Por Faustino Pérez
El autor es escritor

Desde el punto de vista de la cibernética se dice que una persona es más “inteligente” mientras más jergas, argots, idiomas y lenguajes domine; es decir, mientras mayor sea la cantidad de información que pueda “entender”. De igual forma podría afirmarse que un fotógrafo es más versátil, en la medida en la cual practique con éxito diferentes especialidades fotográficas.
Utilidades

No me estoy refiriendo a los llamados “chiriperos” de la cámara, quienes dicen que si a todo, y luego no hacen bien nada, aunque ya se sabe que las actividades que las personas realizan para sobrevivir son inverosímiles, y están en su perfecto derecho. Otro problema sería lo que opinan sus clientes defraudados.

Qué duda cabe de que no es lo mismo disparar con una cámara acuática bajo el agua, que una foto de un acto público, una instantánea en un mercado de pulgas repleto de gente, que un bodegón publicitario empleando un sinfín de fondo, tomar una foto furtiva de paparazzi, o bien, fotografiar a una modelo…Cada tipo de fotografía – por así decirlo – tiene sus características, sus bemoles y problemas disímiles a resolver, independientemente de las limitaciones técnicas, psicológicas y físicas del fotógrafo.

La fotografía como técnica-arte-ciencia-hobbie, cada día se diversifica y se especializa más; por consiguiente, resulta prácticamente imposible abarcarlo todo.

No obstante, el tema que nos ocupa, sin ser uno de los llamados grandes tópicos del mundo fotográfico, se practica con múltiples finalidades. El binomio fotógrafo-modelo, de sexos contrarios, si bien no es, por supuesto, el único posible para esta especialización, sí en cambio es el más corriente: Nos referimos a la combinación hombre-fotógrafo y modelo-mujer. De ahí que la gran mayoría de mis comentarios se referirán a esa clase de pareja.

Naturalmente, que existe una gran diferencia entre fotografiar profesionalmente a una top model reconocida internacionalmente, que cobre un dineral y con mucha demanda de trabajo, en una isla paradisíaca del Pacífico, o en un depósito de autos viejos en Los Ángeles, en un tren–bala japonés, o en un canal de Amsterdam; al comparar esto con el vecino que pide una camarita prestada para fotografiar a su nieta en la acera de la casa el día de su cumpleaños, notaremos el contraste en seguida.

Como ustedes comprenderán, los problemas logísticos y de material de apoyo incluyendo a los ayudantes y asistentes, son muy diferentes. En las “grandes ligas” de la fotografía, existe una competencia atroz, muchisimo dinero e intereses involucrados, y reputaciones que es menester revalidar constantemente, para que las cotizaciones aumenten o, que como mínimo, se mantengan. No es cuestión de “hazme un favor que luego yo te hago otro”, sino más bien, de que “si tú quieres esa foto tienes que pagar tanto”.

Mucho menos es un asunto de recortar una fotografía de una revista extranjera y decirle al fotógrafo: “yo quiero una igual”; o peor aún, de usar esa misma foto e incluirla en un arte sin pedir permiso a nadie, sin darle crédito a la modelo, ni al que tomó la imagen, y sin desembolsar nada; y luego pretender vender la publicación donde aparece la foto pirateada fuera del país.

Desde la vertiente de la relación fotógrafo-modelo, si se aplica una “fórmula”, o sea, tal ángulo, con tal luz, con tal distancia, con tal lente, con tal fondo… basta con fijarse en sus características corpo-faciales y trabajar en consecuencia utilizando el método descrito en los manuales. La resultante será casi siempre una foto fría y más o menos correcta. Para hacer esto no se precisa conocer la psicología y el potencial de las personas. No es lo mismo que pretender lograr algo más que una apariencia estándar, con una imagen con estilo propio, para lo cual se precisa que se desarrolle una compenetración entre el fotógrafo y la fotografiada. Bueno, como los estilos tienen un marchamo, los clientes ya eligen a los fotógrafos conociendo de antemano sus trabajos previos.

Cabe la posibilidad de efectuar variantes a partir de una idealización básica que haya servido de punto de partida; luego se selecciona. Incluso, la protagonista puede tener una inspiración genial, lo mismo que el autor de la foto; o bien, cabe la posibilidad de que la modelo adopte una pose de las suyas que sirva y sea interesante o adecuada para el fin que se quiera lograr. Hay que hacer la salvedad de que no todas las modelos tienen la misma capacidad de improvisación. De todas formas, se supone que si son profesionales tienen un mínimo de aptitudes.

De todas formas el ambiente favorece o desfavorece las fotos; por descontado que existe mucha diferencia entre estar en un hotel de lujo o encontrarse un basurero maloliente, o bien, en un camposanto abandonado de madugada, versus un ring de lucha libre. Es preciso tomar todo esto en cuenta, y mucho más, ya que la búsqueda de imágenes insólitas no tiene límites.

La música puede jugar un papel importante cuando sea pertinente, claro está, complaciendo los gustos de la modelo. Se sabe por experiencia que el acompañamiento musical puede crear un estado de ánimo, y un “feeling”, de tal suerte que hasta contribuya a marcar el ritmo de los disparos; además, es probable que colabore en un alto porcentaje al éxito de la sesión fotográfica, es decir, a la consecución de lo que se quiere lograr o expresar por medio de imágenes. En exteriores cabe la opción de llevar un equipo portátil.

En las sesiones profesionales es imprescindible tener ayudantes para encargarse de eliminar el posible sudor causado por las altas temperaturas de la iluminación artificial, o bien, del sol ardiente. De lo contrario, si además no se retoca el peinado, el maquillaje y la vestimenta, se corre el riesgo de que las fotos tengan que ser retocadas mucho o que sean inservibles.

Los fotógrafos de modelos desnudos tienen que contar con mayores presupuestos, porque las modelos cobran tarifas más caras, aparte de que no todas están disponibles para posar sin ropa. Hay fotógrafos que les proporcionan a sus modelos bebidas alcohólicas, con el fin de que se desinhiban. Se han dado casos de modelos borrachas, que cometen toda clase de excesos.

Para las fotos semi-profesionales, hay que tener mucho cuidado con los juicios emitidos por allegados, puesto que aunque sean buenas personas en otros órdenes y tengan intenciones sanas, eso no significa que automáticamente estén capacitadas para emitir una crítica aceptable, sobre estos temas.

Hay féminas muy coquetas, desenvueltas o con grandes dotes histriónicas, pero que no son profesionales, que al ponerse frente a una cámara se quedan casi petrificadas. Si el fotógrafo no conoce ese comportamiento puede sufrir una decepción. A propósito, hay modelos masculinos que son más coquetos y narcisistas que muchas mujeres, hasta tal punto que parecerían que suspiran todas las mañanas ante el espejo al contemplarse.

Hay modelos no muy experimentadas que digamos, que están demasiado pendientes del disparo, y salen como los espías mirando de reojo, otras en cambio aparecen tensas por su exagerado sentido de no hacer el ridículo. La clave de esto está en la naturalidad, aunque la toma sea extravagante. Existe un paralelismo entre la manera de “enfrentar” a la cámara, y los modos que desarrolla la gente para lidiar con los asuntos y problemas que la vida les depara.

Blog: faustinoperez.blogspot.com

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A salto de mata MARTA P. ALDARAVÍ FOTÓGRAFA DEL FESTIVAL DE JAZZ DE SAN JAVIER
Una exposición en FNAC repasa en imágenes los once años de historia del festival de San Javier, con sus artistas y sus «expresiones más características»

AUTORA. Marta Aldaraví, con el cartel anunciador del festival. / ALEXIA SALAS
Los astros del jazz le hablan con los ojos. Conoce a la perfección los gestos de los grandes músicos porque se ha pasado horas y horas observándolos, con el dedo en el disparador a la espera de la expresión que define al artista. Marta Pinilla Aldaraví expone ahora en FNAC de Murcia un breve repaso por los 11 años de Jazz San Javier. Emoción, tensión, elegancia, concentración.

- ¿Cuántas fotos habrá hecho a músicos de jazz?

- Sólo a Toquinho le hice 700 fotos. Tengo el dedo flojo, cada momento lo veo especial. No me conformo. Siempre busco ángulos diferentes. No me sacio de hacer fotos. Busco la imagen perfecta. Tengo más de 3.000 fotos por año de Festival, así que tendrá unas 33.000 fotos, aunque de los primeros años hay menos porque usaba negativos de 135 milímetros.

- Debe ser algo así como fotografiar animales en su hábitat salvaje; un trabajo de paciencia.

- Sí, por eso nunca me quedo satisfecha. Al final del concierto, el artista suele sentirse más relajado y le ves más expresividad. Hay que tener mucha paciencia, estar con el dedo preparado para el momento en que gire algo la cabeza. Creo que ésa es mi gran virtud, la paciencia. La tengo con los niños, con mi negocio, con los músicos.

- ¿Qué busca en las imágenes de los músicos?

- Busco su expresión más característica. Atrapar el sentimiento de su música. Los hay poco expresivos. Algunos incluso se hacen perder la motivación y llegan a aburrirte. Pero los grandes artistas suelen tener carácter.

- Tiene que moverse además sin ser visto, para no molestar a los artistas.

- Casi nunca reparan en las fotos. Los baterías sí, porque me gusta hacerles planos laterales y algunos me ven y me echan una sonrisa. El saxofonista James Carter se puso a bailar cuando me vio y Wynton Marsalis miraba a la cámara.

- En estos 11 años de jazz, quiénes han sido los mejores modelos, los más expresivos?

- Leían Elías fue muy dulce y natural. Salomón Burke se comía la cámara por lo inmenso que es. Marsalis es un buen modelo. Y la pianista Hiromi muy difícil de captar porque se mueve muchísimo.

- ¿Y los más complicados?

- Con Van Morrison, que es un pedazo de artista, te quieres lucir, pero puso muchas condiciones, entre ellas que se hicieran las fotos sólo con luz tenue. Además llevaba sombrero y no cambió apenas de expresión.

- ¿Los hay maniáticos para esto de las fotos?

- Sobre todo las mujeres, que piden que saques su lado bueno.

- ¿Le molestaron los flashes al albino Johnny Winter?

- Él pidió que no se usara flashes, pero no los uso en los conciertos. En el camerino no puso ningún problema. Pero algunos, cuanto más famosos, más quisquillosos. Gary Moore no dejó entrar a nadie y limitó las fotos.

- En alguno ha observado una personalidad diferente ante la cámara que lejos de ella?

- Paul Anka es un gran profesional en el escenario, bailó con una señora y se acercó al público, pero luego se mostró muy poco accesible.

- ¿Tiene alguna foto preferida de todos estos años?

-Sí, una de un trompetista concentrado, pensativo antes de comenzar a tocar, mirando hacia abajo. Es Ron Blake, que vino a San Javier el año pasado con Joel de Francesco. Está en la exposición.

(fuente: Laverdad-Miurcia)

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El don de ver más allá, convertir el don en arte y entender el arte como un compromiso. Sara Facio ha dado batalla por la fotografía desde adentro de la fotografía. Su obra es imponente: capturó con maestría momentos clave de la historia argentina y retrató a personajes célebres como Julio Cortázar, Pablo Neruda, Astor Piazzolla, entre muchos otros. Bajó la realidad al formato imagen, y la lectura de su trabajo permite entender una evolución que va más allá de lo puramente estético.

Una buena porción de su obra está compilada en la muestra Sara Facio Antológica 1960-2005, que se inaugurará este jueves en Villa Victoria –Matheu 1851-. Está integrada por 179 imágenes, bajo la curación del equipo Imago-Sara Facio

Es la antología más importante realizada sobre la carrera de Sara Facio; propone un recorrido que atraviesa series como Buenos Aires Buenos Aires, Humanario, un trabajo realizado con enfermos mentales en el año 1976, Funerales del presidente Perón; Pablo Neruda en Isla Negra (años 70); Retratos de Escritores de América latina (Alejandra Pizarnik, Gabriel García Márquez, Mario Vargas Llosa, entre otros) y De Brujos y Hechiceras, realizada entre 1963 y 2005 en la que fotografió a personajes de la cultura nacional e internacional como Victoria Ocampo, María Elena Walsh, Jeanne Moreau, Federico Leloir, Astor Piazzolla y Roberto Goyeneche.

También hay capítulos menos conocidos sus primeras obras premiadas (años 60) o las series Actos de fe en Guatemala; Autopaisajes (años 90), Bestiario (realizada con la artista Nushi Muntaabski) y Metrópolis. También se exhibirán por primera vez las fotografías de la serie Perón Vuelve (años 70), y se ha reservado un espacio para exponer los retratos que otros fotógrafos, como Annemarie Heinrich, Anatole Saderman, María Cristina Orive, Ataúlfo Pérez Aznar o la cineasta alemana Margarethe von Trotta, han realizado sobre ella.

“Convencidos de la importancia de la figura de Sara Facio para las artes visuales argentinas, esta muestra constituye un homenaje a su actividad, tanto como productora de imágenes que son hoy patrimonio de la historia cultural de los argentinos, como por su accionar en el campo de la fotografía en la Argentina”, explican los organizadores.

Los méritos de Facio exceden los estrictamente artístico. Cuando en la Argentina, a principios de los 60, la fotografía constituía un territorio desvalorizado y casi ignorado promovió la creación de la Fotogalería del Centro Cultural San Martín, un espacio que se caracterizó por su regularidad y la ajustada selección de sus expositores. También se abocó a la formación de la Colección de Fotografías del Museo Nacional de Bellas Artes. Constituyó así el primer núcleo de fotografías que ingresaba al Patrimonio Nacional. Entre tanto, en 1970 fundó la Azotea, junto a María Cristina Oribe, editorial que ha publicado libros de primer nivel, dedicados a la obra de fotógrafos argentinos.

Bio breve

Fotógrafa, editora y curadora, Sara Facio nació en la Argentina en 1932 y se graduó en la Escuela Nacional de Bellas Artes en 1953. Se inició en la fotografía en 1957. Fue asistente de Annemarie Heinrich. En 1973 fundó, con María Cristina Orive, La Azotea Editorial Fotográfica, que aún dirige. Es fundadora del Consejo Argentino de Fotografía desde 1978. En 1985 creó y dirigió hasta 1998 la Fotogalería del Teatro General San Martín de Buenos Aires. Desde 1995 es curadora del patrimonio de fotografía del Museo Nacional de Bellas Artes, cuya colección formó y presentó al público en 1998. Expuso en el país y en el extranjero, y sus fotografías integran colecciones privadas y públicas de la Argentina y otros países de América latina, Estados Unidos, Francia, Inglaterra, Italia y Japón. Recibió numerosos premios por su trayectoria y por sus publicaciones de fotografía

(Fuente:ciudadabstrakta.com)

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ÁNGELES GARCÍA 12/04/2008

Fotos de Horacio Coppola-

‘Máquina desnuda’-

El fotógrafo argentino Horacio Coppola, de 101 años, ha trazado la historia de la capital argentina desde los años veinte y ha logrado un retrato de la soledad urbana, como puede verse en una exposición que acaba de inaugurarse en Madrid
La Boca, la avenida de Mayo, la calle Corrientes, el cementerio de la Recoleta, el paseo de Colón, Alvear; las parejas bajo la luz de noche porteña, son imágenes ligadas al fotógrafo más famoso de Argentina, Horacio Coppola (Buenos Aires, 1906). Todos los lugares reconocibles del Buenos Aires más elegante y auténtico vienen de la cámara de este artista que, con su Leica en la mano, se ha pateado como ningún otro las calles de su ciudad y los escenarios europeos del arte de vanguardia. La Fundación Telefónica (www. fundacion.telefonica.com) expone hasta el 25 de mayo una gran retrospectiva de este artista: 125 fotografías y 4 cortometrajes.

Es el hijo menor de una familia de clase media de origen italiano. Él mismo ha escrito sobre su entorno. “Nací el 31 de julio de 1906, en el dormitorio de mis padres, en el 2º piso de la casa construida en 1901, proyectada y dirigida por mi padre: Corrientes, 3060. Comencé mi vida como décimo miembro en el seno de una familia de adultos. Me ofrecieron una plural iniciación y paralelamente aprendí a caminar y a hablar, a escuchar música, a cultivar plantas y a cortar flores, a ser artesano en el más amplio y diverso manejo de instrumentos, incluida ¿a su tiempo? la cámara fotográfica, a criar y convivir con pájaros y la más variada clase de animales, a leer y escribir y manejar periódicos y libros y a conocer la existencia de idiomas: genovés, italiano, francés, en el marco del ejercicio del criollo; la mecánica, las artes, la ciencia, la literatura. Mi hogar: un mundo organizado, ya cumplido”.

Ese peculiar hogar, la calle y los viajes fueron la gran universidad a la que asistió este artista autodidacta. Fue una forma de aprender que él siempre ha agradecido y a la que considera que se debe el carácter personal que siempre tuvo su trabajo.

Su afición por la fotografía se la contagió su hermano mayor, quien, con una cámara de gran formato, retrataba a menudo escenas familiares. Al joven Horacio le fascinaba capturar imágenes de quienes formaban su entorno. Al principio la hace en su tiempo libre mientras vive del dinero que consigue con cualquier trabajo esporádico. “Soy fotógrafo”, se proclamó Coppola. “Mi obra, imagen óptica de lo real, transcrita por la cámara y contenida en la imagen final, es testimonio de mi identidad de autor: fragmento de la realidad, creatura de mi visión, ahora liberada según su orden para vivir su vida propia”. Las transformaciones que Buenos Aires experimenta en torno a la década de los veinte fascinan a Coppola. El contraste entre lo viejo y lo nuevo lo plasma una y otra vez. De día y de noche. Solo o acompañado por los amigos de aquellos años. Muchos de estos amigos son gente interesada por el mundo artístico. Pintores, escritores. Por medio de ese mundo conoce pronto a Borges. La primera edición de Evaristo Carriego está ilustrada con fotografías de Horacio Coppola.

Al final de los años veinte, viaja a Europa y recorre Alemania, Francia, España e Italia. Es en Alemania donde por fin consigue una Leica, la cámara con la que entonces soñaba todo fotógrafo. Sin abandonar definitivamente las de gran formato, no se desprende nunca de su cámara. Es con ese nuevo juguete con el que a la vuelta realiza sus fotografías más conocidas. Gran parte de ellas nutren la exposición madrileña.

Quiere retratar su patria con su historia pasada y presente desde todos los ángulos posibles. También “lo criollo”, escribe. “Cada uno desde su mundo. Mundo según la edad, lo vivo de cada uno. Yo, testigo del hacer de cada uno. Yo, suelto, mirando a todas horas, desde el balcón, el mundo que pasa por la calle Corrientes. También la constelación de Orión y la Cruz del Sur, desde la fronda invasora de los plátanos”.

Pura poesía mezclada con el Buenos Aires que emerge por cada rincón. Se convierte en el fotógrafo de la ciudad y de sus habitantes, de los empedrados de las calles del centro, de las edificaciones que crecen junto a las bellas arboledas de los parques bonaerenses.

En las nuevas avenidas le fascinan los enormes coches negros que avanzan deslumbrando con sus faros a los peatones. Le interesan los escaparates lujosos donde se vende la ropa carísima de los modistos europeos. En sus placas está ese Buenos Aires con pretensiones de ser Nueva York o Milán. Muchas fotografías están pobladas por hombres perfectamente trajeados y tocados con sombrero que contemplan llenos de curiosidad las transformaciones de sus calles y plazas.

No faltan las viviendas humildes ocupadas por personajes de rostros surcados por arrugas prematuras, producto del mal vivir, aunque, en general, la ciudad que retrata Horacio Coppola está casi siempre vacía. Sus retratos bonaerenses recuerdan el Madrid pintado por Antonio López. Son puras metáforas de la soledad del hombre contemporáneo. Los edificios son los que de verdad habitan en la ciudad. Salvo cuando retrata el caos del centro comercial en hora punta, la ciudad de Coppola es un cúmulo de líneas arquitectónicas enlazadas de tal manera que ofrece una panorámica abstracta la mayor parte de las veces. A principios de la década de los treinta, Coppola emprende un segundo viaje a Europa. Considera que la etapa del retrato callejero está agotada y quiere aprender de los grandes maestros europeos. Se inscribe en la Bauhaus y allí permanece hasta el cierre del centro por la presión nazi. Pero le da tiempo a co
nocer la esencia de los grandes creadores del Viejo Continente. De esta etapa proceden las fotografías con las que muestra su fascinación por el cubismo en general y por el pintor español Juan Gris en particular.

En este tiempo, también se acrecienta su amor por el cine, un arte que casi había nacido a la par que él. “El cine es la base de mi formación autodidacta”, ha escrito Coppola. “El cine era un niño cuando yo era un pibe en apuros”.

Coppola filmó varias películas propias, cortometrajes y documentales, entre ellos, Así nació el Obelisco (16 milímetros, 6 minutos), en 1936. La exposición incluye cuatro cortometrajes. Toda su obra cinematográfica fue restaurada por el Malba (Museo de Arte Latinoamericano Buenos Aires) para la exposición que allí se le dedicó hace un par de años. La difusión de la fotografía y la enseñanza de ésta ha ocupado gran parte de su tiempo. A finales de los cuarenta, con su esposa y también fotógrafa Grete Stern, abre un estudio fotográfico, punto de encuentro con muchos intelectuales exiliados españoles y judíos huidos del terror nazi.

A punto de cumplir 102 años, algunos se lo encuentran todavía con la mirada distraída en el paisaje del Buenos Aires de hoy. De paseo sobre su silla de ruedas, acompañado de alguno de sus muchos amigos o alumnos, seguro que añora aquel Buenos Aires que hace ya mucho dejó de existir.

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La fotógrafa exhibe 179 imágenes en el Espacio de Arte Imago; los primeros planos, su especialidad

Para la fotógrafa Sara Facio el blanco y negro no sólo es muy creativo, sino que se trata también de una primera rebeldía porque “la vida es en color”, dice a LA NACION y sonríe esta consagrada artista argentina de quien acaba de inaugurarse la muestra antológica más importante de sus fotografías, en el Espacio de Arte Imago, y se podrá ver hasta el 29 de marzo.

La exposición reúne 179 imágenes imperdibles que van de 1960 a 2005 y que se agrupan en series de acuerdo con proyectos que la artista desarrolló en distintos momentos de su carrera, que abarcó también los ámbitos del periodismo y la publicidad. Facio hizo del retrato fotográfico en blanco y negro una marca inconfundible dentro de su vasta producción. En este sentido, son paradigmáticas las dos series De Brujos y Hechiceras y Escritores de América Latina.

Por ellas desfilan los rostros y sus particularísimas expresiones captadas por el instante fotográfico de Julio Cortázar, Alejandra Pizarnik, Doris Lessing, Pablo Neruda, Jorge Luis Borges, Quino, María Elena Walsh, Gabriel García Márquez, Silvina Ocampo, Adolfo Bioy Casares, Susana Rinaldi, Marta Minujín, entre muchas otras personalidades destacadas.

¿Por qué la elección del retrato como género fotográfico? “Me atrae mucho el rostro. Una cara es el paisaje más maravilloso”. Esa pasión por la expresividad del rostro queda de manifiesto no sólo en las series de figuras conocidas, sino también en otras series fotográficas cuya expresividad y comprensión están ancladas en los rostros de hombres, mujeres y niños anónimos.

Es lo que sucede por ejemplo en las series Los funerales del presidente Perón, Actos de Fe en Guatemala y Humanario. ¿Siempre la guió alguna búsqueda consciente al sacar una foto? “Como decía Picasso, yo no busco, encuentro. Puedo viajar en un taxi y más allá de lo que el taxista diga, interesante o no, su rostro tiene una expresión que me dan ganas de sacarle una foto.”

Comenta a LA NACION que las fotos expuestas en esta muestra son “las mejores que tomó”. ¿Qué hace a una fotografía ser mejor? “Que esté logrado el momento, el personaje. Captar la esencia del personaje”. En el texto del catálogo de la muestra, el crítico Rodrigo Alonso señala: “Sara Facio es una cultora de la fotografía directa, un tipo de producción que adscribe voluntariamente a la noción de imagen fotográfica como huella. Sus obras no reniegan de la realidad, por el contrario, la exaltan”.

Construir un campo

Su intenso vínculo con la fotografía llevó a la artista a ampliar su actividad y hasta convertirse en “el pilar más fuerte de la construcción del campo de la fotografía argentina”, en palabras de María Teresa Constantín, historiadora del arte y coordinadora de Artes Visuales del Espacio Imago de la Fundación Osde.

Sara Facio es miembro fundadora del Consejo Argentino de Fotografía desde 1978. Un poco antes, en 1973, fundó con María Cristina Orive la editorial fotográfica La Azotea, que aún dirige. En 1985 creó la Fotogalería del teatro General San Martín de la ciudad de Buenos Aires, que dirigió hasta 1998. Además, formó el patrimonio de fotografía del Museo Nacional de Bellas Artes que se inició con 50 obras de grandes fotógrafos universales que pertenecían a Facio y que ella donó al museo. Hoy, este acervo reúne 800 imágenes.

En una de las secciones de la muestra hay retratos de Facio que le sacaron otros fotógrafos. Una expresión de optimismo recorre esta serie que la muestra en distintas épocas. Nació en la Argentina en 1932, se graduó en la Escuela Nacional de Bellas Artes, fue asistente de Annemarie Heinrich y ganó numerosos premios. Despliega en hoy esa misma expresión optimista que acompaña con hablar y vestir elegantes.

¿En qué otras cosas se tradujo en su profesión la rebeldía además del hecho de preferir la fotografía blanco y negro a la de color para retratar la realidad? “Hay mucha rebeldía en la elección de los personajes que fotografié. Hace 50 años escribirle a Neruda o tocarle el timbre a Silvina Ocampo para poder sacarles fotos era arriesgado. O hacer el reportaje del peronismo sin ser peronista”.

Hace ya un tiempo se cayó y se rompió las dos muñecas. Aún está en rehabilitación. Más allá del accidente, dice que si siguiera sacando fotos tendría que hacer fotografía digital y para eso tendría que estudiar mucho y que tiene “derecho a descansar”. Sin embargo, su descanso parece ser relativo: “En este momento más que aprender una técnica, me motiva hacer libros que me interesen de buenos autores, curadurías de obras y continuar la colección del Bellas Artes”. Hacia allí va, para seguir encontrando.

Por Laura Casanovas

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Al igual que como ocurrió en el caso del protagonista de esta entrevista, el que esto escribe tuvo durante su estadía en el periódico El Heraldo de México la posibilidad de acercarme a un mundo lleno de glamour y fantasía, al cual muchos darían lo que fuera por estar dentro; además de estar cerca de otras personas que, con sus ideales y experiencias, me inyectaron más deseos de permanecer y crecer de manera profesional.

Su nombre es Gerardo Beretta, o Jerry Beretta (como le conocemos todos los que hemos convivido con él), experimentado fotógrafo artístico y publicitario que en breve, y de nuevo en complicidad con su esposa Carmen, dará a conocer un libro objeto, llamado “La Carmen”, el cual consta de fotografías de desnudos originales de ella, además de dedicarse a preparar dos libros más, uno sobre sus trabajos como fotógrafo artístico y otro en el que resumirá los 21 años que se dedicó a ser el fotógrafo oficial de los nominados, “Voces” y “Rostros” de El Heraldo de México.

Asistir a su estudio durante la preproducción de estos eventos, ya fuera como reportero o como asistente de la coordinación general, era un verdadero placer en todo el sentido de la palabra. La posibilidad de escuchar y formar parte de charlas amenas, probar buena comida y beber jugos, refrescos y hasta un buen vino de vez en cuando, además de poder conocer a “las estrellas” de una manera más humana y hasta hacernos “amigos” de ellos, era lo que formaba parte de esas mañanas, tardes y hasta noches de sesiones fotográficas con Jerry Beretta.

¿Qué dejó en ti, profesional y personalmente, la experiencia de formar parte del equipo de las Entregas de Heraldos?
“Fueron 21 años seguidos. Se dice fácil… pero la ‘netiux’ es que con todo y las sesiones largas y en ocasiones desveladas, es uno de los trabajos que forman parte de mi cosmogonía personal. Es como mis creencias, nadie me lo puede quitar. Me encantaba el sentir festivo, glamoroso, el cuchicheo de quienes, a su vez, participan en el imaginario de este país, su dedicación y algo que no me fue aparente al principio pero de lo cual, por arte de alguna magia o ángel se dio, la confianza que depositaban en mi persona y oficio.

“Espero que hayan sido pocos los casos en que no haya estado a la altura de las expectativas, con excepción de los que si conozco (dos o tres ‘namas’). Nadie es monedita de oro y en ocasiones, pocas, los defectos de carácter no son compatibles. Me encantaba que podía experimentar con luces, fondos, poses, siempre buscando entregarme a quién tenía enfrente. Ese era mi reto, tanto técnico como expresivo. Por supuesto que esto fue posible gracias a la mente abierta y generosa de quienes dirigían la operación, en especial Don Guillermo Vázquez Villalobos (Q.E.P.D.), Mauricio Peña Flores y sus magníficos colaboradores. Vaya, en 21 años no recuerdo (o no supe) haber tenido roce alguno con quienes me confiaban su trabajo y su cabellera (y la mía) si no quedaba bien”.

La lista de estrellas captadas por tu lente debe ser muy extensa…
“Demasiado larga. Lo que si puedo decir es que, gracias a este proyecto anual, tuve frente a mi cámara a un gran número de los grandes actores y actrices de mi país, así como a futuras luminarias que han demostrado tener lo que se necesita…ahhh ! y mujeres bellas. Esto fue un regalo”.

¿Recuerdas una anécdota que consideres digna de contar?
“Pues ¿que te diré? La anécdota general es que, siempre, llegaban con mucha prisa. Sólo tenían 15 minutos y, tres o cuatro horas después, aún estaban en el estudio. Magia o ángel, no se quién la operaba. En alguna ocasión, escuche a un director de cine decir que le aplicaran cámara italiana a una escena. Cuando me enteré cómo funcionaba me pasmé. Diplomacia absoluta y vieras que, en pocas ocasiones, y siempre a los principiantes Divos o Divas, una vez que ya tenía yo lo que se necesitaba aplicaba la técnica y todos felices.

“Algo que a la fecha celebro es cuando, fotografiando a Rafael Baledon y su esposa, que era pequeña de estatura, les pegunté como le hacían (!!!), y ella sin ningún empacho contestó: ‘Jerry, mientras el centro embone chín… a su madre las extremidades’ y ¡zas! una presencia maravillosa en sus fotografías y carcajadas de todos los presentes por supuesto. Así de grande era este asunto”.

Si la fotografía fue hecha con el corazón, lo técnico pasa a otro plano.

¿Cómo se convierte la fotografía en Jerry Beretta la fotografía en un modo para expresar sus ideas?
“Realmente no sé como, simplemente se dio. Es más, yo no escogí esta disciplina, ella me escogió a mí. Estaba en la universidad por 1968 estudiando Ciencias y Técnicas de la Información, lo que hoy llaman Comunicación, pero es una carrera distinta, y llevábamos taller de Fotografía el cual, por cierto, reprobé. Al año siguiente, mi padre me regaló una cámara y ¡zas! me clavé. Durante los siguientes cuatro años de carrera no dejé la cámara nunca. De hecho, se convirtió en mi estereotipo”.

¿Cómo se da el giro que la transforma en tu manera de vivir de ella?
“En 1972 se me presentó un libro llamado ‘Photographis’, editado en Suiza, que contenía lo mejor de la Fotografía Publicitaria del mundo, y ahí fue cuando conscientemente me dije que eso es lo que yo quería hacer. Comencé a trabajar en ello junto con un amigo, Sergio Zambrano, que ya hacía catálogos finos y había que mejorar la fotografía. Y como en todo oficio, el “clavarse” rindió frutos. Al poco tiempo, comencé a buscar clientes en el medio de la agencias de publicidad.

“La primer foto que me confiaron fue una de Hot Cakes en McCann Erickson que, por cierto, Doña Maria Luisa, mamá del magnifico cartonista editorial Paco Calderón, fue la estilista. Desde entonces he trabajado en el medio publicitario y de comunicación: anuncios, catálogos, portada de discos, retrato de artistas, propaganda política, etc., y nunca he dejado de producir fotografías de corte ‘auto encargo’, lo que me permite continuar desarrollando mi amado oficio”.

¿Que es lo que diferencia a tus fotografías de las demás, tanto en lo artístico como en lo técnico?
“Bueno en lo técnico, tanto antes como ahora (era digital), mantenerse en la cresta de la ola del bien hacer es un trabajo cotidiano y una pasión en si. En ocasiones ocurre que las circunstancias no confluyen para que todos los elementos de una fotografía se den de manera armónica y precisa, sin embargo, el resultado final técnico se deberá al conocimiento y buen uso que de las herramientas asequibles se haga. Y es aquí en donde aquello que tu llamas ‘artístico’ hace aparición.

“Estoy consciente que, para obtener una magnífica fotografía de ese momento volátil, debe haber voluntad y talento para ello en los involucrados. En otras palabras, si la fotografía de quién fuere se lee amable y por ello humana, y dice algo del que posa aunque sea por sólo unos segundos, y valga la pena verla, ¡ya chingué ! Pero, ¿que las diferencia de otras fotografías?, creo que sólo quien las ve podrá decirlo”.

El hecho de haber fotografiado el desnudo durante tantos años me ha hecho sensible a los sentimientos ajenos.

Eres un gran aficionado al sexo y a las fotografías de desnudos femeninos. ¿Qué es lo que deseas transmitir al público con ellas? ¿Cómo le haces el amor a una fotografía?
“La sexualidad es un gran obsequio de la naturaleza humana y, como en todo lo humano, hay que dirigirla, educarla, mas no precisamente con temor como lo han hecho hasta ahora clérigos y políticos, viejos socios siniestros en la conducción de masas de personas con nivel de abstracción básico.

“Debo agregar que el llamado ‘Nuevo Erotismo’ me fascina, pero más por lo directo que por lo postmoderno. Pienso que es una etapa necesaria en la expresión humana y que la tecnología ha facilitado para, en un futuro establecer otro camino a la sexualidad y su estética. Es como canción de protesta, casi todos tienen por qué y con quién cantarla. En otras palabras, hay que involucrarse en cuerpo, mente y espíritu para lograr un resultado amoroso”.

Con Carmen, y utilizando la fotografía como medio de expresión, tiró por la borda muchos tabúes.

¿Qué planes tienes para este año, laboralmente hablando?
“Voy a poner en orden una cantidad de archivo que se ha acumulado, aplicando lo que Ernest Hass, una de las vacas sagradas de la fotografia internacional solía decir : ‘Tira la basura o bien estarás asombrado de cuanto tienes y deprimido por lo poco que hay’.

“Lo que se salve lo voy a preparar digitalmente y buscaré la manera de sintetizarlo y publicarlo. Entre ello está la intención de hacer un libro de los 21 años que participé en los Heraldos. Mucho trabajo, mucho trabajo y yo que soy flojo”.

Sabemos que tienes un libro objeto, con fotografías de tu esposa Carmen…
“Exactamente al igual que este libro, que se titula ‘La Carmen’, es en el tono que voy a preparar el de los Heraldos y otro de mi trabajo fotográfico. Contiene setenta páginas, cada una de ellas es una fotografía original impresa en papel de algodón y tintas de carbón, intercalados con textos impresos en papel transparente y encuadernado.

“Ojalá encuentre la manera de publicarlo en forma tradicional para compartir lo que ha sido una de las travesías de vida más elocuentes de lo que significa llevarse bien y tirar por la borda muchos tabúes, utilizando la fotografía como medio de expresarlo”.

Ahora hablemos de la fotografía en movimiento Jerry, el cine. ¿Cuál es tu película favorita? Aquella que has visto tantas veces y aún vas por más.
“Sin duda ‘Lawrence de Arabia’, de David Lean. Necesitamos un Lawrence aquí en México, pero no creo que pueda”.

¿Quién es tu actor o actriz favoritos?
“Robert de Niro y Meryll Streep. A ella le creo todo”.

¿Cómo sería una película dirigida por ti?
“¡Una Catástrofe!”.

¿Qué opinas de la fotografía artística que se hace hoy día en México?
“No sólo hoy en día, desde que hay fotografía en México se realiza un tipo de fotografía difícil de producir en otro país. Tanto extranjeros como nacionales quedan extasiados ante lo bueno, lo malo y lo feo y hay algo en el aire que ronronea y lo propicia. Si bien se le da mayor difusión a la fotografía documentalista con, en ocasiones, compromiso social, quienes con su amado oficio laboran en otras áreas expresivas y también metafóricas son magníficos.

“Sin embargo, el estigma de ‘la vida no vale nada’ opaca a no pocos maestros. Vaya y lo conozco de primera instancia. Hay muchos fotógrafos que ni idea tienen que es el Derecho de Autor y menos qué significa. En ocasiones, me entristece cuando, por ejemplo, ve uno un libro de por ejemplo los Mayas, que fue editado en otras latitudes con fotógrafos enviados por ellos. Son pocos los proyectos que se desarrollan en México, de pocos lectores y menos poder de compra. Habría que hacerlos aquí con miras a la exportación y establecer esos canales. En cuanto a la fotografía publicitaria, pues qué te diré, con que se vea”.
Fotografías: Jerry Beretta.

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abre sus puertas en centro de exhibiciones que albergará trabajos de artistas argentinos, norteamericanos, dominicanos, peruanos, brasileños, entre otros. Una interesante propuesta que estará hasta el domingo El miércoles, a las 19, el Palais de Glace se complacerá en presentar los trabajos de más de 30 galerías especializadas de diez países. El arte en soporte fotográfico será el centro de esta exposición. En Posadas 1725 se lucirán las galerías locales como Ruth Benzacar, Vassari, Jorge Mara La Ruche, Elsí del Río, Daniel Abate, entre otras. Además, se hará entrega del Premio Petrobras-Buenos Aires Photo, el cual contó con más de 1300 postulantes. El Buenos Aires Photo (BAP) estará abierto hasta el domingo próximo y contará con trabajos de los Estados Unidos, México, República Dominicana, Perú, Brasil, España, Francia y Venezuela, según informó el diario La Nación. La entrada general costará unos 15 pesos. La exhibición estará abierta de 13 a 21, durante cinco días. Related posts: Fotos que nunca se desvanecerán La Rioja acogerá en junio una cumbre mundial sobre conservación... Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin. ]]> http://www.fotografiadominicana.com/2007/11/07/la-fotografia-como-nunca-se-vio-en-el-palais-de-glace/feed/ 0 http://www.fotografiadominicana.com/2007/11/04/buenos-aires-photo-deslumbrara-en-el-palais-de-glace/ http://www.fotografiadominicana.com/2007/11/04/buenos-aires-photo-deslumbrara-en-el-palais-de-glace/#comments Sun, 04 Nov 2007 08:42:00 +0000 Juan Guzman http://defotoarte.wordpress.com/2007/11/04/buenos-aires-photo-deslumbrara-en-el-palais-de-glace/ Yet Another Related Posts Plugin.]]> Reunirá más 30 galerías de diez países Durante cinco días, Buenos Aires será la capital de la fotografía latinoamericana, todo el tiempo que dure la III edición de Buenos Aires Photo (BAP)- la única feria regional dedicada íntegramente a esta disciplina- que se realizará en el Palais de Glace, del 7 al 11 de noviembre. El encuentro, organizado por la editorial Arte al día y LA NACION, reunirá a más de 30 galerías de arte de diez países y mostrará desde el arte fotográfico tradicional hasta las últimas tendencias artísticas en ese soporte, incluido el videoarte. Por primera vez, la feria tendrá a Brasil como país invitado. A través del acervo del Instituto Moreira Sailles, el vecino país recorrerá, en tres espacios diversos, la evolución de su fotografía con imágenes de 15 artistas seleccionados, desde principio del siglo pasado y hasta la actualidad. También se presentará la segunda edición del Premio Petrobras-Buenos Aires Photo, al que se presentaron 1300 postulaciones. Un jurado integrado por los especialistas Alicia de Arteaga, Victoria Verlichak, Elda Harrington, Rodrigo Alonso y Julio Sánchez consagró con el primer premio a Historias Clínicas-Colonia Santa María, la imagen del cordobés Hugo Aveta. Junto con otras 10 imágenes finalistas del premio, la fotografía de Aveta se expondrá en el espacio Petrobras del Palais de Glace. Durante la presentación a la prensa de BAP, en el Paseo de las Artes del Palacio Duhau, amenizada con música clásica en vivo, el director ejecutivo de la feria, Gastón Delau, destacó la nutrida presencia de las galerías locales, además de otras de Estados Unidos México, Santo Domingo, Perú, Brasil, España, Francia y Venezuela. Todos los días, a las 18, se desarrollará el ciclo de conferencias y debates en el Auditorio Fundación Deloitte. Allí, diversos teóricos, especialistas, galeristas, artistas y coleccionistas analizarán temáticas de la fotografía como los usos de la imagen electrónica, los festivales dedicados a esa disciplina, además de los diversos lenguajes de los que se nutre el arte fotográfico y la fortaleza de ese ascendente mercado. Como es habitual, Chandon comprará a puerta cerrada la primera obra mientras que American Express donará US$ 10.000 a la Asociación de Amigos del Malba para la adquisición de obras en la feria. Con entrada general a $ 15, y abierta de 13 a 21 en Posadas 1725, BAP contará con un sistema de audio guías on line, presentado por Mac Station, que la gente podrá bajar directamente desde el sitio ( www.buenosairesphoto.com ) a sus reproductores de mp3. Los artistas más destacados de la fotografía tendrán desde el martes próximo una vidriera exclusiva en BAP. No related posts. 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Yo no tenía la cámara, pero su simpática imagen la llevo como una foto en mi cabeza, al igual que otras miles de escenas que han impresionado mi retina”. Esta breve reflexión resume en cuerpo y alma a Ángel González Baldrich, uno de los más experimentados fotógrafos cubanos de todos los tiempos, en la primera entrevista de su vida. Desde hace casi cincuenta años firma sus gráficas con una sola palabra, como lo llama todo el mundo: Baldrich. Nació en el barrio de Arroyo Apolo, en el municipio capitalino de Arroyo Naranjo, el 29 de julio de 1937. Su padre trabajaba en una ruta de guagua como jefe de línea, y lo llevaba con él a todos los lugares. “No fui guagüero, aunque mi primer trabajo fue como mozo de limpieza de la ruta uno. No terminé el bachillerato y mi padre me dijo que tenía que trabajar. Yo limpiaba el piso de los ómnibus. Antes del año me quedé sin trabajo”. A través de un amigo dibujante y diseñador de la publicitaria Mestre y Conill que vio sus dibujos y pinturas, comenzó a trabajar allí, y en su departamento de Fotografía se quedó fasci­nado cuando vio el proceso de impresión de las gráficas. Con un fotógrafo al que califica de muy bue­no, Aladino Sánchez, aprendió a imprimir fotos. “No sé si tendría parentesco con el Aladino de la lámpara maravillosa, pero para mí al menos, era una magia lo que hacía en el laboratorio, no obstante a ser abogado de profesión. Al poco tiempo ya yo tomaba fotos en esa publicitaria, con mi primera cámara particular: una Ro­llieflex. Cuenta que de muchacho, en las primeras fotos que tomó, empleó una cámara vieja de un vecino. Al poco tiempo se trasladó para la publi­citaria Siboney, frente al cine Acapulco, en Nue­vo Vedado, donde aprendió la técnica del reve­lado a color. “La primera foto que me publicaron la tomé en la carretera que conduce a Bahía Honda, a un caballo que pastaba en primer plano y detrás se veía un valle y las montañas de la Sierra de los Órganos. La incluyeron en un anuncio comercial de las pastillas antiasmáticas Maico. Por lo menos salió en Bohemia”. A Baldrich un día le dieron a revelar rollos con gráficas del Ejército Rebelde, e imprimió otras para propaganda del Movimiento 26 de Julio y en particular para el periódico clandestino Revolución. “El 24 de diciembre de 1958 me dejaron ce­sante en aquella publicitaria y el triunfo del Pri­mero de Enero de 1959 me sorprendió desem­pleado nuevamente. Fui enseguida para allá y me dieron trabajo otra vez. “Se unieron varias publicitarias en Radio­centro que poco después pasaron para frente al Hotel Nacional y con el transcurso de los meses se instaló allí la Comisión de Orientación Revo­lucionaria (COR), dirigida por César EscaIante, donde hice mis primeros pininos periodísticos. “Ya como fotógrafo de prensa, mi primera gráfica se publicó en Pionero. Pero la foto mía de mayor repercusión fue un contraluz de Fidel, cuando inauguró la Escuela de Cuadros de la CTC, en La Coronela, a mediados de la déca­da del 70″.Estuvo inédita durante casi diez años, y a mitad de los 80 ocupó una primera página com­pleta de Juventud Rebelde. Tanto gustó ese contraluz que un profesor de Diseño que visitó el diario con sus alumnos, les dijo: “A esto es a lo que se le llama la imagen mínima”. “La tomé de noche, a 15 metros de Fidel, antes de que subiera a la tribuna del acto. Una sola luz le daba en el rostro, de frente. Se te veía hasta el aliento al respirar, por el frío reinante. Yo tenía una Nikon recién estrenada y un lente de 300 milímetros. Fue tanto el foco de la gráfica que tuve que borrarle la respiración que se le congelaba en el aire”. Baldrich recuerda cuando pasó a trabajar a la revista Mella. De esa época evoca sus reporta­jes por la Sierra Maestra durante la Crisis de Octubre en 1962, en páginas que se llamaron Mella en las trincheras. No olvida a compañeros de esa publicación, como ChaIy Reyes, Frank Agüero, Peroga, Joaquín Ortega y a Juan DoIset. Baldrich ha realizad o viajes de trabajo a varios países: Canadá, Alemania, lraq, Italia, España, Islas Cana­rias, Chile, México y Angola. El día de la fundación de Juven­tud Rebelde, en octu­bre de 1965, en que Fidel habló en el esta­dio Pedro Marrero, to­mó fotos bajo un agua­cero, con mucho cata­rro y 39 de fiebre. II “¿Tres de los mejores fotógrafos que ha tenido este diario? Reinaldo González, José Orozco (fallecido hace años) y Orlando Martí­nez Maqueira, quien murió recientemente, aún trabajando en Bo­hemia…, una irreparable pérdida. “Para mí la fotografía ha sido todo en la vida. ¿Mis fotos más queridas? Además del contraluz de Fidel, otra que le tomé en el Pico Turquino, en 1965, cuando subieron los primeros médicos graduados por la Revolución. Solo se ve el fusil en el hombro de Fidel, un símbolo. Y la otra la tengo en un cuadro en la pared de mi cuarto: unos botes en la playa de Cojímar. La tomé cuando fui con Leonardo Padura a realizar un reportaje sobre Hemingway. “¿Requisitos para ser fotógrafo? Observarlo todo con detenimiento, ser muy sensible ante lo bueno y lo malo, lo triste y lo alegre, lo pintoresco y lo grotesco. Querer llevar a la gente imágenes de lo que nosotros conocemos, y muchos por su trabajo no tienen el privilegio de ver. “¿La emoción más grande? Cuando fui co­rresponsal de guerra en Angola, nos jugamos la vida. También cuando pasé el curso de piloto en Santa Fe, en aparatos como el Pipper, donde también voló el Che en 1960”. Explica que antes en el laboratorio había que saberlo todo, para que las fotos salieran bien, y como cosa curiosa recuerda su reportaje a una farmacia china de la calle habanera de Zanja. Dice que su plato fuerte es el paisaje y el retrato. Que es lo que le gusta, lo mejor que hace. Y menciona como sus fotógrafos favoritos, entre otros, a Osvaldo Salas, Raúl Corrales, José Tabío, Liborio Noval y Reinaldo González. Si Baldrich hubiera tomado solo mil fotos anuales, en sus 47 años cámara en ristra, acu­mularía 47 000 en su vida profesional. Pero deben sobrepasar las 70 000. Y de ellas calcu­lamos que se han publicado en distintos órga­nos de prensa alrededor 8 000 ó 10 000. ¡Respetable estadística! “Al privilegio de ser fotorreportero yo le llamo ‘maravilla’. Y parafraseando a Silvio, pienso que el fotógrafo ‘mira la tierra y sí ve más que tierra’, ve lo que el hombre ha hecho sobre ella con su trabajo y por ello merece fotos”. Enfatiza en que Ios de su oficio no solo miran con los ojos, sino también con la mente y el corazón, aunque a él le gusta la improvi­sación, el “repentismo” en la fotografía. “Sí, yo hablo poco, por mi carácter. Pero con­verso a través de las imágenes que capto. Hablo más con mis fotos que con mi boca. Me relaciono con los hechos y la gente poniéndolo todo dentro de mi cámara. “¿Las fotos más difíciles? Algunas de las que me mandan a hacer. Y las más fáciles son aquellas que más me gustan: los trabaja­dores, los rostros, el mar, el paisaje, la natura­leza. “Adoro el retrato porque el ser humano para mí es lo más importante. ¿Qué disfruto más? La foto que vaya hacer al día siguiente, el hecho nuevo, la incógnita de la nueva perso­na que vaya conocer y va a entrar en mi vida”. Refiere que no extraña el cuarto oscuro, ni la ampliadora, ni el papel fotográfico, ni la química. Dice que fueron sus socios fuertes, pero llega­ron hasta un punto. Que son viejos compañe­ros. “Me despedí de ellos con cariño. Lo mismo debe ocurrirle a los redactores con la máquina de escribir y con el teletipo”. Nos confiesa que pensó retirarse a los 60, hacer un bote y permutar para Guanabo, pero al enterarse de la llegada de la cámara digital y la computadora, escribió a la dirección del periódico y sugirió que adquirieran la técnica moderna. “La foto digital es como tomar otro camino. Todos los días me asombra. Con lo nuevo se acabó aquel retoque a mano, pintando sobre la fotografía impresa, que te IIevaba media hora. Ahora todo se resuelve rápido con el mouse frente a la computadora: se quitan suciedades de los dientes, verrugas, cicatrices, manchas. Yo las arrugas de tu frente, por ejemplo, te las quito en un santiamén. “Hay instantes tristes en que un niño llora porque la madre le pegó muy duro, y días felices como cuando el corresponsal nuestro de Ciego de Ávila, Luis Raúl, me dijo en su provincia: ¡Ah! ¿Usted es Baldrich? ¡Qué deseos tenía de conocerlo, me encan­tan sus fotos! Esas cosas para mí son diplo­mas del tamaño de la mesa esta. Me recompensan mucho. “Mi oficio es una magia y mi cámara es mi vida entera. Siempre me ha dicho la verdad, ha sido franca y abierta. En fin, la fotografía es mi gran amiga íntima”. (Entrevista publicada en Juventud Rebelde, 12 de marzo de 2004) No related posts. 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A partir del 1 de diciembre de 2007 también será posible participar mediante nuestra página web de admisión, disponible también en español y portugués. Allí podrá registrarse en línea y subir sus imágenes para enviarlas directamente a nuestro servidor. La fecha límite para las admisiones en el Concurso World Press Photo 2008 es el 10 de enero de 2008. Para más preguntas, por favor póngase en contacto con Micha Bruinvels o con Wiebke Duchow con el correo contest@worldpressphoto.nl. Related posts: Los trabajos y los dias, concurso fotográfico latinoamericano. Nuevamente nos escriben desde la Corporación Escuela Nacional Sindical de... Ganadores concurso de Fotografía Semana Santa 2011 Ministerio de Cultura da a conocer ganadores concurso de Fotografía... El retrato antiguo y contemporáneo abre PhotoEspaña 2011 Aunque la inauguración oficial del certamen de fotografía tendrá lugar... 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La mayoría de estas piezas pertenecen al Archivo de la Alhambra y a la colección privada de Sánchez, un apasionado de todo lo relacionado con la iconografía granadina. -¿Por qué los granadinos no deberían perderse esta exposición? -Es una ocasión única. Son fotografías inéditas que muestran los últimos años de la Granada romántica, la que gustó a viajeros y dibujantes: es la Granada del Darro descubierto [el embovedado comenzó en 1850, por tramos], cuando aún se conservaban las traseras del Zacatín y todavía no se había abierto la Gran Vía. Era una ciudad con personalidad arquitectónica propia. Durante esos treinta años se actúa de forma quirúrgica: se oculta el río, se demuelen muchísimos edificios rompiendo el callejero medieval, y los nuevos se construyen con un estilo ecléctico importado de París que es el mismo de Madrid, de Bilbao o de Barcelona. -¿Cómo surgió la idea de montar esta muestra? -Hace cinco años, cuando se hizo la exposición ‘Imágenes en el tiempo’ en la Alhambra, vimos que Jean Laurent tenía entidad suficiente para hacer una exposición sobre él. Hemos buscado sus fotografías por todo el mundo. Y gracias a Internet están saliendo cosas que antes no se podían encontrar. Por ejemplo, los cristales de Charles Soulier, que Jean Laurent comercializaba y son quizá las piezas más curiosas de la exposición, los hemos conseguido casi todos a través de subastas en la red. A través de Internet compro fotos en muchos lugares del mundo. En Canadá he localizado las piezas más raras. Todos los años voy a una feria cerca de París, que es el gran centro mundial del negocio de la fotografía. Allí compró el Patronato de la Alhambra el lote de 144 piezas de Laurent que ahora se exponen. Yo tenía algunas fotos de Laurent, pero ninguna de Soulier, y las he ido encontrando con el tiempo. -¿Cuál ha sido la más difícil de conseguir? -Una de las fotografías de Plaza Nueva, precisamente la del cartel de la exposición. Ha sido una sorpresa. Encontramos un ejemplar en Pamplona, en el Fondo Fotográfico de la Universidad de Navarra, que es uno de los mejores de España. Es curioso porque la plaza sólo estuvo en ese estado durante seis meses; en la siguiente imagen tomada por Laurent ya tiene árboles. Y una vez que nos la cedieron, tuve la suerte de encontrar otra copia que me ofreció un proveedor. En fotografía hay ejemplares únicos, y son muy complicados de encontrar, pero la mayoría tiene copias. Por ejemplo, el lote que compró la Alhambra posiblemente es único: son detalles arquitectónicos que no tenían venta para los turistas de aquella época. -¿Cuál ha sido la pieza más cara? -Depende. Pueden oscilar entre los 200 y los 2.500 euros. A la Alhambra le salieron por un buen precio [unos 425 euros por pieza]. La fotografía de Laurent es más comercial y no es tan cotizada como la de Charles Clifford, que es más artística. Pero sí hay algunas de Laurent dificilísimas de conseguir. -¿Qué hay que hacer para moverse por el mundillo de las subastas? ¿Es suficiente con tener dinero o hay que saber? -Cuesta mucho menos de lo que se puede imaginar… La fotografía de la Alhambra estaba infravalorada, porque había muchas… Ahora, como hay uno de Granada que compra todo lo de Granada, ya ha subido el precio… -Uno que es usted… -Uno que soy yo. -La directora del Patronato de la Alhambra, Mar Villafranca, insiste en que las instituciones deben tener cuidado a la hora de recuperar patrimonio, para evitar la especulación. -Claro. La compra de aquel lote salió bien porque se llevó a cabo con muchísima discreción. -Mucho antes de la llegada de Jean Laurent, Granada ya había sido inmortalizada en daguerrotipo, la primera tecnología fotográfica. ¿Hay alguna pista del paradero de aquella primera placa de 1840? -Sólo hay especulaciones. Se sabe que Teófilo Gautier estuvo en Granada en 1840 y sacó un daguerrotipo del Patio de los Leones, pero nada más. Sabemos que no es el que se conserva en el Museo Getty, porque en 1840 el patio tenía jardín -lo habían puesto los franceses- y en el daguerrotipo del Getty no lo tiene, así que debe de ser posterior a 1846, que es cuando lo quitan. El daguerrotipo se inventa en 1839 y da una imagen especular y única. Y sólo se hicieron hasta principios de la década de los cincuenta. En 1846, Talbot inventa el calotipo, que utiliza como negativo el papel impregnado en cera y con el que ya se obtienen varias imágenes directas. En 1851 aparece el negativo de cristal con colodión húmedo, que da una mayor definición y múltiples copias en papel albuminado. Esa tecnología dura hasta los años 80, cuando se desarrolla el gelatino bromuro, que sobrevive casi todo el siglo XX. Tiene mucha más velocidad y ya admite a personas en movimiento; hasta entonces la fotografía mostraba ciudades vacías: la exposición debía ser muy larga, de varios segundos, y por eso la gente no salía. -¿Qué pieza le gustaría tener y no ha conseguido? -Me gustaría conseguir el daguerrotipo de Alejandro Dumas con sus amigos en la Alhambra. Hay referencias de aquel viaje y de las fotografías que se hicieron en el Patio de los Leones. De Charles Soulier me faltaban 2 de las 32 fotografías que hizo de Granada: la calle Párraga y el Campo del Príncipe. Y el otro día en Madrid conseguí por casualidad la que se titula ‘rue de Párraga’ por 30 euros. Después de verla me he dado cuenta de que en realidad es la ‘rue Puentezuelas’. -¿A qué se debe el interés de los fotógrafos extranjeros por Granada? -Granada es una ciudad que cuenta con un patrimonio iconográfico muy extenso. En el siglo XVI, cuando vienen los grabadores más importantes del mundo, es la única ciudad que tiene cuatro grabados en el ‘Civitatis Orbis Terrarum’, un compendio de vistas. En 1840 se inventa la fotografía en París. ¿Quién gobierna en Francia en ese momento? Napoleón III. ¿Y quién es la mujer de Napoleón? Eugenia de Montijo, de Granada. Ella envía a muchos fotógrafos estereoscopistas: Carpentier, Soulier, Gaudin… Además, en esa época el tiempo de exposición necesario era muy grande y Granada tiene mucha luz… La Alhambra es uno de los monumentos con más registros iconográficos. Restauración -Además de coleccionista de arte y de fotografías, es arquitecto restaurador. ¿Tiene alguna fórmula para evitar la ruina del Albaicín? -Esa ha sido la pasión de mi vida. Yo nací en el Albaicín, estudié en Sevilla y me volví para trabajar en mi barrio. Pero es desesperante. El Albaicín es muy complicado y requiere un planeamiento muy preciso, que nunca ha tenido. Hace unos años funcionó estupendamente la oficina de rehabilitación del Albaicín, que se ha desmontado no sé muy bien por qué. Hasta anteayer se han estado demoliendo casas moriscas… y eso es tremendo. -¿Qué ciudad de España puede tomarse como modelo de restauración de un barrio histórico? -Aquí hemos tenido dos grandes destrozos: del año 50 al 80 del siglo XIX y, curiosamente, en los mismos años del siglo XX. En el XIX nos cargamos la ciudad romántica e hicimos aflorar una ciudad burguesa igual a todas. En el XX vino el desarrollismo, ese ejemplo de lo que no hay que hacer que es el Camino de Ronda, Pedro Antonio de Alarcón… En España, una ciudad que puede ser un ejemplo de planeamiento urbanístico es Vitoria: ha tenido mucha suerte con los arquitectos y un planeamiento bueno en los años cincuenta. El casco histórico no está destrozado y partido en tres como aquí, y creció como debe crecer la ciudad moderna: con espacios verdes y de forma ordenada. Granada tenía una unión con la Vega que era maravillosa, y se ve en las fotografías de Soulier. igallastegui@ideal.es Related posts: Cuando las fotografías nos parecen falsas Rosa Montero, escritora periodista española nos ofrece una interesante reflexión... Ricardo Read nos deja ver: “Lágrimas detrás de mi Cámara” Hoy quiero ser eco, eco integro y total de Ricardo,... 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Una idea que sólo tiene un culpable, en el mejor sentido de la palabra, Paco Valderrama Paco Valderrama en un instante -fotoperiodístico- de la presentación de Periscopio; al fondo, un autorretrato de Elliot Erwitt.FotoS: aritz garcía david mangana El salón Sonimagfoto, que empieza en Barcelona, ofrece una buena oportunidad para conocer las últimas novedades en este terreno La tecnología digital ha cambiado las cámaras y el papel social de la fotografía, multiplicando el volumen de imágenes que consumimos y ampliando el número de usuarios. Los nuevos fotógrafos, que ya no encajan con el [...] Related posts: La rosa de Bayahíbe, nuestra flor nacional, es un cactus Pertenece a la familia de las cactáceas y es uno... Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.]]> El salón Sonimagfoto, que empieza en Barcelona, ofrece una buena oportunidad para conocer las últimas novedades en este terreno La tecnología digital ha cambiado las cámaras y el papel social de la fotografía, multiplicando el volumen de imágenes que consumimos y ampliando el número de usuarios. Los nuevos fotógrafos, que ya no encajan con el anterior perfil de aficionado a la fotografía, conviven con hechos impensables poco tiempo atrás, como los móviles con cámara o que el álbum familiar esté ahora en el ordenador, en internet o en un marco digital que combina cientos de imágenes. El salón Sonimagfoto, que empieza hoy en Barcelona, ofrece una buena oportunidad para conocer las últimas novedades en este terreno y valorar la revolución que ha significado esta nueva manera de hacer fotos, también plantea incógnitas. Una de ellas, la reconversión de miles de tiendas de barrio que sufren el bajón del carrete y del papel y que buscan nuevos servicios para sobrevivir. “Para el usuario, la facilidad de uso y la democratización son los rasgos principales de la fotografía digital. Son los elementos que la han convertido en un juguete para todos los públicos”, explica Romà Gubern, catedrático de Comunicación Audiovisual en la Universitat Autònoma (UAB). “Antes la fotografía era una actividad técnica que estaba en manos de expertos. Ahora se ha ampliado su público y se ha trivializado. Esto no es bueno ni malo; es diferente. Hay cosas positivas, como que cualquiera puede captar algo que tenga interés y publicarlo en internet. Y cosas negativas, y paradójicas, como la pérdida del valor testimonial que la fotografía tenía como documento. Con programas como el Photoshop es casi imposible ver los retoques, y se hace más difícil creer en una imagen”. Con tecnología digital, han aumentado tanto el número de usuarios como el número de imágenes que capta cada uno. Ambos hechos tienen fácil explicación: cuando ya se tiene la cámara y la tarjeta de memoria, una foto digital no acarrea coste, y el usuario, liberado, toma muchas imágenes asegurarse o por simple placer de hacerlo. La facilidad de uso propicia que cualquiera se atreva a sacar fotos sin tener la presión de estar haciendo algo trascendental. En España, sin contar los móviles con cámara, en los tres últimos años se han vendido más de dos millones de equipos fotográficos digitales anuales y este 2007 se llegará casi a tres. En su mejor momento, la fotografía analógica no pasó del millón y medio de cámaras anuales. Más cifras: “Los datos más conservadores dicen que, de media, una cámara digital capta más de 600 imágenes al año, mientras que antes la media de consumo nacional era de un carrete de 24 fotos por habitante y año”, señala Salvador Luna, responsable del área de cámaras digitales en Fujifilm. “Ahora tomamos más imágenes. Tienen cámara personas que nunca la habían tenido y en muchos hogares hay más de una máquina”. Reinventar las imágenes Con la tecnología digital, las tarjetas de memoria han sustituido al carrete. De la espera de días para ver las fotos hemos pasado a visualizarlas al momento en la pantalla de cristal líquido que tienen estas cámaras y que es uno de los rasgos que ha cautivado a los usuarios. En lugar de la impresión en papel o en diapositivas, ahora muchas fotos se almacenan en el disco duro, se graban en un CD o se cuelgan de internet. Y abundan las cámaras que corrigen automáticamente algunos elementos y el software que permite alterar y reinventar las imágenes. El gadget también ha cambiado. Hace nueve años, las primeras cámaras digitales de consumo no llegaban al millón de píxeles de resolución, guardaban unas decenas de fotos y costaban entre 70.000 y 80.000 pesetas (unos 415-475 de los actuales euros). Ahora tienen hasta diez veces más resolución, guardan miles de fotos, llevan lentes de calidad, sistemas avanzados para procesar las imágenes y su precio oscila entre los 100 y los 400 euros. La evolución de las marcas ha sido inevitable y hasta las firmas históricas de la fotografía han tenido que adaptarse a un mercado en el que las cámaras se han convertido en gadgets electrónicos de gran consumo. La integración en el móvil es otro fenómeno importante, ya que actualmente el 70 por ciento de los terminales lleva una cámara incorporada. Las resoluciones fotográficas de 3 millones de píxeles empiezan a ser habituales, Nokia comercializa el N95, que lleva una cámara de 5 millones y la mayoría de los móviles también graban vídeo. Las imágenes tomadas en la guerra de Iraq o en el atentado del metro de Londres dieron la vuelta al mundo y avisaron del poder que implica la ubicuidad de la cámara digital. Sólo hay que ver la proliferación de cámaras anónimas en cualquier situación interesante, sea Ronaldinho en el Camp Nou o un famoso por la calle. El lado negativo es el efecto voyeur detectado por su uso en vestuarios, saunas, hospitales o tribunales. Esto ha hecho que se vete su utilización en ámbitos en los que atenta contra la intimidad de las personas. Related posts: La rosa de Bayahíbe, nuestra flor nacional, es un cactus Pertenece a la familia de las cactáceas y es uno... Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin. ]]> http://www.fotografiadominicana.com/2007/10/07/la-fotografia-digital-ha-modificado-nuestra-manera-de-mirar-el-mundo/feed/ 0 http://www.fotografiadominicana.com/2007/09/24/blanca-berlin-%c2%abel-mundo-de-la-fotografia-esta-muy-necesitado-de-la-palabra-seriedad%c2%bb/ http://www.fotografiadominicana.com/2007/09/24/blanca-berlin-%c2%abel-mundo-de-la-fotografia-esta-muy-necesitado-de-la-palabra-seriedad%c2%bb/#comments Mon, 24 Sep 2007 13:13:00 +0000 Juan Guzman http://defotoarte.wordpress.com/2007/09/24/blanca-berlin-%c2%abel-mundo-de-la-fotografia-esta-muy-necesitado-de-la-palabra-seriedad%c2%bb/ MANUEL DE LA FUENTE—Cuándo decidió cambiar el objetivo de su cámara por el objetivo de ser galerista?—-Llevo veinte años en la fotografía, pero la idea de montar una galería no es tan antigua, al contrario, es bastante reciente. He trabajado mucho en Prensa, y durante quince años me he dedicado a los reportajes de viajes. [...] Related posts: “Ser fotógrafo es una responabilidad: somos los ojos del mundo” Durante dos décadas, el fotógrafo mexicano Patricio Robles Gil ha... Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.]]> MANUEL DE LA FUENTE —Cuándo decidió cambiar el objetivo de su cámara por el objetivo de ser galerista? —-Llevo veinte años en la fotografía, pero la idea de montar una galería no es tan antigua, al contrario, es bastante reciente. He trabajado mucho en Prensa, y durante quince años me he dedicado a los reportajes de viajes. Hasta que llegó un momento en que, la verdad, estaba muy cansada de la precariedad del sector, pero, por otro lado, quería seguir relacionada con el mundo de la fotografía. —Y se produjo el flashazo. —Sí, entonces se me ocurrió, pero no fue un proyecto tan madurado como pueda parecer. Sino que en los últimos años siempre había sido visitante asidua de Arco y de prácticamente todo lo que se puede ver en el extranjero, y llegó un momento, hará dos años, en que me dije, ¿por qué no montar yo misma una galería? —Algo que poner en negativo de estos primeros meses. —Todavía no llevo mucho tiempo, pero problemas de tipo logístico no ha habido. Sí han existido otros problemillas «teóricos», podemos decir. Algunos compañeros me decían que estaba haciendo una programación muy conservadora y clásica; y otros me decían todo lo contrario. —Fotográficamente hablando, ¿quiénes le han dado carrete? —No he recibido ninguna ayuda, pero lo cierto es que no las he solicitado, aunque no descarto buscar alguna ayuda oficial porque está muy claro que estás haciendo una labor cultural muy fuerte. De hecho, en pleno mes de agosto han llegado a pasar por aquí más de ciento cincuenta personas diarias. El mayor problema reside en la enorme inversión que exige montar una exposición, pero una exposición bien montada, como las que estoy llevando a cabo. —Ha comenzado con nombres muy propios: Ramón Masats, Félix Lorrio e Isabel Muñoz. —Creo que eso es bueno, porque así se puede establecer una especie de marca de la casa. Una marca Blanca Berlín, de manera que la gente identificará el nombre con buenas exposiciones. Eso es lo que espero y ésa es la idea. Quiero una galería muy especializada, rígidamente especializada diría. —¿Cómo anda España en materia fotográfica, es un panorama a contraluz? —Ya hay algunos grandes coleccionistas, pero todavía funciona todo de forma balbuceante, no es un sector en plena pujanza, como sucede en Nueva York, Londres, Berlín y París. Queda mucho camino por andar, por eso eso es necesario que cada paso se dé con mucha seriedad. Llevo muchos años en la fotografía y sé lo necesaria que es ésa palabra, seriedad. —¿Todavía hay quien se toma la fotografía a broma, como un arte muy menor? —Entre la gente de la calle sigue imperando esa idea. A otros niveles, como los coleccionistas, los compradores y las instituciones, la polémica ya se ha decantado por admitir que la fotografía ocupa una posición muy importante, como cualquier otro tipo de arte. —Resumiendo, que por aquí una imagen aún no vale más que mil palabras. —En general, creo que la gente tiene verdadero interés por la fotografía, aunque eso sí, se siguen sorprendiendo mucho por los precios, aún no se asimila que una gran fotografía pueda valer lo mismo que un cuadro. —Y con lo digital el planeta se ha llenado de artistas. —Sí, todo el mundo se cree capaz de hacer su propia obra de arte. —¿Como fue recibido el proyecto entre los compañeros? —Me quedé muy sorprendida por la enorme acogida que mi idea tuvo entre los fotógrafos, empezando por el gran maestro Masats, al que ni siquiera conocía. —El futuro pinta en color más que en blanco y negro. —Las expectativas son magníficas, y a veces hasta me abrumo, porque éste es un mundo muy competitivo y yo no soy una mecenas. La galería, además de arte y cultura, también es una actividad comercial, y a veces me abruma todo lo que la gente espera que hagas. Yo no he venido aquí para cambiar el mundo de la fotografía con mi espacio; sencillamente, voy a poner mi granito de arena por intentar darle el valor que se merece. mdelafuente@abc.es Related posts: “Ser fotógrafo es una responabilidad: somos los ojos del mundo” Durante dos décadas, el fotógrafo mexicano Patricio Robles Gil ha... Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin. ]]> http://www.fotografiadominicana.com/2007/09/24/blanca-berlin-%c2%abel-mundo-de-la-fotografia-esta-muy-necesitado-de-la-palabra-seriedad%c2%bb/feed/ 0 http://www.fotografiadominicana.com/2007/09/24/la-fotografia-de-hermana-menor-a-estrella-del-arte-contemporaneo/ http://www.fotografiadominicana.com/2007/09/24/la-fotografia-de-hermana-menor-a-estrella-del-arte-contemporaneo/#comments Mon, 24 Sep 2007 12:54:00 +0000 Juan Guzman http://defotoarte.wordpress.com/2007/09/24/la-fotografia-de-hermana-menor-a-estrella-del-arte-contemporaneo/ Yet Another Related Posts Plugin.]]> BUENOS AIRES SE SUMA A UN FENOMENO MUNDIAL Es una tendencia que viene desde hace diez años. En la Ciudad proliferan espacios consagrados a exhibir diferentes expresiones del lenguaje fotográfico. Desde museos hasta galerías, un mapa del circuito Considerada durante largo tiempo como la hermana menor de las artes, la fotografía logró hace algunos años dinamitar los prejuicios que la rondaban. Ahora, después de mucho batallar, se ha convertido en la niña mimadaparadigmas del arte contemporáneo “En los últimos diez años se ha producido un proceso de inclusión de la fotografía en la escena del arte contemporáneo”, afirma Alberto Goldenstein, responsable de la fotogalería del Centro Cultural Rojas. “Antes de eso, los espacios de fotografía conformaban un circuito mucho más cerrado, tanto en número como en diversidad de propuestas. Ahora, gracias a esta especie de explosión de la fotografía, han surgido muchos lugares que permiten disfrutar de diferentes aproximaciones al arte fotográfico y de autores que trabajan sobre distintos formatos, lecturas y discursos”. Uno de los resultados de este boom es que durante una semana cualquiera en la Ciudad se pueden encontrar exposiciones capaces de satisfacer todos los gustos. Desde obras en registro documental, marcadas muchas veces por la utilización del blanco y negro y las temáticas de denuncia social, hasta formulaciones experimentales que van desde lo conceptual hasta la estética intimista y autorreferencial de los fotologs. “En este preciso momento están teniendo lugar exposiciones de grandes maestros como Robert Frank y Mario Giacomelli, o de figuras relevantes de la fotografía argentina como Liborio Justo”, afirma Juan Travnik, director de la fotogalería del Teatro San Martín. “Y, al mismo tiempo, en diferentes lugares se están exhibiendo también obras de muchísimos creadores jóvenes y experimentales. Eso habla de la riqueza del panorama actual del arte fotográfico en la ciudad”. La expansión del mapa de espacios dedicados específicamente a la fotografía es, a la vez, causa y efecto del dulce momento que está atravesando la producción fotográfica en nuestro país. En paralelo a la labor de los artistas ha aparecido un mercado y coleccionistas dispuestos a apoyar su actividad, y se han fortalecido eventos como el Festival de la Luz o el inminente Buenos Aires Photo (en noviembre). “Hay una mayor producción, más variada e interesante, y también más canales para mostrarla”, apunta Juan Travnik. “La fotografía argentina ha dado un gran paso al frente en los últimos diez años y esto es algo que se evidencia no solamente en el circuito local, sino en el reconocimiento de parte de instituciones, ferias y coleccionistas internacionales. En este marco, es muy importante que las nuevas camadas de creadores argentinos tengan la oportunidad de mostrar lo que están produciendo. Y ésa es, de alguna forma, nuestra responsabilidad”, concluye. Además de los espacios que ofrecen una programación permanente a lo largo del año (ver mapa), otros sitios aportan de forma regular a la difusión del arte fotográfico en la Ciudad. Entre ellos se cuentan el Centro Cultural Recoleta, los museos Isaac Fernández Blanco, de Arte Decorativo y Malba, instituciones culturales como la Alianza Francesa y el Instituto Goethe, y galerías de arte como Ruth Benzacar, Palatina y Appetite, entre otras. No related posts. 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Estas clases magistrales, que se celebrarán del 3 al 7 de octubre en el palacio 8 del recinto de Montjuïc de Fira de Barcelona, acercarán al público del salón las nuevas técnicas de trabajo de los profesionales de la fotografía. Las sesiones del Plató fotográfico se dirigen tanto a profesionales como a aficionados que quieran experimentar otras maneras de entender la práctica fotográfica, aplicar las recomendaciones que reciban o conocer diferentes formas de trabajo. En el Plató colaboran la Federación Española de Profesionales de la Fotografía y la Imagen (FEPFI), la Asociación de Fotógrafos Profesionales de España (AFP), la Escuela de Fotografía EFTI y varias empresas expositoras que se encargan de equipar técnicamente este espacio formativo. Se espera superar los 3.500 asistentes de la pasada edición. El Plató de Sonimagfoto permitirá comprobar cómo las técnicas digitales se han incorporado a las rutinas productivas de los profesionales de la fotografía en la captación, el tratamiento y en la venta de las imágenes. Asimismo, en cada una de las demostraciones se tratarán cuestiones como la iluminación o la escenografía aplicada a la realización de instantáneas para publicidad, moda o producto, se darán consejos y trucos para conseguir buenos retratos y escenas, y se imprimirán los trabajos a medida que se vayan realizando. Se promocionarán nuevas áreas como la fotografía de viajes, la fotografía submarina o el fotoperiodismo. Entre los fotógrafos de toda España encargados de dirigir las sesiones del Plató ya han confirmado su participación: José Luis Risquez, que mostrará cómo combinar la fotografía y el vídeo; Belén Caballero Sanchís, que explicará la evolución del reportaje social y las nuevas posibilidades del trabajo en estudio; Dani Boronat que transmitirá su experiencia en una sesión dedicada a la fotografía de moda; Uxío Dávila que presentará su trayectoria en imagen publicitaria; Luis Malibrán que expondrá cómo aplicar la técnica de la fotografía publicitaria a otras disciplinas; Jesús Vilamajó que hablará del reportaje social en blanco y negro; Roberto Jiménez y Javier Roda que se centrarán en el reportaje social con niños; Jordi Morgadas, que dedicará su sesión a la fotografía de desnudo; Carles Ginés y Joaquin Calduch que introducirán la fotografía de viajes y Pascual Fernández Gómez que aportará su visión sobre la fotografía submarina No related posts. 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Català-Roca, el fotógrafo del instante La Pedrera despliega la fascinante mirada del maestro catalán sobre... “Ser fotógrafo es una responabilidad: somos los ojos del mundo” Durante dos décadas, el fotógrafo mexicano Patricio Robles Gil ha... Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.]]> BUENOS AIRES – Septiembre 20, 2007 La Corte Suprema de la provincia de Buenos Aires revocó la sentencia de un tribunal inferior y ordenó que vuelvan a prisión seis de los acusados por el homicidio del reportero gráfico José Luis Cabeza, ocurrido hace diez años. El fallo fue anunciado el miércoles en la noche. Los acusados quedaron en libertad provisional cuando la Cámara de Casación bonaerense les redujo las severas condenas que había aplicado un tribunal provincial en el año 2000. Cabezas, que trabajaba en una revista de la editorial Perfil, fue secuestrado y asesinado por un grupo armado el 25 de enero de 1997 en el balneario atlántico de Pinamar, a 300 kilómetros al sur. El empresario postal Alfredo Yabrán, muy celoso de su intimidad y acusado de actividades mafiosas, fue acusado de haber instigado el crimen, en represalia por las fotografías que Cabezas le tomó en una playa de Miramar. Yabrán se suicidó en mayo de 1998 cuando la policía llegaba a uno de sus establecimientos de campo para detenerlo. Tras una trabajosa investigación, la justicia determinó que quien organizó el secuestro y asesinato de Cabezas fue Gregorio Ríos, ex jefe de seguridad de Yabrán, quien contrató los servicios de cuatro sujetos con antecedentes penales. Cuatro policías de la policía provincial de Buenos Aires estuvieron comprometidos en el homicidio, asegurando su impunidad, y uno de ellos supervisó personalmente el secuestro y asesinato del fotógrafo, cuyo cadáver fue incendiado dentro de su automóvil. La justicia provincial condenó a reclusión perpetua a ocho acusados, pero la cámara de casación, en 2003, rebajó la condena de seis de ellos, que quedaron en libertad provisional. El fallo de la Suprema Corte provincial podría ser recurrido ante la Corte Suprema de Justicia de la Nación, según los defensores de los acusados. Related posts: El México del fotógrafo Juan Rulfo La Fnac expone 25 imágenes que resumen la intensa actividad... Català-Roca, el fotógrafo del instante La Pedrera despliega la fascinante mirada del maestro catalán sobre... “Ser fotógrafo es una responabilidad: somos los ojos del mundo” Durante dos décadas, el fotógrafo mexicano Patricio Robles Gil ha... 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Yo habia escuchado esa expresion de que “eres un lobo con piel de cordero”, para hacer referencia a alguien que parece muy bueno y en realidad es todo lo contrario. Pero este caso riza el rizo… seria un chancho con pelo de oveja… insolito. El cerdo, que según los especialistas, es “un capricho de la naturaleza”, es propiedad de una familia de apellido Olivetti, que lo recibió de regalo hace un año, en esa localidad ubicada a 300 kilómetros al sur de la capital provincial. Los Olivetti poseen una estancia ubicada a 15 kilómetros de Esquina, en una sección llamada paraje El Carmen. El jefe de Bromatología de la Municipalidad de Esquina, Héctor Rebechisi, consideró que se trata de “un capricho de la naturaleza” y sostuvo que “es imposible que se reproduzcan animales de distintas especies como los ovinos y porcinos”. El cerdo que llama la atención de esa comunidad posee un pelaje parecido al de una oveja, de color cobrizo y su piel es oscura. Los dueños del extraño animal señalaron que durante el verano tienen que esquilarlo porque el animal sufre mucho calor. Sorprendente, no crees? Espero que la informacion te haya resultado interesante. Fuente: minutouno.com No related posts. Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin. ]]> http://www.fotografiadominicana.com/2007/09/13/aparece-un-cerdo-con-pelo-de-oveja-en-argentina/feed/ 0 http://www.fotografiadominicana.com/2007/09/13/the-pilsner-urquell-international-photography-awards/ http://www.fotografiadominicana.com/2007/09/13/the-pilsner-urquell-international-photography-awards/#comments Thu, 13 Sep 2007 13:01:00 +0000 Juan Guzman http://defotoarte.wordpress.com/2007/09/13/the-pilsner-urquell-international-photography-awards/ Yet Another Related Posts Plugin.]]> fuente tonch Es uno de los eventos más prestigioso del mundo de la fotografía, tanto para profesionales como amateurs. ¿Su misión? Reconocer la labor de los mejores fotógrafos del planeta, descubrir nuevos talentos y promover el gusto por la fotografía. Si participas puedes convertirte en el Fotógrafo Internacional del Año y ganar un Primer Premio de 10.000 dólares. Hasta el 31 de mayo de 2007. Con reputación “Ninguna otro concurso te ofrece este nivel de exposición”, dice Chris Davis, uno de los fotógrafos que ha participado en el concurso. The Pilsner Urquell International Photography Awards acepta fotografías de siete temáticas: Publicidad, Arquitectura, Libros, Editorial, Fine Art, Naturaleza, Gente y Categorías Especiales. Con algunas reglas Cada fotografía deberá ir acompañada de una forma de registro que incluya su nombre, información de cómo localizarlo y la cuota de inscripción. Debes indicar en que nivel participará cada uno: Profesional o Aficionado. Se pueden inscribir tantas fotografías como desees o una de sola en todas las categorías que consideres convenientes. Con buenos premios Cualquier persona que presente una imagen fascinante tendrá la oportunidad de ganar varios de los premios IPA, incluyendo el premio principal de 10.000 dólares. Se entregarán certificados de excelencia en 54 categorías a los dos grupos: profesionales y aficionados que competirán en grupos separados. Posteriormente, los ganadores profesionales y aficionados concursarán dentro de sus respectivos niveles por los premios mayores en siete divisiones principales: Fotoperiodista del Año Fotógrafo Publicista del Año Fotógrafo de Naturaleza del Año Fotógrafo de Arquitectura del Año Fotógrafo de Personas del Año Especialista del Año Fotógrafo de Bellas Artes del Año Con buena difusión Las obras ganadoras saldrán publicadas en el Libro Anual de los Internacional Photography Awards. También serán distribuidas a través de la comunidad profesional internacional y exhibidas en las galerías mas prestigiosas de Los Angeles y Nueva York. Para participar y obtener más información: Photo Awards No related posts. Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin. ]]> http://www.fotografiadominicana.com/2007/09/13/the-pilsner-urquell-international-photography-awards/feed/ 0