâs world, del estadounidense Andrew Wyeth. âInconscientemente siempre doy a mis fotos una dimensiÃ³n de peligro. Algo que es y estÃ¡ puede perderse para siempreâ.

Sus personajes provocan inquietud. Son los sueÃ±os de una mujer que puede conseguir que los niÃ±os broten de los Ã¡rboles como si fueran cerezas, pero aunque se permita tales licencias, esta âequilibrista, funambulista del tiempoâ detesta que a su trabajo se le aÃ±ada la palabra surrealista, y mucho mÃ¡s la de realismo mÃ¡gico.

Una de sus preguntas recurrentes es acerca de la influencia de la geografÃa en las personas, y, una vez mÃ¡s, Kooi se remonta a sus recuerdos de infancia: âVivÃa con mis padres en los suburbios de una ciudad. A un lado de la calle habÃa amplios espacios verdes, y al otro, rascacielos. Era un entorno dual y todavÃa me acuerdo de la forma diferente en que me sentÃa a un lado u otro de la calleâ. De ahÃ, de su almacÃ©n de vivencias, procede esa inquietud que se desprende de sus vistas panorÃ¡micas. De hecho, una de sus primeras obras tuvo que ver con la ciudad de Groningen y los canales: âSiempre me interesÃ³â, dice, âobservar cÃ³mo la gente espera mientras los barcos y el tiempo pasanâ. Kooi utiliza en muchos de sus trabajos el cuerpo humano como puente. âCoreÃ³grafos como Pina Bausch o Jan Fabre han tenido una influencia muy importante sobre mi trabajo. Ellos me enseÃ±aron cÃ³mo el cuerpo es un medio de expresiÃ³nâ. Son historias sin final, âlas cuento para que el espectador pueda inventar las suyasâ. Ãse es el reto.

ExposiciÃ³n de Ellen Kooi en La Casa Encendida, de Obra Social Caja Madrid, del 15 de abril al 15 de junio.

Manos de mujer. Si estas manos pudieran hablar. Lo mas seguro es que...

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Empieza el VI Festival Internacional de Fotografía Mirafoto

Juan Guzman — Wed, 17 Oct 2007 02:26:00 +0000

(RPP) Durante casi dos meses, el VI Festival Internacional de Fotografía Mirafoto sitúa a esta manifestación artística como protagonista de la vida cultural limeña. El objetivo principal: dar a conocer al público un medio de expresión esencial para entender la historia del arte contemporáneo. Las exposiciones se programan a fin de poner a disposición de aficionados y especialistas, las últimas tendencias de las artes visuales en el mundo, así como un recorrido permanente por los archivos históricos de la imagen.

El evento organizado por el ICPNA, el Centro de la Imagen (ex Centro de la Fotografía) y la Pontificia Universidad Católica del Perú -con el auspicio de la Municipalidad de Miraflores- se ha convertido en el primer festival de fotografía internacional concebido como un evento regular que desde el 2005 se realiza de manera bienal, congrega a miles de visitantes y tiene como fecha central el mes de noviembre.

Este encuentro se ha consolidado como una excepcional plataforma para el desarrollo de la fotografía en el Perú y como una oportunidad para dar a conocer el portafolio de autores internacionales reconocidos. A raíz de su creación, Mirafoto ha generado un corredor cultural peatonal de exposiciones en Miraflores, cuyo eje son las avenidas Arequipa y Larco, desde La Alianza Francesa, pasando por el ICPNA, las galerías municipales y El Ojo Ajeno hasta Larcomar. Además participarán galerías de Lima, Barranco, San Miguel, La Molina y San Isidro.

Paralelamente a las exposiciones, se organizan conferencias, mesas redondas y presentación de libros. Algunos de los temas que se han cubierto en estos años son Vida y obra de Max T. Vargas, Historia de la imagen publicitaria peruana y Buena Memoria a cargo de Marcelo Brodsky.

En una de las primeras versiones del festival, realizada en 2001, contamos con las muestras Desnudos y Retratos del francés Jeanloup Sieff, La Ruta de Pablo Hare y Santiago Roose y La Otra de Natalia Iguiñiz, además de archivos históricos como Baldomero Alejos, Martín Chambi y sus contemporáneos, entre otras.

En 2002, se expuso el trabajo Photographe del senegalés Seydou Keita, St. Pragburg: Imágenes de una ciudad imaginaria del finlandés Jari Arffman y Building Art del chileno Miguel Etchepare y El Espejo Infiel de Anamaría McCarthy, además de muestras colectivas de fotógrafos peruanos.

Asimismo, en 2003, se expuso las muestras Buena Memoria de Marcelo Brodsky, Les Inventaires de Bernard Prass, Visiones del Sur del archivo de los Hermanos Vargas, la colectiva de fotógrafos franceses Des européens á Paris, Mineros, todos los días noches del fotógrafo suizo Jean-Claude Wicky, y dos colectivas de artistas peruanos, entre varios otros trabajos.

En la última versión del festival, celebrada en 2005, exhibieron sus propuestas y proyectos artistas nacionales como Roberto Huarcaya, Milagros de la Torre, Iván Esquivel y Juan Pablo Murrugarra e internacionales tales como Marcos López (Argentina), Guadalupe Miles (Argentina), John Kaplan (USA, Premio Pulitzer). Asimismo, se expusieron las muestras Machu Picchu & the Camara, Colectiva de fotografía chilena contemporánea, Homenaje a Julita Chambi, El año en imágenes de Perú.21, Fotografía africana.

Para la presente edición 2007, artistas nacionales nos presentarán sus nuevas propuestas: Vírgenes urbanas de Ana de Orbegoso; En busca del héroe, antología de Jorge Deustua, Pelea de gallos de Ernesto Benavides; entre las experiencias internacionales podemos citar Kremlin Mauritanien de Chantal Hovens, Desiertos de Alex Kornhubert, Etiopía de Dimitri Wetner, World Press Photo, entre otros.

Cabe resaltar, que en esta nueva versión se ha programado el I Encuentro Internacional sobre imagen contemporánea, coloquio sobre la imagen a cargo de intelectuales franceses y latinoamericanos, coorganizado con el Ministerio de Cultura y la Embajada de Francia. Asimismo, hemos programado también la revisión de portafolios que estará a cargo de importantes fotógrafos y curadores internacionales invitados.

Mirafoto incluye acciones concebidas para los espacios urbanos públicos y por extensión la ciudad, que se transforman, en este caso, en zonas de creación y desarrollo cultural. Una de éstas es Foto Libre, exposición colectiva al aire libre que se lleva a cabo en el Parque Central de Miraflores. En este ejercicio, aficionados a la fotografía exhiben sus trabajos ante la mirada del público asistente, quien hace de jurado calificador mediante un sistema de votos. Al finalizar la tarde del domingo se determinan las imágenes ganadoras.

Los espacios de exhibición son la Galería de la Municipalidad de San Isidro, Centro Cultural España, Alianza Francesa, Galería de la Alianza Francesa de Miraflores, Galería John Harriman-Centro Cultural Peruano Británico, Sala de Exposiciones 1-02 Larco Mar, Centro Cultural Inca Gracilazo, Museo de Arte de San Marcos, Galería de la Universidad Ricardo Palma, Galería Juan Pardo Heeren ICPNA, Lima, Galería German Krüger, ICPNA Miraflores, Galería ICPNA, Miraflores, ICPNA, Museo de Sitio del Parque Reducto, Galería ICPNA, San Miguel Galería ICPNA, La Molina, Municipalidad de Miraflores – Sala Miró Quesada Garland, Municipalidad de Miraflores – Centro Cultural Ricardo Palma, Galería Lucía de la Puente, Museo de Arte de Lima, Centro Cultural de la PUCP, Escuela Nacional de Bellas Artes del Perú, Galería El Ojo Ajeno – Centro de la Imagen, Galería Pancho Fierro – Municipalidad de Lima, Galería Dédalo, Galería Vértice, Galería Enlace – Arte Contemporáneo, Sala de Arte – Larcomar, y Galería 80m2.

Bases 10mo. Premio Internacional de fotografia Wifredo Garcia. Casa de Teatro, 2011. Ir directo al Post...

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El Festival Internacional de Fotografía Getxophoto ofrecerá desde el jueves más de una veintena de actividades

Juan Guzman — Wed, 12 Sep 2007 21:37:00 +0000

La primera edición del Festival Internacional de Fotografía Getxophoto ofrecerá, desde el jueves, un total de 25 actividades, entre ellas intervenciones, instalaciones, talleres, proyecciones y exposiciones.

El certamen, que se prolongará hasta el domingo 16 se desarrollará principalmente en las calles del municipio. En este sentido, sus responsables destacaron que Getxophoto es “un festival dedicado a la fotografía, entendiendo está como una herramienta de conocimiento, comunicación y, por supuesto, de goce estético” y su señal de identidad es “la utilización del espacio público como marco para la fotografía”.

Organizado por el colectivo Begihandi, con la colaboración del Ayuntamiento de Getxo, la Diputación Foral de Bizkaia, Gobierno vasco y BBK y comisariado por Alejandro Castellote y por el propio colectivo Begihandi, Getxophoto acogerá a fotógrafos internacionales como Antonio Briceño (Venezuela), Marcos López (Argentina), Vincent Rosenblatt (Francia), Numo Rama (Brasil), Javier Silva-Meinel (Perú), Manuel Vázquez (Colombia).

También contará con la presencia de Sergio Caro, Ricky Dávila, Mikel Eskauriaza, Carlos Terreros, Juan Carlos Tomasi y Jorge Yeregui, y muestras colectivas como Yuyanapaq (Comisión de la Verdad y Reconciliación de Perú), Olhares do Morro (colectivo de fotógrafos de algunas favelas de Rio de Janeiro), Itsas-Memoria (selección de fotografías de1900 del Euskal Museoa), Otras postales (proyecto fotográfico sobre la identidad de Getxo a cargo de destacados autores locales) y una selección de los fondos fotográficos de Getxo comisariada por Konra Mugertza.

Durante el certamen, se instalarán exposiciones en 17 espacios públicos, expuestas hasta el 5 de octubre. Las muestras podrán verse en Punta Begoña, el Matadero, el Ascensor, en la Plaza Saistegi, en la calle Amezti, en varios escaparates de las calles Euskal Herria, Basagoiti, Torrene, Plaza de la estación, en el Mercado de Algorta, en el Aula de Cultura, en la Plaza San Nicolas, Getxo Antzokia, Puerto Viejo y Aixerrota.

CARPA DE ACTIVIDADES
Por otro lado, se desarrollarán otros actos en Algorta, donde se instalará una carpa en la plaza de la estación con cuatro exposiciones y varias actividades.

Marcos López presidirá la carpa de Getxophoto con la imagen Asado en Mendiolaza, considerada un icono de la fotografía latinoamericana del siglo XXI.

La exposición “Otras postales” tratará de cuestionar “el tópico Getxo” y al mismo tiempo crear mediante esta colección de imágenes “una identidad más acorde a la realidad”. Con este fin, se pidió a una decena de fotógrafos locales un par de imágenes a cada uno. El resultado es esta serie de fotografías que se presentarán en Getxophoto y, con algunas de ellas, también se ha editado una colección de postales.

Además, se expondrá en la carpa varias “solarigrafías” tomadas en Getxo por Diego López Calvín valiéndose de cámaras estenopeicas, materiales fotosensibles y exposiciones de casi un mes de duración.

La iniciativa también mostrará el trabajo recogido por los niños saharauis que fueron acogidos por familias getxotarras durante el verano y a los se repartieron cámaras desechables para que captasen “aquello que más les llamase la atención”.

El certamen contará con un espacio para Photomuseum Argazki eta Zinema Museoa de Zarautz en el que dará a conocer el proyecto Isurkide, base de datos de fotógrafos vascos. Además, las librerías Camara, Anti y Orixa tendrán un puesto en la carpa donde se podrán adquirir libros y revistas de fotografía.

Juan Santos, miembro de la agencia de proyectos visuales no convencionales Nophoto, instalará en la Plaza Tellagorri una veintena de cajas de luz para reivindicar “una mirada diferente sobre lo que habitualmente pasa desapercibido: la ciudad sobre la que caminamos”. Esta instalación estará colocada de 21:00 a 00:00 horas.

La segunda instalación del certamen correrá a cargo de Sergio Caro, el autor instalará veinte fotografías sobre el suelo de la calle Basagoiti de 19:00 a 23:30 horas. Estará formada por imágenes que muestran el caminar de subsaharianos con destino a Europa.

Durante el festival también habrá dos proyecciones, un “bertsophoto” y dos conferencias de la mano de Mayu Mohanna y Alejandro Castellote.

Bases 10mo. Premio Internacional de fotografia Wifredo Garcia. Casa de Teatro, 2011. Ir directo al Post...

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Esta semana en el Centro Leon

Juan Guzman — Tue, 10 Jul 2007 17:41:00 +0000

En la Sala de Exposiciones… y más allá

Desde el 22 de junio la Sala de Exposiciones Temporales María Asensio de León acoge la muestra De oficio pintor. Arte colonial venezolano. Colección Patricia Phelps de Cisneros, como continuación del acuerdo de cooperación firmado en 2006 entre el Centro León y la Fundación Cisneros.

En correspondencia con su misión de promover y desplegar el interés de los diversos públicos y vincular a las comunidades con los procesos culturales que el Centro León genera, a propósito de esta exposición se prevé un amplio programa de actividades que contempla talleres, conferencias, visitas temáticas, paneles, tertulias y una exposición paralela de la colección bibliográfica que sobre el tema existe en los fondos de la Mediateca.

La presencia de Jorge Rivas, curador de arte colonial de la Colección Patricia Phelps de Cisneros, resultó una excelente oportunidad para que artistas, críticos, estudiantes de arte y público en general participaran en dos conferencias sobre los temas Arte Sacro en la Colección Patricia Phelps de Cisneros, en el Centro León y Apreciación del arte colonial venezolano de los siglos XVII y XVIII, en el Museo de las Casas Reales en Santo Domingo.

Más allá de la sala de exposiciones, el Centro León se trasladó el 5 de julio a Bonao para ofrecer una tertulia–conversatorio sobre el tema Arte Sacro en la producción artesanal dominicana y estará el próximo martes 24 en la Casa de la Cultura de La Vega donde el historiador y ensayista Carlos Esteban Deive y Carlos Andújar, especialista en antropología del Centro León, conducirán una tertulia sobre el tema Salve Regina a cargo de las Hermandades Religiosas.

El martes 10, en la sala expositiva se realizará una visita temática en la que se aplicará la metodología Piensa en Arte que permite utilizar las obras de arte como base para estructurar diálogos dirigidos a fortalecer la capacidad de observación, el lenguaje expresivo y el pensamiento crítico.

Las jornadas de este amplio programa de actividades concluirán en los meses de agosto y septiembre con talleres, conversatorios y paneles que nos reunirán en torno a De oficio pintor. Arte colonial venezolano. Colección Patricia Phelps de Cisneros en la sala de exposiciones temporales…y más allá.

Visita Temática

De Oficio Pintor. Arte Colonial Venezolano. Colección Patricia Phelps de Cisneros

Acompañados de un especialista, los participantes se aproximarán al conocimiento del arte colonial y del papel desempeñado por los pintores de oficio en su evolución.

Fecha: Martes 10
Hora: 6:00 p.m.
Lugar: Sala de Exposiciones Temporales María Asensio de León.

Un recorrido por la exposición De oficio pintor. Arte colonial venezolano. Colección Patricia Phelps de Cisneros en la que se aplicará la metodología Piensa en Arte, una técnica que facilita un encuentro interactivo con las obras expuestas y el tema central de la muestra con el fin de propiciar, a través del arte, el desarrollo de las habilidades cognitivas y de pensamiento crítico en los participantes.•

Video Café

Concert for George

Un concierto que amplifica la voz del beatle silencioso que lleva su música a nuevas generaciones.

Fecha: Viernes 13
Hora: 8:00 p.m.
Lugar: Patio Caribeño

Eric Clapton, Tom Petty, Billy Preston, Ringo Starr y Paul McCartney le rinden un inolvidable tributo musical al que fuera guitarrista solista del grupo The Beatles, el llamado Beatle silencioso o místico: George Harrison.
La salida al mercado de Concert for George, donde se recoge el concierto que le dedicaron sus camaradas generacionales, abre un período de reverencias en el que ha visto la luz un disco póstumo (Brainwashed) y varios libros sobre su vida y su obra. Concert for George es un intento de amplificar la voz del beatle silencioso y llevar su música a nuevas generaciones.•

Que es el arte moderno para ti?, en el Centro Leon. En esta semana el Centro León realiza la apertura de...
Conversatorio y exposición fotográfica en Centro León El Martes 27 de Septiembre del 2011. a las 7:00...
Conversatorios del centro Leon : Nuevas tecnologias. Las nuevas tecnologías de la comunicación frente a los medios...

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Dos pájaros vivitos y cantando

Juan Guzman — Sat, 30 Jun 2007 13:19:00 +0000

Nueve mil voces coreando emocionadas sus canciones enmudecen al mÃ¡s templado y curtido de los autores

PILAR CIUTAD - Zaragoza

Yo no quiero que este concierto acabe. Yo no quiero dejar de emocionarme. Ese era el sentimiento del pabellÃ³n PrÃncipe Felipe de Zaragoza, lleno hasta la bandera, por el que dos viejos pÃ¡jaros, sabios y poetas, habÃan sobrevolado durante dos horas y media, demostrando a todos que no estÃ¡n muertos, que tienen cuerda y parranda para rato.

El momento de la despedida- PILAR CIUTAD

Â¿QuÃ© cuÃ¡ntos aÃ±os tienen? La misma que muchos de los espectadores pero los pantalones de cuero de Sabina no le dan mÃ¡s de treinta y, cuando Serrat entonaba los viejos cantares machadianos, parecÃa seguir en la veintena.

Â¿Que la voz no es la de entonces? QuÃ© importa. Si no les dejamos cantar, si lo hacemos los demÃ¡s. Nueve mil voces coreando sus canciones enmudecen al mÃ¡s templado y curtido de los autores y, para poder elevarse por encima de ellas, precisaron cambiarnos el paso, tu nombre me sabe a yerba a ritmo de mariachi y esas otras pequeÃ±as cosas de aires flamencos, lo consiguieron.

No pudo ser con MediterrÃ¡neo, Serrat, rendido, ofreciÃ³ su micrÃ³fono al pÃºblico y el pabellÃ³n estallÃ³. Un recital de mÃºsica, poesÃa, ritmo, humor, amistad, camaraderÃa, … La prueba estaba al fondo de la pista, junto a la barra, allÃ¡ donde siempre parece imposible apagar el murmullo, hubo momentos para la historia de los recitales, pandillas de tÃos hechos y derechos que no sÃ³lo no seguÃan el concierto como ruido de fondo, con el vaso de cerveza en la mano y conversando con el colega de turno, si no que estaban emocionados, sin apartar la vista de las pantallas y cantando aquello de Yo no quiero que…

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Café para todos

Juan Guzman — Tue, 01 May 2007 16:10:00 +0000

Fuente: Que Sabes de.com

Por Iker Morán.- Durante los convulsos años de la transición y la negociación autonómica en España, una de las expresiones que más se popularizó en el ámbito político y que ha conseguido sobrevivir hasta nuestros días fue aquello del “café para todos”.

Aunque pueda parecer esto un capítulo de Cuéntame, en realidad el tema del reparto cafetero fue lo primero que me vino a la cabeza al enfrentarme a la interminable lista de productos distinguidos por la TIPA -Asociación de la Prensa Técnica Europea- como los mejores de 2007.

Aquello del “café para todos”
fue lo primero que pensé al ver
la lista de productos distinguidos
este año por la TIPA

Soy consciente de que reincido en un tema ya abordado en estas líneas. Pero, créanme, la ocasión lo merece.

Para empezar, hay que reconocer que estos premios cumplen a rajatabla uno de los requisitos indispensables de este tipo de certámenes: disponer del suficiente número de categorías para que cada marca reciba su dosis de café y evitar así incómodas situaciones posteriores a la hora de negociar los miles de euros que cuesta -es un decir- esa contraportada.

Así que no es de extrañar que la lista de premios aparezca compartimentada en nada menos que 36 categorías. Pero claro, el peligro de apostar por una especialización tan exagerada es que puedes llegar a crear premios que están entre lo previsible y lo ridículo.

Semejantes hazañas se repiten
desde hace mucho tiempo y en otras
convocatorias, incluidos unos
gloriosos premios on-line

Mejor cámara telemétrica digital: la Leica M8. ¡Qué sorpresa! Seguramente los responsables de la Epson R-D1s -la otra única cámara telemétrica digital- aún no se han recuperado de la decepción.

Sin dudar en ningún momento de la profesionalidad y buen criterio de estos compañeros periodistas repartidos por todo el continente, la lista de premiados incluye alguna que otra joya que merece no caer en el olvido.

Es cierto que no es algo nuevo de este año, y semejantes hazañas se vienen repitiendo desde hace mucho tiempo y en otras convocatorias, incluidos unos gloriosos premios on-line de cuyo nombre no quiero acordarme. Pero, ya que no hacemos puente, con algo hay que alegrarse el día.

Sorprende comprobar que los TIPA
han tenido tiempo para someter
a la Nikon D40x y la Canon
EOS-1D Mark III a todas
las pruebas

Siguiendo con el listado de premios TIPA, una de las cosas más impactantes es la velocidad de respuesta de los ilustres jurados. Algo realmente curioso, porque, al menos en este país, todos sabemos el ritmo al que se mueven los medios impresos a la hora de seguir la actualidad o probar nuevos productos.

Por eso me ha sorprendido gratamente comprobar que los miembros de la asociación ya han tenido tiempo suficiente para someter a la Nikon D40x o, mejor aún, a la Canon EOS-1D Mark III a todas las pruebas necesarias para distinguirlas como la mejor réflex para aficionados y la mejor SLR profesional de 2007, respectivamente.

Pese a que en esta casa fuimos de los primeros en tocar ambos cuerpos -viajamos hasta Las Vegas para buscar la D40x, para que se hagan una idea-, a día de hoy aún no hemos podido probarlos con detenimiento ni publicar la correspondiente prueba.

La Ricoh GX100, un mes después de
su presentación, ya es la mejor
“cámara de prestigio” de 2007

Pero, visto lo visto, en cuanto acabe de escribir estas líneas me voy a ir al quiosco más cercano a esperar el próximo número de revistas como Diorama, Arte Fotográfico, La Fotografía, Foto/Ventas o FV/Foto-Vídeo Actualidad, que forman parte de esta asociación. Estoy impaciente por ver las conclusiones a las que han llegado respecto a estos dos modelos.

O sobre la Ricoh GX100 que, sólo un mes después de su presentación, ya ha sido reconocida como la mejor “cámara de prestigio” de 2007.

Velocidades aparte, la exquisita diplomacia a la hora de repartir parabienes tiene en los premios dedicados a las impresoras su mejor muestra. Casualmente, ni Canon, ni HP, ni tampoco Epson se han ido de vacío.

Y me atrevería a pronosticar que el próximo año, cuando Kodak participe también en este segmento de la inyección de tinta, seguro que el reparto de las cuatro categorías es aún más equilibrado.

Hablando de fotografía digital, es lógico que la innovación sea un apartado que se cuide con mucho cariño. Tanto, que los premios TIPA contemplan dos apartados que este año también merecen ser recibidos con una ovación. Agárrense.

En otra muestra de exquisita
diplomacia, ni Canon, ni HP, ni
Epson se han ido sin premio
para sus impresoras

Mejor innovación del sector: el sistema SmartTouch que incorporan algunas compactas de Samsung. Sin entrar a discutir si esta tecnología merece un premio o no, resulta curioso que ni en esta edición ni en las anteriores se mencione ningún modelo dotado de pantalla táctil. Algo que, útil o no, también suena bastante innovador, ¿verdad?

Tal vez la reiterada ausencia de productos de Sony durante los tres últimos años -a excepción de la videocámara HDR-FX7 en los premios de este 2007- tenga algo que ver con este detalle. Sólo si somos malpensados, claro.

Otro de mis premios preferidos es el del “diseño innovador”, que ha recaído en la Olym
pus µ 770 SW. Dando por hecho que cuando dicen “diseño” hablan de la resistencia del cuerpo, tal vez a las µ 720 SW o 725 SW -predecesoras de esta cámara- les hubiera caído mejor el calificativo de “innovadoras”.

¿De verdad que a nadie del jurado se le ocurrió un premio mejor para conceder a Olympus? ¿Han oído hablar del filtro SSWF? ¿Y del zoom de 18x de la SP-550? ¿Se dan de vez en cuando una vuelta por Internet para enterarse de lo que pasa en el sector?

Es necesario cuestionar una
vez más la relevancia y
credibilidad de este
tipo de premios

No pongo en duda que cualquiera de los productos seleccionados merezca su correspondiente galardón, pero sí veo necesario cuestionar una vez más la relevancia y credibilidad de este tipo de premios.

Entiendo que a las marcas les guste recibir y lucir medallas -todos guardamos alguna ganada cuando teníamos 6 años- y me consta que por tierras niponas es un auténtico deporte nacional.

Pero, visto lo visto, creo que a partir de ahora miraré con cierto miedo cualquiera de esas cámaras cuya caja esté repleta de pegatinas de premios recibidos. Y es que, con amigos así, ¿quién necesita críticas?

La columna de opinión “Contando píxeles” se publica, normalmente, el primer y tercer lunes de cada mes.

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Galerías

Juan Guzman — Mon, 09 Apr 2007 13:32:00 +0000

En un año se abren 15 nuevas galerías en Madrid y se trasladan otras 6

8 de Abril de 2007 – Domingo

Entrada a galería Alvaro Alcázar

De las 200 galerías de arte que suma Madrid -la mitad de ellas de arte contemporáneo-, 11 se abrieron en 2006 y 2 en 2005. En 2007 se han abierto ya dos (cámara oscura y Casado Santapau, que lo hicieron en enero), este mes abrirá DeMurcia Galería de Arte (Colmenares, 9), de la mano de la galería murciana La Ribera (ver noticia anterior), y de inmediato está previsto abrir otras dos en las calles San Agustín, por parte de Christina Poveda, y en Limón, por parte de Blanca Berlín. Esta última será una galería, ubicada frente al Centro Cultural Conde Duque y especializada en fotografía, que se inaugurará, el próximo 10 de mayo, con una exposición de Ramón Masats.

Además, en 2006, otras 6 galerías cambiaron sus sedes a nuevos espacios, lo mismo que está haciendo ahora Espacio Distrito Cu4tro, que se traslada desde un primer piso en la Pza. de las Salesas al número 9 de la cercana Conde de Xiquena. Por contra, en 2006 cerraron, además de Almirante que, a diferencia de su “hermana” Metta, no logró superar la crisis de su matriz AFINSA, otras tres galerías: VVV Gallery, que había abierto a principios de año (Pasaje General Mola, 2 – 1) de la mano de la galería argentina Braga Menéndez Arte Contemporáneo; Xanon, que trasladó su sede de Madrid a Bilbao; y Espacio 21, cuya promotora Concha Santa Pau reemprendió el proyecto a principios de este año en asociación con Damián Casado -ex director de La Fábrica y Distrito 4- en el nuevo proyecto Casado Santapau. Una galería, de 90 m. cuadrados, “centrada en el arte contemporáneo internacional, con especial dedicación al arte hecho en Las Américas”, según señala Damián Casado, que anuncia que este año realizarán 7 exposiciones con artistas como Alexandre Arrechea -con quien abrió la galería-, Bosco Sodi -que expone actualmente-, Abel Auer, Wilhem Mundt o Bettina Puschinn, esperando asistir a las ferias BâleLatina/Basel, Art-Forum Berlin y ARCO. Centrados en colecciones privadas y, en menor medida, públicas -Concha de Santa Pau es experta en Patrimonio, formación de colecciones corporativas y directora de Santapau ARTE21- Casado considera que “el mercado evoluciona bien, creciendo”.

cámara oscura, por la fotografía y el video

De las últimas aperturas, cabe destacar cámara oscura, ubicada a un paso del Reina Sofía y justo enfrente del Caixaforum, de próxima inauguración, en pleno distrito de las galerías. Promovida por Juan Curto Vivas, coleccionista desde 1995 y con formación en Administración de Empresas y Dirección y Gestión de Galerías de Arte, cuenta también con el asesoramiento artístico de Elisa Hernando Calero fundadora de la consultora Arte Global. cámara oscura, una pequeña galería de apenas 60 m. cuadrados, se define como “una galería de arte especializada en fotografía contemporánea nacional e internacional”. “Nuestra propuesta de valor -añade- consiste en presentar al coleccionista la mejor fotografía actual, seleccionada con un criterio profesional, alternativo y transgresor”. “Nuestro criterio de selección se centra en el concepto de “fotografía implícita”, que demanda una lectura interpretativa y que despliega un gran potencial de emocionar, sugerir y evocar al espectador. Los géneros que trabajan nuestros artistas (Sergio Belinchón, Bianca Brunner, María Castelló, Leo Fabrizio, Julia Fullerton-Batten, Rodrigo Gonzalo, Cristina Martín Lara, Ted Partin, Johann Ryno de Wet, Pétur Thomsen, Damián Ucieda y Carlin Wing) van desde la fotografía narrativa, al paisaje, el retrato o la fotografía más conceptual. Asímismo, contemplamos el video como un medio evolutivo del medio fotográfico y que está demostrando tener un apasionante y prometedor futuro”, señala Juan Curto a ARTEINFORMADO. La galería prevé realizar 5 exposiciones durante este año y asistir a las ferias Photo-London, Arte Santander y DFoto.

En declaraciones a ARTEINFORMADO, Juan Curto señala que “el momento actual es muy positivo lo que implica que las ventas tienen una tendencia al alza, como se ha demostrado en ARCO y en las casas de subastas. Por otro lado el momento artístico no es tan positivo ya que no se encuentran tan buenas exposiciones a nivel galerístico, al menos en España. A corto y medio plazo esta situación se mantendrá, siempre que la economía acompañe, pues parece que la tendencia de fondo apunta a que cada vez se compra más arte por más gente y por más instituciones”. Pero sobre todo, Curto señala que “creo firmemente que debemos “democratizar” el mundo del arte, sin masificarlo, y promover nuevos coleccionistas que se realicen como personas a través de su colección y para ello debemos ser flexibles, asesorar con criterio y vivir el arte con pasión”.

Alvaro Alcázar, de Metta a Alvaro Alcázar

Tras la intervención de AFINSA, propietaria de la galería Almirante -que acabó cerrando- y Metta, que mantiene una actividad residual tras la marcha de su director Alvaro Alcazar Gamarra -hijo de Carmen Gamarra, quien fuera hasta su fallecimiento en 2002 directora de la galería-, Alvaro emprendió, en septiembre pasado, su propio proyecto con la apertura de la galería, de 300 m. cuadrados de superficie expositiva, que lleva su nombre y una cartera de artistas de primer nivel que incluye figuras de la fotografía (Bae Bien-U o Kimiko Yoshida), la escultura (Anthony Caro, David Nash y Alfaro), el arte conceptual (Nacho Criado) o la pintura (Arroyo, Canogar, Barnatán, Canelo, Mari Puri Herrero, Lamazares, Si
mon Edmondson, Basso, Murado y Benedict). Con previsión de realizar siete exposiciones al año y asistir a ferias como Arco (ya lo hizo este primer año) y otras internacionales, tiene por objetivo a “instituciones, empresas, particulares, coleccionistas, …” que, en estos primeros meses de andadura le han permitido cumplir con sus expectativas llegando a afirmar que “contando la presencia en ARCO, la actividad de la galería ha sido bastante buena”.

Gavira, de Arteselección: “sangre, sudor, lágrimas”

Más dura parece haber sido la entrada de José Antonio Gavira, periodista y coleccionista de arte, en el mundo galerístico si tenemos en cuenta cómo define los primeros meses de actividad y que resume en tres palabras: “sangre, sudor, lágrimas”. En septiembre pasado Gavira abría, en la zona de Huertas de Madrid, su galería de 60 m. cuadrados Arteselección – Maestros del Arte Contemporáneo, convirtiendo con ello “mi gran vocación en una actividad profesional” y pretendiendo “impulsar el coleccionismo de obras procedentes de artistas consagrados entre la clase media, particulares y empresas. Para ello vendemos piezas de pequeño formato, dibujo, acuarela, obra gráfica … Por decirlo de una manera rotunda: obra económica de artistas caros”, señala José Antonio Gavira a ARTEINFORMADO. Con un objetivo de realizar entre 8 y 10 exposiciones al año, de artistas como Miquel Barceló, Chema Cobo, Eduardo Chillida, Antoni Tàpies, Lucio Muñoz, Joan Hernández Pijuán, Soledad Sevilla, Rafael Gordillo, Salvador Dalí, Antonio Saura o Joan Miró, la galería participará en ferias como Almoneda, Foro Sur, Art Salamanca y Estampa.

Pese a todo, 2006 fué un buen año

Pese a la dureza cierta de cualquier inicio de actividad empresarial -y la de galerista es una más-, como hemos señalado más arriba los datos de 2006 hacen pensar que podemos estar en uno de los mejores momentos de los últimos años para este sector. Si en 2005 sólo se registraron las aperturas del veterano galerista Pepe Cobo (que dejó Sevilla para instalarse en la capital), de Tribeca, iniciativa de las jóvenes galeristas Raquel Aranda y Raquel Santamaría, además del nuevo espacio abierto por Oliva Arauna en la calle Barquillo, en 2006 la lista se amplió hasta las 11 aperturas: además de las referidas Alvaro Alcázar y Arteselección y de las nacidas y desaparecidas el mismo año (VVV Gallery y Espacio 21), Cayón Subastas habilitó un espacio para galería, enfrente de dos de las galerías más emblemáticas de Madrid, Soledad Lorenzo y Marlborough; el grupo empresarial murciano Jimenez Godoy, dedicado a la impresión de etiquetas y artes gráficas y que unos meses antes había abierto en Pamplona la galería Uno2tres, abrió en octubre Godoy World Art – GWA Madrid, frente al madrileño parque de El Retiro, anunciando también nuevos espacios en Milán y París que, al parecer, no habrían cuajado.

En esta segunda mitad del año se produjo también la apertura de la galería, dedicada exclusivamente a la fotografía de autor, Hilo Conector; N3 Galería, creada en asociación de Paloma Mena con la galería catalana N2; Roberto Resino y Rita Castellote en el entorno de Huertas; lejos del centro, en la Avda. Manoteras, abrió también la galería Barbarín, de la mano del arquitecto Javier Barbarín, que justificaba su ubicación señalando que “siguiendo el ejemplo de lo que ha sucedido en ciudades como Nueva York y Londres, donde el desarrollo urbano ha hecho que el arte crezca junto a la ciudad, pretendemos generar un motor de interacción entre el arte y el Madrid en expansión”. Con 50 metros de superficie y 5 de altura, “la galería resulta idónea para dar cabida a las manifestaciones que por su tamaño o complejidad técnica no tengan lugar en una galería tradicional”.

Y otros 6 traslados a nuevos espacios

Además de las 11 aperturas, en 2006 se instalaron en nuevos espacios otras 6 galerías. Fueron los casos de Annta Gallery, que abrió en mayo un nuevo espacio en la calle Almirante, esquina Barquillo; BAT – Alberto Cornejo hizo lo propio en octubre en María de Guzmán; Moriarty se trasladó desde un primer piso en la calle Almirante a un ámplio espacio en Libertad, 22; también mejoró espacio Astarté a>, aunque sin cambiar de dirección, pero bajando del primer piso a planta de calle en Monte Esquinza, 8; a principios de año se había trasladado Trama Madrid; y a finales lo hizo Utopía Parkway a un nuevo y más espacioso local en Reina, 11.

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El «Oscar» a la mejor fotografía ya empieza a «hablar» español

Juan Guzman — Wed, 21 Feb 2007 13:06:00 +0000

La presencia de candidatos que hablan español en los «Oscar» brilla con fuerza especial en la categoría de mejor fotografía. La pasada madrugada el mexicano Emmanuel Lubetzki fue elegido como ganador del premio de la Sociedad de Directores de Fotografía en Estados Unidos.

Esta victoria, gracias a su trabajo en la cinta de Alfonso Cuarón «Children of men», es un paso de gigante hacia el más codiciado «Oscar», para el que compite con otro compatriota, Guillermo Navarro, cuya candidatura obedece a su labor en «El laberinto del fauno».

«Eso es lo que lo hace más entrañable en esta ocasión, estar con todos mis amigos, compartir este momento con ellos es muy padre», declaró Lubetzki.

No es la primera candidatura de este mexicano, que aspiró al «Oscar» en tres ocasiones anteriores (sin ninguna victoria) con la nominación de «The new world» (2005), «Sleepy Hollow» (1999) y «A little princess» (1995), esta última también junto a Cuarón.
Primera candidatura
Para Navarro ésta es su primera candidatura en una categoría con larga tradición de admirar el trabajo de extranjeros, en la que esta vez también compiten Vilmos Zsigmond («The Black Dahlia»), Dick Pope («The illusionist») y Wally Pfister («The prestige»). De ellos sólo el último nació en Estados Unidos. En total 15 de los últimos 20 ganadores del «Oscar» a la mejor fotografía nacieron fuera del país anfitrión de estos galardones.

«La presencia extranjera siempre ha sido muy fuerte», admite Navarro, consciente de que ahora el turno les toca a los mexicanos.

«¿Por qué? No hay una razón. Han cambiado las regiones de influencia con los años, italianos, franceses y ahora los mexicanos estamos sobresaliendo. Somos un buen grupo», señala de una camaradería que incluye a otros fuera de los «Oscar» como Rodrigo Prieto, Gabriel Beristain o Xavier Pérez Grobet, entre compatriotas dedicados al cine.

Lubetzki tampoco da explicaciones para este ímpetu de los directores de fotografía mexicanos en Hollywood, pero sí explica el porqué de la impresionante presencia hispana en la 79.ª edición de los «Oscar».

Es «el hecho de que coincida que Alejandro (González Iñárritu), Guillermo (del Toro) y Alfonso (Cuarón) hicieran una película casi a la vez, que se estrenaron al mismo tiempo y que son las tres realmente buenas».

Para hablar de Navidad. (Nacimiento: Terraza Casa Club del Centro Español de Santiago de...

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El retrato como indagación sobre la identidad

Juan Guzman — Sat, 17 Feb 2007 12:35:00 +0000

rubén suárez

Dos de las obras que se exhiben en la exposición.

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Si existe algo en el arte que ya nunca más se podrá hacer, es el retrato», escribía por los años cuarenta Clement Greenberg, el teórico del expresionismo abstracto, y el caso es que la historia del arte parecía darle la razón. El que fuera el gran género de la pintura en el Renacimiento y tiempos posteriores comenzó a declinar cuando la crítica y los gustos del arte dieron lugar a la exaltación del paisaje en la pintura, escenario románico por excelencia de lo sublime a mediados del siglo XIX, y luego la aparición de la fotografía parecía darle el golpe de gracia, considerando además que por ésa y otras razones las distintas tendencias de la vanguardia llegaban a la conclusión de que sólo la pintura podía ser el tema de la pintura con la abstracción como ejemplo más elocuente. Ni Clement Greenberg ni la historia de la pintura podían imaginar hasta qué punto se equivocaban.

Hace ya tiempo que en la escena del arte se viene registrando un interés cada vez más acusado por el retrato como género artístico y no deja de ser paradójico que precisamente la fotografía, convirtiéndose en la continuadora de la historia del retrato en el arte, haya sido la principal impulsora de este fenómeno. Y no para negar la pintura, sino en paralelo y hasta en complicidad con ella, prestándose mutuamente ambas disciplinas sus estrategias formales o fusionándose en la obra, como por citar sólo dos ejemplos sucede en los casos de Cindy Sherman o Chuck Klose. Claro que para que eso sucediera la fotografía tuvo que reinventarse y en el caso del retrato superar su entendimiento como representación física de la apariencia para buscar la densidad anímica de los personajes, su interioridad, a través de su expresión y su relación con otros elementos para lograr una intensidad dramática y una seducción formal capaz de situar al espectador ante experiencias y emociones semejantes a las que puede experimentar en la contemplación de la pintura: la fotografía y el retrato obteniendo así su autonomía como obra de arte.

Hay una fotografía artísticamente sofisticada que mira a la pintura como inspiración y modelo, y en concreto en el tema del retrato, incluso escenificando la representación de obras pictóricas, pero sin duda el mayor interés y la más amplia utilización del retrato fotográfico está en su incidencia en la indagación de la identidad, tanto del individuo como de arquetipos representativos de colectivos y sus modelos de ser o actuar en la vida social, cultural o política, lo que por otra parte coincide con el interés que el cuerpo humano viene suscitando como tema del arte, metáfora de la vida o la muerte, el placer o el dolor, la sexualidad, la enfermedad, la opresión, soledad, pobreza o marginación de lo humano, todo ello potenciado por los medios de comunicación y el poder globalizador de la televisión. Grandes monografías en torno al retrato, fotográfico o pictórico, se suceden en el mundo ahora mismo con la gran muestra «El espejo y la máscara», en la Thyssen, o la de Chuck Klose, en el Reina Sofía, y los retratos de Peter Hockney, en la National Gallery de Londres, y no hace mucho tuvimos en nuestro Museo de Bellas Artes un buen ejemplo con la obra de la portuguesa Adriana Molder.

Dentro
de esa importante actualidad se incluye la exposición «Imagen e identidad. El retrato de arte contemporáneo» en el Centro de Cultura Antiguo Instituto, con la obra de muchos de los más importantes artistas actuales a nivel internacional propiedad de la colección de la Fundación la Caixa, con el retrato adoptando distintas formas de expresión artística, desde la instalación de Christian Boltanski a las videoinstalaciones de Sam Taylor-Wood y Bruce Nauman, el vídeo de Óscar Muñoz, las esculturas de Stefan Hablützel, la cerámica de Pedro Mora o los personales estilos fotográficos de Günther Förg, Susy Gómez, Craigie Horsfield, Carlos Pazos y Cindy Sherman.

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Eduardo Rosales y el artista polaco Balka, protagonistas de 2007 en la Fundación Marcelino Botín

Juan Guzman — Wed, 27 Dec 2006 23:56:00 +0000

REDACCIÓN ( redaccion@santanderciudadviva.com )
La sala de exposiciones de la Fundación Marcelino Botín volverá en 2007 a reflejar el trabajo realizado por esta institución en formación e investigación, y lo hará a través de las muestras Itinerarios 2005/2006, Eduardo Rosales y Miroslaw Balka, todas ellas de ámbito nacional. También se expondrá el trabajo realizado por los artistas seleccionados en la XIII convocatoria de Becas de Artes Plásticas.
Foto: Miroslaw Balka

La cuarta muestra del programa del año próximo supone una colaboración con la Fundación Santander Central Hispano para acoger una selección de sus fondos de arte con motivo de los 150 años del Banco Santander.

Desde el 26 de enero y hasta el 11 de marzo la sala de la calle Marcelino Sanz de Sautuola expondrá el trabajo realizado por los artistas seleccionados en la XIII convocatoria de Becas de Artes Plásticas. Esta colectiva sirve para mostrar al público el trabajo realizado por unos artistas que han contado con el apoyo de la Fundación para continuar su formación o proyectos personales de creación, y al tiempo, representa un panorama muy fidedigno del arte más actual e internacional, ya que las becas se han ido diversificando en la procedencia, o lugar de origen de los artistas, y en el destino elegido para disfrutarla, todo ello reflejo de la sociedad en que vivimos.

Itinerarios 2005/06 reunirá la obra de Santiago Borja (México, 1970) y Asier Mendizabal (Ordizia, Guipuzcoa, 1973) quienes continuaron en la misma residencia desarrollando sus proyectos. En cambio, Carlos Bunga (Oporto, Portugal, 1976), Cristina Gómez Barrio (Madrid, 1973), Graciela Fuentes (Monterrey, México, 1975), Hideaki Idetski (Tokio, Japón, 1973) y Patricia Pinheiro de Sousa (Lisboa, Portugal, 1981) obtuvieron una beca de formación con la que se han trasladado a distintos centros artísticos, en Nueva York al International Studio & Curatorial Program y al Whitney Museum y a los programas Artists Residence Programme en la Akademie Schloss Solicitude en Stuttgart (Alemania) y Irish Museum of Modern Art en Dublín (Irlanda).

Tras esta muestra, y hasta finales de mayo, podrá verse Eduardo Rosales (1836-1873) Dibujos. Es la cara visible de un proyecto en el que la Fundación trabaja desde hace más de dos años con la dirección científica de José Luis Díez.

Responde a una línea del área de Artes Plásticas de la Fundación encaminada a configurar los corpus de dibujos de los artistas más destacados de los siglos XVII, XVIII y XIX español, en un intento de recopilar la totalidad de su obra dibujística, a través de un catálogo riguroso, completo y ordenado, realizado por los más destacados especialistas en cada caso y apoyados por el imprescindible aparato documental y fotográfico, que resultará absolutamente pionera en el campo de las publicaciones de Historia del Arte en España, y que pretende convertirse en herramienta de trabajo y consulta fundamental para el conocimiento de la obra y del desarrollo creativo de estos artistas.

El madrileño Eduardo Rosales en una de las figuras capitales de la pintura española decimonónica, cuya faceta como dibujante, extraordinariamente fértil y variada, constituye un ejemplo máximo de la importancia fundamental del dibujo en el proceso creativo de un artista. La extraordinaria abundancia y dispersión de su obra, así como la continua aparición en el mercado y exposiciones de nuevos dibujos, ha hecho laboriosa la tarea de investigación, recopilación de datos y documentación fotográfica de este ingente caudal de obras.

A lo largo de estos dos años, se ha contactado con más de 100 propietarios privados; museos e instituciones de todo el mundo, como Estados Unidos, Italia o Francia y se han hecho más de 1.000 reproducciones para hacer el estudio y la catalogación.

El resultado de este trabajo será una nueva visión de Rosales ya que nos encontramos con obras que no están bien atribuidas, mientras que otras serán una primicia y un descubrimiento. La selección de las obras a exponer será muy cuidada, y todas serán restauradas y enmarcadas, con el fin de mostrarlas al público en las mejores condiciones. La exposición y la publicación suponen un importante esfuerzo de difusión para dar valor a la importancia del dibujo en el arte español.

En verano, desde mediados de junio a mediados de septiembre, la sala estará ocupada por magníficos fondos de pintura, escultura, dibujos y cerámicas desde el siglo XVI al XIX, con obras de Tintoretto, El Greco, Sorolla, Anglada Camarasa, entre otros, pertenecientes a la Colección de Arte Santander. Esta colección fue creada a lo largo de más de un siglo por diversas entidades financieras que, con el paso del tiempo, se han integrado en lo que hoy constituye el Banco Santander. Sus fondos abarcan un amplio periodo histórico que se extiende desde el siglo XVI hasta nuestros días y entre sus obras se encuentran las de grandes maestros del arte. La gestión de esta Colección viene siendo responsabilidad de la Fundación Santander Central Hispano que lleva a cabo una labor de estudio, conservación y divulgación de las obras. Ambas fundaciones colaborarán este verano con esta muestra, organizada dentro de un programa más amplio con motivo de los 150 años de creación del Banco Santander. Estará comisariada por el profesor Cruz Valdovinos.

Ya en otoño y hasta los primeros días de 2008, la sala de exposiciones estará ocupada por las esculturas e instalaciones de Miroslaw Balka (Varsovia, 1958). Será la oportunidad para que el público pueda acercarse a la obra del director del Taller de 2007, que se celebrará en villa Iris en julio. Se trata del artista polaco actual con más proyección. Su obra huye de clasificaciones como abstracción, minimal o arte conceptual y está siempre íntimamente ligada a su propia existencia, a sus vivencias. La Tate Gallery de Londres le dedicó en 1995 una muestra individual, aunque su consagración internacional llegó un par de años antes, en 1993, cuando representó a su país en la Bienal en Venecia. El Instituto Valenciano de Arte Moderno le dedicó una muestra hace diez años y desde entonces no ha expuesto de manera institucional en España.

Esta exposición responde a una línea única de apoyo a la formación y a la creación. Son los talleres. Son una oportunidad para artistas de toda
s partes de trabajar durante dos semanas con un creador de talla internacional, para lo que disponen de un espacio idóneo como es Villa Iris. Los ejemplos de estos años han sido Gabriel Orozco, el artista mexicano con más proyección, y su equivalente en Portugal Julião Sarmento. En 2007 la Fundación Marcelino Botín dará una ayuda a los artistas seleccionados para el Taller y que necesiten alojamiento.

Otras novedades en el área de Formación son que la próxima convocatoria de Becas de Artes Plásticas, ya la decimoquinta, para el periodo 2007-2008, ampliará la dotación, y que se convoca una segunda beca de Gestión de Museos y Comisariado de Exposiciones.

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Reuters busca crear con Adobe y Canon un sistema de detección de fotos manipuladas

Juan Guzman — Thu, 21 Dec 2006 21:38:00 +0000

ueves, 21 de diciembre de 2006

“Una solución que permita a los editores seguir la pista de los cambios realizados sobre una imagen digital.” Con estas palabras se refirió Tom Glocer, director general de Reuters, a la colaboración que la agencia está manteniendo con Adobe y Canon para crear un sistema que detecte cualquier manipulación realizada a una fotografía digital.

Redacción.- Una fotografía distribuida por Reuters en la que las nubes de humo sobre la bombardeada ciudad de Beirut habían sido clonadas y aumentadas mediante un programa de edición es, posiblemente, el último y más conocido detonante de esta iniciativa. El director general de Reuters, Tom Glocer, ha asegurado que la conocida agencia de noticias ya está trabajando con Adobe y Canon en un método que certifique la veracidad de las fotografías.

En un discurso pronunciado en Tel Aviv a principios de este mes y reproducido en su blog personal, Glocer remarcaba la importancia de este tipo de medidas en la denominada “era del periodismo ciudadano”, en la que no sólo los profesionales son los encargados de suministrar las noticias y las imágenes.

© Reuters

El pasado mes de agosto, Reuters emitió un comunicado en el que reconocía haber publicado una imagen manipulada de los bombardeos isrealíes sobre Beirut. La agencia aseguró que no volvería a contar con la colaboración del fotógrafo que capturó la imagen original (arriba) y luego la retocó (debajo).

De hecho, y tal como recuerda CNET, Reuters y Yahoo han llegado recientemente a un acuerdo que permitirá a los usuarios de Flickr enviar directamente sus instantáneas a la agencia de noticias.

Verificación de Nikon y Canon

Aunque desde Reuters no se han dado detalles concretos sobre esta tecnología ni su disponibilidad, lo cierto es que tanto Nikon como Canon ofrecen accesorios opcionales que habilitan una función similar en sus réflex profesionales.

Tal es el caso del Canon Verification Data, cuya última versión (DKV-E2) vio la luz a principios de 2004. Compatible con la saga de las EOS-1D en sus diferentes versiones y actualizaciones, y también con las EOS 5D y 30D, el programa opcional es capaz de certificar si una fotografía ha sufrido cualquier tipo de cambio o retoque después de su captura.

Nikon, por su parte, también ofrece una prestación similar mediante su programa Nikon Image Authentication Software, que fue presentado conjuntamente con la Nikon D2Xs este pasado verano.

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Fotoventa

Juan Guzman — Fri, 24 Nov 2006 01:05:00 +0000

Fotoventas entra en juego Sin un gran lleno pero con una destacable presencia de público, Fotoventas ha abierto esta mañana sus puertas. La feria fotográfica reúne en el madrileño Palacio de Cristal de la Casa de Campo un buen puñado de marcas de todos los sectores relacionados con la fotografía. Desde hoy y hasta este domingo, los asistentes podrán ver y tocar -directamente- las últimas novedades. Madrid. Eduardo Parra.- Casi como un centro comercial de la fotografía. Así podría describirse la presente edición de Fotoventas. Alejada del cartel publicitario que representa el SIMO, Fotoventas ha congregado en Madrid a decenas de expositores, marcas fotográficas, tiendas de fotografía en general y asociaciones para que los fotógrafos más mundanos puedan catar de primera mano algunas de las últimas novedades del panorama fotográfico.

La feria Fotoventas permanecerá abierta hasta este domingo.

Abierta esta mañana y con su clausura prevista para este próximo domingo, Fotoventas cuenta este año con dos grandes ausencias de ineludible mención: Nikon y Canon. Aun así, la fotografía sigue calando fuerte y Fotoventas no cojea -o al menos ésta es la sensación que inspira.

Sacando provecho

De esta forma, y aprovechando los huecos dejados por los demás, son otras marcas como Sony, Fujifilm u Olympus las que aprietan el acelerador estos días en Madrid para tratar de ganar terreno en el competitivo mundo de la fotografía. Así, mientras Sony ofrece como reclamo una vitrina con su arsenal de objetivos para la Alpha A100, Olympus oferta pruebas en vivo para demostrar las bondades de sus cámaras.

Sony muestra el surtido de objetivos para su primera réflex, la Alpha A100.

Sin ir más lejos, los visitantes pueden poner a prueba el estabilizador mecánico de la Olympus µ 750. Para ello, la compañía nipona ha instalado una plataforma vibratoria desde la que los más curiosos pueden disparar con dos unidades de la pequeña compacta: una con el estabilizador activado y la otra sin él.

El sistema de estabilización de la µ 750, entre las principales atracciones de Olympus.

A la vista de las pruebas obtenidas, resulta innegable la eficacia del sistema antivibraciones al lidiar con este tipo de situaciones.

Entre las más esperadas

Fujifilm tampoco ha faltado a la cita y se ha traído su flamante FinePix S5 Pro. O casi, porque lo que esta mañana se mostraba al público volvía a ser un prototipo no funcional. En cualquier caso, los responsables de la compañía confían en poder disponer de unidades de preproducción a partir de mañana.

Fujifilm FinePix S5 Pro

El resto de la feria, distribuida por las tres plantas de un pabellón, se basa en los ya poco novedosos álbumes de fotos digitales, las ya tampoco muy futuristas impresiones en tazas y alfombrillas de ratón y un par de stands de telefonía móvil enfocada a la fotografía.

Fotoventas, cuya entrada cuesta 10 euros para el público general, cuenta además con una serie de cursos y demostraciones a cargo de consagrados profesionales. En ella se celebra, paralelamente, el 19 Congreso Internacional Fotoventas.

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Santa Claus visita el Kremlin

Juan Guzman — Tue, 31 Oct 2006 13:47:00 +0000

Santa Claus visita el Kremlin
Moscú exhibe una selección de 500 regalos que recibieron desde Lenin a Gorbachov

Estuche con las imágenes de Marx y de Lenin (a la izquierda) y lenteja con el rostro de Lenin.

Teléfono con la hoz y el martillo, en la exposición Regalos a los dirigentes.
ampliar

Detrás de este extraño conjunto “está el amor y también el miedo”, afirma el comisario de la muestra¿Qué tipo de relaciones se plasman en los objetos que los ciudadanos soviéticos y los extranjeros regalaron a los líderes de la URSS, desde Vladímir Lenin a Mijaíl Gorbachov? En torno a esta intriga discurre la exposición Regalos a los Dirigentes, inaugurada esta semana en la sala del Nuevo Manezh de Moscú. La organizan los museos del Kremlin y Yelena Gagárina, la directora, ha subrayado que la tradición de regalos del siglo XX apenas ha sido estudiada hasta ahora.
La imaginación desplegada en la búsqueda de un regalo para los poderosos de la URSS va desde una bombilla conteniendo la silueta de Lenin a maquetas de grúas, trenes e instalaciones petroleras, pasando por una radio en forma de torre del Kremlin; hay pipas (sobre todo para Stalin), jarrones, muñecas y trajes regionales y estandartes y tapices con representaciones de Lenin y Stalin, así como los rostros de estos dirigentes en ganchillo y punto de cruz. Para inmortalizar a Lenin se han utilizado materiales como hojas de tabaco, cereales, plumas de distintas aves, peletería surtida y sellos de correos. Hay incluso un Lenin diminuto, pintado sobre una lenteja, que fue ejecutado por un habitante de Calcuta en 1976 y que puede contemplarse con ayuda de una lupa. A Stalin se le ve en una versión metálica, realizada con pernos y tuercas de aviación, y a Bréznev en un bajorrelieve esculpido en un bloque de azúcar, así como en varios retratos estilizados como iconos ortodoxos.
La exposición, de unos 500 objetos, quiere ser una invitación a reflexionar sobre la naturaleza del regalo como medio de establecer una relación y, también, de pedir una contrapartida. En 1933, el peluquero Gregori Borújov envió al Kremlin un retrato de Lenin confeccionado con cabello humano y se declaró orgulloso de ser el primer ciudadano soviético que utilizaba esa técnica. Borújov pidió “un pisito para trabajar” y un puesto de peluquero en el Kremlin.
El concepto de la exposición, plasmado por su comisario, el arquitecto Yevgueni Ass, se desarrolla físicamente en tres escenarios, hilvanados entre sí por una placa metálica ondulada que aspira a “enfriar” al espectador. El primer escenario, en forma de espiral, simboliza la historia de la Revolución y toma el pulso al tiempo en la vida del líder y la sociedad. La espiral culmina en una balanza para pesar bebés, que le fue regalada a Stalin por una fábrica de Kazajistán. Además de los aparatos que reflejan el culto a la electricidad y a la industrialización, hay aquí también un estuche confeccionado por prisioneros de guerra alemanes para Stalin y dibujos de prisioneros de guerra japoneses, así como un juego de objetos de escritorio que una minusválida realizó con los pies.
El segundo escenario, en forma de ágora griega, trata sobre el espacio y la interrelación con el mundo exterior. Los sujetos entregan al líder de turno regalos como tableros de ajedrez, con figuras de burgueses y proletarios, escopetas, sables, espadas y puñales y vestimentas regionales.
La muestra culmina con el espacio privado o “la casa del líder”, un recinto donde están las babuchas y botas regaladas a Stalin, juegos de tocador, un frasco de colonia, gorros y ropa de abrigo, un butacón, almohadones y muebles. El espacio privado se contempla de forma fragmentaria a través de rendijas, por las que asoma un teléfono de diseño polaco que representa un globo terráqueo con un auricular en forma de martillo y un soporte en forma de hoz. Este objeto le fue regalado a Stalin en 1949 con motivo de su 70º aniversario. Para aquella ocasión, el líder soviético recibió casi 32.000 regalos que fueron expuestos y que deberían haber constituido la base de un museo permanente, que nunca se inauguró. Con Mijaíl Gorbachov, el espectro de los donantes se amplía más allá de los Gobiernos, colectivos laborales, partidos políticos afines, simpatizantes comunistas y niños movilizados por la paz. El último dirigente de la URSS está representado por una pluma estilográfica retro, fabricada por industriales italianos, un catalejo donado por astrónomos norteamericanos, las llaves simbólicas de ciudades como Praga, Varsovia y San Francisco, así como una camiseta de hockey que le regalaron en Canadá.
La exposición subraya su dimensión cultural y antropológica y su alejamiento de la política. Según el arquitecto Ass, “había que calcular muy bien para no equivocarnos en nuestro enfoque”. Detrás de ese conjunto extraño “está el amor y también el miedo”, afirma.
Felicitaciones de Pasionaria
“En nombre de los españoles que luchan por la libertad”, Dolores Ibárruri, Pasionaria, felicitó al camarada Stalin con motivo de su 70º aniversario en 1949. Quince años más tarde, la misma mujer congratulaba al camarada Nikita Jruschov en circunstancia análoga. Ambos momentos, recogidos por los noticieros de la época, han sido combinados en un vídeo que se pasa en la exposición Regalos a los dirigentes. El elemento español figura además en el estuche en forma de libro que los republicanos exiliados en Francia enviaron a Stalin, y en la foto enmarcada que le hicieron llegar los profesores de la antigua banda del Quinto Regimiento de las milicias populares, que había pasado a estar formada por 32 músicos emigrados a México, que habían rebautizado su conjunto como Orquesta Madrid. En el muestrario están la toga, el manto y el birrete que Gorbachov llevaba en Madrid, cuando fue nombrado doctor honoris causa durante su visita de 1990.

Ganadores concurso de Fotografía Semana Santa 2011 Ministerio de Cultura da a conocer ganadores concurso de Fotografía...

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Muestra su Libertad en poemas

Juan Guzman — Tue, 26 Sep 2006 22:17:00 +0000

El poeta tijuanense Omar Pimienta habló de su nuevo libro en el que recupera historias de su familia, además de la colonia Libertad y muestra a Tijuana.
Poemas de La Libertad y la vida cotidiana, de los recuerdos, de una familia que vive en la frontera, se muestran en el libro “Libertad: Ciudad de paso”, del escritor tijuanense Omar Pimienta.
“Don Marcos a sus 75 se sienta afuera de su herrería en La Libertad/ como lo hacía su padre, en el pueblo, afuera de su estudio fotográfico./ ¿Dónde y afuera de qué me sentaré a preguntarme si todo esto valió la pena?”, escribe en su poema “Oficios”.
Tras ser seleccionado por la convocatoria de la Colección Editorial del Centro Cultural Tijuana, se publicó este libro que es el segundo que publica el autor, quien recientemente ingresó a la maestría de Artes Visuales en San Diego.
En tres partes, tituladas “La Libertad”, “De paso” y “Ciudad”, Omar Pimienta habla de su colonia, de Tijuana y la nostalgia que habita todas las cosas.
En 78 páginas se encuentran textos reunidos desde el 2001 a la fecha y en ellos va llevando al lector a acompañarlo en este viaje y reflejar su vida cotidiana en esas letras.

Desde “La liber”
Autoproclamado “herrero ilegal, jugador de basquetbol, fotógrafo y zurdo”, en sus poemas las cosas sencillas se vuelven importantes e invita a conocer la historia de su familia y la personalidad de la colonia Libertad, una de las más antiguas de Tijuana.
“De entrada me gusta lo contradictorio del nombre. Se llama ‘Libertad’ y es de las pocas colonias en el mundo que tiene un muro con camaras; ahora militares, antes ‘migros’ que la vigilan”, mencionó sobre el lugar donde ha vivido toda su vida.
Las vidas de Don Carlos “el de las tortas”, Juan Laguana, Julio, “El enano”, “El Pato” o la de Los Camacho, es narrada por el hijo de Don Marcos, ese hombre que “se despertó a tiempo del sueño americano”.
“Don Carlos vende las tortas más ricas de La Libertad/ Es ciego pero sabe cuando le haces caras/ Sabe también que llegar a viejo no es cuestión de tiempo”, escribe en uno de sus poemas.
Así, las calles de la colonia Libertad son pretexto para hablar de la propia vida, de la ciudad y hasta de hacer “El corrido del herrero de la Liber”.

Poesía que conecta
Utilizando un lenguaje cotidiano, los poemas de Omar Pimienta tienen la cualidad de conectar fácilmente con los lectores y mostrar accesible un arte que a veces es considerado como difícil de entender.
En los últimos meses, el autor ha participado constantemente en lecturas en espacios públicos, lo cual ha sido para él un medio para mostrar directamente lo que escribe.
“Me encanta leer, sobre todo si tengo algo nuevo. La importancia radica en la idea de comunidad. Y no hablo de la comunidad artística o literata sino a la gente que no escribe o escribe ‘de closet”, expresó el escritor.
Una lectura siempre es un buen pretexto para compartir lo que se escribe, además pasar un buen momento.
Sobre la función de la poesía en el mundo, el autor dijo que le interesa más que la poesía no tenga una función específica, pero que al mismo tiempo contrarreste otras cosas.
“Si me pongo a escribir no iré a comprar cosas que no necesito. Si me pongo a leer no hago nada, el mundo estaa lleno de gente que cree que la funcionalidad nos manda a algun lado”, mencionó.
Al mismo tiempo, combina su escritura con su trabajo de artes visuales, donde encuentra otros lenguajes para expresar su visión del mundo.
“Creo que me causa más asombro, con más frecuencia, una pieza de arte que un poema”, agregó.
La presentación del libro “La Libertad: Ciudad de paso”, se realizó dentro de Caracol, Encuentro de Poesía y fue realizada en la Sala de Lectura del Cecut, donde acudieron alrededor de 200 personas. Me encanta leer, sobre todo si tengo algo nuevo

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NOTAS PARA LA HISTORIA DE LA FOTOGRAFÍA EN TELDE

Juan Guzman — Fri, 01 Sep 2006 15:40:00 +0000

Según los entendidos en la materia, la fotografía, en todas sus variantes técnicas, supuso una verdadera revolución en el mundo de la imagen. Hemos comprobado como efectivamente existe un antes y un después en las artes plásticas, ya que la captación de la imagen en milésimas de segundo permitirían a los artistas, pintores y escultores, conservar “imágenes frescas” de momentos únicos, y por lo tanto irrepetibles.
En la nómina de creadores de las bellas artes, cada día, se confirma más la inicial sospecha de haber empleado la fotografía como base de futuras realizaciones plásticas. El objetivo de la cámara, a veces, actúa como notario de la realidad o realidades y, otras veces, juega a engañar distorsionando todo lo que captó con anterioridad. De todos los movimientos artísticos, sin duda alguna, es el impresionismo el mayor deudor de la fotografía, así en lienzos de notable importancia se pueden apreciar encuadres propios de esa técnica reciente.
En la Casa-Museo León y Castillo, se conserva un gran óleo sobre lienzo que representa Una vista del Puerto de la Luz y la ciudad de Las Palmas de Gran Canaria, realizado en 1900, por el catalán Eliseo Maifrén. Pues bien, nosotros hemos encontrado en los fondos fotográficos del Archivo Documental de esta Institución, una instantánea en blanco y negro, fechada en torno a 1889-90, que posee exactamente el mismo encuadre, pues sin duda alguna, sirvió como base compositiva al pintor impresionista.
En la sala 204 del mismo Museo se pueden ver dos maquinas fotográficas, una del último tercio del siglo XIX y otra coetánea a la I Guerra Mundial. Así mismo la firma comercial Suárez Robaina, dirigida actualmente por Miguel Ángel Suárez, posee una colección de artilugios fotográficos de diferentes épocas, que por si solas representan la evolución de estas máquinas en los últimos ochenta años.
Monet, Manet, Toulusse Lautrec, fueron otros de los que, hay conocimiento, echaron mano de la cámara fotográfica para “retener imágenes” que después pasarían a sus listas de obras maestras.
No todos los países y sus diferentes clases sociales se subieron al tren de la fotografía en la misma estación, ni tampoco contaron todos con la misma tecnología, ni saludaron las innovaciones posteriores con la misma prontitud. Los Estados Unidos de Norte América, Francia, Alemania y Austria, tomaron la delantera y, sus nuevas sociedades capitalistas-industriales y burguesas, fueron acérrimas defensoras de la nueva forma de conservar la imagen. El abaratamiento del retrato, la facilidad de su traslado y conservación, además de la casi nula dificultad técnica, hicieron de la fotografía la manera rápida y cómoda de dejar constancia de acontecimientos sociales, culturales, económicos, tanto colectivos como individuales.
Desde el último cuarto del siglo XIX, tenemos constancia de las visitas domingueras que diferentes fotógrafos de la capital realizaban, al por entonces, popular Mercado de Los Llanos. En las inmediaciones de la Plaza de San Gregorio se instalaban los más variopintos puestos comerciales, y en medio de ellos algún que otro oficial de la caja de retratar. Entre todos ellos, quien adquirió mayor fama y fortuna fue el altamente recomendado Ojeda, quien disfrutaba del pomposo título de fotógrafo de la Reina Regente. Primero al aire libre, ante arquitectura y paisajes simulados por telones sobrepintados, y más tarde, en el interior de algún zaguán alquilado al efecto, mantuvo su improvisado estudio por espacio de varios lustros.
Entre los muchos fotógrafos amateurs que se dieron cita en la Ciudad en los primeros años del siglo XX, destaca por sus aportaciones a la historiografía local D. Patricio Pérez Estupiñán, quien se esmeró en dejar constancia de cuantos actos públicos se celebraban, ya fueran religiosos, políticos o militares. Sus descendientes conservan, aún hoy, un número sin determinar de placas de cristal y fotografías en cartón y papel de diferentes gruesos.
El llamado Circo Alemán y otros similares trajeron consigo fotógrafos ambulantes, que hacían las delicias de las clases sociales más pudientes. Éstas veían en el arte de retratar una solución económica y rápida para dejar constancia de su paso por este mundo. En estos años las bodas, los grupos tertulianos, primeras comuniones o clanes familiares eran el motivo principal de las instantáneas, aunque, muy pronto, el interés por lo social se fue imponiendo de tal manera que las procesiones, los entierros, las manifestaciones políticas, etc., fueron ocupando el tiempo de los profesionales de la fotografía.
Llegados los primeros años del siglo XX, se establece en Los Llanos de Telde el industrial D. Francisco Izquierdo Pozuelo, nacido en la Puebla de Don Rodrigo en 1886, hijo D. Tomás Izquierdo Ortiz, conocido por el Médico Brujo. A él se le debe la instalación de la primera imprenta-librería de la comarca, y también como el primer estudio fotográfico permanente. Unos treinta y cinco años duró la actividad de los Izquierdos (D. Francisco tuvo trabajando, entre otros a sus hijos: Francisco, Sedulio y Tomás) en esta localidad y a ellos se deben instantáneas de aires renovadores y progresistas, que captaron para la historia los inicios de la aviación en Gando, los bañistas de los frívolos años veinte en las playas de nuestro litoral y, no pocos grupos familiares que conforman un preciadísimo archivo visual.
Un poco antes de la partida definitiva de los Izquierdos hacia su nuevo local de la calle Triana de Las Palmas de Gran Canaria, dos jóvenes teldenses aprendieron el arte de la fotografía a través de las enseñanzas de D. Francisco, nos referimos a D. Juan y D. Miguel Suárez Robaina, conocidos fotógrafos teldenses, oriundos del Valle de Los Nueve. La camaradería de estos dos hermanos se puso de manifiesto a lo largo de sus vidas y trabajo en común. Al poseer fisonomías tan parecidas, muchos paisanos jamás llegaron a diferenciar quien era Miguel, aunque el carácter introvertido de uno y extrovertido del otro, podía individualizar lo que la naturaleza había unificado.
Los Suárez Robaina mantuvieron, en un principio, un estudio en la cercana localidad del Carrizal de El Ingenio, que algo más tarde regentará otro hermano. Aunque fue en de la calle Ruiz de Los Llanos, donde encontraron, a partir del año cuarenta, el lugar de trabajo que les permitió hacerse con la mayor clientela que jamás haya tenido en esta Ciudad fotógrafo alguno. Como consecuencia lógica de este continuo laborar, fueron confeccionando el más interesante archivo fotográfico de todo el Este de Gran Canaria. Decir Suárez Robaina, es sinónimo de profesionalidad, máxima ésta que aún sigue presente en el trabajo del heredero comercial D. Miguel Ángel Suárez.
Por los años cincuenta trabajó, de forma esporádica en Telde el dueño de la reconocida firma Hernández Gil, D. Fernando Hernández, que poseía estudio de fotografía en la calle León y Castillo de Las Palmas de Gran Canaria. Este profesional cubrió con éxito la corresponsalía fotográfica del rotativo La Provincia y también la del Diario de Las Palmas, y a él se le debe, entre otras, las célebres instantáneas del cigarrón berberisco, de 1954, cuyos originales guardamos celosamente en nuestro Archivo de Cronista Oficial.
Premios insulares, regionales y nacionales fueron obtenidos por D. Manuel Gómez Díaz de Obregón con fotografías realizadas a los paisajes urbanos, rurales y litorales teldenses. A este fotógrafo se le debe una de las más afamadas imágenes del Santo Cristo del Altar Mayor, actualmente en el Convento del Espíritu Santo y San Jos

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Christie’s subasta nueve cuadros de Sorolla

Juan Guzman — Wed, 14 Jun 2006 17:18:00 +0000

El cuadro ‘Pescadora valenciana’ podría alcanzar un precio de venta de 2,2 millones
ELPAIS.es
Nueve importantes obras de Joaquín Sorolla (1862-1923), entre las que se encuentra Pescadora Valenciana con un precio estimado entre 1.444.000 y 2.200.000 euros, serán subastadas hoy en Londres por Christie’s. Con motivo de esta venta dedicada a la pintura española del Siglo XIX, la prestigiosa casa organiza en Madrid, y posteriormente en Barcelona, una exposición con las obras más destacadas de la sesión de venta Pintura Europea del Siglo XIX, que tendrá lugar hoy.
Además de Pescadora Valenciana, saldrán a subasta otras ocho creaciones del pintor valenciano. Se trata de Playa de Biarritz (1906), Niña en la playa (1904), Playa de Biarritz Figuras (1906) , Asturias. Faenando en la playa,Niños en el mar. Playa de Valencia (1908), Retrato de José Artal (1905), Pescador en su barca y Bacante.
En la jornada de hoy, Christie’s también sacará a venta pública obras de los pintores , Anglada Camarasa, Eliseo Meifren, y Francisco Miralles además de dos centenares de lotes de pintura austríaca, alemana, francesa, holandesa, italiana y escandinava.

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Presentan la exposición fotográfica “Matiz Azul”

Juan Guzman — Mon, 12 Jun 2006 12:36:00 +0000

Fuemte : proceso.com
El Museo Universitario del Chopo, junto con el Sistema de Trasporte Colectivo Metro, presentan la exposición fotográfica “Matiz Azul”.Conformada por 21 fotos de los artistas Francisco Mata, Eniac Martínez y Héctor García, la muestra documenta la cotidianeidad de las personas que viven cercanos al ambiente del agua, por eso el nombre de la exposición.Inquietud por el entorno, la relación de lo mexicanos frente a su, naturaleza y cultura, dan como resultado imágenes panorámicas que reflejan la marca que existe con los seres humanos sobre el líquido.Los tres fotógrafos han logrado dar cada uno desde su personal perspectiva ofrecer este panorama, en la Estación Tacuba, pasillo que conecta las líneas 2 y 7 del Metro de esta ciudad.Los tres cuentan con un historial artístico sólido. García ha trabajado desde 1945 como periodista para publicaciones nacionales e internacionales. Recibió el Premio Nacional de Periodismo en 1958, 1969, 1979. Ha expuesto de manera individual en más de 65 ocasiones.Eniac Martínez ha participado en más de 50 exposiciones colectivas a nivel nacional e internacional y ha realizado 13 muestras individuales. Fue ganador de “Mother Jones Internacional Foundation” por su proyecto “Mixtecos”.Francisco Mata ha participado en exposiciones colectivas e individuales en México y en el extranjero, y fue ganador de la Bienal de Fotografía en 1988.La muestra permanecerá abierta hasta el próximo 18 de agosto de 2006.En tanto, en el antiguo Colegio de San Ildefonso se exhibe la Muestra Más de lo que los ojos pueden ver. Arte fotográfico de la Colección Deutsche Bank.Inaugurada el pasado 1 de junio, la exposición ha sido realizada en colaboración con la UNAM, Conaculta y el Gobierno del Distrito Federal.La muestra –de 54 artistas, la mayoría alemanes– fue curada por Friedhelm Hütte y Eric Camara. Los artistas participantes son: Bernd y Hilla Becher, Jürgen Klauke, Lotear Baumgarten, Thomas Struth, Andreas Gursky, Cecile Bauer, Astrid Klein, Sandra Meisel, Susan Templin y Thomas Ruff, entre otros.Los curadores dicen que la selección es una obra realizada desde los años 20 del siglo pasado, y toma en cuenta no solamente artistas prestigiados de la corriente de los Becher, sino también jóvenes de generaciones emergentes.Las constante de los criterios de selección fueron los elementos típicos de la fotografía alemana, las series, las impresiones de gran formato, pensada museográficamente para que dialogara con la arquitectura de este gran recinto de la ciudad.El curador Eric Camara ha dicho que esta muestra pretende la reflexión que da nombre a la muestra. Dice Camarena: “No sólo se trata de las imágenes, sino de los condicionantes diversos que no se encuentran ahí, pero que los fotógrafos quieren que veamos. Existe también la versatilidad, pues el espectador también encontrará obras de artistas conocidos por su creación en otras disciplinas, como el cineasta Wim Wenders y el pintor Sigmar Polke”

Conversatorio y exposición fotográfica en Centro León El Martes 27 de Septiembre del 2011. a las 7:00...
FUNGLODE exhibe hasta el 29 de abril la exposición fotográfica “Patrimonio Nuestro” Frederic Emam-Zade, Catherine Florentino, Victoria Thomen, Amanda Tatiana Forteza y...

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Mas de los que los ojos pueden ver

Juan Guzman — Tue, 30 May 2006 12:00:00 +0000

Fuente : La Jornada

La colectiva Más de lo que los ojos pueden ver se abrirá en San Ildefonso
Proponen reflexionar acerca del tema y la toma de la fotografía
Solecito Procedente de Monterrey, esa muestra itinerante incluye 150 obras de la colección del Deutsche Bank, con enfoque en la vertiente alemana Solecito Candida Höfer y Wim Wenders, entre los participantes

MERRY MACMASTERS
Water Street, en Wall Street, Nueva York, 1978, plata sobre gelatina de Thomas Struth, una de las fotografías incluidas en la exposición que se inaugurará en el Antiguo Colegio de San Ildefonso

El título de la exposición Más de lo que los ojos pueden ver encuentra explicación en ejemplos como el de que Ottmar Hörl, uno de los autores incluidos, haya atado su cámara fotográfica a una de las ruedas de un vehículo que, al girar, realiza tomas casi imposibles para la vista humana.

La muestra será inaugurada el jueves 1º de junio a las 20 horas en el Antiguo Colegio de San Ildefonso (Justo Sierra 16, Centro Histórico).
”Son muchas las intervenciones o manipulaciones que los fotógrafos proponen, las cuales permiten al observador descubrir que no es nada más el tema de la toma, sino el modo en que ese tema ha sido tomado, y facilita también reflexionar sobre los condicionantes que probablemente no están en la imagen ahí presente”, expresó Ery Camara, coordinador de exposiciones de San Ildefonso.

Esta muestra itinerante por Latinoamérica, que proviene del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (Marco), comprende 150 obras (vienen a ser 289 por las partes que componen las series) de 54 artistas de distintas generaciones, que de 1969 hasta la actualidad han enriquecido e influenciado el arte fotográfico mundial. Entre ellos figuran Andreas Gursky, Bernd & Hilla Becher, Candida Höfer, Gerhard Richter, Thomas Ruff, Thomas Struth y Wim Wenders.

Más allá de la imagen
Friedhelm Hütte, curador desde hace dos décadas del Deutsche Bank y, por ende, de la muestra, escogió 150 obras de la colección de arte internacional de ese banco, que suma 56 mil piezas, de las cuales 3 mil son fotografías. Ahora, sin embargo, el enfoque fue el arte fotográfico alemán.

Dos fueron los criterios em-pleados para seleccionar la obra que, a su vez, permiten ver los aportes de la fotografía contemporánea alemana al patrimonio actual. Uno consistió en destacar las tomas en series que, dicho sea de paso, pueden tener diferentes significados y propósitos, mientras la otra se trata de la obra de gran formato que también ha dado fama a esa fotografía.

También quisieron presentar artistas más allá de la escuela de los Becher, quienes ”instalados en la Academia de Arte de Dusseldorf, han formado una generación que ha sido muy conocida en la escena internacional del arte, como Ruff, Gursky y Höfer, que han trabajado el gran formato aprovechando el auge tecnológico de los años 80 en el campo de la fotografía”, apuntó Ery Camara.
Al respecto se ha incluido a las generaciones emergentes que suelen cuestionar ”esta famosa veracidad que se tiene ante la fotografía como documento que parece un espejo de la realidad”. Para Camara Más de lo que los ojos pueden ver es una invitación a reflexionar que ”no es sólo la imagen, sino todos los condicionantes que pueden afectar nuestra sensibilidad o nuestras emociones, frente a lo que el fotógrafo quiere que veamos en la toma”.
Otro aspecto de interés es que muchos de los artistas participantes en la colección han tenido esta versatilidad que permite ver algunas de sus obras, primero, en performance y otros en pintura.

”Hoy las vemos presentes en la colección de fotografía como continuidad de una investigación estética que van llevando a extremos que pueden modificar la fotografía en el producto final e inclusive en el concepto de autor. Hay algunas que el autor no las toma, pero consigue y dirige la toma de la imagen; son registros de movimientos, sea de performance u otras fotografías, donde se ve algo que el ojo humano probablemente no tendría capacidad de percibir.”

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