Alicia Núñez retrata la personalidad del continente negro a través de 70 fotografías de gran formato

Alicia Núñez, junto a una de sus sugerentes fotografías. / GONZÁLEZ MOLERO

Viajera vocacional: Nacida en Huelva pero granadina de adopción, desarrolla su labor profesional en el Servicio de Protección de Menores de la Junta, como jefa de servicio. De su afición a la fotografía ha hecho una verdadera pasión.
El catálogo de la recién inaugurada exposición ‘El corazón de África’, de la fotógrafa granadina Alicia Núñez, se abre con una cita del maestro de periodistas Ryszard Kapuscinski, que reza así: ‘Este continente (África) es demasiado grande para describirlo. Es todo un océano, un planeta aparte, todo un cosmos heterogéneo y de una riqueza extraordinaria’. Efectivamente, tras recorrer el Centro Cultural de CajaGranada en Puerta Real, que acoge esta exposición hasta el 15 de marzo, y ver las más de setenta fotografías de gran formato que la componen, el visitante se llevará una completa y rica imagen de una África distinta a la habitual. Las fotografías de Alicia Núñez huyen de dos de las imágenes tópicas del continente negro. Por un lado, no muestran el paisajismo propio de un continente dotado de una naturaleza prodigiosa. No hay puestas de sol, imágenes de la sabana o animales salvajes. Por otra parte, sus imágenes tampoco se ceban en el África miserable y depauperada del sida, la violencia o las hambrunas.
La mirada de Alicia Núñez es limpia y transparente. La de una viajera que, con su cámara, deja testimonio de lo que ve. Y lo que ve son personas. Rostros. Miradas. A través de sus fotografías, la autora plantea un juego de espejos en que el espectador contempla a la persona retratada y ésta parece cobrar vida, con el fin de narrarle su historia. En palabras de la artista: «Los retratos muestran la dignidad de unas personas que tienen una vida dura y complicada, muy alejada de los estándares vitales de los países occidentales, pero que, sin embargo, se muestran orgullosas, fuertes, con un punto de altivez. Muestran sus armas, sus sonrisas y esos cuerpos tatuados, escarificados o hermosamente decorados». La exposición está organizada a partir de las distintas etnias retratadas, de los Masai, la tribu más conocida de África gracias al cine y los documentales televisivos, a los Pigmeos, que pasan por ser los habitantes más antiguos del continente africano y que actualmente están abocados a la desaparición. Resulta muy ilustrativa la historia de los Ik, precursores del respeto al medio ambiente y de la defensa de una vida integrada con la naturaleza y, desde luego, impactan y sobrecogen las fotografías de los Mursi, con los famosos platos que las mujeres lucen en sus labios sajados. «No estamos ante una exposición etnográfica -sostiene Alicia Núñez-, aunque los individuos que he retratado forman parte de determinadas etnias, lo que me interesaba no era tanto la pertenencia al grupo cuanto captar su personalidad».
La exposición se completa con la edición de un catálogo en que las fotos van acompañadas de una frase de 52 autores, desde granadinos como Manuel Villar, Jerónimo Páez, Andrés Sopeña, César Girón o Jesús Conde a otros como Zoe Valdés, Vicente Verdú, Vicente Molina Foix o Fernando Marías.
Fuente : idela digital

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MADRID, (EUROPA PRESS)

Son los encargados de acercarnos a la actualidad del mundo. Un grupo de periodistas, presentadores de informativos televisivos, radiofónicos e incluso de conocidos periódicos, se han querido unir en torno a un proyecto digno de conocer.

Es ‘Amanecer por África’, una pequeña idea que se está convirtiendo en todo un gran proyecto para ayudar a un continente bastante olvidado por los que sí disfrutan de grandes comodidades. El creador de esta solidaria idea que ha reunido a tantos y tantos profesionales de la comunicación es otro periodista, y muy conocido: Miguel Ángel Oliver, presentador de informativos de Cuatro.

Éste, junto a su inseparable compañera Marta Reyero, decidió, a través de una simple foto y una reflexión, crear una gran red de amigos para intentar hacer florecer, de nuevo, el continente africano. Los dos, junto a una larga lista de compañeros que no han querido dejar de ofrecer sus instantáneas, se han puesto manos a la obra por una buena causa. De esta manera podemos ver la cara más solidaria y entrañable de grandes profesionales como: Iñaki Gabilondo, Hilario Pino, Susana Griso, Matías Prats o Concha García Campoy.

Pero para entender mejor qué es ‘Amanecer por África’, tuvimos la oportunidad de charlar con su creador, Miguel Ángel Oliver, y con su compañera Marta, la cual se ha involucrado al cien por cien en este gran proyecto:

– Miguel Ángel, ¿qué es ‘Amanecer por África’?

Miguel Ángel: ‘Amanecer por África es más que un proyector, una reflexión. En un primer momento fue una reflexión particular, a la que después se unió Marta y a la que se han sumado numerosos compañeros periodistas. Todo en torno a una simple fotografía y un pensamiento…

– ¿Una fotografía y un pensamiento…?

M.A: Sí. Dos elementos que quieren decir que queremos repensarnos la historia de África. Repensarnos todos esos lugares olvidados para que de nuevo tengan una oportunidad. Hay muchísimas culturas que deben aflorar.

– ¿Habéis podido vivir de cerca esa realidad del continente africano?

Marta: No. Yo he estado en el Norte de África, en el Magreb pero no he podido vivirlo de cerca.

M.A: Sí, yo también he estado en el Norte y de forma turística. Pero veo películas y documentales en los que me doy cuenta de cómo estamos vampirizando un continente entero. Todos queremos estar con nuestra comodidad, nuestra estabilidad, pero hay que mirar más para allá.

– Miguel Ángel, tú que has sido el creador de todo esto. ¿Qué crees que te va a aportar este proyecto, a nivel personal?

M.A: Creo que me va a dar la posibilidad de pensar y situarme en África de otra manera. Algún día tendré la oportunidad de conocerlo físicamente, hasta ahora no he podido pero lo deseo mucho.

– ¿Y en qué momento os unís los dos para llevar este proyecto adelante?

Marta: A Miguel Ángel se le ilumina la chispita en la cabeza y, posteriormente me lo trasmite a mí. Él tuvo un encuentro con la presidenta de Microsoft y de ahí salió la idea.

– ¿Contadnos cuál es esa idea que propone ‘Amanecer por África’?

M.A: La idea es que con algo tan sencillo como una fotografía, que no deja de ser una metáfora, se puedan mover montañas. Algo tan habitual en nuestra vida como una cámara digital y un madrugón dan vida a esta idea de ‘Amanecer por África’. Amanecer, nueva luz, una esperanza de un nuevo día… En un primer momento pensé: “Qué bien estaría que muchos compañeros de la profesión pusiéramos fotografías del amanecer, de cualquier sitio, y eso sirviera para reflexionar”.

– Marta, ¿y a ti cómo te lo comenta Miguel Ángel?

Un fin de semana me dijo que se le había ocurrido todo esto y me pareció estupendo. Al día siguiente me levanté antes y le traje mi foto. Hice mi fotografía desde la terraza de mi casa hacia las pistas de Barajas; no hace falta que sea en un lugar lejano sino mostrar el amanecer de cada uno.

– Tú fuiste la segunda pero después se han sumado numerosos rostros conocidos del mundo del periodismo…

Sí, entre los dos nos pusimos en contacto con el resto de compañeros de informativos. Llevo su tiempo pero al final respondieron todos estupendamente.

– Muchísimos compañeros se han unido y han enviado su fotografía de un amanecer.

Marta: De todas las cadenas. Y no se va a quedar la cosa ahí porque no serán sólo periodistas. Queremos que se unan a ‘Amanecer por África’ más personas. Queremos conseguir fotografías de otros muchos ámbitos…

– ¿Os vais a centrar en las mujeres africanas?

M.A: Es nuestro objetivo. Todas las referencias nos indican que ellas son la esperanza del continente.

Marta: Son mujeres que están manteniendo un continente entero. Por eso nos hemos fijado en ellas, porque realmente son el futuro.

– En el momento en el que se reúnan todas esas imágenes, ¿qué pasará?

M.A: Se seguirán acumulando. Para mí no lo es todo el conseguir con ella un millón de euros, sólo quiero que se generen pensamientos. Hace falta que la gente tenga conciencia distinta, un pensamiento diferente. No hablamos sólo de dinero.

Marta: Lo importante es cambiar la forma de pensar, que es lo más difícil. Es más fácil cambiar el hábito de alguien que cambiar su forma de pensar. Si surge una reflexión a través de estas fotografías, el proyecto será un éxito.

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SANTO DOMINGO.- Tienen el cuerpo de las latinas, con pronunciada cintura, trajes largos, trenzas y un hermoso sombrero o una canasta de fruta en la cabeza, pero su cara es una incógnita, no tiene rasgos, son “las muñecas sin rostro”, una artesanía criolla, que se vende y exhibe tanto en el país como en el extranjero y que se ha convertido en un símbolo de la cultura y el arte quisqueyano. Hechas por las manos de escultores campesinos con un ingrediente muy particular, el barro, estos cada día perfeccionan su terminación con los hornos que utilizan y el empeño de gente que elabora un producto cada vez más acabado y de mayor calidad.

Por qué no tienen rostro? Porque, de acuerdo con los creadores y vendedores, reflejan la mezcla de cultura de los dominicanos heredada de los aborígenes, españoles y africanos. Por eso, no definen su fisonomía, de manera que el rostro será el que le dé su imaginación.

Son demandadas por turistas extranjeros y dominicanos que viajan al exterior, para llevarlas como obsequio a sus amigos y familiares. Los españoles, italianos, estadounidenses y franceses son los que más solicitan ese tipo de artesanía, de acuerdo con los vendedores.

En el mercado modelo, ubicado en la avenida Mella de la Capital, y principal plaza comercial de ventas de artesanía del país, las muñecas sin rostro son exhibidas y vendidas en todas sus variedades. También en los gift shop, ubicados en las zonas turísticas como Bávaro-Punta Cana; Puerto Plata, Juan Dolio, La Romana, Barahona y Santo Domingo, en este último, principalmente en la Zona Colonial, en las proximidades de la Catedral Primada de América como es el Gift Shop Recuerdos Dominicanos, el museo de la Artesanía y otros lugares.

Este símbolo de las raíces dominicana, es la reina de la alfarería y con su belleza es capaz de seducir y lograr ser colocada en los hogares, centros de trabajo y cualquier lugar donde se exhiban artesanías y obras de arte.

Hay más de cien modelos de muñecas sin rostro diferentes, desde la más clásica, que representa a la marchante dominicana (mujer que vende productos alimenticios en las calles y mercados), hasta las que

Majan café, llevan rosas en las manos o listas para una tarde de té, para una reunión o un cumpleaños. Lo cierto es que sus creadores han seguido innovando y hoy las han creado hasta con sus parejas, vestidas de novia, embarazadas o como jovencitas roquera que usan pantalones anchos y blusas cortas. Todas deslumbran en las tiendas por el colorido de sus trajes y los detalles ..

Los precios oscilan entre los $30 pesos (menos de un dólar ) hasta mil 500 pesos, como las elaboradas en un material conocido como Porcelanicrón, una mezcla que, entre otras cosas, contiene harina extraída del trigo y requieren un cuidado especial ya que atraen a los roedores e insectos.

Las muñecas han sido elaboradas durante décadas por artesanos de la comunidad de Moca, provincia Espaillat, ubicada al norte de la República Dominicana.

En este pueblo se trabajan otras artesanías a mano, con diferentes materias primas además del barro, la madera y la cerámica. Ellos fabrican floreros, recipientes para diferentes usos, cuadros, portarretratos y soles, entre otros.

Los vendedores dicen que los turistas de Francia, Alemania, Inglaterra y Estados Unidos prefieren entre todas a las muñecas a las sin rostros, siendo la más demandada por ellos la que representa a la frutera.

Estas coquetas muñequitas, junto a las prendas elaboradas con Ámbar, larimar y coral, conquistan a los visitantes de las tiendas de regalos y Gift Shop del país. ¡Y es que no hay quienes se resistan a sus atractivos, vistosidad y precios!.

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LOGROS. ESTA ES LA MAYOR OBRA QUE EL MAESTRO CANDIDO BIDÓ HA LEGADO A SU PUEBLO NATAL, BONAO, EN LA CUAL CIENTOS DE JÓVENES HAN LOGRADO CUMPLIR SUS SUEÑOS DE FORMARSE CULTURALMENTE Encuentro. EL artista Candido Bidó recibió en la Fundación a los jóvenes miembros del programa “Periodistas por un año” del LISTÍN DIARIO. BONAO.- La Plaza de la Cultura es una institución sin fines de lucro, en donde todo tiene que ver con el arte para los jóvenes, sin importar su posición económico y social. Cuenta con un museo, sala de fotografía y clases de teatro, danza, ballet clásico y folklórico. Su creador, el maestro Cándido Bidó, establece este museo bajo la concepción de un lugar de nivel para dar cabida a la cultura, y lo define como “un espacio para proyectar el arte”. Este museo refleja la vida y obra de Bidó. “La Fundación es un sueño para mi natal Bonao, una gran meta; cuando me gradué en el año 1961 era traer esta escuela a mi pueblo, porque aquí no había nada para determinar el futuro de los jóvenes. Dominicanos y extranjeros que tengan vocación de ser artistas del pincel, piano, teatro, guitarra y ballet”, explica con rostro emocionado. Tiene como fundamento y surge como una respuesta, de un hombre que se fue de su pueblo a buscar una educación y quiso devolverle a su terruño lo que él adquirió. Así lo afirma el director ejecutivo de la plaza y artista, Julio Valentín. El recorrido El Museógrafo Luis Ledesma es quien recibe a los visitantes y los pasea por el recinto para mostrarles todo lo que tiene, no sólo el museo, sino toda la Plaza de la Cultura. El recorrido comienza por el Museo Cándido Bidó. Esta sala comprende una exposición permanente de los grandes maestros dominicanos, entre los que se encuentran el propio Bidó, Guillo Pérez, Elsa Núñez y Alonso Cuevas, entre otros artistas. Existe una sala llamada Agua, en la cual se exponen obras de pintores centroamericanos, de la talla de Orlando Vallejo, Alfredo Sinclair y Guillermo Trujillo. En el primer nivel se encuentra también una instalación, expresión artística en tercera dimensión en honor a Cupido. El segundo nivel lleva el nombre de Don Ramón Báez Romano, por su contribución a la plaza, y en la misma existen cuatro salas para exhibiciones. En la actualidad en el mismo nivel hay allí una muestra individual de los cuadros e instalaciones del artista Julio Valentín llamada “Reingeniería del Vuelo”, en la cual este artista refleja todas las alas que las cosas deben tener para volar con libertad. Además, está también el Centro de Arte, que es una escuela donde se puede estudiar piano, teatro, pintura y ballet. Los sábados son dedicados a los niños y niñas a quienes se les imparten las clases en el taller infantil. Con orgullo y alegría Bidó destaca que una gran cantidad de jóvenes se ha graduado en diversas ramas del arte en la provincia Monseñor Nouel, y están viviendo de lo aprendido, y siente que ese es el mayor regalo que le puedan dar en la vida. UNA FUNDACIÓN CULTURAL AL SERVICIO DEL PAÍS La construcción de la Plaza de la Cultura se inicia en el 1987 y hasta el día de hoy se han invertido más de 20 millones de pesod. La gente está incentivada y asiste en aras de explotar el talento de las artes, en este patrimonio cultural que es “desde Bonao para el país entero”. Esta edificación se inicia con una escuelita en la calle Sánchez, dando pie a que comiencen a florecer las artes en Bonao. En el año de 1991 se traslada al terreno de lo que fuera el Parque Colón. Hoy, todavía el tercer piso aún está sin terminar, y para cuando esté se espera exhibir una colección de carteras y palos africanos. Esta escuela cuenta con una matrícula de estudiantes que supera más de 600, en diferentes áreas actualmente. Bidó nos cuenta con rostro de satisfacción y orgullo que lo que más alegría le produce es que los graduados viven de este oficio.

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Habilis y Erectus pudieron haber coexistido durante 50.000 años.

¿Quiénes somos?, ¿de dónde venimos?. La ciencia todavía no ha podido resolver por completo la línea evolutiva del ser humano.

Ahora, el descubrimiento de dos fósiles en África está cuestionando algunas de las ideas que los antropólogos creían ya consolidadas, como que habíamos pasado del Homo Habilis al Homo Erectus, y de ahí al Homo Sapiens.

Según un estudio publicado en la revista científica Nature, el hallazgo de dos fósiles en el norte de Kenia podría cambiar esa secuencia.

Un equipo de expertos, liderado por Louise y Meave Leakey, que son madre e hija y pertenecen a una conocida familia de antropólogos, encontró un hueso de Homo Habilis que era bastante más reciente que uno de Homo Erectus (que se suponía había evolucionado después).

Nueva hipótesis

El hallazgo, en la orilla del lago Turkana, en el norte de Kenia, sugiere que ambas especies coexistieron durante unos 50.000 años en el este de África.

“Su coexistencia hace improbable que el Homo Erectus evolucionara del Homo Habilis“, declaró Meave Leakey.

Uno de los fósiles es un hueso de mandíbula de Homo Habilis de 1,44 millones de años. Se trata de los restos de Homo Habilis más recientes jamás encontrados.

Su coexistencia hace improbable que el Homo Erectus evolucionara del Homo Habilis Meave Leakey

El otro fósil, es un cráneo muy bien conservado de Homo Erectus, de hace 1,55 millones de años. Es decir, unos cien mil años antes.

Según le dijo a BBC Ciencia el profesor Eugenio Aspillaga, del Departamento de Antropología de la Universidad de Chile, antes del hallazgo de estos dos fósiles ya había expertos que sugerían la posibilidad de una coexistencia del Homo Habilis y el Homo Erectus.

No obstante, “aquí hay un dato nuevo”, puntualizó.

“El hecho de que sea un Homo Habilis de 1,44 millones de años lo acerca a fechas más recientes y marcaría un período más largo de convivencia”.

“Antes, alguien podía haber teorizado al respecto, pero hoy en día eso podría estar mucho más consolidado”, dijo el antropólogo.

“Ha habido distintas hipótesis con respecto al origen del Homo Erectus. Hay autores que piensan que existiría una especie antecesora de Homo Habilis y Homo Erectus, que sería Homo Rudolfensis“.

“Desde esa perspectiva, Homo Habilis sería una especie con un cerebro más grande que el Rudolfensis, que divergiría un poco de la línea evolutiva que conduce al Homo Erectus“.

“Conflicto, tarde o temprano”

La coexistencia que sugieren Louise y Meave Leakey se daría gracias a que Homo Habilis y Homo Erectus habrían convivido como especies diferentes.

La antropología cree que la línea evolutiva del hombre fue del Homo Habilis al Homo Erectus, y de ahí al Homo Sapiens.

Igual que en África conviven sin entrar en conflicto gorilas y chimpancés, el Homo Habilis y el Homo Erectus podrían haber vivido en el mismo continente durante miles de años sin entrar en conflicto.

Sin embargo, según el profesor Aspillaga, tarde o temprano ambas especies tuvieron que competir, y ahí es cuando se genera el conflicto.

“Falta información complementaria de los fósiles, como por ejemplo los contextos de útiles con los que ellos están interactuando con el medio ambiente, para poder asegurar si había competencia o no y en qué momento se dio”.

“Probablemente al principio no la hubiera, porque aparentemente tienen dietas diversificadas, pero tarde o temprano Homo Erectus aumenta su tamaño poblacional, que es lo que le permite salir del continente africano como especie, y por lo tanto tarde o temprano inevitablemente iba a competir (con Homo Habilis) por los recursos de ese espacio”, le dijo a BBC Ciencia.

En cualquier caso, según el antropólogo chileno, “lo importante de cualquier hallazgo fósil es que permite elaborar nuevas preguntas y buscar cómo el nuevo registro fósil puede ayudarnos a responderlas”.

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Manuel Toledo BBC Mundo, Kassel

Vea las imágenes

Una de las exposiciones de arte contemporáneo más importantes del mundo, Documenta 12, se acaba de inaugurar en Kassel, Alemania.

La muestra, que se celebra cada cinco años, reúne más de 500 obras de artistas de todo el planeta.

“Mi primer objetivo fue dejar de centrar la atención en el arte europeo, occidental, estadounidense”, le explicó a BBC Mundo el curador de Documenta, Roger M. Buergel.

“Pero no quería mostrar a artistas africanos o indios o árabes superficialmente. Quería mostrar la profundidad histórica de geografías culturales sobre las que no tenemos ningún conocimiento”, dijo.

Mi primer objetivo fue dejar de centrar la atención en el arte europeo, occidental, estadounidense Roger M. Buergel, curador de Documenta

Según Buerguel, “es saludable que dejemos atrás el canon occidental porque ya no se puede considerar a China o India como el tercer mundo: dentro de poco superarán a Occidente”.

“Tenemos que adentrarnos en las tradiciones artísticas de esas culturas porque también nos ayudan a comprendernos a nosotros mismos”, añadió.

Pabellón G

Documenta 12 cuenta con seis espacios expositivos en Kassel y, por primera vez en su historia, tiene un “pabellón” fuera de Alemania.

Los platos de Adrià supuestamente pueden crear una experiencia estética.

El llamado “Pabellón G” es el restaurante elBulli, en Cala Montjoi, en el nordeste de España, cuyo chef, Ferran Adrià, fue para muchos una de las más sorprendentes elecciones en la lista de artistas de esta exposición.

“Para decirlo en pocas palabras: creo que es un genio”, le dijo Buerguel a la BBC.

“Yo no quería centrarme en el arte mismo o en el objeto, sino en la experiencia estética y es por eso que en esta exposición el público importa mucho”.

“Ferran es capaz de crear una experiencia estética y para mí estaba claro, después de yo haber trabajado en Barcelona, que lo necesitaba”, señaló el curador.

Experiencia directa

La preocupación por darle prominencia al encuentro directo del público con la obra de arte es algo que se observa con facilidad en todos los pabellones.

En varios casos, Buergel distribuyó las obras de un mismo artista en diversos pabellones.

Ésta no es de esas muestras abarrotadas de información donde los espectadores no tienen espacio ni para respirar.

Por el contrario, a veces podría parecer qu
e la información es insuficiente, por ejemplo, al no incluirse la edad o la proveniencia de los artistas en las etiquetas junto a sus obras.

“No creo que el arte tenga mucho que ver con la información, ni creo que mirar etiquetas le ayude a uno; lo que hay que hacer es mirar al propio arte”, dijo Buerguel.

No creo que el arte tenga mucho que ver con la información, ni creo que mirar etiquetas le ayude a uno; lo que hay que hacer es mirar al propio arte Roger M. Buergel

“Documenta 12 no es una olimpiada ni tiene que ver con nacionalidades: no me importa que un artista sea de Nigeria, de Turquía o de Isle of Man, lo que me interesa es que su obra cree algo, dentro de una exposición, que yo considere significativo”.

El curador destacó que, como uno de los objetivos de Documenta 12 es promover la educación artística, “hemos hecho un enorme esfuerzo por crear un catálogo que tenga sentido y que no esté sobrecargado de ensayos inútiles, sino que ofrezca la información básica que uno necesita si quiere adentrarse más en una obra determinada”.

Aire de misterio

La reacción del público en general y de los especialistas que han hablado con BBC Mundo ha sido muy positiva.

“Voracidad máxima” es el nombre de esta instalación de Dias & Riedweg.

“Esta Documenta me gusta mucho porque tiene un aire de misterio”, dijo Alma Ruiz, curadora del Museo de Arte Moderno de Los Ángeles, Estados Unidos.

“Es una exposición que no se revela muy fácilmente en cuanto a su contenido y que nos hace pensar mucho”.

“El curador ha dejado caer, a través de la exposición, toda una serie de señales, de pequeños mensajes, que tenemos que ir hilando para luego componer una historia”, señaló Ruiz.

Según ella, “la selección de artistas es diferente a la que se hizo este año en la Bienal de Venecia y nos presenta un cuadro nuevo sobre el arte”.

América Latina

Para Ruiz también es importante el grupo de artistas latinoamericanos que se exponen en Kassel.

“El curador se ha interesado mucho en Latinoamérica, en artistas que son muy meritorios, por ejemplo, la brasileña Mira Schendel, a quien presenta desde varios puntos de vista, con esculturas, con algunos de los libros que ella hizo, con sus monotipias, por lo cual uno puede tener una idea bastante completa”.

Una de las piezas más bellas de Documenta es de la artista brasileña Iole de Freitas.

“Además, se ve que él ha seleccionado a los artistas que le han gustado, aunque no sean de mucho renombre”.

“Ha seleccionado, por ejemplo, a León Ferrari, un artista argentino, que tiene casi 90 años y que ha trabajado muchísimo tiempo en Argentina, pero no había tenido proyección internacional hasta hace poco, primero en Houston, Texas, y en la Bienal de Sao Paulo y ahora en la Bienal de Venecia y en Documenta”.

“A Juan Dávila, que es de Chile, pero vive en Australia, que es un artista muy político y por lo cual lo inserta, a lo largo de la exposición, debido al impacto que tienen sus obras, en pequeñas dosis”.

“También de Iole de Freitas, una artista brasileña, hay una instalación espectacular, que me parece una de las obras más bellas que hay en Documenta”.

Al mismo nivel

Ella Fontanals-Cisneros, una de las grandes coleccionistas de arte latinoamericano y presidenta de la Fundación CIFO, con sede en Miami, Estados Unidos, también destacó el hecho de que haya muchos artistas de América Latina en Kassel.

El chileno Juan Dávila es uno de los artistas que recibe mayor prominencia en Documenta.

“Documenta nos da una visión global de lo que está pasando y de lo que ocurrirá en los próximos años en el arte contemporáneo”, le dijo a BBC Mundo.

“En el contexto internacional, los artistas latinoamericanos están al mismo nivel que los estadounidenses, los canadienses o los europeos”.

“Hoy en día son otros artistas más en el contexto global, que no son vistos a través del concepto de grupo étnico o por país”.

Fuerza heurística

Uno de los artistas latinoamericanos cuya obra se exhibe en estos días en la Bienal de Venecia y en la feria de Basilea, Suiza, el cubano René Francisco, también viajó a Kassel para ver Documenta.

“Pienso que se marca una diferencia en Documenta con respecto a la Bienal de Venecia en que se concentra un poco más en descubrir zonas que están un poco escamoteadas por los nombres viciados de artistas y de tendencias”, le dijo a BBC Mundo.

La exposición estará abierta hasta el 23 de septiembre.

“Es sintomático que en Documenta no se repitan tantos nombres famosos”.

“En Venecia algunas piezas me impresionaron, cosas que lo ponen a uno como artista a prueba de lo que está pasando, pero en general la bienal no me inspiró, no sentí lo que llaman una fuerza heurística”.

“Se nota que hay un interés en Europa de crear exhibiciones potentes y ojalá que Documenta influya sobre las otras y no las otras sobre Documenta”, concluyó.

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A pesar de la enorme distancia entre una ciudad canadiense y otra cubana, y de lenguas, sistemas políticos, sociales y económicos diferentes, y de climas totalmente opuestos, artistas de ambas ciudades parecen tener varias cosas en común, lo cual nos llevaría a pensar en las siempre increíbles posibilidades del arte como medio, actitud y gesto capaz de relacionar e integrar seres humanos por encima de sus diferencias y contribuir a una mejor comprensión de estas.

Existe la creencia generalizada de que ciertas culturas, basadas específicamente en una lengua común, están más aptas para el intercambio, para el diálogo fructífero en el terreno de las expresiones artísticas a partir de códigos visuales emparentados desde sus mismas raíces y estructuras significantes similares, muchas de ellas sedimentadas y legitimadas en el transcurso de los siglos, y si estas culturas se desarrollan en una geografía afín y en medio de situaciones sociopolíticas cercanas, con más razón se afianzan los argumentos para considerarlas como partes constitutivas de una misma condición humana, intelectual y espiritual.

Sin embargo la realidad, la vida misma, nos depara muchas sorpresas, y es por ello que podemos encontrar en remotas regiones del planeta –Asia, Medio Oriente, África, por ejemplo– códigos visuales mucho más cercanos y familiares a nosotros que aquellos provenientes de áreas cultural y geográficamente vinculadas a nuestra existencia aquí en América latina y El Caribe. Esto puede sentirse, comprobarse incluso, cuando observamos la fecunda obra del artista cubano Wifredo Lam (1902-1982), quien desde mediados de la década del 40 del pasado siglo, asimiló y asumió como suya una zona considerable del legado de diferentes culturas asiáticas y africanas para alimentar su obra enérgica, vital, descolonizadora y universal en el terreno de la pintura, el grabado y los objetos que lo convirtieron, de hecho, en uno de los artistas más sobresalientes del arte del siglo xx y admirado, sobre todo, en Europa y los Estados Unidos.

Se han escrito numerosos ensayos en el campo de la historiografía y la crítica para explicar la significación de la obra de Lam en los contextos cubano y caribeño, pero aún quedan por descifrar aspectos de su indudable atracción en otros contextos lejanos geográficamente. Tal vez haya que acudir también, sin prejuicios de ninguna índole, a la poesía, la magia y la seducción de sus imágenes, de ese universo de formas, espacios y colores que contienen símbolos y signos identificables en el imaginario colectivo de pueblos y culturas dispersos por todo el planeta y que, inconscientemente quizás, llevamos muchos seres humanos consigo por aquello de las migraciones a través de la historia, las conquistas y colonizaciones, los entrecruzamientos, los procesos de transculturación, hibridación y mestizaje que cada día, sin darnos cuenta, nos acercan más unos a otros.

Ese fenómeno nos sorprende también, en ocasiones, cuando nos enfrentamos ante un grupo de obras producidas en otras latitudes, tal como debiera ocurrir con este intercambio entre artistas de dos ciudades pertenecientes a culturas que se han desarrollado de manera independiente una de otra: Québec y La Habana.

Los artistas cubanos que participan por primera vez de este intercambio –gracias a la iniciativa y perseverancia de Richard Martel luego de su estancia en dos ocasiones como performer en la Bienal de La Habana del 2006 y del 2003 así como desde sus visitas a nuestro país a partir de 1991– son intérpretes significativos del arte contemporáneo de la Isla que se desarrolla con fuerza desde la década de 1990. A la mayoría los une el propósito de ensayar sus ideas, de crear sus propuestas artísticas dentro del fértil terreno de las nuevas tecnologías y de las intervenciones en espacios públicos. Les interesa explorar los límites del espacio físico donde pueden estar ubicadas sus obras en un intento por desbordarlo pero sin que ello implique desconocerlo sino todo lo contrario.

José Manuel Fors , el de más larga trayectoria del grupo, es un fotógrafo que ha ido deconstruyendo la imagen impresa hasta someterla a procesos de intensa fragmentación plana y volumétrica que resignifiquen sus propios códigos hasta crear otras imágenes en cierto sentido “nuevas”. Lo mismo ha hecho con el instrumental típico de la fotografía: cámara, lentes, trípodes, filmes, obturadores, los cuales se subordinan en aras de una nueva “gramática” visual generativa que alcance un alto grado de discursividad estética a la manera tradicional del arte, ya sea por la vía del objeto, de la escultura y hasta de la propia pintura.

Nelson Ramírez y Liudmila Velazco –por lo general trabajan en pareja– ejercitan en ensayo fotográfico lo mismo desde contenidos vinculados al contexto social y político como desde la fotografía misma. En un principio les fascinó la ciudad de la Habana, parte de su arquitectura ecléctica y ruinosa; luego otras zonas urbanas hasta llegar a la inmensidad espacial de la Plaza de la Revolución que les sirvió de pretexto para sondear las relaciones del individuo y la historia. Pero no se sintieron satisfechos con las dos dimensiones del papel fotográfico y comenzaron a incluir objetos, mobiliario, adornos domésticos, banderas, libros, todo aquello que alimentara el nudo de esa relación difícil hasta llegar a una suerte de instalación. La fotografía para ellos es un soporte más que participa de un discurso complejo en lo ideológico y estético, lo que les permite abordar prácticamente cualquier asunto de la realidad cotidiana y universal.

Aymée García comenzó como una joven pintora que se apropiaba de los códigos visuales del Renacimiento para plantear ideas en torno a la mujer y su rol social. Dotó a la pintura de otra dimensión objetual y escultórica en la continuación de sus reflexiones en cuestiones de género, luego inclinadas al ámbito doméstico donde la mujer aún tiene un rol fundamental. Los objetos que la rodean pasaron a ser protagonistas en sus instalaciones, desplazando por momentos a la pintura hasta que descubrió las posibilidades de la fotografía digital que, de hecho, hacía las veces de obra pictórica de notoria ambigüedad. La fotografía es para ella, ahora, un instrumento tan poderoso como la pintura para seguir indagando en torno a lo femenino en el mundo contemporáneo.

Raúl Cordero casi siempre ha elaborado sus obras a partir de la fotografía, sobre todo en la pintura. Luego desarrolló la fotograf
ía en sí misma, en blanco y negro, hasta ir acercándose al video y la video instalación, también en blanco y negro. Ha incursionado en grandes formatos relacionados con el espacio público, a tal punto de que siente una especial atracción por ubicar sus obras en pleno contacto con el peatón, con el espectador a nivel urbano. Aborda diferentes temas y asuntos en sus obras, desde las relaciones humanas y cotidianas hasta los límites del discurso político donde se cruzan la existencia, la economía y la historia. Su interés y pasión por la música lo ha llevado a indagar en la construcción de obras a la manera de los disc jockeys tradicionales, lo cual es una alternativa creadora más dentro de su compleja trayectoria.

Luis Gómez ha recorrido un extenso camino dentro de la escultura y el objeto hasta lo más reciente en materia de video y computación, pasando por la fotografía a color, el dibujo, la pintura. Prácticamente ha cruzado por el arte contemporáneo cubano como por un fértil campo de creación múltiple sin detenerse en un paraje específico pues sus inquietudes son asombrosas en cuanto a soportes y temas. Sus preocupaciones se dirigen hacia un sentido de problematización de la existencia humana y del arte mismo y es en ese proceso de reflexión constante donde halla las mejores definiciones de sus propuestas artísticas.

Rigoberto Mena es un pintor de pies a cabeza. Y de la mejor tradición abstracta en nuestro país. Sus obras se hallan elaboradas sobre lienzos, maderas, metales y desde hace un tiempo a esta parte ha extendido sus límites al entorno citadino, como otros artistas cubanos, inconforme con el espacio cerrado de las galerías y museos. En la búsqueda de una imagen urbana de su reciente creación ha enfrentado la arquitectura habanera colonial y la de principios del siglo xx para dialogar con ella en toda su intensidad matérica, gráfica y pictórica: el resultado es una fusión de óleos, soldadura eléctrica, objetos cotidianos, metros contadores de agua y gas, contenedores de equipos de aire acondicionado, rejas de hierro, alambres de hierro en solares yermos de la ciudad de La Habana que por primera vez integra con una clara medida del peso de cada elemento y el equilibrio sostenido entre ellos.

Alain Pino explora la ductilidad de ciertos materiales considerados no artísticos para conformar sus complejas instalaciones en cualquier espacio posible pues domina con amplitud paredes, techos, pisos. Su vínculo raigal con el arte contemporáneo es a través de la fotografía impresa en soportes de plástico transparente, desde donde deforma la imagen en blanco y negro hasta someterla a las angustias, ansiedades y obsesiones del hombre: su discurso pasa a través de la ira, el grito y a veces del lado opuesto: la calma, la contemplación.

Fernando Rodríguez es reconocido por la construcción de un heterónimo, Francisco de la Cal , cuya finalidad es decir las cosas en nombre de él, cercano y alejado a la vez de todo compromiso estricto con el arte y la realidad. Con el tiempo, Francisco de la Cal redujo su discursividad verbal, sus “opiniones”, para diluirse en una masa compacta de otros franciscos , en esa muchedumbre silenciosa que es arrastrada, por momentos, hasta situaciones límites y absurdas en lo social y político. Este proceso de colectivización de lo que fue un individuo, ha pasado por el objeto y la instalación, la escultura, hasta desembocar en el video y la digitalización conocida como 3D y en la que su obra ha devenido argumentos muy bien facturados en animaciones con un alto sentido del humor.

Alejandro González , quizás el más joven de todos los artistas aquí representados, es un devoto de la fotografía, sea en blanco y negro o en colores. Le han fascinado los múltiples significados de la huella del hombre en el entramado urbano de la capital del país, la relevancia de ciertos elementos arquitectónicos y objetos por el nivel de plasticidad que comportan así como descubrir el rostro de hombres y mujeres en la noche habanera en situaciones de marginalización, de outsiders , fuera de las consabidas estructuras sociales impuestas por el orden y el control políticos. De ahí que sus imágenes actúan como registros sociológicos de un momento crucial de la realidad, documentos de identidad ciudadana o ensayo antropológico en ciertos territorios de lo que puede considerarse un universo oculto a la cotidianidad más evidente.

Mayin-B trabaja desde hace suficiente tiempo ya como un caso especial dentro de las estructuras de exhibición y circulación de las obras artísticas pues es uno de los pocos performers que existen y se mantienen fieles a su condición. Trabaja la mayor parte de su obra en espacios abiertos y públicos, provocando continuamente al espectador indiferente al arte, ya sea en portales y fachadas, parques, calles, utilizando fundamentalmente su propio cuerpo como soporte principal aunque se apoya en animales, objetos, fuego, equipos, sonidos, agua. Su propósito es crear diversas reacciones en el público, detonar su pasividad ante ciertas situaciones y condiciones, sean estas de índole intelectual o emocional, en una búsqueda afanosa por establecer finalmente relaciones mediante el impacto visual de orden estético.

Son artistas jóvenes –exceptuando quizás 3 de ellos que rebasan los 40 años de edad– de intensa y fecunda trayectoria en el arte cubano más reciente que tienen en común una cierta pluralidad de propuestas artísticas que no les impide alcanzar profundos niveles de conceptualización y reflexión en torno a problemas candentes del arte y la sociedad. Sus obras acusan gran simplicidad estructural, gran economía de medios, adaptándose sin dificultades a la realidad en que se insertan y a las condiciones materiales en las cuales trabajan. No puede hablarse de una filiación trascendente en cada uno, sea de orden conceptualista, minimal , performática , neofigurativa, pues no se lo han propuesto dadas las circunstancias tan variadas en que han trabajado dentro y fuera de Cuba: de ahí que una de sus principales virtudes es la de actuar en correspondencia e interrelación con los contextos y culturas que enfrentan.

La oportunidad de confrontar su ideario estético en una ciudad como Québec debe aumentar aun más sus expectativas creadoras y medir, por consiguiente, el grado de comunicación de sus obras construidas al calor de cualquier paradigma estético, dentro o fuera de cualquier paradigma crítico que han actuado como constantes en el arte cubano de las últimas décadas.

El flujo constante de artistas cubanos hacia el exterior en forma de intercambios como este, de participación en talleres o simposiums , de exhibiciones colectivas e individuales, becas, residencias prolongadas, ha ido moldeando el propio arte cubano producido por los más jóvenes, de modo especial. Ello relanza y reformula su condición de universalidad , o globalidad si se quiere llamarla así, que va mucho más allá de apropiaciones, hibridaciones y mestizajes tan al uso en el último cuarto del pasado siglo y sobre las que se escribió en cantidad considerable, pues a pesar de las influencias e interrelaciones necesarias que se establecen en todo contacto, estamos en presencia de una producción que no se desmarca esencialmente del contexto en la que surge: pareciera un destino, un fatum que nos obliga a reflexionar acerca, una vez más, de las identidades en acción que participan de procesos cada vez más complejos en la conformación de nuestra cultura (o quizás ya sería más apropiado decir de nuestras culturas) visual (es).

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La música como patrimonio El Centro León abre en esta semana espacios para la reflexión en torno a los procesos de formación y transformación de la herencia musical e identidad cultural en sociedades mestizadas como las nuestras. De ahí que la música esté presente en nuestro programa de actividades con la conferencia Procesos de construcción y deconstrucción de los patrimonios musicales, que será ofrecida el viernes 23 por Monique Desroche, Directora del Laboratorio de Músicas del Mundo de la Universidad de Montreal, y la presencia del laureado guitarrista dominicano Anthony Ocaña, quien ofrecerá un concierto el sábado 24 e impartirá una Clase Magistral acerca de la Influencia de la música latinoamericana y caribeña sobre su guitarra. Con esas actividades el Centro León reafirma su compromiso de apoyar la investigación, protección, exhibición y difusión de realizaciones artísticas y culturales dominicanas y caribeñas. En la Conferencia Mundial de la UNESCO sobre el Patrimonio Cultural, celebrada en México en el año 1982, se definía que “el Patrimonio Cultural de un pueblo comprende las obras de sus artistas, arquitectos, músicos, escritores y sabios, así como las creaciones anónimas, surgidas del alma popular, y el conjunto de valores que dan sentido a la vida, es decir, las obras materiales y no materiales que expresan la creatividad de ese pueblo; la lengua, los ritos, las creencias, los lugares y monumentos históricos, la literatura, las obras de arte y los archivos y bibliotecas.” Esta definición da un valor patrimonial a las creaciones populares que enriquecen la vida espiritual de los pueblos, se manifiestan en la cotidianidad, se transmiten como tradiciones y se modifican con el transcurso del tiempo a través de un proceso de recreación colectiva. En términos generales el patrimonio cultural es un recurso para el desarrollo de los pueblos, que debe saberse conservar y difundir para las generaciones presentes y venideras. El patrimonio como recurso es vulnerable ante el paso del tiempo, la inestabilidad económica, siempre demandante de otras prioridades o los efectos desmedidos de la globalización en los campos de la cultura y la información. La música, que como patrimonio ocupa un lugar relevante por sus valores etnológicos, antropológicos, sociológicos y culturales, resulta especialmente sensible a esos factores erosionantes, demandando especial atención en términos de investigación, difusión y protección.
Tertulia Caribeña La pasión por la salsa
	Chino Méndez, El Cafre y Eugenio Pérez conversarán sobre la presencia y evolución de este ritmo caribeño en la República Dominicana Fecha: Martes 20 de marzo Hora: 7:00 p.m. Lugar: Patio Caribeño del Centro León Tres importantes figuras de la salsa dominicana conversarán en el Patio Caribeño del Centro León sobre la influencia a través del tiempo de este género musical en nuestra cultura, a propósito de las actividades previas del II Congreso de Música, Identidad y Cultura en el Caribe dedicado al tema El son y la salsa en la identidad del Caribe.•
Puertas Abiertas para Docentes Descubriendo Crónicas
Playa de cercanía (1979) Equipo Crónica	Profesores de arte, educación inicial, básica, media y universitaria podrán visitar la exposición Crónicas de papel para conocer sus contenidos y los recursos didácticos que este les brinda Fecha: Miércoles 21 de marzo Hora: 5:00 p.m. Lugar: Sala de Exposiciones Temporales del Centro León Los docentes podrán explorar la exposición Crónicas de papel, estructurada a partir de ámbitos temáticos que permiten comprender la trayectoria de Equipo Crónica 1964-1981 desde el principio del proceso artístico.•
Cine Club Palabras encadenadas
	Continuación del ciclo de cine Ellas también dirigen que presenta producciones cinematográficas dirigidas por mujeres Fecha: Miércol es 21 de marzo Hora: 7:00 p.m. Lugar: Auditorio del Centro León Este es el segundo trabajo de dirección cinematográfica de Laura Maña, en el que se decidió por una trama psicológica basada en la obra teatral que lleva el mismo nombre de Jordi Galcerán. Esta adaptación contó con el guión del polifacético Fernando de Felipe en colaboración con la realizadora, logrando una fórmula que añadió dos personajes, además de contar la historia utilizando el recurso de los recuerdos. Palabras encadenadas, cuenta la historia de Laura, quien encerrada en un oscuro sótano, contempla aterrorizada un video en el que un hombre confiesa ante la cámara ser un asesino en serie. Ramón es un tipo aparentemente normal e inofensivo, al que Laura atada en una silla reconoce como su ex marido, quien además le propone jugar a las “palabras encadenadas”.•
Conferencia Procesos de construcción y deconstrucción de los patrimonios musicales
	Monique Desroches, Directora del Laboratorio de Músicas del Mundo de la Universidad de Montreal, dialogará sobre los procesos de formación y transformación de la herencia musical e identidad cultural en sociedades mestizas de las islas del Caribe Fecha: Viernes 23 de marzo Hora: 6:00 p.m. Lugar: Auditorio del Centro León Cada región del mundo tiene sus propias características culturales que forman la identidad de sus habitantes. Partiendo de un mundo globalizado estas particularidades van evolucionando en la medida en que se integran y desechan elementos del entorno. La música no es la excepción, es por eso que la herencia musical permanece en constante movimiento de invención y reinvención en la medida en que van surgiendo nuevas generaciones. Es precisamente de estos Procesos de construcción y deconstrucción de los patrimonios musicales que la Directora del Laboratorio de Músicas del Mundo de la Universidad de Montreal, Monique Desroches, conversará durante la conferencia que impartirá.•
Video Café Rosana. Marca Registrada
/>	Dos conciertos de la cantante canaria Rosana grabados en vivo en las ciudades de Málaga y Madrid. En esta producción la artista estrenó nuevas canciones Fecha: Viernes 23 de marzo Hora: 8:00 p.m. Lugar: Patio Caribeño del Centro León Un álbum doble publicado el 1 de diciembre de 2003 grabado en vivo con 10 canciones inéditas y 12 de sus éxitos conocidos. Marca Registrada, siendo el cuarto álbum de la artista canaria, es una propuesta innovadora, cuya grabación se realizó en dos lugares, dos ambientes, dos planteamientos musicales y ante dos públicos diferentes. La producción fue grabada en agosto de 2003 en Manilva, Málaga y en septiembre del mismo año en el Teatro Coliseum de Madrid.•
Master Class Influencia de la música latinoamericana y caribeña sobre su guitarra
	Anthony Ocaña, nos habla de los ingredientes que enriquecen su música en la que convergen lo clásico, lo contemporáneo, la música popular y el folklore caribeño y latinoamericano Fecha: Sábado 24 de marzo Hora: 10:00 a.m. Lugar: Centro León Una clase magistral enfocada en las músicas de América, y de manera más específica de América Latina, que influencian el lenguaje musical del compositor y guitarrista Anthony Ocaña. América como continente y América Latina (sin olvidar el Caribe) producen un lenguaje musical nuevo y auténtico cuyos orígenes en esencia provienen de una fusión Europea, Africana y del habitante nativo de este extenso continente. Anthony hablará de figuras que han ejercido un papel determinante en la creación de este extenso lenguaje y, a su vez, como muchas de estas figuras se han visto reflejadas en su lenguaje musical.•

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La música de Mamani Keita y Mariza, la fotografía de Angèle Etoundi Essamba, la canción de Oumou Sangare, Ttukunak o Sally Nyolo, la danza de María Pagés y la poesía de Agnès Agboton, entre otras actividades, servirán para celebrar en Madrid de forma institucional el Día Internacional de las Mujeres.

La tercera edición de ‘Ellas Crean’ llega con una oferta multidisciplinar en torno a la mujer, el continente africano y las ciudades. Cine, música, literatura, danza, arquitectura, artes plásticas, ciencia… servirán para rendir tributo al papel de la mujer y para recaudar fondos para proyectos de cultura y desarrollo de la Agencia Española de Cooperación Internacional dedicados a mujeres africanas.

El festival coincidirá, además, con la celebración en estas mismas fechas del II Encuentro de Mujeres Africanas y Españolas (Ifema, días 7 y 8 de marzo), cuya primera edición tuvo lugar el año pasado en Maputo (Mozambique).

Organizado por la Presidencia y Vicepresidencia de Gobierno y el Ministerio de Trabajo y Asuntos Sociales y el Instituto de la Mujer, en colaboración con los Ministerios de Asuntos Exteriores y Cooperación y Cultura, ‘Ellas Crean’ supone un gran encuentro cultural e intelectual dedicado al pensamiento y la creatividad de las mujeres.

Las actividades, aglutinadas bajo el lema ‘España-África, mujeres por un mundo mejor’, tendrán lugar entre el 1 y el 8 de marzo en distintos escenarios madrileños como la Filmoteca Española, el Círculo de Bellas Artes, la Biblioteca Nacional, el Instituto Cervantes, el Auditorio Nacional de Música, las salas Galileo Galilei y Clamores o el Ministerio de Vivienda.

La especial dedicación del festival a la creatividad de las mujeres africanas permitirá, en el caso de la música, acercarse a la canción de la artista de Mali Oumou Sangare, a la portuguesa de origen mozambiqueño Mariza, a la camerunesa Sally Nyollo, a las artistas Julia Sarr y Mamani Keita, así como al dúo Ttukunak, compuesto por dos mellizas txalapartaris de Vitoria-Gasteiz, Maika y Sara Gómez. Para clausurar el festival se ha pensado en la compaía de baile de María Pagés, que llegará el 8 de marzo al Teatro Fernando de Rojas del Círculo de Bellas Artes.

Las ciudades, en femenino

‘Ellas Crean’ dedicará especial atención a los grandes modelos urbanísticos gracias a la inclusión en su programa de la exposición ‘España [f.] nosotras, las ciudades España’, comisariada por el catedrático de la UPM Manuel Blanco. En esta muestra se exhiben algunas de las obras arquitectónicas de referencia de nuestro país a través de 150 planos, maquetas y fotografías, además de un montaje audiovisual que incluye la sucesión de 55 pantallas de vídeo donde se da cuenta de la opinión de 100 mujeres y reputadas profesionales.

La literatura vuelve a tener protagonismo en ‘Ellas Crean’ con un encuentro entre poetas españolas y africanas el 1 de marzo en la nueva sede del Instituto Cervantes (19.00 horas).

Del mismo modo, la mirada femenina y africana también estará presente a través de la exposición fotográfica de la camerunesa Angèle Etoundi Essamba, cuyo arte permanecerá abierto al público en el Círculo de Bellas Artes a partir del 2 y hasta el 15 de marzo. Por otro lado, la Filmoteca Nacional acogerá a lo largo del mes marzo la proyección de distintos documentales incluidos en el proyecto ‘En el mundo a cada rato’, así como películas sobre las ciudades y las mujeres que servirán de prolongación a la mencionada exposición ‘España [f] nosotras, las ciudades España’.

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Un sólo click, un instante de película,…, esto basta para que, a través de la imagen podamos realizar un juicio completo de la auténtica situación de la sociedad africana contemporánea a través de las imágenes fotográficas.

La posibilidad de conocer a fondo la realidad del continente negro a través de la lente de sus más representativos artistas modernos, llega a la Ciudad de México a través de la exposición Juicios Instantáneos, Nuevas Posiciones en la Fotografía Africana Contemporánea.

Realizada por el International Center of Photography de Nueva York, esta extensa selección de las imágenes mas representativas del arte fotográfico africano de hoy, llega a las salas A y C del Museo Tamayo de Arte Contemporáneo en una magna muestra que permanecerá abierta hasta el próximo 6 de mayo.

Apoyada por Altria Group Inc. y el Comité de Exhibiciones del ICP, la exposición reúne alrededor de 160 trabajos entre fotografías, videos e instalación de 35 de los más importantes y connotados artistas visuales africanos contemporáneos.

En Juicios Instantáneos, los artistas exploran las entrañas del misterioso continente negro a través de su paisaje, medio ambiente, estilo de vida en las ciudades poscoloniales, así como el cuerpo y el espacio en la sociedad africana de hoy como resultado de la mezcla entre su legendario pasado antropológico y la influencia europea del periodo colonial.

A través del retrato fiel de esta realidad, se utilizan las imágenes como herramienta para mostrar al mundo la realidad actual de una sociedad tan misteriosa y desconocida para nosotros como lo es, la africana y al mismo tiempo, contrarrestar el llamado afro-pesimismo, un concepto global que ha afectado la imagen de África con conceptos negativos como la enfermedad, la corrupción y la pobreza.

Con la curaduría del nigeriano Okwui Enwezor, Juicios Instantáneos, Nuevas Posiciones en la Fotografía Africana Contemporánea presenta la visión de genios actuales como Allan de Souza, Kay Asan, Doa Aly, Mohamed Canara o Maha Maamoun y se encuentra disponible para el publico mexicano de martes a domingo entre 10:00 y 18:00 hrs. en el bello y funcional espacio del Museo Tamayo, Paseo de la Reforma y Gandhi, en el Bosque de Chapultepec

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Estará al frente de la EICTV para el período 2007-2009.

POR JOSELIN RODRÍGUEZ
La dominicana Tanya Valette considera que el haber sido elegida para dirigir la Escuela Internacional de Cine y Televisión (EICTV), de San Antonio de los Baños, Cuba, será muy importante para el desarrollo del cine local.

“Pienso que desde esa posición puedo aportar para una serie de cosas. El hecho de yo ser dominicana va a proyectar nuestro cine. No pienso darle ventajas a los estudiantes criollos, pero es un apoyo que van a tener y con el que podrán contar. Por la escuela pasa una serie de cineastas, productores y gente importantísima”.

En visita a ¡Alegría! también informó que buscará firmar acuerdos de cooperación para apoyar a los estudiantes dominicanos que desean estudian cine. Dentro de esos proyectos buscará incluir a la Escuela de Cine de la UASD.

Señaló que dentro de poco habrá tres becas disponibles para sendos estudiantes. La Fundación Global Democracia y Desarrollo, que en diciembre pasado firmó un acuerdo con la EICTV, asumirá los gastos.

Tanya dijo que uno de sus planes más inmediatos es la búsqueda de recursos, sea a través de la Unión Europa u otros organismos internacionales, con la finalidad de que jóvenes dominicanos, africanos y de otras nacionales puedan cursar una carrera en la EICTV.

Esto lo hace bajo el entendido de que es muy difícil que personas de escasos recursos puedan instruirse en esa escuela, pues la carrera tiene un costo de 12 mil dólares en tres años.

Explicó que después de la caída del bloque socialista, la escuela se vio en la necesidad de cobrar la matriculación, porque de lo contrario hubiera tenido que cerrar sus puertas.

“Ese modelo de integración cultural es una de las cosas que se tiene que reivindicar de la escuela, porque no es solamente el estudio, sino una experiencia de vida. Eso yo quiero que vuelva. Vamos a buscar fondo internacional para que esos estudiantes puedan ir becados”.

Otro de su proyectos, es iniciar los estudios de postgrado, diplomados y maestrías, ya que la escuela tiene el curso regular y los talleres, que van de 15 días a uno o dos meses.

SU ELECCIÓN
En ocasión de celebrar el 15 de diciembre pasado el vigésimo aniversario de su fundación, la EICTV eligió a unanimidad a Tanya Valette para que esté al frente del prestigioso centro académico, considerado uno de los cuatro mejores del mundo.

La dominicana dirigirá la EICTV hasta el 2009. Ella sustituye en el cargo al cineasta cubano Juan García Espinosa, quien recientemente fue homenajeado en el país.

“A partir de esta celebración se tomó la decisión de hacer el relevo. De que un egresado de la escuela la dirija. El escritor colombiano Gabriel García Márquez está muy consciente de que las mujeres somos muy buenas administradoras y sabemos mandar. Él tenía el anhelo de que una mujer, sobre todo caribeña, estuviera al frente de la EICTV. Empezó a barajarse los nombres, el mío lo propusieron y todo mundo dijo que sí”.

La lucha no fue fácil, pues tuvo que competir con candidatos de Brasil, Argentina y México.

Cuando resultó electa tuvo un gran susto, ya que no se lo esperaba. Eso no estaba dentro de sus planes.

“Cuando supe la noticia me sorprendí y me quedé un poco pasmada, pero ya me subí en el carro y espero asumir con mucha responsabilidad este reto”.

Como no cree en eso de que hay puestos que pueden asumir los hombres y otros las mujeres, Tanya asegura que las féminas saben administrar bien.

“Prueba de ello es que en nuestros países una mujer con 200 pesos tiene que hacer que una familia coma todo el día. Eso es casi un acto de magia. Tenemos que poner en nombre de las mujeres en la dimensión que va, no es que seamos más, simplemente somos iguales”. Valette continuará con la mística de la EICTV de formar cineastas que entiendan la necesidad de tener un cine con una identidad propia y desviar un poco la mirada que regularmente está hacia el norte.

EN BUSCA DE LA IDENTIDAD
En lo que respecta al cine criollo, dijo que más que buscar fallos, hay que pensar que se está construyendo una industria.

Con relación a la critica que muchos hacen de que sólo se esté haciendo comedia, citó el caso de México y España, países que antes de tener su propia industria e identidad, pasaron muchos años desarrollando ese género.

“Nos estamos encaminando, se está construyendo, es un camino que tiene sus piedrecitas, la dificultad que existe para conseguir recursos y distribución. Yo quiero ser más bien optimista. Hay mucha gente que se está formando, que está aprendiendo en el camino. Dentro de unos años nuestro cine tendrá una madurez que le permitirá caminar solo”, dijo.

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Junto a Cemex, Agrupación Sierra Madre y Conservation Internacional, se han coeditado 6 títulos, fruto de 13 años de trayectoria editorial conjunta. Con esta obra han colaborado además “The Wild Foundation y la Unión Mundial para la Naturaleza.

Para la República Dominicana y la República de Haití, la vinculación ecológica más notoria y urgida de conservación se presenta en las regiones que pertenecieron a la paleoisla que hoy conforman el Procurrente de Barahona, la Sierra de Bahoruco, el Massiff de la Selle, la Península de Tiburón y el antiguo canal marino donde se encuentran los lagos Trou Caimán, Etang Saumatre, Enriquillo y laguna de Cabral.

El área de conservación transfronteriza más conocida, mejor estudiada y con mayor apoyo en Africa tropical es la de los volcanes Virunga, donde convergen las fronteras de Uganda, Rwanda y la República Democrática del Congo. Consta de tres parques nacionales: el Mgahinga Gorilla (Uganda), el Volcanoes (Rwanda) y el Virunga (Congo).

Uno de los ejemplos más interesantes, porque abarca elementos de la biodiversidad, la prehistoria y el presente, es la selva tropical maya, un patrimonio biológico y cultural muy amenazado. Esta se ubica en el centro de Mesoamérica, donde México y Centroamérica vierten la cornucopia biológica resultante de la unión de las partes norte y sur del continente americano.

POR DOMINGO ABREU COLLADO
La última edición de grandes libros editados por “Conservation Internacional”, Sierra Madre, Unión Mundial para la naturaleza (UICN), “The Wild Foundation”, “The Internacional League of Conservation Photographers” y CEMEX, lleva como título “Conservación Transfronteriza, una nueva visión para áreas protegidas”, y parecería que fuera escrito casi especialmente para nuestro problema fronterizo, cada vez más político y cada vez más ecológico.

Nos vamos a permitir incluir íntegramente la introducción del libro preparada por Cemex para esta publicación, y luego algunos textos interiores que resultan sumamente interesantes para nuestra realidad ambiental y ecológica.

“Conflictos territoriales, migraciones, guerras por motivos étnicos y religiosos, enfrentamientos por el acceso a los recursos naturales y su control son algunas de las sensibles cicatrices que va dejando el hombre en sus luchas con el hombre por establecer fronteras. Sin embargo, el mundo natural y sus especies no reconocen límites políticos, y hoy ofrecen la oportunidad de reconstruir la confianza para promover la cooperación en el seno de una sociedad sin fronteras.

“La integración entre dos o más países no debe implicar sólo criterios económicos que privilegien el comercio. Una integración real y dinámica contiene dimensiones que incluyen lo económico pero que también están cruzadas por aspectos ambientales y socioculturales. Y es ahí donde surge la importancia de la creación de parques hermanos, parques internacionales o parques para la paz, como se ha nombrado a las áreas de conservación transfronterizas.

“El primero en su tipo fue declarado dentro de esta categoría hace más de 70 años en la frontera entre Estados Unidos y Canadá, el Waterton-Glacier Internacional Peace Park. Sin embargo, estas iniciativas de conservación han continuado durante siete décadas y cuentan hoy, en todo el mundo, con alrededor de 200 parques transfronterizos, compuestos a su vez por casi 820 áreas naturales protegidas en 112 países.

“Las iniciativas de conservación transfronteriza destacan la necesidad del cuidado de la naturaleza, el paisaje y la biodiversidad; no obstante, sobrepasan la materia ambiental para vincularse con temas de seguridad nacional, disputas por límites fronterizos, creación de alianzas entre naciones, y sociedades más productivas y justas. Visto desde esta perspectiva, la naturaleza se vuelve el eje del análisis, y su cuidado y protección, las alternativas para la política de desarrollo.

“Cabe mencionar que para Cemex esta obra es un doble motivo de orgullo debido a que al esfuerzo editorial de más de una década se suma ahora la participación activa en materia de conservación y restauración que la empresa, desde hace cinco años, lleva a cabo en la provincia natural de El Carmen, Coahuila, región en la que, en colaboración con particulares, instituciones y gobiernos, trabaja para construir un corredor biológico de 4.5 millones de hectáreas, conformado por áreas protegidas tanto de México –Coahuila y Chihuahua– como de Estados Unidos –Texas–. La importancia biológica y ecológica de esta biorregión ha sido destacada por “Conservation International” al considerarla una de sus regiones de prioridad global (“Top Global Priorities”) y ubicarla como uno de los 34 “hotspots” o ecorregiones terrestres prioritarias, una de las cinco áreas silvestres con mayor biodiversidad y, finalmente, en la presente obra, como una de las tres áreas naturales transfronterizas más ejemplares del mundo”.

Evolución del conservacionismo

El presidente y director ejecutivo de “Conservation Internacional”, Meter A. Seligmann, enfoca cómo ha evolucionado el pensar de los conservacionistas en relación con los límites físicos de las regiones que se declaran bajo protección.

“Tiempo atrás –escribe Seligmann– los conservacionistas reconocieron que para proteger de manera efectiva la biodiversidad del planeta sería necesaria una amplia cooperación entre países vecinos. De hecho, al dar un vistazo a las prioridades mundiales de conservación identificadas por “Conservation Internacional” destaca la necesidad de que exista una cooperación entre países vecinos. De hecho, al dar un vistazo a las prioridades mundiales de conservación identificadas por “Conservation International” destaca la necesidad de que exista una cooperación regional. De las 34 ecorregiones terrestres amenazadas (hotspots) y las cinco áreas silvestres más ricas en biodiversidad que “Conservation Internacional” identifica como máximas prioridades del mundo, sólo un pequeño porc
entaje se ubica por completo dentro de territorios nacionales. La mayoría se comparten al menos entre dos o tres países. Por consiguiente, el diseño de estrategias regionales de conservación es una cuestión de necesidad más que de conveniencia.

“No obstante, hasta la fecha la mayoría de los esfuerzos de conservación de la biodiversidad se han efectuado en los ámbitos nacionales. Desde luego, muchos países se han comprometido a hacer lo que les corresponde para proteger los recursos regionales mediante acuerdos y tratados internacionales, y muchas organizaciones mundiales han sido importantes actores en los esfuerzos de conservación del planeta, pero desde el punto de vista práctico, los proyectos manejados en forma conjunta por dos o más países han sido pocos”.

Una nueva actitud para conservar

“Las naciones han comenzado a establecer áreas de conservación transfronterizas, es decir, parques y otras áreas naturales protegidas adyacentes a las de los países vecinos. Otro tema, también importante, es que las naciones están colaborando a fin de desarrollar planes de manejo conjuntos para esas áreas naturales, a pesar de que están separadas por una frontera internacional. En algunos casos, los controles fronterizos han sido relajados para que los vigilantes de los parques puedan pasar libremente de un país a otro, siempre y cuando permanezcan dentro de los límites del parque. Esta tendencia ha ido cobrando fuerza y el establecimiento de áreas de conservación transfronteriza está alcanzando una escala sin precedentes. Estamos entrando en una nueva era de conservación y abriendo las puertas a una interesante gama de posibilidades de colaboración internacional para la protección de la biodiversidad y muchos otros aspectos.

“Desde el punto de vista de la biodiversidad, las áreas de conservación transfronterizas ofrecen muchas ventajas. La primera y de gran importancia es que se prestan para una estrategia de conservación más eficaz y orgánica, lo que asegura que la protección no termine en la frontera nacional cuando el ecosistema se extienda mucho más allá de los límites políticos. También ofrecen la posibilidad de realizar un manejo más eficiente al permitir, por ejemplo, que las instancias encargadas de las áreas naturales protegidas compartan recursos escasos y eviten la duplicación de ciertas tareas.

Beneficios ajenos a la biodiversidad

“Las áreas transfronterizas generan, asimismo, algunos beneficios de vital importancia ajenos a la biodiversidad. Pueden facilitar la solución de disputas territoriales prolongadas y contenciosas entre países, ya que son una manera atractiva de llegar a un acuerdo conciliatorio. Del mismo modo, ayudan a las naciones a reconciliarse después de los períodos de conflicto.

“Si son diseñadas de manera cuidadosa, estas áreas pueden tener repercusiones sociales de largo alcance, lo que permite a las comunidades locales y los grupos étnicos volver a atener voz y voto en cuanto al manejo de sus tierras ancestrales. En algunos casos, las áreas naturales protegidas transfronterizas han propiciado el reencuentro de comunidades que estuvieron separadas durante décadas por una frontera internacional trazada en forma arbitraria. Otro aspecto de gran importancia es que las áreas de conservación transfronterizas, que suelen ser muy extensas, puedne ser la clave para el mantenimiento de servicios ambientales esenciales, como la protección de cuencas hidrológicas.

“En otras palabras, estamos descubriendo que las áreas de conservación transfronterizas pueden tener el mismo efecto transformador, pero a una escala internacional, que las áreas naturales protegidas en los ámbitos nacionales; es decir, ayudan a crear un paisaje más coherente y funcional, y permiten aprovechar la integridad ecológica del área para impulsar avances políticos y económicos”.

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