Annie Leibovitz, en la exposición que le dedicó PhotoEspaña
Una cita que cada año cobra mayor interés, entre los artistas y el público, y que muestra la dimensión que ha alcanzado la fotografía España, en los últimos diez años. Este festival afirma el reconocimiento artístico de este medio. Lo que países como Alemania y América llevan haciendo ya más de medio siglo, con una dinámica crítica que se ha visto reflejada en exposiciones de gran trascendencia como «The Family of Man» (1955), organizada por el Museum of Art de Nueva York, desde su departamento de fotografía, creado en 1947, que consolidó la reputación museística de las imágenes fotográficas. Cuando las universidades americanas fundan museos de fotografía con el propósito de respaldar la enseñanza teórica con material visual.
Y con el definitivo respaldo de la Documenta V, de 1977, que apartándose de su práctica habitual de centrarse únicamente en el arte contemporáneo presentó toda la historia de la fotografía por medio de una cuidada selección, refutando el antagonismo tradicional entre la fotografía profesional, al servicio de un encargo, y la fotografía artística, expresión de la subjetividad del propio autor. Acciones que han dado respuesta a una actividad artística y documental desarrollada por los fotógrafos y artistas que han hecho de la fotografía uno de los medios con más posibilidades de experimentación en la actualidad. Y es ahora en España, aunque sin este importante apoyo teórico y crítico que cuestiona y analiza sus diferentes mecanismos y posibilidades de expresión, cuando la fotografía llega a todos los ámbitos como creación artística, la fotografía está invadiéndolo todo, galerías, museos, el mercado. En las escuelas, las técnicas digitales han desplazado el interés por las disciplinas tradicionales de dibujo, pintura, escultura, que ya no son las asignaturas de referencia para el artista o el diseñador. Pero, si miramos tan sólo diez años atrás, comprobamos que apenas dos galerías en España se dedicaban a ella, no existía la estructura expositiva o crítica suficiente para apoyar esta manifestación considerada minoritaria. Qué es lo que ha motivado esta revolución. El excepcional desarrollo de las nuevas tecnologías digitales ha simplificado el complejo proceso tradicional de la fotografía, siendo una herramienta de experimentación plástica mucho más efectiva, de rápido y fácil manejo, que recoge una infinidad de recursos técnicos. Lo que antes imponía un minucioso control de los procesos químicos de revelado en el laboratorio, que muy pocos dominaban, hoy la imagen digital permite ser manipulada con absoluto control del artista, hasta extremos casi infinitos, desde el ordenador personal. A lo largo de la historia, lo que ha distinguido las grandes obras fotográficas ha sido la mirada de autores conocedores del arte, con una concepción diferente a la de los retratistas convencionales o los reportajes documentales. Éstos no sólo hacían una interpretación de la realidad sino de los medios para captarla, la composición de la imagen, el destacar líneas y encuadres, detalles de la realidad en una mirada más subjetiva. Pero la única manipulación posible era en blanco y negro con mínimos cambios en los líquidos, en el papel, en los tiempos de exposición, mínimos elementos para investigar sobre la resolución plástica de la imagen. En el proceso fotográfico, se utilizaban las mismas soluciones, la única diferencia entre los autores era la mirada. El retoque en el negativo falseaba toda la realidad, daba lugar a imágenes planas, sin texturas, ni accidentes naturales. En la imagen digital tienes prácticamente todas las posibilidades, puedes partir de una realidad o inventarla. El soporte intelectual dado por la crítica y las experiencias de los artistas surgidos en los años setenta han propiciado y dado cabida teórica a todo un campo de experimentación que estaba por salir y que es hoy la fotografía. Curiosamente cuando más fácil es hacer clic, conseguir una buena instantánea, con cámaras que prácticamente lo hacen todo, el arte realiza un trabajo más exhaustivo sobre la imagen. Lo casual no tiene importancia sino viene determinado por toda una reflexión conceptual, un sistema de trabajo que consigue que una imagen captada de la realidad pase a ser una imagen artística. El photoshop hace que esta manipulación técnica, que es la que da la diferencia de matices en la fotografía, sea un mundo infinito. Hoy cada artista puede dar su impronta personal a la imagen, con una investigación propia ante las miles de posibilidades. La fotografía es capaz de fijar un instante de la realidad sin excesivo esfuerzo, lo que en la pintura implica años de aprendizaje, de dibujo, composición, técnica…. El tema del arte viene dado porque hay conocedores que, con un gran poder de abstracción, son capaces de seleccionar las imágenes más poderosas, la estética, las maneras de ver, que conectan con la sensibilidad y el conocimiento, la economía, del momento. Equipos técnicos y humanos que dan lugar a una visión de la realidad con la manipulación acertada para concretar la imagen del mundo que habitamos.
En España hasta hace poco no se ha considerado el valor de la fotografía en todos los ámbitos científicos y artísticos. Hay muy pocos museos o centros dedicados al estudio de la fotografía. Nuestros ensayos críticos carecen de la relevancia de los de autores fundamentales como Susan Sontag o Roland Barthes, los artistas españoles no marcan pautas en la concepción de la fotografía al nivel de Bernd y Hilla Becher. Nuestros referentes son los productos artísticos europeos y americanos pero sin participar del sustrato cultural que ha dado lugar a estas obras.

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GUADALAJARA, JALISCO.- Las mujeres fueron las que motivaron a Alberto Korda (1928-2001) a dedicarse a la fotografía, sin embargo, fue una imagen bien distinta, la del Che, la que hizo de este

fotógrafo cubano todo un referente. Su fotografía del líder revolucionario tomada en una concentración política en La Habana se ha reproducido en todo soporte imaginable hasta en el más recóndito lugar del planeta. Pese a ello, la trayectoria de este artista inconformista y coherente esconde otras muchas joyas.

Su sueño inicial era convertirse en fotógrafo de moda para estar cerca de las féminas más bonitas. Lo logró. Así, con una cámara de 35 milímetros de su padre, se lanzó a la aventura en la década de los 50. Su primera modelo, su novia Yolanda.

Korda, conocido, desconocido (Editorial La Fábrica) es un libro-homenaje que ahora traza un recorrido por las facetas más importantes y algunas poco conocidas de su vida, como su afición a la fotografía submarina. Recoge más de 437 imágenes, muchas de ellas inéditas: “Yo he amado la belleza de la mujer tanto como la belleza moral de la Revolución”.

En la última entrevista que concedió antes de morir a Mark Sanders en 2001 (recogida en el libro), recordaba cómo inició su labor en los Studios Korda en La Habana, cómo detrás de la cámara buscaba siempre su particular visión de la belleza, ésa que empezó a plasmar en su sección de la revista Carteles.

Por aquel entonces, la ciudad del Malecón estaba tomada por el turismo y los casinos, miles de americanos iban a jugar o saciar su lujuria en los numerosos burdeles. Era la isla de Fulgencio Batista.

Pero con la Revolución, todos los esquemas cambiaron para este hijo de un empleado ferroviario y un ama de casa. La imagen de una niña pobre a la que sus padres no le podían comprar ni siquiera una muñeca le revolvió por dentro. “Me acordé del discurso de Fidel sobre la realidad social en Cuba en el que dijo que con la Revolución no habría niñas sin muñecas. En ese momento decidí dedicar mi vida y mi obra a la Revolución”, contaba a Sanders. Alberto Díaz Gutiérrez, su nombre verdadero, tenía entonces 30 años.

Fue la sombra del mandatario cubano durante una década, aunque nunca llegó a ser el fotógrafo oficial. Le siguió por medio mundo, incluido el viaje a Washington en el que puso una ofrenda floral en el Memorial Lincoln. Brasil, Panamá, Uruguay, Venezuela y la URSS fueron también destinos a los que acompañó a Fidel Castro.

Precisamente en este periodo captó la que sería la imagen que marcó su vida: Guerrillero heroico. En 1960, apenas nadie deparó en ella, fue poco antes de que Ernesto Guevara fuera asesinado en Bolivia cuando la imagen se convirtió en parte de la historia de la fotografía. Para el autor, simplemente “fue un instante de suerte”.

Muchas de las imágenes que aparecen en el libro Korda, conocido, desconocido nunca han sido publicadas y de algunas incluso se desconocía su existencia. En 1968, las autoridades cubanas intervinieron Studios Korda y se perdió la pista a muchos de sus archivos. Ahora, gracias al trabajo de sus amigos y de su hija mayor, Diana Díaz, ha visto a luz este pequeño gran homenaje de 400 páginas.

(Fuente:informador.com)

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La apertura está fijada para las 20:00. En la ocasión, estará presente el organizador de la exhibición, el fotógrafo gráfico Pablo Cerolini.

Esta muestra es parte del festival “El ojo salvaje”, organizado como parte del Mes de la Fotografía en el Paraguay, que se extenderá hasta el 15 de noviembre.

“Negro y Blanco” habla de una inversión, de un desplazamiento de los términos de la fotografía clásica en blanco y negro. “A primera vista, la serie de fotografías de la Asociación de Reporteros Gráficos de la República Argentina nos propone un recuento gráfico de la trágica historia argentina entre 1969 y 1984. Sin embargo, estas fotografías no sólo retratan a los argentinos y los acontecimientos que protagonizaron. También evocan, en muchos casos, otras historias ocultas detrás de esas imágenes: son aquellas que las atraviesan, creando un diálogo silencioso entre las imágenes y sus creadores ausentes. Se trata de la experiencia personal de muchos de los reporteros que retrataron esos hechos y luego preservaron las fotografías obtenidas”, indican los organizadores.
(Fuente:abc.com)

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Utilizando un “pincel electrónico” que le provee un programa de computación especialmente utilizado para imágenes digitalizadas, Gramajo pintó con diferentes colores dando una “intensidad tonal” muy particular a sus obras.

Oriunda de Tucumán, la maestra de artes plásticas trabajo en una serie de fotografía obtenidas con película tradicional en sepia y blanco y negro, luego digitalizadas y trabajadas posteriormente en computadora.

La muestra está compuesta de 10 trabajos y estará abierta al público en horario que coincide con los días de proyección de películas.

(Fuente: ADN)

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Berlín reúne la más ambiciosa retrospectiva de Richard Avedon, el hombre que elevó la fotografía a categoría de arte y que fue la mirada más valorada por la moda, los famosos y los poderosos.

Marilyn Monroe. richard avedon

ITZIAR REYERO. BERLÍN. Marilyn Monroe, Audrey Hepburn y Marlene Dietrich son algunas de las estrellas del firmamento hollywoodiense que pasaron por el estudio de Avedon, muchas de cuyas imágenes se convirtieron en iconos de su tiempo.
Su serie Family retrata a los máximos representantes de la jet set estadounidense, como los poderosos políticos de la talla de Nixon, George Bush, Gerald Ford y los Kennedy o intelectuales como Susan Sontag y Salman Rushdie.
Bob Dylan, Janis Joplin, los cuatro Beatles, el escritor Samuel Beckett, el poeta Ezra Pound, el director de cine Jean Renoir o el artista Francis Bacon son otros de los que posaron ante él.
Pero, el fotógrafo, comprometido en la lucha contra los derechos civiles, no hizo diferencias de clase y junto a estos grandes nombres de la sociedad norteamericana retrató a las caras anónimas y figuras trágicas de los núcleos más deprimidos del país.
A este último grupo pertenece su serie In the American West, en la que presenta con crudeza a obreros, granjeros, camareras de bares de mala muerte que miran a la cámara sin tapujos y mineros que acaban de salir de la gruta embadurnados de hollín.
Hombres retratados -con independencia de su condición social- al natural y sobre un fondo blanco por Avedon que en su condición de antropocentrista
-su interés por los paisajes es escaso- colocó al hombre en el centro de la creación.
La cámara del genio neoyorquino logró inmortalizar las intimidades del retratado o, según sus propias palabras, captar los “contenidos inexplorados del rostro humano”.
El director del Martin-Gropius, Gereon Sievernich, subrayó en la rueda de prensa de presentación de la retrospectiva que la exposición -la “más bonita” realizada por el museo hasta la fecha- constituye una invitación “a mirar a la Historia de la Fotografía” de la mano de Avedon.
“Su obra es impactante, sus retratos conmueven. Un fotógrafo que logra eso, quizá no tiene la verdad, pero sí está cerca”, señaló el responsable del museo tras advertir que, aunque normalmente se le conoce como un fotógrafo de la moda, “hay otro Avedon”.
La directora de la Fundación Richard Avedon, Norma Stevens, calificó al fotógrafo como “genio apasionado y entusiasta” y “amante de la perfección”.
La exhibición, dividida en ocho salas, supone un recorrido cronológico a las obras más influyentes del estadounidense, entre las que destaca el retrato en grupo de Andy Warhol and Members of the Factory, un altar de diez metros de largo por tres de ancho.
En esta imponente composición aparecen, de pie, vestidos o desnudos, algunos de los habituales del Factory, uno de los lugares donde empezó a fraguarse la revolución artística y sexual de los años sesenta.
Entre sus primeras obras destaca su majestuosa instantánea de la modelo Dovima entre unos enormes elefantes, una imagen que atraparía toda la atención de la habitación, si no fuera porque comparte espacio con otras grandes de la pasarela como Suzy Parker y Twiggy, que visten elegantes trajes de Dior, Cardin y Balenciaga.
Especialmente celebrado es su retrato a una frágil Monroe -cuya mirada parece anunciar su suicidio- o la fotografía a Charles Chaplin, quien despide la era McCarthy haciendo un gesto de demonio, como si quisiera mandarlo al mismísimo.
Sobresalen también sus fotos de la última noche de 1989, año de la caída del Muro, en la que retrata el contraste entre el júbilo de los berlineses y su angustia por un futuro incierto.
La exposición Richard Avedon: fotografía 1946-2004, que se abrirá al público este domingo, es fruto de la colaboración de Louisiana y la fundación que lleva su nombre y está previsto que el año que viene visite Amsterdam y San Francisco.

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Por Daniela Estrada
SANTIAGO, (IPS) – La tercera bienal de fotografía de Chile se inaugurará el 28 de Octubre con más de 200 exposiciones nacionales y extranjeras y actividades orientadas a que los espectadores se transformen en autores. “Con la bienal pretendemos darle a la fotografía chilena un espacio de visibilidad hacia el mundo” y al mismo tiempo difundir la escena internacional en el país, comentó a IPS Luis Weinstein, coordinador general del encuentro que se desarrollará hasta el 30 de noviembre en todo el país.

La tercera versión de la llamada FotoAmérica también busca profundizar uno de sus ejes centrales: la participación de los chilenos tanto en calidad de espectadores como de autores, indicó este destacado fotógrafo y gestor cultural. La bienal pretende explotar la penetración que ha tenido la fotografía a nivel ciudadano, con la masificación de las cámaras digitales, explicó Weinstein.

Detrás de este encuentro nacido en 2004 está la Fundación América, presidida por el conocido fotógrafo chileno Roberto Edwards, impulsor de otras importantes muestras como “Cuerpos Pintados”. La iniciativa también es apoyada por instituciones públicas, municipalidades, universidades, embajadas, museos, galerías y diversas empresas privadas. Weinstein calcula en 280 millones de pesos (unos 445.000 dólares) el presupuesto de esta versión.

FotoAmérica es “el paraguas que le da cobertura a una gran cantidad de exposiciones que se hacen en forma simultánea” para lograr un mayor impacto mediático y establecer vinculaciones con los circuitos internacionales, definió. Además de coordinar y difundir las exposiciones que se inaugurarán entre este mes y noviembre en el país, la bienal organizará algunas actividades específicas, como un seminario internacional sobre fotografía latinoamericana y las llamadas “FotoLibre” y “FotoMaratón”.
El seminario tendrá lugar el 29 y 30 de este mes en el Museo Nacional de Bellas Artes, con la participación de reputados autores como el británico Martín Parr, la mexicana Maya Goded y el brasileño Cassio Vasconcellos. Parr, recientemente galardonado con el Premio “PHotoEspaña Baume & Mercier 2008″, también hará una inédita exposición callejera en la capital, adelantó Weinstein.

El seminario es el resultado de la creciente vinculación de FotoAmérica con otros festivales de la región, como “Encuentros Abiertos” de Buenos Aires, “Fotoseptiembre” de México, “Mirafoto” de Perú y los que se realizan en Brasil y Colombia. “Este año por primera vez nos estamos coordinando entre todos”, contó Weinstein.

Asimismo, del 10 al 16 de noviembre se desarrollará un ciclo de cine y documental de fotografía en el Centro de Extensión de la Universidad Católica. “FotoLibre”, por su parte, es una gran muestra colectiva que este año se realizará en tres puntos del país: en las capitalinas comunas de Vitacura y San Bernardo, el 8 y 9 de noviembre, y en la ciudad de Valparaíso, 120 kilómetros al oeste de Santiago, el 30 del mismo mes.

El objetivo de la actividad es que cualquier persona pueda exponer gratuitamente sus fotografías al aire libre y que las mejores sean premiadas por un jurado. En tanto, “FotoMaratón” se llevará a cabo por primera vez el 15 de noviembre en la capital. Las personas interesadas en participar en ella deben inscribirse previamente en la página de Internet del Instituto Profesional Arcos (www.arcos.cl) para recibir un código. En tanto, “FotoMaratón” se llevará a cabo por primera vez el 15 de noviembre en la capital.

Foto: Kern Mikkelsen, Cristián Andrés

Con ese número de inscripción y su cámara fotográfica digital, deben presentarse el sábado 15 frente al Museo de Bellas Artes, donde se les informará el tema a registrar en un tiempo limitado. Los más destacados serán premiados. FotoAmérica también tendrá grandes exposiciones individuales. Sobresale la del destacado corresponsal de guerra Robert Capa (1913-1954), fundador de la agencia Magnum, que se montará en el Instituto Cultural del capitalino municipio de Las Condes entre el 17 de octubre y el 3 de noviembre.

Asimismo, el mexicano Pedro Meyer se presentará con “Herejías” en el Centro Cultural Palacio La Moneda a partir del 14 de este mes. FotoAmérica también tendrá muestras del fotógrafo boliviano Patricio Crooker, del norteamericano Chuck Close, del alemán Thomas Hoepker, del francés Pierre Verger y del suizo Herbert Weber.

El Museo de Bellas Artes también albergará la exposición “Sutil Violento”, de grandes exponentes latinoamericanos, que fue producida y curada en Brasil. Para Weinstein, tanto la fotografía latinoamericana como la chilena apuestan a lo documental. “Si bien hay muchos rangos, los fotógrafos que más destacan son aquellos que tienen una mirada, que hacen una lectura de su país, de la sociedad, que presentan un punto de vista novedoso, creativo”, comentó el artista chileno. “Lo que le juega en contra a la fotografía chilena es que el mercado es pequeño, en todo sentido”, dice.

También valora la gran convocatoria de público que logran las exposiciones fotográficas que se montan en el país. Mantener esa masividad es la expectativa de esta versión de FotoAmérica, concluye.(FIN/2008)
Fuente: Iberarte.com

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REUTERS
Una muestra de poder. El Shenzhou VII ha despegado camino del espacio tras haber sido lanzado desde la base militar de Jiuquan, en la provincia de Gansu.

En su interior tres astronautas chinos pretenden hacer ver al mundo que el potencial chino en la industria espacial crece hasta niveles de EE UU y Rusia.

AP Photo / Graylock, Kristie Bull
Belleza contra mortalidad. La Reina de Rania de Jordania, junto a la primera dama francesa Carla Bruni-Sarkozy y Wendi Murdoch, mujer del magnate Rupert Murdoch.

Las tres forman parte de un grupo de estudio de las Naciones Unidas para rebajar el grado de mortalidad en el mundo.

Stephen Hird / REUTERS

Nuevo wonderbra. La extravagante Dita Von Teese posa con varias modelos en la presentación del nuevo modelo de Wonderbra en Londres.

EFE / PETA
Las activistas Christina Cho (izqda), surcoreana de 29 años, y a Ashley Fruno, canadiense de 22, en Guangzhou, Cantón (China). Las chicas promocionaban las cualidades del vegetarianismo y condenaban el tratamiento que la industria cárnica en China.

Según las activistas, la policía les hizo abandonar el lugar a la media hora de comenzar el acto de protesta. Es la primera manifestación de PETA en la China continental.

REUTERS
Bao Xishun, el hombre más alto del mundo con 2.36, pasea junto a su mujer Xia Shujuan, que mide 1.68, por los exteriores de su apartamento en Zunhua (China).

El Record Guinness ha vuelto a una persona china sucediendo al ucraniano Leonid Stadnyk.

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Arte joven tras la presea Eduardo León Jimenes
Grisbel Medina R.

MARÍA Y LILVE: MUJERES ARTISTAS, UNA PINTORA Y OTRA FOTÓGRAFA, FUERON SELECCIONADAS

Joan Alberdy, Pragmy, Lilve, Walder, Eridelvis, María, Wali y Nelson, jovenes seleccionados para el concurso de arte, posan en el Patio Caribeño del Centro León

SANTIAGO.- El concurso es concurso desde 1964. Desde hace cuatro años lo organiza el Centro Cultural Eduardo León Jimenes, domiciliado en Villa Progreso, Santiago. Se trata de una bienal artística prestigiosa, de la convocatoria apadrinada por una entidad privada que, el año entero, acompaña la formación y el lucimiento de artistas a través de conferencias, talleres, sesiones de pensamiento crítico, invitaciones a protagonizar Arte en Proceso, entre otras cosillas que lo hacen particular.

En página completa, la dirección del Concurso de Arte Eduardo León Jimenes publicó la selección del jurado internacional. Michéle Dalmace, Evelyn Carmen Ramos y José Roca evaluaron 406 obras de 185 artistas. Su veredicto: escogieron 66 obras de un total de 50 artistas. Y, tal como se publicó, “el jurado tuvo en cuenta la calidad de la técnica y conceptual de las propuestas, resaltando la ambición y energía que se percibe en las obras, así como una manifiesta preocupación por temas locales”.

De los 50, hay artistas cibaeños y muy jóvenes que caminaron con su obra bajo el brazo, hasta la ficha de inscripción. Muy feliz está Miguel Hernández porque su pieza “Conversación en la óptica” fue elegida. Miguel es nativo de Nagua y reside en Estados Unidos. Su pieza es una instalación que en un juego tipográfico compone denuncias y expone la vitamina para soplar el desarrollo social. Walder Gómez, fotógrafo de prensa que ha cultivado exitosamente el ángulo artístico, está que se ríe con la muela de atrás.

Sus ocho fotos agrupadas en el título: “ExclamacionesÖataduras de danzas”, figuran en la lista a premiar en octubre. Las bailarinas de la Escuela Ecos fueron captadas mientras se empinaban admirablemente en la pasada edición de la Feria Internacional del Libro. Walder es autodidacta. Talleres y seminarios acentuaron su mirada profesional. De alma sensible y comprometida, Gómez ha colgado sus obras en diversas salas internacionales y ha ganado diversos premios dada la calidad de sus tomas y aprecio por el entorno.

Instalación
Joan Alberdy Padilla Mendoza es de Río San Juan. El año pasado ganó premio con el videoarte “Neo-Verónica”. Tiene 29 años y estudió en Altos de Chavón. ¿Qué opinas del Concurso Eduardo León Jimenes? Es el más serio del país, responde rapidito. Y, completa: “Aquí le dan seguimiento a los artistas y las obras. Son muy profesionales. A través del Arte en Proceso pude ayudar a otros a entender cómo es el proceso de creación”.

Con ricitos gelatinados, Joan Alberdy cuenta que su obra se relaciona con las “cosas virtuales que aceptamos como concretas”, y cita el ejemplo de la división de la isla Hispaniola. Consciente de que la escogencia lo ubica ante los ojos del país, Padilla considera que la bienal da muchas veces más promoción que cualquier individual.

Wali Vidal, María Román, Nelson Batista y Eridelvis López son un cuarteto dinámico, que comenzó a proyectarse desde el patiecito de Casa de Arte. Allí, ellos y ella, retiraron premios del Concurso Nacional de Arte Joven de Helvetas, organizado en Casa de Arte. Autodidacta y con ojos hermanos de la miel, Wali fue becado por la Fundación Altos de Chavón donde estudiará luego de ganar varios concursos. De su autoría escogieron dos piezas grandísimas. “A mí tienen que darme una pared grande”, asegura sonriéndose. “El concurso nos provoca creatividad, mucho fosforeo, cada quien desea mostrar lo mejor. Estoy orgulloso de mis pinturas. Soy un agradecido de todo lo que me rodea”, manifiesta con la mirada y los labios rebosados de ternura.

Eridelvis López, quien dibuja siete murales en la Universidad O&M, presentó una pintura con una crítica futurista “de lo que puede que pase con el Metro de Santo Domingo”, a la cita que considera organizada y una platea luminosa para difundir su obra. María Román, destacada artista abrigada hoy de la maternidad, ganó Mención de Honor en dibujo en la pasada versión. Es artista-educadora del Centro León y ahora presentó el videoarte “We’re living in America” ante el criterio del jurado de premiación. Nelson Batista también bebió la savia educativa de la Escuela de Bellas Artes y llevó sus “juguetes” al concurso de Helvetas en Casa de Arte. En su obra trata “la problemática del transporte urbano, visto de una forma sarcástica”. Sobre la convocatoria dijo que existen “pocas instituciones y eventos de esta naturaleza que apoye y le dé seguimiento a los experimentos, a lo que hacemos. Somos científicos y este es el medio para darnos a conocer”.

Lilve García de Angelis y Pragmy Marichal García llegaron, posaron y crearon juntos. Y fueron escogidos. La obra “DES Iluminación del margen histórico”, fotografía e imágenes digitales, es la apuesta de ambos profesionales de la arquitectura. La pieza “es una crítica social al desbalance en la sociedad en sentido de los recursos”, confiesa Lilve, la artista seleccionada hace dos años en el Centro León y premiada en el Homenaje a la Ancianidad, concurso del Hospicio San Vicente de Paúl.
(Fuente: Listin Diario)

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De la muestra Retrato de una cultura, de Toni Rodríguez
La fotografía es un arte que cada año tiene más seguidores. Muestra de ello es Foto 30, todo un mes dedicado a la fotografía, un festival creado por iniciativa del Centro Cultural de España (CCE), cuya primera edición fue en el 2003.

Foto 30 integra exposiciones, conferencias, talleres, encuentros, conversatorios y charlas que se llevan a cabo gratuitamente en diferentes centros culturales públicos y privados.

“Este año habíamos propuesto como tema central ‘Masculino y femenino’, pero no todos los participantes tenían propuestas en ese sentido, así que decidimos dejarlo libre”, dice Jorge Castrillón, director del CCE.
Abre la fiesta

La apertura de Foto 30 en la zona 4 será hoy, a las 18 horas, en el IGA. El Centro Cultural de esta entidad albergará la muestra Miradas del alma, de Ricardo A. Ramírez: una colección no solo de imágenes sino de momentos. Luego, en el vestíbulo del IGA, Toni Rodríguez abrirá su exposición Retrato de una cultura, que muestra cómo hombres, mujeres y niños de comunidades indígenas ceden a la presión de los patrones occidentales.

A las 19 horas, en el CCE, será inaugurada la muestra Masculino y femenino, la cual, de acuerdo con la encargada de Prensa del CCE, “explora la iconografía corporal, los espacios físicos que tendemos a reconocer y complementar de acuerdo a las estrictas reglas de las construcciones de género. Sin implicar el fetichismo masculino o femenino, el cual ha reducido el sexo a un asunto de objetos visuales. Implica explorar las preconcepciones que tenemos a partir de los espacios definidos como normales. Como contrapunto, a través de la obra de Adriana Calatayud (México), Cecilia Paredes (Perú), Rachelle Mozman (Panamá, NY), Alberto Rodríguez, Mario Santizo, Juan Brener, Rodolfo Walsh y Alejandro Paz (Guatemala) la exposición muestra una serie de imágenes sin concluir, donde el espectador se ve provocado a considerar las metamorfosis del cuerpo y del sexo en sus múltiples versiones”.

La inauguración oficial de Foto 30 será mañana, a las 20 horas, en el Museo del Ferrocarril, con la muestra El viaje, una propuesta de Andrea Aragón, Moisés Castillo y Sandra Sebastián, sobre un viaje, entendido como desplazamiento físico expresado en clave de cambio mental.

Además, abrirán las exposiciones Fotografía y arquitectura de Ciudad de Guatemala, en la Galería Kilómetro 0 del Palacio Nacional de la Cultura (18 horas); Proyecto de arquitecturas intervenidas, de Jachym Klíment, de República Checa, y Patrick Hamilton, belga radicado en Chile, en el Centro Cultural Metropolitano, zona 1, (19 horas). En Casa Ibargüen estará el proyecto Landschaft, de Walter Iraheta, (19 horas).

En la agenda cultural incluiremos, en su momento, información sobre las demás exposiciones y actividades programadas dentro de Foto 30. Más información en www.foto30.com.gt.

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Por Luis Bonich

El “Mes de la Fotografía/Bariloche”, en su 12° edición intenta lograr como en el transcurso de estos años, ser el punto de encuentro, de cada vez más diversas propuestas fotográficas provenientes de todo el país.

La muestra comienza el 25 de Septiembre y se extenderá hasta el 25 de Octubre; fue declarada de Interés Parlamentario, por la Cámara de Diputados de la Nación, De Interés Provincial por la Legislatura de la Provincia de Río Negro y de Interés por el Consejo Deliberante Municipalidad S. C. de Bariloche. Mientras que el 18 de septiembre se inaugurará en la Secretaría de Turismo de la Nación. Suipacha 1111. Auditorio. Bs. As.

Contará con la presencia de los fotógrafos: Ataulfo Pérez Aznar, Don Ripka, Ricard, Martiniuk, Pablo Añeli, Martín Acosta, Mariano Salomón, Emiliano Lasalvia, Hernán Villar, Daniel Cabaza, Martín García y Ariel Ríos, Javier Mosquera, Agustina Roacio, Tamara Barrueco de Vansay, Natalia Henkel, Lucía López, Fabián Oger, Irina Dambrauskas, Axel Pincemin, Marcos Rodríguez, Raúl Cárdenas, Luis Seróni fotógrafos (emergentes) locales, y de Villa La Angostura.

La profesora Julieta Escardó, y por su puesto la participación de los fotógrafos profesionales, organizadores y mentores de este importante evento a nivel nacional Luis Bonich y Andrea Bravo.

También contaremos con la participación especial de Yael García Ruiz, la Dra. Analía Woloszezuk (Abogada), Alejandro Montes de Oca y Alejandro Reynoso.

A continuación, el programa oficial.

Prensa. Agente Oficial: Luciano Giudice.

“Mes de la Fotografía / Bariloche” 12° edic. 2008
Declaración de Interés Parlamentario, por la Cámara de Diputados de la Nación.
Declaración de Interés Provincial por la Legislatura de la Provincia de Río Negro.
Declaración de Interés por el Consejo Deliberante Municipalidad S. C. de Bariloche

Director y Coordinador: Luis P. Bonich. (Fotógrafo.)
Asistente en Fotografía: Andrea Bravo. (Fotógrafa.)
Asistente sala Frey: Yael García Ruiz. (Fotógrafa.)
Asesora Letrada: Dra. Analía Woloszezuk (Abogada)
Asesor en Fotografía: Alejandro Montes de Oca (Fotógrafo)
Asesor en Fotografía: Alejandro Reynoso. (Fotógrafo)

Sub.-Secretaria de Cultura: Lic. María Victoria Arroyo.
Prensa. Agente Oficial: Luciano Giudice. (Periodista.)

Programa Oficial.

18/09/08. 11hs. Presentación Oficial del evento, a la Prensa en la Secretaría de
Turismo de la Nación. Suipacha 1111. Auditorio. Bs. As.
25/09. 18,30hs. Inauguración Oficial del “Mes de la Fotografía – Bariloche”
Sala de Prensa de la Municipalidad: “Isabel Moreiras de Bustos”
19,30hs. Inauguración: “Objetivos” autor, Pablo Añeli, Fotógrafo,
Reportero gráfico. (Fotografías, pinturas y esculturas).
Sala “Isabel Moreiras de Bustos”. Libre y gratuito.
25/09 21hs. Taller de -Reportaje fotográfico- a cargo del Fotoperiodista.
Martín Acosta. (Vacantes limitadas, arancelado). (Inscripción)
(Lugar) Sala de Prensa Municipal. Centro Cívico.
26/09 11hs, Inauguración de “Intervalos y Movimientos” (Teatro y cine)
de Mariano Salomón, Fotógrafo y Psicólogo. Sala: “Cecilia Girgenti”
Museo de la Patagonia. Centro Cívico.
26/09 18hs: Taller de -Reportaje Fotográfico- a cargo de Martín Acosta
Fotógrafo, Reportero Gráfico, (Área de contenidos)
Escuela de Fotoperiodismo ARGRA). (Lugar): Universidad FASTA.
26/09 21hs. Proyecciones: a cargo de los fotógrafos invitados: Martín Acosta,
Emiliano Lasalvia, (La Nación), Pablo Añeli (Clarín), Mariano
Salomón, etc.
(Lugar): UFASTA. Av. Pioneros 38. Libre y gratuito.
27/09 09hs. Taller de -Reportaje Fotográfico- a cargo del Fotógrafo: Martín
Acosta. (Contenidos Esc. ARGRA). Lugar: UFASTA. Pioneros 38.
28/09 17hs. Final del -Taller de Reportaje Fotográfico-, a cargo de Martín
Acosta (Contenidos Escuela de la ARGRA) Sala Emilio Frey.
30/09 11hs. Inauguración de la muestra fotográfica: “Punta Lara” autor,
Ataulfo Pérez Aznar, Fotógrafo Argentino. Director de la Galería
Omega de La Plata. Sala: “Choneck” Museo de la Patagonia. C. Cívico.
1°/10 11hs. Distinción Honorífica al Fotógrafo Argentino Ataulfo Pérez
Aznar, por parte del Honorable Consejo Deliberante Municipal.
1°/10 12hs. Inauguración de la muestra de fotógrafos (emergentes) locales.
Sala del Consejo Deliberante Municipal. Libre y gratuito.
1°/10 18hs. Fotografía Documental: Seminario a cargo del Fotógrafo,
Ataulfo Pérez Aznar. (Vacantes limitadas. Arancelado).
(Lugar): Sala Emilio Frey. Centro Cívico.
2/10 11hs. Inauguración de la muestra fotográfica: “Desnudos” autores: de
Villa la Angostura y San Carlos de Bariloche.
Sala Emilio Frey. Centro Cívico.
2/10 18hs. Seminario de Fotografía Documental a cargo del Fotógrafo.
Ataulfo Pérez Aznar. (Lugar): Sala Emilio Frey. Centro Cívico.
2/10 21,30. “Suspiros”. Autor: Hernán Villar, Muestra Fotográfica.
(Lugar): -Mondilla- Gallardo 35. Inauguración.
3/10 18hs. Cierre del -Seminario de Fotografía Documental-. A cargo del
Fotógrafo: Ataulfo Pérez Aznar. (Lugar): Sala Emilio Frey. C. Cívico.
3/10 21hs. Proyecciones: Ataulfo Pérez Aznar, (presentará parte de su obra).
(Lugar): Sala Emilio Frey. (Libre y gratuito).
6/10 11hs. Inauguración de muestra colectiva “Un Viaje” (Arqueología). Museo
Paleontológico de Lamarque. Daniel Cabaza, Martin García y Ariel Rios. Pcia. Río Negro.
Sala: “Ex – Correo” Centro Cívico.
6/10 18hs. Inicio del Seminario: “Teoría de la Imagen” (Semiótica) docente:
Prof. Julieta Escardó. Fotógrafa Argentina, (Directora del “Centro
Ecléctico de la Imagen”) Bs. As. (Vacantes Limitadas, arancelado).
(Lugar): Universidad FASTA. Av. Pioneros 38.
7/10 17hs. Inauguración de la muestra, (a confirmar): Galería
Universidad FASTA.
7/10 18hs. Seminario de “Teoría de la Imagen” Semiótica. Prof. Julieta
Escardó. Vacantes limitadas, arancelado. Lugar: UFASTA.
8/10 9hs. Cierre del Seminario de “Teoría de la Imagen” Julieta Escardó.
UFASTA.
9/10 11hs. Inauguración Oficial de las muestras colectivas: “La Figura Humana”
de -Fotógrafos deEsquel y Asociación Fotógrafos Andino Patagónica”. Auspicia: -Agencia Cultura Río Negro- Centro Administrativo Bariloche.
(Lugar): Onelli y Vilcapugio. (Libre y gratuito).
10/10 21hs. Proyecciones: Documentales de Grandes Maestros de la Fotografía.
Presentación a cargo del Grupo Fotográfico Esquel. Sala de Prensa
Municipal. “Isabel Moreiras de Bustos” Centro Cívico.(Libre y gratuito)
14/10 11 hs. Inauguración de la muestra “ Gauchos Criollos” a cargo del
Fotógrafo: Javier Mosquera. Sala Tante Frida.
14/10 18 hs. Ensayo Fotográfico, Taller a cargo del Profesor: Don Ripka,
Fotógrafo Profesional, (reportero gráfico). (Director de la Agencia Sudaca
Photos) Vacantes limitadas, Arancelado.
(Lugar): Universidad FASTA. Av. Pioneros 38.
15/10 18 hs. Ensayo Fotográfico, a cargo del Fotógrafo. (EEUU – Argentino)
Don Ripka. (Lugar) Universidad FASTA. Av. Pioneros 38.
16/10 18 hs. Ensayo Fotográfico, cierre del Taller a cargo del prof. Fotógrafo;
Don Ripka. (Agencia SUDACA – PHOTOS).
17/10 15hs. “Iniciación a la Fotografía para niños”, a cargo de Andrea Bravo,
Fotógrafa profesional. (Argentina). Auspicia: Menger – Foto. (Vacantes
hasta 80 niños). (Libre – Gratuito.) (Lugar): Sala de Prensa “Isabel
Moreiras de Bustos”. Centro Cívico.
18/10 “Iniciación a la fotografía para niños” Salida de toma, a cargo de Andrea
Bravo, Fotógrafa barilochense; (Auspicia Menger – Foto). (Lugar) Sala de
Prensa Municipal. Centro Cívico. (Gratis).
21/10 10hs.Fotografía Digital, a cargo del Fotógrafo, Profesor: Ricardo
Martiniuk. (Especialista destacado). Niveles: Básico y avanzados.
Vacantes limitadas. Arancelado. (Lugar): UFASTA, Av. Pioneros 38.
22/10 10 hs. Fotografía Digital, a cardo del prof. Ricardo Martiniuk. UFASTA.
23/10 10 hs. Fotografía Digital, cierre del ciclo, a cargo del prof. Ricardo
Martiniuk. (Lugar): Universidad FASTA. Av. Pioneros 38.
24/10 “Iniciación a la fotografía para niños” Evaluación final de los trabajos
Realizados a cargo de: Andrea Bravo, (Fotógrafa) con la asistencia del
Fotógrafo: Luis Bonich. (Auspicia Menger – Foto). (Libre y gratuito).
25/10 Cierre del “Mes de la Fotografía – Bariloche” 12° edición, en el -Mercado
de la Estepa-. Autores: Agustina Roacio, Tamara Barrueco
de Vansay, Natalia Henkel, Lucía López, Fabián Oger, Irina
Dambrauskas, Axel Pincemin, Marcos Rodríguez, Raúl Cárdenas, Luis Seróni.
Lugar: ruta 40 sur y rutas 23. (Libre y gratuito.)

# Nota. La Organización del evento entregará, Certificados de valides curricular en todos los Seminarios y Talleres, a aquellos participantes que cumplan con la asistencia perfecta, a los mismos.
# Programa sujeto a modificaciones.
Colaboradores: Ariel Cárdenas, Patricia Villaseñor, Guillermo Partridge.
E-mail: mesdelafotografiaenbariloche@yahoo.com.ar

Pág. Web: www.mesdelafotografia.com.ar
TEL: 02944 – 15666605.

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Por Faustino Pérez
El autor es escritor

Desde el punto de vista de la cibernética se dice que una persona es más “inteligente” mientras más jergas, argots, idiomas y lenguajes domine; es decir, mientras mayor sea la cantidad de información que pueda “entender”. De igual forma podría afirmarse que un fotógrafo es más versátil, en la medida en la cual practique con éxito diferentes especialidades fotográficas.
Utilidades

No me estoy refiriendo a los llamados “chiriperos” de la cámara, quienes dicen que si a todo, y luego no hacen bien nada, aunque ya se sabe que las actividades que las personas realizan para sobrevivir son inverosímiles, y están en su perfecto derecho. Otro problema sería lo que opinan sus clientes defraudados.

Qué duda cabe de que no es lo mismo disparar con una cámara acuática bajo el agua, que una foto de un acto público, una instantánea en un mercado de pulgas repleto de gente, que un bodegón publicitario empleando un sinfín de fondo, tomar una foto furtiva de paparazzi, o bien, fotografiar a una modelo…Cada tipo de fotografía – por así decirlo – tiene sus características, sus bemoles y problemas disímiles a resolver, independientemente de las limitaciones técnicas, psicológicas y físicas del fotógrafo.

La fotografía como técnica-arte-ciencia-hobbie, cada día se diversifica y se especializa más; por consiguiente, resulta prácticamente imposible abarcarlo todo.

No obstante, el tema que nos ocupa, sin ser uno de los llamados grandes tópicos del mundo fotográfico, se practica con múltiples finalidades. El binomio fotógrafo-modelo, de sexos contrarios, si bien no es, por supuesto, el único posible para esta especialización, sí en cambio es el más corriente: Nos referimos a la combinación hombre-fotógrafo y modelo-mujer. De ahí que la gran mayoría de mis comentarios se referirán a esa clase de pareja.

Naturalmente, que existe una gran diferencia entre fotografiar profesionalmente a una top model reconocida internacionalmente, que cobre un dineral y con mucha demanda de trabajo, en una isla paradisíaca del Pacífico, o en un depósito de autos viejos en Los Ángeles, en un tren–bala japonés, o en un canal de Amsterdam; al comparar esto con el vecino que pide una camarita prestada para fotografiar a su nieta en la acera de la casa el día de su cumpleaños, notaremos el contraste en seguida.

Como ustedes comprenderán, los problemas logísticos y de material de apoyo incluyendo a los ayudantes y asistentes, son muy diferentes. En las “grandes ligas” de la fotografía, existe una competencia atroz, muchisimo dinero e intereses involucrados, y reputaciones que es menester revalidar constantemente, para que las cotizaciones aumenten o, que como mínimo, se mantengan. No es cuestión de “hazme un favor que luego yo te hago otro”, sino más bien, de que “si tú quieres esa foto tienes que pagar tanto”.

Mucho menos es un asunto de recortar una fotografía de una revista extranjera y decirle al fotógrafo: “yo quiero una igual”; o peor aún, de usar esa misma foto e incluirla en un arte sin pedir permiso a nadie, sin darle crédito a la modelo, ni al que tomó la imagen, y sin desembolsar nada; y luego pretender vender la publicación donde aparece la foto pirateada fuera del país.

Desde la vertiente de la relación fotógrafo-modelo, si se aplica una “fórmula”, o sea, tal ángulo, con tal luz, con tal distancia, con tal lente, con tal fondo… basta con fijarse en sus características corpo-faciales y trabajar en consecuencia utilizando el método descrito en los manuales. La resultante será casi siempre una foto fría y más o menos correcta. Para hacer esto no se precisa conocer la psicología y el potencial de las personas. No es lo mismo que pretender lograr algo más que una apariencia estándar, con una imagen con estilo propio, para lo cual se precisa que se desarrolle una compenetración entre el fotógrafo y la fotografiada. Bueno, como los estilos tienen un marchamo, los clientes ya eligen a los fotógrafos conociendo de antemano sus trabajos previos.

Cabe la posibilidad de efectuar variantes a partir de una idealización básica que haya servido de punto de partida; luego se selecciona. Incluso, la protagonista puede tener una inspiración genial, lo mismo que el autor de la foto; o bien, cabe la posibilidad de que la modelo adopte una pose de las suyas que sirva y sea interesante o adecuada para el fin que se quiera lograr. Hay que hacer la salvedad de que no todas las modelos tienen la misma capacidad de improvisación. De todas formas, se supone que si son profesionales tienen un mínimo de aptitudes.

De todas formas el ambiente favorece o desfavorece las fotos; por descontado que existe mucha diferencia entre estar en un hotel de lujo o encontrarse un basurero maloliente, o bien, en un camposanto abandonado de madugada, versus un ring de lucha libre. Es preciso tomar todo esto en cuenta, y mucho más, ya que la búsqueda de imágenes insólitas no tiene límites.

La música puede jugar un papel importante cuando sea pertinente, claro está, complaciendo los gustos de la modelo. Se sabe por experiencia que el acompañamiento musical puede crear un estado de ánimo, y un “feeling”, de tal suerte que hasta contribuya a marcar el ritmo de los disparos; además, es probable que colabore en un alto porcentaje al éxito de la sesión fotográfica, es decir, a la consecución de lo que se quiere lograr o expresar por medio de imágenes. En exteriores cabe la opción de llevar un equipo portátil.

En las sesiones profesionales es imprescindible tener ayudantes para encargarse de eliminar el posible sudor causado por las altas temperaturas de la iluminación artificial, o bien, del sol ardiente. De lo contrario, si además no se retoca el peinado, el maquillaje y la vestimenta, se corre el riesgo de que las fotos tengan que ser retocadas mucho o que sean inservibles.

Los fotógrafos de modelos desnudos tienen que contar con mayores presupuestos, porque las modelos cobran tarifas más caras, aparte de que no todas están disponibles para posar sin ropa. Hay fotógrafos que les proporcionan a sus modelos bebidas alcohólicas, con el fin de que se desinhiban. Se han dado casos de modelos borrachas, que cometen toda clase de excesos.

Para las fotos semi-profesionales, hay que tener mucho cuidado con los juicios emitidos por allegados, puesto que aunque sean buenas personas en otros órdenes y tengan intenciones sanas, eso no significa que automáticamente estén capacitadas para emitir una crítica aceptable, sobre estos temas.

Hay féminas muy coquetas, desenvueltas o con grandes dotes histriónicas, pero que no son profesionales, que al ponerse frente a una cámara se quedan casi petrificadas. Si el fotógrafo no conoce ese comportamiento puede sufrir una decepción. A propósito, hay modelos masculinos que son más coquetos y narcisistas que muchas mujeres, hasta tal punto que parecerían que suspiran todas las mañanas ante el espejo al contemplarse.

Hay modelos no muy experimentadas que digamos, que están demasiado pendientes del disparo, y salen como los espías mirando de reojo, otras en cambio aparecen tensas por su exagerado sentido de no hacer el ridículo. La clave de esto está en la naturalidad, aunque la toma sea extravagante. Existe un paralelismo entre la manera de “enfrentar” a la cámara, y los modos que desarrolla la gente para lidiar con los asuntos y problemas que la vida les depara.

Blog: faustinoperez.blogspot.com

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Un hombre observa la obra de Andy Warhol
¿Es el arte por amor al arte algo del pasado?
¿Cuánto puede valer una pintura, US$2000, US$3.000, US$20.000? Ésa es la pregunta que hoy en día se hace el mercado del arte.

En momentos en que la crisis crediticia parece tocar la vida de muchas personas, el mundo del arte no muestra signos de sufrir sus efectos, al menos de acuerdo el especialista Godfrey Barker.

“Ahora me doy cuenta de que el arte, por amor al arte, era en realidad un grito de auxilio de Oscar Wilde y sus amigos frente a la realidad, que es arte por dinero”.

Vea también: Inversores se refugian en el arte

“Pasará mucho tiempo hasta veamos nuevamente precios tan buenos como los de ahora, aunque tal vez estemos tan sólo en el comienzo de un boom que puede llegar a durar tanto como el del siglo XIX: unos 32 años, entre 1863 y 1895″.

Un mercado que crece

Cuando la bolsa de valores cae, otras inversiones vienen a llenar el vacío. Esto es lo que quizás esté pasando ahora en el mercado del arte.

Una mujer visita una exhibición de Helmut Newton
La fotografía se ha transformado recientemente en un objeto de colección preciado.
Las ventas de arte contemporáneo durante la última primavera alcanzaron un total de US$500 millones, si tomamos en cuenta a las principales casas de remates a ambos lados del Atlántico.

Los inversores parecen tener más confianza en el pintor y grabador estadounidense Mark Rothko que en gobernador del Banco de Inglaterra Mervyn King.

Y no son solamente las pinturas las que están aumentando en su valor, las fotografías también se han convertido en uno de los objetos de colección más preciados.

“A principios de la década de los 90 el récord de venta (de una fotografía) era de US$10.000 o US$15.000. Ahora los récords alcanzan los US$2,5 millones o US$3 millones”, afirma Joe Kraeutler, Director de Fotografía de la casa de arte y remates Phillips de Pury en Estados Unidos.

Préstamos para todos

Nosotros le prestamos a quien sea, pero nunca por debajo de los US$250.000, simplemente porque no apuntamos a ese tipo de negocios
Ian Peck, del Art Capital Group
Pero si usted quiere comprar una obra de arte de ese valor y no tiene el dinero, ¿qué puede hacer?

Bueno, puede ponerse en contacto con Ian Peck, del Art Capital Group, una compañía que funciona como una banco privado para coleccionistas de arte.

La empresa le puede prestar un 50% del precio de la pieza que quiere comprar.

“Un préstamo típico ronda los US$5 millones, por eso nosotros no tenemos miles de cliente”, explica Peck.

El préstamo más grande que otorgó la firma fue a una corporación, por un total de más de US$30 millones, para la compra de varias obras de arte.

Pero, ¿cualquiera puede acceder a estos créditos?

“Nosotros le prestamos a quien sea, pero nunca por debajo de los US$250.000, simplemente porque no apuntamos a ese tipo de negocios”, responde Peck.

¿Qué compro?

Las obras del artista británico Damien Hirst se cotizan muy bien en el mercado del arte.
La pregunta que resta es qué comprar: ¿cómo reconocer aquellas obras cuyo valor aumentará con el tiempo?

“Ningún coleccionista compra en el vacío, tener información es fundamental”, dice Ethan Wagner uno de los directores de Art Advisory Services en el bajo Manhattan.

“No puedes ser un coleccionista si lo que haces es mirar un poco a ver qué hay y luego eliges cosas”, agrega.

Thea Westreich, esposa y socia de Wagner, señaló que durante los primeros seis meses con un cliente, el trabajo consiste en acompañarlo a los museos y galerías para que se familiarice con el mundo del arte contemporáneo.

En ese período, el cliente no compra nada.

“Lo último que quieres es hacer que alguien compre cosas que te apasionan a ti, porque ahí el proceso se termina y se transforma en: ‘consígueme un Damien Hirst, tráeme un Warhol’ y eso no es coleccionar”, dice Wagner.

El secreto está en identificar de dónde vendrán las próximas tendencias.

Creo que en 20 años los precios más caros en el mercado del arte estarán en China, Rusia e India

Godfrey Barker, experto
“Creo que en 20 años los precios más caros en el mercado del arte estarán en China, Rusia e India, probablemente de artistas que nunca hemos escuchado en el mundo occidental, y posiblemente, de cuadros que aún no han sido pintados”, afirma Godfrey Barker.

Quizás, todos los turistas que ahora viajan a Pekín para asistir a los Juegos Olímpicos deberían pasar tanto tiempo en galerías de arte como en estadios, si en el futuro quieren hacer un buen negocio.

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Líderes mundiales y figuras literarias han estado rindiendo homenaje al escritor ruso y Premio Nobel de Literatura Alexander Solzhenitsyn, quien falleció este domingo a los 89 años en su casa cerca de Moscú.

El presidente ruso, Dimitri Medvedev, presentó sus condolencias a la familia del autor quien a través de sus novelas expuso el sistema carcelario estalinista, convirtiéndose desde el exilio en uno de los más influyentes disidentes soviéticos.

El último líder de la Unión Soviética, Mijaíl Gorbachov, cuyas reformas llevaron al fin del comunismo en el país, dijo que Solzhenitsyn desempeñó un papel clave en socavar el régimen totalitario de Stalin.

Sus obras “cambiaron la conciencia de millones de personas”, dijo Gorbachov.

Por su parte, el ex presidente y actual primer ministro ruso Vladimir Putin lamentó la enorme perdida que representa la muerte del escritor para Rusia.

“Estamos orgullosos de que Alexander Isayevich Solzhenitsyn hay sido nuestro compatriota y contemporáneo. Lo recordaremos como un persona fuerte, valiente y con una enorme dignidad”, indicó Putin.

Lea: En sus propias palabras

Prisión, exilio y regreso

“Un día en la vida de Iván Denisovich” y “El Archipiélago Gulag” fueron libros en los que Solzhenitsyn denunció las prisiones de trabajo forzado en Siberia, obras que lo hicieron famoso en todo el mundo.

Fue uno de los primeros en hablar del régimen inhumano de Stalin
Mijaíl Gorbachov, ex líder soviético

El autor recibió en 1970 el Premio Nobel de Literatura.

En 1974 fue arrestado por presuntas actividades antisoviéticas y posteriormente fue expulsado del país.

El escritor se trasladó entonces a Estados Unidos.

Sin embargo, Solzhenitsyn regresó a Rusia en 1994. Tras la caída del bloque soviético y bajo una nueva Rusia, el Kremlin le confirió en 2007 uno de los más grandes honores al otorgarle el Premio Estatal de Rusia por su labor en el ámbito humanitario.

El novelista y crítico ruso, Andrei Bitov, señaló a la BBC que el fallecido autor fue un producto y una víctima del sistema soviético.

“Solzhenitsyn fue el reflejo de la trágica, irónica historia rusa…pasar por todas esas tribulaciones para terminar siendo casi aceptado oficialmente por la pandilla que estuvo en el origen de sus más fuertes denuncias”.

Mientras estuvo en Estados Unidos también se pronunció en contra de lo que consideraba la corrupción moral de Occidente.

Durante una entrevista en 2006, el escritor dijo que la democracia occidental estaba atravesando una grave crisis.

En esa entrevista concedida al periódico Novedades de Moscú, acusó a la Organización del Tratado del Atlántico Norte (OTAN) de tratar de subyugar a Rusia.

El autor nació en diciembre de 1918, estudió física y matemáticas en la Universidad de Rostov y sirvió en el Ejército Rojo tras la invasión de Hitler en 1941.

En 1945 fue condecorado por su coraje, pero fue denunciado por haber escrito una carta en la que criticaba a José Stalin, hombre que dominó los destinos de la Unión Soviética por casi 30 años.

Por ello, pasó ocho años en el sistema de prisiones soviético conocido como Gulag, antes de ser trasladado a un campo especial en la ciudad de Ekibastuz, en Kazajistán, donde un recibió tratamiento exitoso para curar un tumor maligno en el estómago.

Según el corresponsal de la BBC, Chris Jones, el autor fue un nacionalista apasionado que fue marginado progresivamente desde su regreso a Rusia en 1994.

Sin embargo, señala Jones, Alexander Solzhenitzyn aseguró su lugar en la historia como héroe, profeta y probablemente como el más grande escritor ruso del siglo XX.

El presidente francés, Nicolas Sarkozy, señaló que “su intransigencia, sus ideales y su larga vida llena de incidentes hacen de Solzhenitsyn un héroe de novela, un heredero de Dostoyevksy”.

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México.- En el marco del Festival Nacional del Sotavento, espacio creado para la expresión, recreación y el intercambio de las manifestaciones artístico culturales en estados como Oaxaca, Tabasco y Veracruz, fue emitida la convocatoria para el Concurso de fotografía de arquitectura vernácula del Sotavento.
Su propósito es difundir, impulsar e incentivar la producción fotográfica en esa región y así dar fe de la cultura popular que forma parte del patrimonio cultural de esta zona geográfica.
La convocatoria está abierta a fotógrafos aficionados y profesionales de nacionalidad mexicana, que vivan en cualquiera de los estados que conforman la región del Sotavento y que cuenten con series fotográficas sobre la arquitectura local de los estados de Oaxaca, Tabasco y Veracruz, en las que podrán incluir casas habitación, construcciones rurales, cercados, interiores, patios, edificios, espacios públicos y quioscos.
Los participantes podrán enviar 10 series en papel fotográfico tamaño de 8 por 10 u 8 por 12 pulgadas, en blanco y negro, o en color, según sea el caso, sin montar, con funda protectora de polipropileno.
Los interesados deberán entregar sus trabajos en un sobre cerrado que se identificará con seudónimo. Además, deberán incluir su identificación, seudónimo y el nombre de la serie, con los datos del autor: nombre completo, teléfono, dirección, fotocopia de identificación oficial con fotografía y correo electrónico.
El jurado será integrado por reconocidas personalidades de la fotografía y otorgará tres premios durante el Cuarto Festival Cultural del Sotavento; el primer lugar recibirá 15 mil pesos, el segundo 12 mil y el tercero, ocho mil pesos.
También se entregarán menciones honoríficas, acompañadas por un estímulo de dos mil pesos cada una. La recepción del material está abierta actualmente y concluirá el jueves 11 de septiembre de 2008.
Los trabajos podrán entregarse en la Dirección General de Vinculación Cultural del Conaculta, ubicada en Avenida Paseo de la Reforma Núm. 175, 5o piso, colonia Cuauhtémoc, delegación Cuauhtémoc, de la Ciudad de México, o en los Institutos de Cultura de Veracruz y Tabasco y la Secretaría de Cultura de Oaxaca.
También pueden enviarlos al correo electrónico rcandelas@correo.conaculta.gob.mx o comunicarse al teléfono 01 (55) 41 55 03 88.
Este concurso es organizado por Consejo Nacional para la Cultura y las Artes a través de la Dirección General de Vinculación Cultural, el Instituto Estatal de Cultura de Tabasco, la Secretaría de Cultura de Oaxaca y el Instituto Veracruzano de Cultura. La convocatoria puede ser consultada en la dirección electrónica www.conaculta.gob.mx
(fuente: motimex)

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Colombia
El Periódico EL MUNDO convoca a todos los fotógrafos profesionales y aficionados a nivel regional y nacional a la quinta edición del Concurso Colombiano de Fotografía “Los Niños de Mi Tierra”.

El certamen busca promover la práctica de la fotografía en beneficio de la niñez y adolescencia colombianas, y este año, mediante el replanteamiento de sus categorías, invita a todos los participantes y a la comunidad en general, a conocer mejor el nuevo código de la infancia y la adolescencia (ley 1098 de 2006, ver www.bienestarfamiliar.gov.co) para que así más y más colombianos acatemos y renovemos nuestro compromiso y responsabilidad frente a la infancia y la adolescencia en nuestro país.

Participantes

Pueden participar fotógrafos aficionados y profesionales, estudiantes, miembros de agremiaciones fotográficas, artistas, en fin, todas las personas que sean las autoras de fotografías relativas al tema de niñez y adolescencia

Inscripciones

La inscripción al presente concurso tiene un valor de $25.000 que le otorga el derecho a cada participante para enviar hasta 25 fotografías a la(s) categoría(s) que elija. Se podrán enviar de 25 a 50 fotografías, pero sólo si se hace una segunda consignación por 25.000 pesos y así sucesivamente.

El pago debe hacerse por medio de consignación en BANCOLOMBIA Cuenta de ahorros N° 1011-2672401 a nombre de Periódico EL MUNDO S.A. especificando “Concurso de Fotografía”. Hecha la consignación, cada participante deberá hacer llegar en sobre cerrado, el formulario de inscripción completamente diligenciado (el cual podrá imprimirse desde nuestro portal web), al cual se le ha adjuntado el comprobante de consignación y las fotografías (para el caso de fotógrafos no independientes, se debe adjuntar también la autorización a participar por parte de su empleador). En caso de recibirse más de 25 fotografías y no recibirse copia de su respectiva consignación adicional, los organizadores del concurso tomarán las primeras 25 obras como vengan en el sobre y sólo éstas participarán en el concurso.

Los participantes deberán enviar sus trabajos por correo postal a: Periódico EL MUNDO, V Concurso Colombiano de Fotografía “Los Niños de Mi Tierra”.

A.A. 53874 de Medellín.

También se recibirán obras en nuestras oficinas principales:

Calle 53 No. 74-50
Medellín, Colombia

Formulario de inscripción

Trabajos:

Las obras presentadas deberán abordar el tema de la niñez y adolescencia colombiana (0 a 18 años), en su situación actual y ajustándose a los límites conceptuales impuestos para cada categoría. La técnica elegida será parte de la decisión del fotógrafo al realizar su trabajo. En cada categoría participarán por igual obras a blanco y negro, en color, digitales y análogas o tradicionales. Se recomienda no alterar digitalmente las fotografías originales.

Las fotografías deben presentarse impresas sobre papel fotográfico en formato no menor de 13 x 20 cms, ni mayor de 20 x 25 cms, siendo este último el formato recomendado. Se pide no coser ni escribir al respaldo de las obras.

Las fotografías también podrán enviarse en formato digital, para ser proyectadas, ante el jurado. En tal caso, las imagenes deben medir al menos 1.600 pixeles en su lado más largo, grabarse en formato JPEG con calidad de 7 en Photoshop, tener una resolución no menor de 72 dpi y pesar no menos de 1.5 megapixeles. Para nombrar los archivos deben poner primero su seudónimo, luego el código de la categoría al que inscribe la imágen y título o número. Cuando se trata de una Historia Viva, la secuencia de la serie se deberá señalar con el consecutivo A,B,C,D,E,F.

Ejemplo:Pedro Pérez, con seudónimo “pitillo” envía una foto para la categoría Saludables, la cual titula “Alimento de vida”. Si envía la foto digital, el nombre de dicho archivo puede ser: pitillo s alimentodevida.jpg. Si el mismo “pitillo” envía una serie para Historia Viva, llamada “la alegría de leer”, la primera foto de la serie tendrá será: pitillo hv laalegriadeleer A.jpg; La segunda pitillo hv laalegriadeleer B.jpg y así sucesivamente.

De todas maneras, las fotografías digitales deben ir debidamente reseñadas en el formulario físico y estar grabadas en un un cd o dvd debidamente marcado con el nombre del participante. No se recibirán fotografías vía correo electrónico.

No se aceptarán diapositivas ni negativo

Plazos:

Se recibirán participaciones hasta el viernes 30 de noviembre de 2007.

Tras el fallo del jurado calificador, la proclamación de los ganadores será el miércoles 12 de diciembre. Allí mismo iniciará la exposición itinerante de las obras ganadoras, la cual también podrá ser vista en la pagina web www.elmundo.com

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A salto de mata MARTA P. ALDARAVÍ FOTÓGRAFA DEL FESTIVAL DE JAZZ DE SAN JAVIER
Una exposición en FNAC repasa en imágenes los once años de historia del festival de San Javier, con sus artistas y sus «expresiones más características»

AUTORA. Marta Aldaraví, con el cartel anunciador del festival. / ALEXIA SALAS
Los astros del jazz le hablan con los ojos. Conoce a la perfección los gestos de los grandes músicos porque se ha pasado horas y horas observándolos, con el dedo en el disparador a la espera de la expresión que define al artista. Marta Pinilla Aldaraví expone ahora en FNAC de Murcia un breve repaso por los 11 años de Jazz San Javier. Emoción, tensión, elegancia, concentración.

- ¿Cuántas fotos habrá hecho a músicos de jazz?

- Sólo a Toquinho le hice 700 fotos. Tengo el dedo flojo, cada momento lo veo especial. No me conformo. Siempre busco ángulos diferentes. No me sacio de hacer fotos. Busco la imagen perfecta. Tengo más de 3.000 fotos por año de Festival, así que tendrá unas 33.000 fotos, aunque de los primeros años hay menos porque usaba negativos de 135 milímetros.

- Debe ser algo así como fotografiar animales en su hábitat salvaje; un trabajo de paciencia.

- Sí, por eso nunca me quedo satisfecha. Al final del concierto, el artista suele sentirse más relajado y le ves más expresividad. Hay que tener mucha paciencia, estar con el dedo preparado para el momento en que gire algo la cabeza. Creo que ésa es mi gran virtud, la paciencia. La tengo con los niños, con mi negocio, con los músicos.

- ¿Qué busca en las imágenes de los músicos?

- Busco su expresión más característica. Atrapar el sentimiento de su música. Los hay poco expresivos. Algunos incluso se hacen perder la motivación y llegan a aburrirte. Pero los grandes artistas suelen tener carácter.

- Tiene que moverse además sin ser visto, para no molestar a los artistas.

- Casi nunca reparan en las fotos. Los baterías sí, porque me gusta hacerles planos laterales y algunos me ven y me echan una sonrisa. El saxofonista James Carter se puso a bailar cuando me vio y Wynton Marsalis miraba a la cámara.

- En estos 11 años de jazz, quiénes han sido los mejores modelos, los más expresivos?

- Leían Elías fue muy dulce y natural. Salomón Burke se comía la cámara por lo inmenso que es. Marsalis es un buen modelo. Y la pianista Hiromi muy difícil de captar porque se mueve muchísimo.

- ¿Y los más complicados?

- Con Van Morrison, que es un pedazo de artista, te quieres lucir, pero puso muchas condiciones, entre ellas que se hicieran las fotos sólo con luz tenue. Además llevaba sombrero y no cambió apenas de expresión.

- ¿Los hay maniáticos para esto de las fotos?

- Sobre todo las mujeres, que piden que saques su lado bueno.

- ¿Le molestaron los flashes al albino Johnny Winter?

- Él pidió que no se usara flashes, pero no los uso en los conciertos. En el camerino no puso ningún problema. Pero algunos, cuanto más famosos, más quisquillosos. Gary Moore no dejó entrar a nadie y limitó las fotos.

- En alguno ha observado una personalidad diferente ante la cámara que lejos de ella?

- Paul Anka es un gran profesional en el escenario, bailó con una señora y se acercó al público, pero luego se mostró muy poco accesible.

- ¿Tiene alguna foto preferida de todos estos años?

-Sí, una de un trompetista concentrado, pensativo antes de comenzar a tocar, mirando hacia abajo. Es Ron Blake, que vino a San Javier el año pasado con Joel de Francesco. Está en la exposición.

(fuente: Laverdad-Miurcia)

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Los cuatros dominicanos expuestos en la muestra, inaugurada por la señora Ki, coordinadora general de la muestra, son de Eligio Pichardo, Yoryi Morel, Ramón Oviedo y Clara Ledesma. La participación dominicana se produjo, dijo Héctor Galván, en coordinación con el Museo Nacional de Arte Moderno y su directora María Elena Ditrén. Galván dijo que la apertura de la muestra constituyó un evento importante para la plástica latinoamericana ya que se incluyen cuadros de Botero, Guayasamín, Frida Khalo, Diego Rivera, y Orozco entre otros maestros de la plástica latina.

“La inclusión de obras de estos maestros dominicanos en el marco de una muestra tan selectiva, es un reconocimiento a la plástica nacional.” Dijo Galván. El Viceministro de Cultura, Turismo y Deportes representaron al Poder Ejecutivo y tuvo palabras de elogio para la exposición y sus organizadores incluyendo a los embajadores de cada nación representada en la muestra.

Explicó Galván que la señora Ki, coordinadora general de la exposición, ofreció una visita guiada ofreciendo explicaciones de las características de las obras de Botero, Guayasamín, Frida Khalo, Diego Rivera, Orozco, Ramón Oviedo, Clara Ledesma, Eligio Pichasrdo y Yoryi Morel, las cuales engalanaban varias magnificas salas del Museo de Arte Nacional del Palacio de Deoksugung, ubicado en el mismo centro de la ciudad de Seúl.

Los comentarios sobre las obras de los pintores de cada país fueron completados en conversación informal con los críticos por los embajadores de Colombia, República Dominicana, México, Uruguay y otros países. Una vez finalizado este tour, los presentes fueron invitados a una recepción en la segunda planta del Museo, al compás de la música interpretada por un trío de cuerdas.

Al cierre de la actividad la coordinadora de la muestra entregó los catálogos oficiales del evento.

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Los arqueólogos Jorge Ulloa Hung y Johnny Rubio realizaron los hallazgos en Sección Hato Viejo, el Salto del Jaguez y La Cueva del Indio. Los hermanos Guillén, conocidos por su labor artesanal en la zona, sirvieron como guías a los arqueólogos.

Según los investigadores las nuevas expresiones de arte rupestre en la Provincia de Monte Plata, y en particular en la zona de Yamasá, constituye una nueva evidencia que completa en parte los estudios de la zona.

Sobre el hallazgo, añaden que el primer lote de pictografías aparece en la sección No1 “de las tres que atraviesan con disposición más o menos horizontal de esta gran masa cársica. La misma presenta 5 claraboyas en caída vertical por las cuales penetra la luz y cuatro entradas (dos al Sur, una al Norte y la otra al Este)”.

“Las pictografías descubiertas son de color negro, y su altura del piso es variable. Algunas se encuentran a 50cm mientras otras alcanzan 1,50m aproximadamente”.

En superficie han aparecido fragmentos de vasijas que son las únicas evidencias arqueológicas. Se realizó el rescate de superficie de muestras lo que es común en estos casos. No aparecieron piezas completas, y los fragmentos han sido llevados para estudio al Museo del Hombre Dominicano.

Fueron rescatados huesos humanos dispersos, producto de las remociones del lugar por personas que habían visitado las cavernas lítico”, aclaran. A diferencia de las pictografías, los petroglifos, o sea grabados sobre la roca, fueron localizados en el Salto De Jaguey, y representan figuras humanas.

Autor: Ramón Calcaño
Fuente : El Nievo Diario

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A Tim Hetherington le apasiona experimentar con las imágenes en la pantalla del ordenador, rendido ante la revolución que ha impuesto internet y convencido de que “la fotografía en su formato tradicional pronto va a resultar irrelevante en los medios de comunicación”. El ganador de la última edición del World Press Photo no revela el menor atisbo de nostalgia a la hora de certificar la muerte del soporte impreso. “Lo que me interesa es contar una historia más que el formato”, explica este fotógrafo, documentalista y director de cine británico, que prefiere autodefinirse como un “creador de imágenes” y sobre todo “un narrador”.

Hetherington: “No me interesa retratar la violencia: prefiero buscar situaciones humanas entre tanta desolación”

Ha sido en cualquier caso la fotografía concebida para las páginas de una revista la que le mereció el galardón del prestigioso certamen. El retrato de un soldado estadounidense postrado en un rocoso búnker de Afganistán fue tomado en el valle de Korengal, junto a la frontera pakistaní, escenario de los combates más mortíferos entre las fuerzas de Estados Unidos y la insurgencia afgana. La imagen que recogió su cámara expone “la extenuación de un hombre y, por extensión, de toda una nación”, según el presidente del jurado, Gary Knight, al anunciar una decisión que no resultó del gusto de todos. A Hetherington le han llegado a reprochar que la fotografía en cuestión aparezca borrosa, pero él rebate que ese ligero desenfoque -fruto de la precaria iluminación en un búnker de 30 metros de altura por 10 de ancho- confiere tintes casi pictóricos a su trabajo.

La pieza forma parte de un reportaje encargado por la publicación americana Vanity Fair que, bajo el título En el valle de la muerte, reflejaba las condiciones de vida en el Segundo Batallón del 53º Regimiento de Infantería, al que Hetherington estuvo incrustado en el otoño de 2007. El autor está mucho menos interesado en la lectura política de la fotografía que en el “enorme sentimiento” que cree que encierra: “Mi trabajo”, subraya, “consiste en conectar con la gente, en su comportamiento en situaciones extremas. No pretendo dar un empujón a la agenda política, en todo caso generar un debate”. Por eso declina pronunciarse sobre las intervenciones militares en Afganistán o Irak.

Hetherington vierte esas reflexiones en una cafetería de Londres, ciudad que apenas pisa aunque aquí tiene su cuartel general, a las pocas semanas de la concesión del premio. Ese reconocimiento, admite, supone una plataforma formidable, aunque “también lo cambia todo por el enorme escrutinio. He decidido aprovechar sus réditos, pero me preocupa ser malentendido, no quiero que me encierren en una caja”. Resume esa aprensión en el constreñimiento que le supone ser catalogado como fotógrafo de prensa, porque él se considera un generador de diferentes formas de comunicación fotográfica, ajeno a etiquetas. “No me siento miembro de la comunidad World Press Photo”, sostiene en un sorprendente desmarque de la organización que ya le procurara otros dos galardones fotográficos en pasadas ediciones.

Nacido en Liverpool en 1970, Tim Hetherington se graduó en literatura inglesa por la Universidad de Oxford, y trabajó como editor y escritor de literatura infantil antes de pasar por la escuela de fotoperiodismo de Cardiff (Gales). Allí, señala, formó parte de “la última generación de estudiantes que reveló en blanco y negro”, un recurso que hoy considera relegado a mera pieza de museo. Su trayectoria como profesional de la imagen arrancaba en 1977, apoyándose en proyectos a largo plazo que en los últimos ocho años ha concentrado sobre todo en la geografía de África occidental, objeto de exposiciones, proyecciones digitales y películas, como Liberia, una guerra incivil (2004). Nunca quiso replicar la brutalidad de los conflictos que azotan a ese continente con imágenes explícitas, porque “no me interesa retratar la violencia: prefiero buscar lo ordinario, situaciones humanas entre tanta desolación”. Esa aproximación, considera, fue a menudo malentendida en las redacciones de los periódicos, donde dice no haber encontrado el eco para su trabajo. “Las imágenes ‘que piensan’ y que ‘permiten pensar’ han desaparecido de las páginas de la prensa escrita. Creo que sólo se da margen a las ideas del escritor y que impera un cierto esnobismo intelectual”, se despacha.

Hetherington acaba de regresar de los Emiratos Árabes Unidos, donde ultima una exposición conjunta de fotógrafos británicos y locales, La casa de mi padre, un recorrido por la agitada historia de los países de la península Arábiga a partir de su diversidad arquitectónica. Mientras devora una hamburguesa, con la misma premura con la que apura las únicas 24 horas que pasará en Londres en los próximos meses, explica que ya prepara las maletas para regresar a Afganistán durante el verano. Esa reiteración en el frente bélico fascina a los estudiantes que asisten a sus clases puntuales de fotoperiodismo, “realmente obsesionados con la idea de ir a los puntos calientes para retratar la violencia. Yo intento refutar ese sueño de héroe que para ellos encarna el fotógrafo de guerra”.

Hetherington piensa firmar un segundo reportaje sobre el despliegue estadounidense y al tiempo filmar la secuela del documental que el año pasado emitió el programa Nightline de la cadena americana ABC. Ahí reconoce que la concesión del World Press Photo ha contribuido a afianzarle, aunque irónicamente la fotografía premiada no aparecía entre las 12 páginas que la revista dedicó a aquel trabajo, aunque sí fue insertada en su edición digital.

¿Va a desplazar el vídeo a la fotografía en sus futuros trabajos? “Suelo elegir el formato que funcione mejor para la historia, que es lo realmente importante, aunque el mundo de las pantallas de la televisión o del ordenador y la fotografía en el futuro será lo mismo. En el pasado los abordé como universos separados, ahora quiero que converjan”. A lo largo de la conversación, Hetherington llega a sentenciar “el fin de la fotografía”, aunque acaba matizando que alude al necesario cambio de mentalidad de los profesionales de la imagen ante el vértigo que produce la irrupción de las nuevas herramientas digitales.

Hacemos un repaso a su producción, pero cuesta arrancarle una selección de sus propios trabajos. Su asistente, Nayla, nos revela que guarda especial cariño a la serie Healing Sport (1999-2002), uno de sus proyectos en torno al resurgimiento del deporte como antídoto ante los estragos de la guerra en países como Liberia, Sierra Leona o Angola. Las fotografías fueron tomadas en blanco y negro, una plataforma que no piensa volver a utilizar. “El blanco y negro es más abstracto. El color, en cambio, te aproxima a la historia. Trabajar en blanco y negro es uno de mis errores del pasado: es muy bonito pero creo que ya no resulta útil”. Al final se decide a escoger una imagen que capturó en pleno conflicto liberiano: un guerrillero se despide de su novia, en un momento de intimidad ajeno al caos. “Me gusta esta fotografía porque expresa que también en la guerra hay espacio para las emociones humanas, aunque en su día no fue apreciada (diversos medios la rechazaron)”. La instantánea formará parte de la recopilación de sus experiencias en Liberia en un libro, “una narrativa personal con fotografías y texto” que será publicada el próximo año, en lo que parece constituir toda una revancha.

Fuente: Elpais.com

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Las imágenes fueron tomadas el pasado 20 de julio entre las 22:00 horas y las 2:00 hora local. El día marciano dura 24 horas y 29 minutos.

En la panorámica formada por las fotografías, se observa el paso del Sol con respecto al polo norte donde ahora, al igual que en hemisferio norte de la Tierra, es verano y el astro no llega a ponerse.
(Fuente: Hechos.TV)

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