Parque de Baní, finales del siglo XIX. Foto de Frank Adrover
El primer fotógrafo español que estuvo en Santo Domingo en el siglo XIX, fue Frank Adrover Mercadall (1861-1924) pintor y modelador, natural del municipio de Villa Carlos, Menorca, Isla Balear, quien vino al país en agosto de 1887, trayendo consigo el adelanto de las placas secas, la técnica del clisé, de las fotos iluminadas y coloreadas con acuarela, quien tuvo estudio artístico en Mahón en la calle Deyá 4, casi esquina General Mola.

Frank Adrover Mercadall vino a Santo Domingo luego de estar una temporada como fotógrafo itinerante en Colombia, Venezuela y Puerto Rico. Recorrió las regiones del Sur, el Cibao y el Este del país. Es autor de la famosa foto de Lilís, muerto de cuerpo entero, de la cual refiere su hija Belkiss Adrover: “Hizo (…) una postal comercial, ilustrada además con las monedas y papel moneda (billetes), acuñados por el Gobierno de Heureaux, acompañada de una literatura explicativa, la cual tuvo una gran acogida, y sin proponérselo, Adrover contribuyó, en el correr de los años, a dar término a una controversia entre historiadores, demostrando que “Lilis” no recibió ningún balazo por la boca. Sus labios gruesos se hallaban absolutamente indemnes y su rostro normal”.

Adrover recorrió “Baní, San José de Ocoa, San Juan de la Maguana, la Vega, San Francisco de Macorís, Puerto Plata y San Pedro de Macorís”.

El registro visual y legado documental de Frank Adrover Mercadel (el Archivo Adrover) comprende fotos coloreadas sobre cartulina, fotos sobre cristal coloreadas al óleo, impresas sobre metal (daguerrotipos), fotos iluminadas a la acuarelas… sin dudas fue el precursor de la fotografía moderna en la República Dominicana, en una época en la cual el fotógrafo tenía que realizarlo todo: la fotoquímica, la mecánica, el revelado, el copiado, etc., jugar con la luz natural, los baños y la sensibilidad del papel fotográfico. Su legado tuvo un destino adverso, ya que el ciclón San Zenón destruyó los baúles que su esposa Edelmira Feliz y Objío guardaba.

Adrover tuvo en Santo Domingo dos Estudio-Galería: en San Carlos, y en Santa Bárbara. Cultivó amistad con Abelardo Rodríguez Urdaneta “a quien enseñó muchos de los principios, entonces modernos, del arte fotográfico traídos por Adrover de Europa; como el uso del color y la luz artificial”. Cultivó una estrecha amistad con el publicista, editor e ilustrador don Bienvenido Gimbernad y el historiador colonialista don Américo Lugo

Abelardo había trabajado en el taller fotográfico de Julio Pou (1862-1940), el fotógrafo oficial de Ulises Hereaux – Lilís-. Para el año de 1913 ejecutó el busto de Duarte. La escultura Uno de tantos la inició en 1903, a la edad de 36 años. Adrover Mercadel, que era un fotógrafo itinerante, vivía ya en la ciudad de Santo Domingo, en la calle Arzobispo Meriño cerca de Santa Bárbara, asesoró a Rodríguez Urdaneta, cuyo estudio se encontraba en la calle Consistorial, en el vaciado de yeso de esta obra.

El 2 de mayo de 1891 en el periódico El Porvenir de Puerto Plata apareció publicada la siguiente nota: “FOTOGRAFO ADROVER. Su permanencia en esta ciudad será de 15 días. Los aficionados y público en general, aprovechen esta ocasión. Los trabajos de su taller son esmerados y de tono parecido y correcto, así lo atestigua clientela que la ha honrado. Horas de trabajo: De 7 a 12. Calle Beller, es. Colón. Puerto Plata, 2 de mayo 1891”.

Posteriormente, en al año de 1887 apareció este suelto: “Adrover. Fotógrafo español y excursionista en todos los puntos de la República. Posee todos los adelantos del arte fotográfico, y está en capacidad de hacer trabajos como los de las principales capitales de Europa y Norteamérica. Además ofrece bustos de barro, pinturas y fotografías al gusto de los más inteligentes. Ejecuta trabajos al crayón, paisajes al óleo, y en fotografías interiores y exteriores de haciendas, y sobre todo: especialidad en retratos instantáneos para niños, así como cuanto sea posible en los campos de la fotografía, pintura, escultura, etc.

“Gran novedad en trabajos fotográficos hechos por la noche con luz artificial, como retratos, interiores y exteriores de monumentos. Y Adrover trabaja en Galería o a domicilio, según precios convencionales”.

Banahí Adrover y hermano Frank Adrover, autorretrato

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En el Centro Cultural de España Exposición de fotografías de Max Pou

SANTO DOMINGO.- El Centro Cultural de España presentará este próximo jueves 17 de abril a las 7:30 de la noche la muestra “Las Ciudades de Don Max”, del desaparecido maestro de la fotografía dominicana Máximo Rodríguez Pou, más conocido como Max Pou.

La exposición curada por Carlos Acero y Paula Gómez cuenta con el apoyo de la Fundación Imagen 83 y estará abierta al público hasta el 11 de mayo.

Max Pou se dedicó principalmente a la fotografía social, siendo testigo de importantes acontecimientos de la vida nacional. Inició su carrera en el año 1949, a la edad de 24 años, exponiendo por primera vez en 1950 en el Instituto Cultural Dominico-Americano.

Durante el periodo comprendido entre los años 1949 y 1962 se desarrolló como fotógrafo profesional especializado en retrato, paisaje y urbanismo.

Incursionó por primera vez en el cine en 1959 con el documental “El Puente para elYaque” al que siguieron “Vía Libre” en 1962, “El esfuerzo de un pueblo” en 1968, “Carnaval dominicano” en 1969, y “Santo Domingo: Cuna de América” en el año 1970.

Su carrera como documentalista concluyó en 1982 con el rodaje de “Patrimonio Cultural de la República Dominicana”, dedicado a la labor de preservación y rescate de la arquitectura colonial de la zona histórica de Santo Domingo.

En 1973 dirigió el mediometraje “Luisa” que sería utilizado posteriormente en la campaña de planificación familiar a nivel nacional en ese mismo año, logrando exhibirse en el Festival de Bilbao de 1975.

En el año 2002 recibió el Premio Internacional Lumière de la Unión Nacional de Productores y Autores de Cine de Italia. Máximo Rodríguez Pou falleció a los 81 años de edad dejando un legado imborrable que sin duda le sitúa como uno de los más importantes fotógrafos de la historia dominicana.

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LAS BITÁCORAS DIERON SEGUIMIENTO AL FENÓMENO La Internet se convirtió en un medio efectivo para que muchas pesonas informaran sobre efctos de Noel. Santo Domingo.- La mañana del 29 de octubre el país era azotado, casi de sorpresa, por una tormenta tropical que se formó de improviso frente a las costas dominicanas. La tormenta Noel, precedida de una vaguada que inundó el país durante los tres días anteriores, ha causado una gran cantidad de pérdidas de vidas e incontables daños al territorio nacional. La Internet, como conglomerado formado por seres humanos y mecanismo viviente que se nutre del llamado “User Generated Content” (inglés para contenido generado por el usuario) no ha quedado ajena al paso del fenómeno. En este aspecto hay que señalar principalmente el seguimiento ñminuto a minuto- que estuvieron dándole varios blogs, tanto de dominicanos en el país como en el extranjero, a las primeras horas de la tragedia. Puede observarse el caso del blog de la Fundación Taiguey, en http://taiguey.org/2007/10/30/reporte-noel/. Transmitiendo informaciones desde la zona de La Ciénaga, Barahona, el portal informó en fecha 30 de octubre sobre cómo iba sintiéndose el meteoro en el área. “Algunas casas perdieron zinc del techo, el mar subió un poco en la zona de la playa, sobre todo en Bahoruco playa. En las lomas la brisa tumbó muchas matas, y los granitos de café que quedaban por cosechar”. Lo mismo concierne a “Carlitos el Blogger”, en la dirección villajuaneroausente.blogspot.com. El lunes 29, este navegante, residente en Italia, lleva a cabo un resumen de cómo se está reaccionando en el país a la llegada de Noel y los distintos reportes que va escuchando a través de la radio. Al mismo tiempo, suministra la información de los vuelos que fueron cancelados por Aeronáutica, y resúmenes de los secretarios de Agricultura, Meteorología y algunos gobernadores provinciales, junto con fotografías. Vale la pena también valorar el trabajo que realizó el “metroblog” Duarte101.com, un proyecto de comunicación alternativa comunitario que es mantenido por varios bloggers. En este caso, a través del “post” titulado “En Directo: tormenta Noel”, el staff del portal inició su cobertura desde las 8:50 de la mañana, reportando las zonas donde ya no se puede transitar, las informaciones escuchadas a través de las transmisiones radiales y las propias declaraciones de los usuarios de la página a través de los comentarios. Vale aquí resaltar el reporte de las 9:19 de la mañana: “Como siempre, la prensa escrita con sus portales web, desactualizada. Con noticias de anoche”. Remolacha.net, el blog dominicano más visitado, ha tenido una preponderancia primordial en el seguimiento por Internet a Noel y también en la respuesta solidaria de los dominicanos hacia quienes más necesitan de ayuda inmediata. A través de resúmenes rápidos sobre la situación que se vivía en el país durante el paso de la tormenta, comentarios respecto a la reacción de las autoridades y los reportes de los “remolacheros” (término como se le llama a los colaboradores del portal), los usuarios de Internet pudieron también enterarse sobre esta tormenta tropical. Del mismo modo, a través de Internet se han seguido coordinando operativos de asistencia a los damnificados de Noel. Uno de estos casos puede verse a través del portal Remolacha.net, que ha coordinado con otros dos “bloggers”, José Amado Peguero, de ensegundos.net, y Joan Guerrero ñde joanguerrero.net-, quienes canalizan las donaciones de los usuarios. Otras Noticias Otro Ojo http://otrojofotoperiosismo.blogspot.com/2007/10/tormenta-noel-san-cristobal-nizao-bani.html “Más tarde ya en Nizao, encontramos con que los habitantes del barrio Lucas Díaz eran ayudado por los bomberos de Nizao a sacar sus pertenencias de sus hogares inundados, para evitar que fueran arrastrados por la fuerte corriente de las aguas del revivido río Nizao”. Dominicanos en el Mundo http://lcorcino.blogspot.com/2007/10/noel-sorpresa-destruccion-y-muerte-en.html Noel tormenta, fue declarada tormenta tropical, pasando al sur de la República Dominicana, el domingo a las 2:00 PM, pero hacía dos días que, como depresión tropical sin nombre, estaba generando lluvias en todo el territorio nacional con el vasto campo nuboso que le acompaña. Lo que hay / Ahí e que prende http://ahiequeprende.com/2007/11/03/nov-03-04/ El principio de este mes nos sorprendió con la llegada de la tormenta Noel, desplazando todas las actividades que estaban programadas para este fin de semana como señal de solidaridad. Así que en este Lo Que Hay te presentaremos una guía completa de dónde y cómo ayudar a aquellos que ahora necesitan tu ayuda. Fotos del paso de Noel http://www.huaymimama.net/2007/10/desastre-mas-fotos-del-paso-de-la.html Bajo Yuna por Macorisanos.com http://macorisanoshoy.blogspot.com/2007/11/tormenta-noel-el-bajo-yuna-vive.html

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(Lapaz.bo)
Del 21 de septiembre al 12 de octubre, La Paz vivirá uno de los acontecimientos culturales más importantes del año: el Fotoencuentro 2007 que concentrará el trabajo más de un centenar de fotógrafos y más de dos mil imágenes fijas que ocuparán los principales espacios culturales de la ciudad.Acción Cultural, dirigida por Sandra Boulanger, ultima detalles para las 19 exposiciones internacionales y 38 nacionales que reunirá centenares de fotografías. El acontecimiento, único en su género, ocupará 23 Museos, Centros Culturales, Galerías y otros espacios donde se respira arte.“Acción Cultural espera que este festival se convierta en una experiencia activa que promueva la reflexión de sus creadores y de aquellos que quieran disfrutar de las imágenes fotográficas. Apuesta también a que cada espacio de exposición pueda transportarnos por unos instantes al mundo mágico que existe en el alma y en la mirada de todos los participantes, tanto de Bolivia como de los 17 países representados en esta edición. Fotoencuentro: un festival que es de todos y para cada uno… “, señaló Boulanger.Esta fiesta de la fotografía permitirá al público acceder a una excelente labor de curaduría, una esmerada labor que posibilita la identificación de tendencias que surgen de la práctica permanente y creciente de este lenguaje. Con el avance de la tecnología, el número de profesionales aumenta en todo el mundo.Fotoencuentro 2007 llega a La Paz producto del apoyo de instituciones como la Embajada del Reino de los Países Bajos, la Oficialía Mayor de Culturas, el Viceministerio de Desarrollo de Culturas, el Consulado de Chile en Bolivia, las embajadas de Italia y Perú, Fundación Simón Patiño, Goethe Institut, el Consulado de Serbia, además de una larga lista de empresas privadas, patrocinan este acontecimiento internacional y apoyan la valiosa iniciativa de Sandra Boulanger.Espacios, fechas y artistasMuseo Nacional de Arte – 20 de septiembre al 12 de octubre)• “Cuerpos pintados” de Roberto Edwards (Chile). • “Cusco: ciudad intemporal” de Martín Chambi (Perú). MUSEF – 21 de septiembre al 10 de octubre• “Bolivia mas allá del tiempo”. Muestra colectiva. • “Trabajadores” de Vassil Anastasov (Bolivia). • “Titikaka, el Lago Sagrado” de Meter McFarren. Cine 6 de Agosto – 24 de septiembre al 12 de octubre• “Almito” de Raquel Schwartz21 de septiembre al 12 de octubreMuseo Costumbrista • “Gente como uno”. Muestra Colectiva. Museo Tambo Quirquincho• “Lugares” de Cecilia Lampo (Bolivia). • “Territorios” de Erika Ewel (Bolivia). • “Sombras del sur y del norte” de Graciela Sacco (Argentina) • “Aseo y Ornato” de Alexandra Edwards y Carolina Delpiano (Chile). • “El bosque de los sueños” de Cristina Alemparte (Chile). • “Qajar – Como cada día” de Shadi Gadhirian (Irán). • “Aire y agua” de Els Botman (Holanda). • “Snowbound” de Lisa Robinson (EEUU). • “In punta di pied” de Serena Gallina (Italia). • “Espacio de afectos” de Milla Jung (Brasil). • “Postcards” de Ana Adamovic (Serbia). • “New Cork Hotel” de Natalie Daoust (Canadá). • “Obra reciente- Proyección” de Cecilia Paredes (Perú). • “En el jardín” de Heidi Specker (Alemania). • “Futuro imperfecto” de Sara Roitman (Ecuador). Casa de la Cultura• “Exploraciones”. Muestra colectiva• “Centinela- Reflejos-Soledades” de Daniel Contreras• “Albanian retrospetiv” de Elidon Veshaj (Albania)Espacio Simón I. Patiño• “Museo Ken Damy”. Muestra colectivaAlianza Francesa• “Contrapunto”. Muestra colectiva• Trabajos recientes de Roberto ValcarcelPalacio Chico• “25 años de democracia”. Muestra colectiva de la Corte Nacional Electoral• “Evo” de José Luís QuintanaCírculo de la Unión• “Contornos” de Pedro QuerejazuGalería Nota• “Neofoscz”. Muestra colectiva• “Entre lo sensual y lo erótico”. Muestra colectivaFundación esArt• “Opera rouge” de Alejandra DelgadoGalería El SalarFotografías de Tony SuarezGalería Travesía• “Muchos etcéteras” de Vania de Lucca• “Cuatro momentos una mujer” de Yayo TavolaraConservatorio Nacional de Música• “Psicomasck y fotbreak” de Rodrigo Bruzoni“Museo Núñez de Arco”• Archivos de la Guerra del Chaco de Javier Núñez de Arco• “Guerreros” de Patricio Crooker”Cinemateca Nacional• “Linterna mágica” de Eduardo Quintanilla• “Luz y color” de Juan Pablo Urioste• Fotografía de Sol MateoArtespacio CAF• “Maquech” de Joaquín SánchezMuseo Casa de Murillo• “Márgenes”. Muestra colectivaCafé Alexander • “Cafeloquio” de David LanzaGalería de la USFA• “La ciudad perdida” de Marcelo Pérez del CarpioJardín del Edificio Azul• Cuellar en azul “Moda en papel”La Ceja• “La ceja de la ciudad” de Evan Abramson

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(Bolivia.com)

Con una larga lista de 91 fotógrafos bolivianos y 57 extranjeros, que participarán con exposiciones, foros y presentaciones, abrirá la versión del festival “Fotoencuentro 2007”, a llevarse a cabo en diferentes centros culturales de la ciudad de La Paz.

Algunos de los nombres son: Roberto Edwards de Chile, Martín Chambi de Perú, Milla Jung de Brasil, Lisa Robinson de Estados Unidos, Graciela Sacco de Argentina; los bolivianos Tony Suárez, Vassil Anastasov, Erika Ewel y Fernando Cuéllar; son parte del selecto grupo de fotógrafos de todo el mundo que presentarán sus obras más importantes y nuevas propuestas en el segundo Festival de Fotografía FotoEncuentro 2007.

La bandera de partida se bajará este viernes 21 de septiembre, en el Museo Tambo Quirquincho a las 19:00 y el festival se prolongará hasta el 12 de octubre con la presentación de los trabajos en diversos espacios culturales como el Cine 6 de Agosto, el Museo Costumbrista, el Museo Tambo Quirquincho, la Casa de la Cultura, el Círculo de la Unión, la Alianza Francesa, el Palacio Chico, el Goethe Institut, el Conservatorio Nacional de Música, al Fundación esArt, las Galerías Nota, El Salar, Travesía, el Museo Nacional de Arte y el Museo San Francisco, entre otros.

Acción Cultural es la entidad organizadora del encuentro en el que, además se puede apreciar las obras fotográficas del “World Press Photo 2006”, hasta el 31 de septiembre en los salones del museo de la Iglesia de San Francisco.

La esmerada curaduría del festival permitirá al público explorar las tendencias emergentes de este medio de expresión que cada día tiene mayor seguimiento en Bolivia y el mundo.

Es por eso que hoy la fotografía es considerada como el lenguaje de creación contemporánea por excelencia. Instituciones como la Embajada del Reino de los Países Bajos, la Oficialía Mayor de Culturas, el Viceministerio de Desarrollo de Culturas, el Consulado de Chile en Bolivia, las embajadas de Italia y Perú, Fundación Simón Patiño, Goethe Institut, el Consulado de Serbia, además de una larga lista de empresas privadas, patrocinan este acontecimiento internacional y apoyan la valiosa iniciativa de Sandra Boulanger, directora de FotoEncuentro 2007.

Según la organizadora del festival, Sandra Boulanger, el Fotoencuentro es un festival que es de todos y para cada uno.

FOTÓGRAFOS PARTICIPANTES

Internacionales		Bolivianos
Adriane Vásquez (Brasil)	1	Adriana Mercado
Alexandra Edwards (Chile)	2	Alejandra Delgado
Ana Adamovic (Serbia)	3	Alessandro Prado
Antônio Wolf (Brasil)	4	Amanecer Tedesqui
Anuschka Reichmann Lemos (Brasil)	5	Andres Mallo
Carlos Carvalho (Brasil)	6	Andres Pereira
Carolina Delpiano (Chile)	7	Andres Unterlaesttater
Cecilia Paredes (Perú)	8	Antonio Suárez
Clovis Dariano (Brasil)	9	Anuar Elia Pérez
Cristina Alemparte (Chile)	10	Willy Kenning
Denise Helfenstein (Brasil)	11	Caroline Rapp
Eduardo Seidl (Brasil)	12	Cecilia Lampo
Eduardo Serafim (Brasil)	13	Chantal Fischzang
Elidon Veshaj (Albania)	14	Clemente Acero
Els Botman( Holanda)	15	Christian Lombardi
Eneida Serrano (Brasil)	16	Daniel Contreras
Eric Garault (Francia)	17	Danilo Barragan
Evan Abramson (Estados Unidos)	18	David Lanza
Federico Vender (Italia)	19	Dayana Garnica
Felipe Prando (Brasil)	20	Desiree Nostas
Ferdinando Scianna (Italia)	21	Diego Collazos
Fernanda Chemale (Brasil)	22	Diego Gullco
Fundación World Press Photo (Holanda)	23	E duardo Quintanilla
Franco Fontana (Italia)	24	Emiliano Cabrera
Gabriele Basilico (Italia)	25	Enrique Alarcon
Gianni Berengo Gardin (Italia)	26	Enrique Menacho
Gonzalo Contreras (Chile)	27	Eric Bauer
Graciela Sacco (Argentina)	28	Erick Fresco
Gustavo Diehl (Brasil)	29	Erika Ewel
Heidi Specker (Alemania)	30	Fabián Soria
Iatã Cannabrava (Brasil)	31	Fernando Cartagena
Joaquin Sanchez (Paraguay)	32	Fernando Cuellar
Ken Damy (Italia)	33	Freddy Alborta
Lisa Robinson (EEUU)	34	Gabriela Benitez
Luiz Abreu (Brasil)	35	Galo Coca
Luiz Carlos Felizardo (Brasil)	36	Gastón Ugalde
Luiz Eduardo Achutti (Brasil)	37	Herbert Müller
Manuel da Costa (Brasil)	38	Ignacio Cossio
Marcio Lima (Brasil)	39	Javier Badani
Maria Inês Cavichiolli (Brasil)	40	Javier Mamani
Mario de Biasi (Italia)	41	Javier Nuñez de Arco
Mario Giacomelli (Italia)	42	Javier Palza
Martín Chambi (Perú)	43	Joana Fukucki
Maycom Amoroso (Brasil)	44	Jorge Arias
Milla Jung (Brasil)	45	Jorge Bernal
Nathalie Daoust (Canadá)	46	Jorge Kuljis
Nino Migliori (Italia)	47	Jorge Landaeta
Paolo Monti (Italia)	48	Josè Luís Quintana
Roberto Edwards (Chile)	49	Juan Pablo Urioste
Sara Roitman (Ecuador)	50	Julio Cordero
Serena Gallini (Italia)	51	Lucio Flores
Shadi Gadhirian (Irán)	52	Luigi Domenico Gismondi
Susana Sá (Brasil)	53	Luis Dorn
Tadeu Vilani (Brasil)	54	Marcela Polischer
Thiago Barros (Brasil)	55	Marcela Rivera
Thiago Coelho (España)	56	Marcelo Pérez del Carpio
Tomas Ahlberg	57	Marcia Lozano
	58	Marco Antonio Castro
	59	Maria Alejandra Perez
	60	Maria Elena Busso
	61	Mariela Gainsborg
	62	Natalia Gonzalez
	63	Paola Andrea Herrera Dips
	64	Paola Lambertín
	65 d>	Patricio Crooker
	66	Pedro Laguna
	67	Pedro Querejazu Leyton
	68	Pere Comas
	69	Peter McFarren
	70	Raquel Schwartz
	71	Rene Gon
	72	Robert Brockmann
	73	Roberto Unterlaesttater
	74	Roberto Valcarcel
	75	Rodrigo Bruzoni
	76	Sandra Boulanger
	77	Sebastián Ormachea
	78	Sergio Cardona
	79	Sixto Choque
	80	Sol Mateo
	81	Susi Jimenez
	82	Valentina Bacherer
	83	Vania de Lucca
	84	Vania Gonzalvez
	85	Vassil Anastasov
	86	Víctor Hugo Ordoñez
	87	Vivianne Salinas
	88	Wara Vargas
	89	Wolfgang Leander
	90	Ximena Vásquez
	91	Yayo Tavolara

Encuentre mayor información en: www.FotoEncuentro2007.com

Correspondencia, sugerencias e informaciones a:
prensabolivia@interlatin.com
Tel-fax: (591-2) 242 7158

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Breve introducción a la Teoría del Color.

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Maurice Béjart reinterpreta sus creacines con el diseñador calabrés en una brillante gala celebrada en la Scala de Milán. Modistas, modelos, artistas, su familia y sus amigos le recuerdan a los 10 años de su trágica muerte

La idea era arriesgada y no había casi tiempo para realizarla. Debía coincidir con exactitud con el 10º aniversario del asesinato del diseñador italiano. Ayer, el teatro alla Scala de Milán vibró de recuerdos y fue la casa natural de un gran hombre de la moda que también fue un gran hombre del teatro. Diseñadores, bailarines, actores, cineastas y amigos se engalanaron como a Gianni le hubiera gustado: las mejores ropas para recordar a través de la danza lo que quizás no muere de un diseñador: su estilo, su trazo personal, lo que puede ser identificado aún años después como manifestación de genio y de belleza.

La Scala, en la segunda temporada de reapertura tras su polémica reestructuración, estuvo a la altura. El espectáculo se dividió en dos partes: la primera, diseñada enteramente por Donatella, y la segunda, compuesta por fragmentos de las colaboraciones entre Béjart y Gianni. Los bailarines principales de la velada fueron Gil Roman y Julien Favreau, acompañados por los españoles Víctor Giménez y Rut Miró y por la cubana Catherine Zuaznábar. Presidió la gala Allegra, la sobrina del diseñador, arropada por las modelos Naomi Campbell, Claudia Shiffer, Valeria Mazza y la histórica Maria Carla. No faltaron modistas internacionales como Karl Lagerfeld; tres de las grandes familias de la moda: Missoni, Fendi, Ferragamo y Zegna, además de dos diseñadores que antaño trabajaron con Versace: Alessandro Belaqua y Sergio Rossi. También acudieron el editor Franco Maria Ricci, el cineasta Claude Lelouch, el artista Arnaldo Pomodoro, el cantante Quincy Jones y el actor británico Rupert Everett. Tras la gala, la cita era en el palazzo Reale, en una cena que mantenía ese mismo aire de danza mozartiana y espumante.

En vez de recurrir al pasado, parientes del clan Versace (que se mantienen como una piña al frente de la casa a pesar de los rumores de disputas de poder), colaboradores de los laboratorios de diseño, artistas, amigos, todos impelidos por la creatividad inagotable de Béjart, que ya cumplió sus 80 años, capitaneados por Donatella Versace y por el propio espíritu del coreógrafo marsellés desde su silla de ruedas, se lanzaron a crear una obra nueva donde están presentes el recuerdo latente de amistades muy fructíferas en lo artístico y la memoria de una tragedia. Es inevitable que sea así. Por eso el ballet se llama Gracias, Gianni y por eso cita dentro, fragmentariamente, los hechos y las sombras.

La idea de hacerlo en el teatro alla Scala cuadraba en justicia con varios aspectos: Gianni había colaborado con este teatro para varias óperas y ballets, Milán es la capital indiscutible de la moda y del diseño y allí tenía asentado los cuarteles generales de su firma y sellos, sus tiendas emblemáticas, su estudio. La última gran apuesta de expansión (que no pudo llegar a ver concluida e ideada por sus estrechos colaboradores, los arquitectos Rocco y Lorenzo, en gran parte responsables de la estética ambiental versacesca que no evita el juego verbal con versallesco), había sido la gran tienda al principio de la Via Montenapoleone con su mosaico a la manera romana y su gran escalera de pasamanos dorados a la usanza pompeyana.

La personalidad de Gianni Versace, reconocible en una multiplicidad de objetos, desde un almohadón hasta una vajilla, se distingue sobre todo por su gusto, su apasionada y constante revisión del arte y los estilos, su gravedad contrastada en el uso del color, el negro o el oro acentuando una voluntad a veces tildada de ostentosa. A Gianni le preocupaba mucho lo que se dijera de su trabajo, no era indiferente a las críticas y las sufría cuando, como sucedió más de una vez, no era aceptada su insistencia en el “barocco-barocco”, lo que Stephen Callaway llama “la cultura del exceso en el siglo XX” y de la que Versace es, probablemente, su cumbre más popularizada. Así, no cejaba ni se detenía en un estilo específico, de ahí que se le tildara a veces de excesivo, a veces de rancio. Podía estar entusiasmado con el neoclásico pero a la vez tocar con acierto las citas del pop americano. Era una verdadera máquina de imaginar sensualidad y conjugar elementos aparentemente dispares. Una prestigiosa crítica norteamericana dijo de él una vez que, si volvieran los tiempos de Tiberio, Versace sería el diseñador oficial del Imperio; se trataba de una más que audaz conjunción de elementos para representar el poder de lo lujoso desde sus vetas más evidentes. La evolución de su talento se produjo rápidamente hacia una cristalización estilística que marcó tiempo y formas y que enseguida fue imitada a mansalva, lo que le ponía furioso y le parecía injusto.

Pensemos que Gianni Versace abre su primera tienda en 1978 y que ese mismo año presenta su primera colección masculina, donde insiste en la sastrería toscana de tradición, a la que toca de cierto aire teatral. Diez años después, domina el mundo. Se convierte en el preferido de estrellas de cine y de figuras mediáticas, desde Elton John a Lady Di, de Madonna a Carolina de Mónaco. Procedía de una familia donde se sabía lo que era la aguja y el dedal: su madre era modista y se cuenta que, al llegar a Milán, lo primero que hizo, como buen calabrés, fue pedir los precios de los demás estilistas para crea
r concurrencia “a la manera de Reggio Calabria”, aumentándolos. Lo cierto es que su sello plástico-comercial, asociado después al logotipo feliz de la medusa y de las sempiternas grecas, se expandió con un éxito voraz a los complementos, el perfume, la cosmética y la costura. Todo ese éxito que significaba mucho dinero, fama degustada y dominio del mercado, probablemente permitió a Versace dedicarse a las cosas que más le gustaban: coleccionar antigüedades, obras suntuarias, pinturas y vestir el teatro desde dentro, como protagonista, desde la ópera y el ballet hasta el cine (inolvidable su colaboración con Lina Wertmüller, Una noche de luna llena, presentada en el festival de Venecia). En su retrospectiva de 1989 en Milán, El traje para pensar, quedaba claro que había muchos Versace en un gran Versace y cuáles eran sus verdaderos intereses estéticos, lo que se ratifica en la manifestación organizada en el Metropolitan Opera House de Nueva York en 1995, apenas dos años antes de su muerte. Entonces ya tocaba el cielo.

El coreógrafo francés Maurice Béjart y Gianni Versace habían creado ya juntos un gran y emotivo espectáculo de danza: Ballet for life. Los trajes de Versace cubrían un amplio abanico de formas dentro de los márgenes de su estilo ampuloso y de lujo extremo. La obra estaba redactada en memoria del bailarín argentino Jorge Donn y del cantante británico Freddie Mercury, ambos muertos de sida; Donn fue pareja sentimental de Béjart muchos años y su musa para muchas obras importantes; todos eran muy buenos amigos, se admiraban, exhibían su manera de elogiarse. Ballet for life usa desde canciones de Queen a música de Mozart en el típico y potente estilo ecléctico de Béjart que tan bien calzaba con los diseños de Versace, quien ya antes había diseñado un ballet espectacular para el coreógrafo norteamericano William Forsythe y que bailó la entonces estrella de la Ópera de París, Sylvie Guillem. La faldita corta plisada de raso amarillo oro con el vivo en negro era puro Versace.

Ansiedad sin límites

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México, 25 May (Notimex).- La Fototeca Nacional, ubicada en Pachuca, Hidalgo, está a su máxima capacidad y le urge tener nuevas instalaciones, afirmó la investigadora Rosa Casanova, ex directora de esa dependencia y compiladora junto a Adriana Konzevik de “Luces sobre México, catálogo selectivo de la Fototeca Nacional del INAH”.

Entrevistada luego de la presentación del libro coeditado por el Instituto Nacional de Antreopología e Historia (INAH) y Editorial RM, la especialista dijo además que el principal almacen fotografico del país necesita ampliar los servicios que ofrece, destinar mayores recursos para investigación y ampliar su catalogo de publicaciones.

“A la Fototeca Nacional -dijo- le urge tener nuevas instalaciones, y aunque todos sabemos que la cultura tiene pocas posibilidades económicas, las necesita por muchos motivos, pues ha crecido de tal manera que ya no cabe y necesita tener otra serie de servicios para tener las posibilidades de una institución moderna”.

En el momento de su inauguración ocurrido hace 30 años, fue una de las instituciones más avanzadas en su tipo, sin embargo, ahora necesita “más investigadores que puedan trabajar sobre los diferentes acervos y temas; tener más publicaciones, pero todo esto implica un proceso que es difícil en las circunstancias de la Fototeca, reconoció.

Creada en 1976, al Fototeca resguarda el acervo fotográfico más importante del país con cerca de 900 mil piezas que cubren 160 años de fotografía en México, actualmente es el centro de actividades del Sistema Nacional de Fototecas (SINAFO) y cuenta con 41 fondos provenientes de diversas adquisiciones y donaciones.

El material con el que cuenta se refiere tanto a las diferentes etapas de la técnica y el arte fotográfico y al extenso horizonte de disciplinas que tuvieron en la fotografía una herramienta básica de trabajo, como la arqueología, la antropología, la arquitectura, el urbanismo, la sociología, la economía, la ecología, la salud, la astronomía y la historia.

Este recinto, agregó Casanovaq, “necesita más espacio”, que podría implementarse en el mismo ex Convento de San Francisco donde se ubica, además de colocarse a la vanguardia en cuanto a equipo se refiere, de acuerdo con las últimas tegnologías de la fotografía.

Explicó que parte de los acervos con que cuenta la Fototeca, tienen su origen en el desaparecido Museo Nacional que integró una de las más ricas colecciones de tomas relativas al estudio arqueológico, etnográfico, histórico y monumental de México.

El recinto cuenta además con un Centro de Documentación, que reúne material documental, hemerográfico y bibliográfico de temas referentes al quehacer fotográfico. Sigue. Requiere/dos/fotográfico.

También existe en el inmueble una sala de exposiciones temporales en la que se presentan muestras fotográficas consideradas de nivel internacional, y el Museo de la Fotografía, en el que se materializa una parte fundamental de la labor que se lleva a cabo en esta institución.

En la compilación, presentada en el auditorio Fray Bernardino de Sahagún del Museo Nacional de Antropología, con los comentarios de Alfonso Morales y Antonio Saborit, se incluyen 326 imágenes que dan cuenta de cada uno de los fondos que integran el acervo de la Fototeca.

El catálogo, editado en español e inglés, contiene una variedad de fotografías a lo largo de sus casi 300 páginas que dan cuenta de la historia del país y es acompañado por un disco compacto que posee mil 200 imágenes, todas ellas provistas de un sistema de búsqueda para consultas cruzadas y de su respectiva ficha técnica, enriquecida con observaciones.

“Luces sobre México” se estructura a partir de los fondos que alberga la Fototeca, mediante su clasificación en cinco vertientes: el Casasola, como fondo fundacional; los institucionales: Culhuacán, Chapultepec, Etnico, Prehispánico, Expedición de Cempoala y Jorge R. Acosta.

Además, da cuenta de los coleccionistas: Felipe Teixidor, Guillermo Tovar de Teresa, Familia Alvarez Bravo Urbajtel, Otto Dahl y Jorge Guerra; los autorales: Cruces y Campa, C.B Waite/ W. Scott, Guillermo Kahlo, Hugo Brehme, Tina Modotti, SEMO, José Antonio Bustamante, Arnulfo Viveros, Bonifacio Maraveles, Nacho López, Consejo Mexicano de Fotografía, Carlos Jurado y Fotografía Extranjera.

Pero también integra los fondos provenientes de donaciones, adquisiciones y otros como Imágenes de Cámara, Juan Antonio Azurmendi, Observatorio de Tacubaya, Eduardo Oropeza, Vives Price, Marcos Rocha, Peter Smithers, Fotografía Estereoscópica, Estado de Hidalgo, Estados de la República , Salud Pública, Serrano/Vidal, Revista Hoy, Gustavo Díaz Ordaz e Incremento Acervo.

Con un preámbulo del historiador y crítico de arte Olivier Debroise, el catálogo da cuenta de la labor fotográfica de profesionales y aficionados; informa sobre las diversas técnicas empleadas; deja constancia de la vida misma de las piezas, muestra la dimensión internacional del acervo, y reseña las imágenes fotoperiodísticas, del ámbito cotidiano y de búsqueda artística.

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Perú es mucho más que Machu Picchu, aunque hay que reconocer que la belleza de la ciudadela incaica, el morbo de que nunca fuera descubierta por los conquistadores y su privilegiada situación en una ceja de selva sobre el valle del Urubamba son capaces de eclipsar cualquier otro reclamo turístico. Aquí van 10 ideas para disfrutar de ese otro Perú que no sale en las portadas.

1 El tren de la Puna

Ocho de la mañana en la estación de ferrocarril de Cusco. Una locomotora diésel y varios vagones ambientados con una calidad-decoración principios de siglo se preparan para iniciar el viaje. Un mozo ataviado con traje y gorra azul marino toca una campana. La locomotora lanza un pitido y se pone en marcha. En los vagones, los pasajeros se han acomodado ya en sus asientos: cómodos sillones orejeros, mesitas de velador individuales con manteles de hilo y una cuidada iluminación. Los camareros sirven el desayuno con vajilla de porcelana fina.

Acaba de empezar un nuevo viaje del Andean Explorer, uno de los trenes turísticos más lujosos de Perú, regentado por la misma compañía del Orient Express. El tren une tres veces a la semana en ambas direcciones la ciudad monumental de Cuzco con Puno, capital del lago Titicaca, en un viaje delicioso de 10 horas por los paisajes más espectaculares de la Puna, el desolado altiplano andino. Para ello ha de remontar el río Vilcanota, superar un collado de 4.319 metros de altitud y desfilar entre grandes picos de nieves perpetuas.

- El viaje cuesta 119 dólares. Más información en: www.perurail.com.

2 Una noche en Amantaní

De las 36 islas que afloran en el lago Titicaca, una de las más grandes y peculiares es Amantaní. Situada a unas dos horas y media de navegación de Puno, Amantaní es una pirámide de piedra desnuda y terraceada con los famosos andenes incaicos en la que unas 3.000 personas de origen quechua llevan aún una existencia anclada en el pasado. No hay carreteras, ni coches, ni luz eléctrica, ni mucho menos Internet. Sus habitantes decidieron por unanimidad que no se construirían hoteles ni centros turísticos en la isla. Acogen con gran hospitalidad a quienes quieran venir a visitarlos, pero les alojan por un sistema de turnos rotatorios en casas particulares de la comunidad.

Allí les dan cama y comida y la posibilidad de vivir en primera fila la realidad social de una comunidad muy poco alterada que vive pegada a la tierra y a un ritmo inimaginable para un estresado urbanita occidental. Al atardecer hay que subir hasta la cumbre de la isla, a 4.150 metros de altitud. Aquí está aún el templo que los incas dedicaron al Pachatata, la energía que fecunda la tierra y que representa la masculinidad.

- En agencias de viaje de Puno se puede comprar un paquete con transporte en barco colectivo y alojamiento en Amantaní por unos 40 dólares.

3 El valle del Colca

El río Colca nace entre volcanes en la vertiente occidental de los Andes, en el departamento de Arequipa. Durante sus primeros kilómetros excava un tajo tan gigantesco en las laderas que se le considera el segundo cañón más profundo del mundo, con un desnivel aproximado de 3.400 metros. Es una de las maravillas de la naturaleza en Perú, y también una de las más remotas. Al Colca sólo se accede por una tortuosa carretera que nace en Arequipa y, tras salvar un collado de 5.000 m
etros de altitud, desciende hasta Chivay, la capital del valle.

Los pueblos del valle presentan algunas de las más deliciosas muestras de la arquitectura religiosa colonial. Templos como el de Lary, llamado La catedral del Colca, el de Coporaque o el de Maca destacan por su sencillez constructiva y por el detallismo de su decoración interior en yeso. El tiempo y sobre todo los frecuentes terremotos que asuelan el Colca habían reducido estas iglesias a una pura ruina. Por fortuna, acaban de ser restauradas gracias a un programa de cooperación hispano-peruana financiado por la Agencia Española de Cooperación Internacional. El mejor lugar para apreciar el cañón es el mirador de la Cruz del Cóndor, un balcón natural a 3.287 metros de altitud desde donde se puede ver volar a estas fantásticas aves carroñeras.

- Hay viajes organizados desde Arequipa hasta el mirador, pernoctando en Chivay. Las llaves de la iglesia de Lary las tiene el alcalde.

4 El monasterio de Santa Catalina (Arequipa)

Existe un lugar en pleno centro de Arequipa donde el tiempo hace tiempo que se detuvo. Es la ciudadela-monasterio de Santa Catalina, fundada en 1580 como retiro para hijas de las mejores familias españolas, que por tradición debían de tomar los hábitos. Más que un cenobio al uso, Santa Catalina fue creciendo como un pequeño pueblo de calles encaladas y viviendas de diversos tamaños en las que residían cada una de las monjas. Tenían con ellas criadas, sirvientes, cocineros, organizaban fiestas y recibían visitas. Esta forma licenciosa de entender la clausura duró tres siglos, hasta que el Papa ordenó liberar a las criadas y observar con escrúpulo la vida monástica. Hoy, Santa Catalina es un pueblo del siglo XVI dentro de la moderna Arequipa, con calles pintadas de rojo y blanco e indudable sabor español. Hay claustros, capillas, corredores, ventanas enrejadas y muchos geranios y fuentes que recuerdan a una aldea de Andalucía o de Extremadura.

- Abierto a diario, de 9.00 a 16.00. Precio: seis euros.

Web: www.santacatalina.org.pe.

5 La laguna de Huacachina (Ica)

La ciudad de Ica forma una especie de oasis en el desierto costero al sur de Lima. A cuatro kilómetros de Ica está la laguna de Huacachina, un sorprendente espacio natural formado por una pequeña laguna rodeada por enormes dunas de arena. Hay un pequeño y decadente centro turístico, con servicios básicos para pasar un par de días en un paraje realmente sorprendente. Suele ir mucha gente joven a practicar sand-board, una especie de surf sobre arena.

- Para llegar hay que tomar un taxi desde Ica (unos dos euros). Se puede dormir en el hotel Mossone (0051 1 221 70 20), un clásico de la laguna, con 41 habitaciones muy sencillas;

la doble, desde unos 50 euros.

6 Lima, la viva

Alguien que quería poco a la capital peruana le colgó el sambenito de “Lima, la horrible”; tal era su grado de contaminación, sus índices de delincuencia y su aspecto gris, coronada por un cielo casi siempre nublado. Pero algo está cambiando en Lima. Se ha remozado y repintado toda la zona centro, incluidas la plaza de Armas, la plaza de San Martín y el entorno de la bellísima iglesia de San Francisco, y se ha rebajado hasta límites desconocidos para una capital suramericana el número de atracos o asaltos.

Lima es una ciudad donde la creatividad, el mestizaje cultural y las vanguardias bullen a un ritmo desenfrenado. Hay multitud de exposiciones de arte contemporáneo, de nuevas tecnologías y museos de las más diversas disciplinas. Buena parte de esa vibrante actividad gira en torno al Centro Cultural de España en Lima. Merece la pena darse una vuelta por su sede, en una mansión colonial en el centro de Lima, y disfrutar de una programación que incluye artistas peruanos y suramericanos de artes plásticas, vídeo, fotografía, dibujo… Luego, para cenar, se puede ir al centro comercial Larcomar, en Miraflores, al final de la avenida de José Laco, con varios excelentes restaurantes donde sirven un buen ceviche en una terraza mirando al Pacífico.

- Centro Cultural de España en Lima (0051 1 330 04 12;

www.ccelima.org). Calle de Natalio Sánchez, 118. Arequipa. Abre de 10.00 a 22.00.

7 Rafting en el Urubamba

Una de las maneras más excitantes de conocer el Valle Sagrado de los Incas, en la región de Cusco, es cabalgando a bordo de una balsa de rafting sobre los rápidos achocolatados del río Urubamba. El Urubamba nace en la cordillera de los Andes, en la zona conocida como Nudo de Vilcanota, y a lo largo de su recorrido cambia varias veces de nombre: Huambutiyo, Vilcanota, Cusipata…, hasta que al final, al unirse con el río Tambo, se convierte en el Ucayali, nombre que conservará ya hasta su desembocadura en el Amazonas.

De todos los ríos en los que se practica rafting en Perú, el Urubamba es el más accesible, variado y divertido. Los descensos más tranquilos y asequibles para todo tipo de público se localizan entre Pisac y Ollantaytambo, con rápidos de clase 3 y a veces 4, intercalados con zonas tranquilas de aguas mansas donde darse un baño y con un paisaje de maizales y pueblecitos de adobe en los que la vida ha variado poco desde época precolombina. Por debajo de Ollantaytambo, el Urubamba se estrecha y sus aguas se encrespan. Es el cañón de Torontoy, una zona más accidentada y con rápidos muy violentos apta sólo para intrépidos y tripulaciones expertas.

Esto ocurre en época seca, porque en época de lluvias (de diciembre a finales de marzo), el nivel de las aguas aumenta de forma considerable, así como la peligrosidad de los rápidos. Las aguas bajan entonces con una violencia inusitada y las turbulencias se convierten en una batidora de chocolate que arrastra piedras, troncos y lodos.

- Es muy fácil contratar una excursión en rafting. Casi todas las agencias turísticas de Cuzco las ofrecen. Se pueden encargar de un día para otro; los precios osci
lan entre 20 y 35 dólares por persona, con desplazamiento desde Cusco y un pequeño almuerzo.

8 La colección Chambi

El fotógrafo Martín Chambi es reconocido como el gran retratista del Perú indígena y mestizo. Chambi vivió en Cuzco desde 1920 hasta su muerte, en 1973, y allí dio vida a una de las más valiosas producciones fotográficas de América Latina. Redescubierto en 1977 gracias al empeño de su hijo Víctor y a la iniciativa del antropólogo norteamericano Edward Ranney, destaca en sus imágenes en blanco y negro la carga indigenista y la poderosa narrativa documental. Pero muy pocos de los turistas que visitan hoy Cuzco saben que pueden ver una buena parte de esas obras, en reproducciones de gran formato y positivado de alta calidad, en la exposición permanente que la Fundación Chambi tiene en la sede del Banco Scotia.

- Scotia Bank de Perú, palacio del Inca Tupac Yupanqui, calle de Maruri, 315. Lunes a viernes, de 9.00 a 13.30 y de 16.00 a 18.30. Sábados, de 9.00 a 12.30. La entrada cuesta unos 2,20 euros.

9 Museo del Señor de Sipán

En 1987 se descubrió en la costa norte de Perú, junto a dos pirámides truncadas de la cultura mochica (1.770 años antes de Cristo), las llamadas tumbas reales de Sipán. Se trata de tres enterramientos de personajes nobles que han dado a la arqueología peruana una de las mayores alegrías de las últimas décadas, dada la riqueza de los objetos encontrados en ellas y la gran cantidad de datos que han revelado a los historiadores acerca de esa cultura preincaica. La principal de las tres tumbas es la del señor de Sipán, el rey del pueblo moche en aquel lejano año de 1700 antes de nuestra era.

En 2002 se inauguró por fin el Museo Tumbas Reales del Señor de Sipán, un soberbio espacio museístico donde se expone, entre otras cosas, una reproducción de la cámara funeraria donde se encontró el sarcófago real con la osamenta del mandatario y un fabuloso ajuar.

- Se encuentra a las afueras de la localidad de Chiclayo, 780 kilómetros al norte de Lima. Abierto, de martes a domingos, de 9.00 a 17.00. La entrada cuesta unos dos euros.

- Más información: 0051 1 074 283 977

- www.museosipan.com.

10 Un circuito por el parque nacional del Manu

El parque nacional del Manu es una gran mancha de selva amazónica en el departamento de Madre de Dios. Está considerado uno de los bosques tropicales mejor conservados de Suramérica. Buena parte de sus 20.000 kilómetros cuadrados (superficie similar a la de la provincia de Badajoz, la más grande de España) son de acceso restringido a científicos e indios matsiguenka, aborígenes de esta región del alto Amazonas.

Existen también secciones del parque abiertas a las visitas turísticas, guiadas por empresas autorizadas. La mayoría de ellas ofrece paseos a pie o en canoa por el Manú en los que disfrutar de una flora y una fauna únicas. Se duerme en cámpings y en albergues muy sencillos.

- Dos de las empresas autorizadas para organizar trekking turístico por el parque del Manú son Manú Expediciones (www.manuexpeditions.com) e Inka Natura (www.inkanatura.com).

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Se puede dejar de ser un amateur de la fotografía y llegar a profesionalizarse por medio de infinidad de sites relacionadas con ese mundo de imágenes estáticas. En éstas destacan tips que van desde cómo sacarle provecho a los megapíxeles de una cámara digital hasta aprender a tomar gráficas con un teléfono celular
ZONA NORTE / ANZOÁTEGUI.- “¿Porqué las fotos me salen movidas, desenfocadas, si mi cámara es de cinco megapíxeles, buena marca y es la que promociona Shakira bailando en aquel comercial de televisión?”

Preguntas y momentos de desconcierto como este suelen surgir muchas veces en prinicipiantes de fotografía, luego de comprar un equipo digital que les garantiza, en letras pequeñas, una gran capacidad de almacenaje de fotos, y la buena calidad de las imágenes.

Internet se ha convertido en el espacio en el que fotógrafos amateurs y apasionados de este mundo pueden despejar infinidad de dudas con respecto a cómo sacarle provecho a su equipo.

En la red, varias opciones están a merced de las ganas de aprender del usuario que sabe poco o quiere enriquecer su conocimiento sobre fotografía, con tips y datos ofrecidos por profesionales e instituciones ligadas a esta práctica.

Cursos, masters en fotografía, compra y venta de equipos, trucos y técnicas, así como foros en los que comparten amateurs y expertos. Todas estas ofertas se pueden conseguir en el ciberespacio hoy en día.

De todo para todos
En ocasiones no es necesario visitar gran cantidad de páginas web para conseguir información de todo tipo relacionada a la fotografía.

Al ingresar en la página española , se abre un abanico de datos al cibernauta. Conceptos básicos de fotografía, así como trucos, técnicas a la hora de tomar una gráfica, foros, e instrucciones de cómo utilizar algunos programas de edición están a la disposición.

Un “Top 10” de las cámaras digitales más populares y más nuevas en el mercado decoran la presentación de este site ibérico.

Dzoom le da cabida al mercadeo de equipos y accesorios nuevos y de segunda mano pero en euros, por lo que una conversión es necesaria si se está interesado en adquirir una de estas ofertas.

Además del compendio de links y espacios distintos dentro de este site, el fotógrafo puede publicar sus fotografías, así como aprovechar el foro para intercambiar archivos que quedarán a la disposición del visitante. Entre estos archivos se pueden conseguir manuales de uso para cámaras y accesorios, así como descargas gratis de programas como Photoshop, y Corel Snapfire, entre otros.

Muy similar al site Dzoom pero en formato de revista web la cual muestra diferentes secciones y temas relacionados al arte fotográfico.

Una especie de sumario en el centro de la página indica lo más nuevo que se ha ingresado a los archivos de ésta.

Diversos reportajes, noticias y artículos escritos por fotógrafos se pueden leer. Ofrecen una suscripción para recibir quincenalmente información. Algunos links en el home conectan con páginas de cursos, exposiciones y eventos de fotografía que se realizan en Argentina, país donde se administra este site.

También incluye entre sus servicios una especie de galería para aquellos que buscan ejemplos de buenas fotos. En dicho espacio, fotógrafos argentinos y del resto del mundo publican sus mejores obras gráficas en galerías que motivan al usuario a hacerse de su cámara para salir a tomar una fotografía de igual calidad.

Edición de fotos
Photoshop, Lightroom, Nikon Capture y Iphoto forman parte de la inmensa gama de programas web para editar y trabajar fotos.

Muestra virtual
Varios portales de fotografía organizan concursos para progfesio nales y amateurs. Por ejemplo, a través de , la Unesco está convocando a fotógrafos profesionales, aficionados y estudiantes a participar en la primera muestra virtual de fotografía con el tema “Mujeres Rectoras de América Latina y el Caribe”. La recepción de propuestas se mantendrá abierta hasta el 27 de abril.

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Fuente: Del diario de Julian Rodriguez (Clubcultura.com)
Todavía puede visitarse en la Sala Juana Mordó del Círculo de Bellas Artes de Madrid la exposición “Retrato de la memoria”, del fotógrafo coreano Joo Myung Duck. Para su catálogo escribí este texto, que entronca con otro entregado recientemente al Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo (MEIAC). Ambos son parte de una exploración más extensa y detallada en la que trabajo actualmente, y en la que las series fotográficas de Karl Blossfeldt y Albert Renger-Paztsch, citados aquí, son fundamentales. (Nota: la fotografía que ilustra este post no forma parte de “Retrato de la memoria”.) El Ojo EruditoLo primero, comparar. Hemos desarrollado una mirada “comparativa”. Da igual que el artista sea japonés, chino, argentino, nigeriano o coreano: nuestra mirada compara la obra mirada con nuestra tradición (la europea, la occidental) y decide. Decide si le interesa o no, decide si la comprende o no. El Ojo Erudito yerra en muchas ocasiones y tiende a la paráfrasis. En realidad, más que mirar establece relaciones, recrea lo mirado. ¿Qué me dice mi Ojo Erudito sobre las fotografías de Joo Myung Duck? Primero pienso en los Becher (luego explicaré por qué), a continuación comienzo a realizar la glosa literaria al uso… Y esto es un error. Así que trato de comenzar de nuevo y recuerdo: “El espacio de la fotografía fue colonizado con los ojos de la pintura (de la pintura figurativa, por supuesto). Es cierto que éste fue un terreno urbanizado con éxito mientras la fotografía permaneció unida, en primer grado, a la realidad. Mientras fue así sirvió cualquier acercamiento desde la glosa y la paráfrasis”. Pero ya no. Pasado el tiempo y con la fotografía historiada, clasificada y acotada diacrónicamente, se plantea todavía un problema que se fue velando y postergando entre acercamientos más o menos literarios, más o menos formalistas (absolutamente acordes, por otro lado, con el tipo de fotografía al que se enfrentaban). Digamos que ese modo de abordar el trabajo fotográfico sirvió mientras la fotografía fue verdad, esto es, real. Este arte (diré luego: artesanía sublimada) hizo a velocidad de vértigo un recorrido que la pintura llevaba siglos haciendo, y por razones obvias que tenían que ver tanto más con los límites de lo fotografiable (el tema como estilo) que con las interrogaciones del fotógrafo. El problema surge cuando se quiebra la relación con el referente. En otro sentido, cuando el referente real deja de coincidir con las expectativas de realidad del espectador. Es entonces cuando dejan de servir los viejos mecanismos y herramientas críticos. Cuando el valor de la fotografía va más allá de los criterios de realidad o de destreza técnica para adentrarse en los terrenos de lo conceptual o de lo autorreferencial, aparece como urgente la reflexión que se fue demorando durante décadas. ¿Y no es mayor aún esta quiebra cuando el fotógrafo viene de otro “mundo”, esto es, de otra cultura, de otra “sensibilidad”? Oriente y OccidentePero Joo Myung Duck, se argumentará, ha estudiado a fondo la historia del arte occidental, la historia de la fotografía. Conoce a todos los maestros. ¿Qué son entonces sus fotografías? ¿Obras de arte orientales, obras de arte universales, obras de arte? En primer lugar son documentos. La raíz documental está en su origen: las fotografías de Joo Myung Duck crecen sobre ella. Documento, recuerda el diccionario, tiene diversas acepciones: “diploma, carta, relación u otro escrito que ilustra acerca de algún hecho, principalmente de los históricos”. Pero también “escrito en que constan datos fidedignos o susceptibles de ser empleados como tales para probar algo”. Por último, y me gustaría hacer hincapié en esta definición, “instrucción que se da a alguien en cualquier material, y particularmente aviso y consejo para apartarle de obrar mal”. El diccionario avisa que esta tercera acepción está en desuso. Pero no en todas partes. Quiero aplicarla a una serie de fotografías de Joo Myung Duck: El orfanato de Mr. Holt, de 1966. ¿No parecen estas fotografías un aviso o un consejo para apartarnos de obrar mal? Fueron sus primeras fotografías “conocidas”. Las de los niños huérfanos. (El Ojo Erudito piensa primero en Jacob Riis, luego en Walker Evans, al fin en los chicos del pasado-de-instituto de Boltanski.) Fotografías amateurs (dicen los críticos). En ellas están la guerra de Corea y todo Occidente. Y una herencia artística no del todo coreana (quizá la de The Family of Man, la exposición que Steichen preparó para el MoMA en 1955), como no son del todo coreanos los niños de ese hospicio. ¿De dónde entonces? ¿Desde qué lugar están hechas realmente esas fotografías de niños mestizos, hijos de hombre americano y mujer coreana? Fotografías como signos“En todas las civilizaciones el signo es el depositario del sentido, pero a veces y en ciertos períodos se produce una suerte de evaporación de los significados”, escribe Octavio Paz en El signo y el garabato. Joo Myung Duck parece fotografiar en medio de esa evaporación, aunque contra ella.Las fotografías dedicadas a la arquitectura tradicional coreana (su título real es mucho más neutro y evocador que esta paráfrasis mía) constituyen, por decirlo también con Paz, una imagen del mundo: “Todas las sociedades poseen lo que comúnmente se llama una imagen del mundo. Esa imagen hunde sus raíces en la estructura inconsciente de la sociedad y la nutre una concepción particular del tiempo”. Quizá Paz debería haber escrito “su sociedad” en vez de “la sociedad”. Pero no es un reproche…Entre el signo y el garabato, lo dotado de significado y el vacío o lo indescrifrable, “se despliegan las artes y las letras de nuestros días”. Otra etapaEl segundo período (corresponde a finales de los 60 y comienzos de los 70) en la obra de Joo Myung Duck me interesa especialmente. Tras las primeras fotografías de huérfanos, como en un giro humorístico (quizá no intencionado), son las familias quienes “protagonizan” su trabajo. Familias en transformación. Familias con un ojo puesto en Occidente. Y no sólo las familias, también los lugares son fotografiados.En ese momento, comienza a citarse reiteradamente una palabra a propósito de su trabajo: belleza. Y una más: poesía. Me atrevería a añadir otra, desvirtuada, aquí necesaria: patria (etimológicamente: la tierra del padre). La evolución parece lógica y podría haberse realizado a la inversa: desde la crudeza y esencialidad al lugar de los antepasados, el lugar originario. ¿Pero qué patria es la Corea de esas fotografías? ¿De qué está construida? ¿Cuánto hay en ella de otras culturas? Supuestamente, tres religiones conforman, en buena medida, el concepto de belleza “coreano”: el chamanismo, el budismo y el confucionismo. Y los aportes de las tres se interpretan así, de modo sucesivo: la belleza musical, la belleza plástica y la belleza de los hombres (esto es, de la vida de los hombres, de cómo son y del lugar en el que viven, lo que llamamos entorno). El tercer períodoLos paisajes coreanos. La naturaleza. (Nuevos cánones de belleza.)Una tercera etapa, a la que corresponden también estas fotografías exhibidas en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. Una cierta mirada “atrás”. ¿Otra suerte de retorno al orden? ¿No se tratan más bien de fotografías de lugares muertos o a punto de morir? ¿No son esas fotografías una crítica aparentemente aséptica y “bella” sobre los “paisajes perdidos”, una crítica contra cierta idea de progreso? No son únicamente, quiero responderme, “estetizaciones de la mem
oria”. Los paisajes negros, oscuros, encierran diferentes significados. Los paisajes parecen lugares, espacios, de la época de la dinastía Silla, objetos inanimados. Aparece otra palabra ligada a estas fotos: eternity. En inglés. Y nos recuerda (otra vez el Ojo Erudito) a ese ensayo de Kang Woobang: Eternity in the Moment. Casi una paradoja. Una contradicción de términos. EternidadInstantánea, al momento, en el momento. Para llevar a casa. No estoy glosando. Y el lema sirve tanto para la arquitectura como para la fotografía: dos formas de artesanía sublimadas. No son otra cosa. Los BecherLo insinué antes: las “casas”, el territorio familiar, pero vacío ya de familias, de Joo Myung Duck recuerdan enseguida a las casas de los Becher. Pero enseguida también se desvanece el parecido. Y en estas últimas fotografías del coreano no hay sólo casas, sino el interior de la casas, y algunos fragmentos, consignados casi etnográficamente, de esos interiores. Las tipologías de casas fotografiadas por Bernd y Hilla Becher desde finales de los años 50, y los silos, depósitos de agua, etcétera, responden igualmente, eso sí, a un mundo en transformación: postbélico, postindustrial incluso. O donde la industria, los objetos de la industria del pasado son ya casi hermosos, se han vuelto bellos. Aunque en realidad, las fotografías de Joo Myung Duck parecen más cercanas a las de dos autores que suelen citarse como antecedentes de los Becher: Karl Blossfeldt (1865-1932), cuyos “retratos” de plantas, archivísticos al modo benjaminiano, siguen siendo enigmáticos y sugerentes (como los “detalles” de Joo Myung Duck), y Albert Renger-Paztsch (1867-1966), que comenzó fotografiando fábricas e interiores para acabar fotografiando también paisajes y arquitecturas. Pero ya dije al principio: quizá el Ojo Erudito se equivoque.

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Espacio para jóvenes talentos Por: Karla Pravia
Para venezolanos, y extranjeros con cinco años de residencia mínimo en el país, nacidos a partir de 1970, esto en el marco del aniversario número 25 del Banco Caroní
Desde el 12 hasta el 28 de febrero será la recepción de obras para aquellos noveles talentos de las artes plásticas que quieran participar en el I Salón Nacional de Noveles Artistas Banco Caroní. El concurso está abierto para venezolanos y extranjeros, estos últimos con cinco años de residencia mínimo en el país, nacidos a partir de 1970, y podrán participar con obras inéditas, ya sean de creación individual o colectiva, realizadas entre el 2006 y 2007. Las obras no deberán exceder de 200 x 200 x 200 centímetros, y deberán ser entregadas debidamente embaladas y anexar planos e indicaciones para su instalación de así requerirlo. Otras de las especificaciones de los organizadores es que la obra puede ser en formato bidimensional o tridimensional: dibujo, fotografía, artes gráficas, pintura, collage, escultura, ensamblaje, instalaciones, medios mixtos, arte digital o videoarte, siempre que no se requiera la construcción de recintos especiales. En caso contrario, el artista deberá presentar un dossier donde esté la justificación conceptual del proyecto, con las especificaciones de los materiales y equipos, planos, gráficos descriptivos, fotografías, factibilidad técnica y orientaciones para el montaje que permita al jurado la comprensión de la propuesta. De ser aprobada la propuesta del artista, este deberá correr con los gastos de los equipos y materiales a utilizar. El I Salón Nacional de Noveles Artistas Banco Caroní es organizado por la entidad bancaria en el marco de sus 25 años, y en esta oportunidad le abre un espacio al arte para promover el desarrollo de las expresiones humanistas y de la capacidad creativa de los talentos nacionales. A la par cuenta con el apoyo de la Fundación Museos Nacionales-Museo Alejandro Otero y la colaboración especial de la Sala de Arte Sidor. La recepción de las obras será en la Sala de Arte Sidor en Puerto Ordaz, como espacio para la región Sur del país; en la región Capital está disponible la Agencia Horizonte del Banco Caroní. Av. Rómulo Gallegos, Urbanización Horizonte, Caracas, y los teléfonos (0212) 2322754/5810/9232. En la región Centro – Occidental: Museo de Barquisimeto, Carrera 15, entre Calles 25 y 26. Barquisimeto, estado Lara. Teléfono: (0251) 717.10.22. Fundamuseo@cantv.net. En la región Occidental: Museo de Arte Contemporáneo del Zulia, Maczul, Av. Universidad con prolongación Cecilio Acosta. Maracaibo, estado Zulia. Teléfono: (0261) 7594866 / 7595811 Al momento de su inscripción el participante deberá consignar la correspondiente ficha técnica y su hoja de vida según formato que podrá obtener en las Agencias del Banco Caroní a nivel nacional, Museos Nacionales, Direcciones de Cultura estadales, municipales y universitarias y en la página web: www.saloncaroni.com El I Salón Nacional de Noveles Artistas Banco Caroní se realizará en el Museo Alejandro Otero del 15 de abril al 03 de junio de este año, y del 02 al 30 de agosto en la Sala de Arte Sidor será la exposición de las obras premiadas y las seleccionadas por el comité organizador. Las obras las mantendrá el Comité Organizador hasta el mes de marzo de 2009 para realizar exposiciones itinerantes. Para más información los interesados pueden acercarse a los espacios destinados para la recepción de obras o acceder a la página web e="color:#000080;">www.saloncaroni.com con mayores datos sobre los requisitos y los pasos para participar en el concurso.

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Escoger el tamaño Muy Pequeña Pequeña Normal Grande Muy Grande POR RAFAEL P. RODRIGUEZ SANTIAGO: Ese artista que calladamente nace a la pintura en los años 30 del siglo xx es el poeta de un mundo rural que no se siente, de una aldea en la que la mañana se desata a pronunciar sus reverberaciones sin prodigio alguno, al menos memorable. El futuro inmediato incendia sus telas de vibrantes framboyanes colorados a orillas de caminos poblados de una tristeza lírica y somnolienta. El arte negoció del tiempo su presencia cambiante para mantenerse en ese estado de perennidad que le permite no ser más que arte. El primer testimonio de ese raro acontecimiento llamado Yoryi Morel es un “paisaje con casa” donde no se muestra la figura humana empobrecida y deshilachada que convirtió en tema obsesivo de sus cuadros, sino la montaña sempiterna del vacío profundo, el rancho desvencijado y oscuro techado de amarillo, las palmeras erectas abanicando un cielo solitario, y esas sombras de color vino que se derraman frente a un bosque breve, de un ocre suave y vigoroso, alborotado por la brisa. Es cierto que cumplió los encargos emocionados de la élite social de aquellos momentos que le prodigaban realizaciones hermosas y de enorme certeza. Pero sus coloridas persecuciones personales del dolor social jamás escaparon de esas manos con las que retrató la vida pueblerina que Yoryi amó a conciencia. La eficacia del artista se decide en esa extraña manera, casi mágica, con que nos hace leer en una mirada antigua la actualidad permanente de los sentimientos. El vio la vida desvaneciéndose en tonalidades de una fortaleza resplandeciente. Vio los sueños de la gente, sus tramutaciones y sus holocaustos silenciosos. Vio desamparos entretejidos de trascendencia, los rápidos innavegables de cada río en los que un Caronte desalentado conduce a las almas al descanso del hogar sin esperanza. Vio con encantamiento el camino polvoriento con pedrería de encantamiento, vio el horizonte calcinado en que una centella solitaria se apodera del cielo. Las primeras obras de este maestro desorbitado por el deslumbramiento de la campiña del Cibao, que siente estar descubriendo que cada momento, resplandecen bajo una luna imperfecta y como decadente, avergonzada de aparecerse pura y sobria ante el caserío donde la simiente de un dios lleno de humanidad y de claridades se queda a dormir como si fuera para siempre. La geografía inicial, líquida y transparente, que Yoryi recorre en sus primeros trazos de pureza no los dedica a quienes están dispuestos a pagar más por una pieza que se comporta como presa de gran valor y subasta, como pudiera esperarse de un artista joven que procura fortuna y ciencia, sino a los demenciados, a los juegos ingenuos que develan esas enramadas levantadas al cristal de su lienzo que como una niebla temblorosa, lo espera en la distancia. La “negrita” de paño rojo en la cabeza que mira sin mirar una realidad que no le pertenece, la anciana de ojos claros en que se arremolina la resignación como una sentencia de condena, el loco del barrio, la nube que se cierne sobre un paisaje de soles multiplicados por sus cosechas, las muchachas que van llegando a las pulperías campesinas, las galleras ensordecedoras, las lámparas inocentes. Todo va estallando de relámpagos agónicos alrededor del artista signado por una fama sin recompensa, todo va rehaciéndose y deshaciéndose entre sus manos vigorosas. Ese mundo de un caos aparente pictórico en el que Yoryi se goza como una deidad desconcertante cobra una serenidad ascendente, repone en la belleza de sus aciertos armónicos lo que parecía irrecuperable por siempre. Repone la enramada, la tierra enrojecida la mirada hierática de Beethoven, la sequedad de las casas de tejemaní, techadas de cana, la alta dama de mirada apacible, la fronda de ondulantes tonalidades, la barcaza que es más bien un naufragio, la estampa memorable del anciano atado a un cachimbo ennegrecido y seco, las orillas de un cielo con mares con olas de artificio y cieno. Hay en ese Yoryi que va emergiendo de la tierra campesinos de una dignidad que en nuestra realidad pictórica no tiene precedentes; hay una música que escuchamos recorriendo la bella coloración de sus frescos todavía ingenuos. Velas solitarias, tazas que van leyéndose a la luz de una creencia inevitable, bosques de palmera que de nuevo recuperan su espacio en la elegancia de un trazado que no intenta nada, salvo la autoexorcisación del artista para que los demonios de su creación no lo desdibujen sin haberle dicho a su pueblo cuánto le ama sin darse esas treguas que hacen sospechosa su carta de ruta.

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México, (Notimex).- El registro que realizó la Agencia Cassasola, de fotografía, considerada como la primera en el país, sobre crímenes, delitos y procesos policíacos y judiciales se expondrá en una muestra de 45 fotografías bajo el titulo de “El espanto de la modernidad”.

El acontecimiento se llevará a cabo a partir del 16 de este mes, en el Cuartel del Arte, en Pachuca, Hidalgo.

“El espanto de la modernidad”, que muestra el lado oscuro y caótico de la experiencia urbana en el México de la primera mitad del siglo XX, fue curada por Jesse Lerner, cineasta documentalista de origen estadounidense.

Las imágenes que se presentarán en la exposición son parte de la serie Judiciales del Fondo Cassasola, de la Fototeca Nacional del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) y que se conforma por cerca de 400 mil fotografías de tres generaciones de fotoreporteros.

Lerner comentó que “las fotografías de crímenes del Fondo Cassasola y los periódicos, por lo general amarillistas, en que fueron publicadas, jugaban con un miedo popular de la modernidad”.

Agregó que “nuestra visión de México de los años veinte y treinta es en parte producto de la visión utópica promovida por los muralistas Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros”.

Señaló que “la modernidad mexicana también incorporó los impulsos más oscuros, relacionados con la cara caótica de la modernización y la sensación de espanto, la fascinación por la violencia, y la potencia destructiva de la nueva edad mecánica”.

Lerner es realizador de largometrajes como “Ruins” (1999) y “The American Egypt” (2001), galardonados en festivales de Estados Unidos, Latinoamérica y Japón.

Además ha curado exposiciones como “The Mexperimental Cinema” una retrospectiva de 60 años de cine y video de vanguardia en México, que se presentó en el Pacific Film Archives, de Berkeley, y en los museos Guggenheim, de Nueva York y Bilbao.

Agustín Víctor y su hermano Miguel Cassasola fundaron la primera agencia fotográfica moderna del país, la cual registró aproximadamente setenta años de la memoria mexicana, incluye la gesta revolucionaria y de los sucesos y personajes que marcaron la formación del México moderno. La colección presenta una visión amplia de la sociedad mexicana, que abarca una diversidad de aspectos como la industria, el transporte, la urbanización, la seguridad pública, la publicidad, el deporte, las artes, las diversiones y los retratos de los habitantes de la capital en su devenir cotidiano.

La exposición fue elaborada con la colaboración del Consejo Estatal para la Cultura y las Artes de Hidalgo y el Sistema Nacional de Fototecas del INAH, con el apoyo del Centro Fotográfico Manuel Alvarez Bravo.

Esta exposición se ha presentado en el extranjero en el Pomona College Museum of Art, de Los Angeles, California, y en el interior del país, en el Centro Fotográfico Manuel Alvarez Bravo, en Oaxaca, y en la Fototeca de Veracruz, del Instituto Veracruzano de Cultura.

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