Fotografía Dominicana » ABC

Fotografías de la Asociación de Reporteros Gráficos de la Argentina

Juan Guzman — Tue, 28 Oct 2008 10:35:11 +0000

Para este miércoles se prepara la exposición “En Negro y Blanco: del Cordobazo al Juicio a las Juntas” de la Asociación de Reporteros Gráficos de la República Argentina, en el Centro Cultural de la República “El Cabildo”.

La apertura está fijada para las 20:00. En la ocasión, estará presente el organizador de la exhibición, el fotógrafo gráfico Pablo Cerolini.

Esta muestra es parte del festival “El ojo salvaje”, organizado como parte del Mes de la Fotografía en el Paraguay, que se extenderá hasta el 15 de noviembre.

“Negro y Blanco” habla de una inversión, de un desplazamiento de los términos de la fotografía clásica en blanco y negro. “A primera vista, la serie de fotografías de la Asociación de Reporteros Gráficos de la República Argentina nos propone un recuento gráfico de la trágica historia argentina entre 1969 y 1984. Sin embargo, estas fotografías no sólo retratan a los argentinos y los acontecimientos que protagonizaron. También evocan, en muchos casos, otras historias ocultas detrás de esas imágenes: son aquellas que las atraviesan, creando un diálogo silencioso entre las imágenes y sus creadores ausentes. Se trata de la experiencia personal de muchos de los reporteros que retrataron esos hechos y luego preservaron las fotografías obtenidas”, indican los organizadores.
(Fuente:abc.com)

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Robert Capa retrató una muerte rea

Juan Guzman — Mon, 29 Sep 2008 04:49:28 +0000

EMILI J. BLASCO (ABC.es)
Aquel día de sol, a poco más de un mes de comenzada la Guerra Civil española, Robert Capa estuvo con un grupo de milicianos. Era el 5 de septiembre de 1936, y la Leica del fotógrafo de origen húngaro y firme compromiso de izquierdas disparó numerosas veces. Hasta ahora sólo se conocía la imagen titulada «Muerte de un miliciano», que rápidamente se hizo famosa en todo el mundo y contribuyó a ganar apoyos internacionales para la causa republicana.
Las particularidades de la imagen -la extraña posición de la figura que cae, la ausencia visible de herida de bala, la falta de referentes espaciales, la presencia de la cámara tan inmediata a la acción- hicieron que pronto se levantaran sospechas de falsedad, en medio de una lucha de trincheras propagandista. Más de 70 años después, por fin el secreto de la toma queda desvelado con los negativos previos y posteriores a aquella singular imagen. Todo sugiere que «Muerte de un miliciano» es genuina.
Cuarenta fotografías sacadas aquel día por Capa y su novia Gerda Taro estaban metidas en la maleta descubierta recientemente en México, que contenía todo un tesoro de miles de negativos atribuidos a Capa, Taro y el también fotógrafo David Seymour, «Chim». En total, 127 rollos con material enteramente inédito sobre la Guerra Civil, cuyo hallazgo fue comparado en enero por el Centro Internacional de Fotografía de Nueva York a «encontrar el Santo Grial». Las cuarenta fotos relacionadas con Cerro Muriano, el punto de la provincia de Córdona donde murió Federico Borrell García, el miliciano de la Columna Alcoyana que Capa convirtió en símbolo de la España antifranquista, se exihibirán en el Barbican de Londres a partir del 17 de octubre.
Entre ellas, figura una instantánea captada poco antes antes del disparo que acabaría con la vida de Borrell. En ella se ve a éste levantando su fusil junto a otros compañeros, posando ante la cámara de Capa, que entonces contaba con 22 años. Una imagen posterior muestra a un segundo soldado muerto, lo que vendría a corroborar que ciertamente hubo fuego enemigo.
«Estas imágenes y un detallado trabajo de investigación van lejos en apoyar que la foto es real», afirma Cynthia Young, que ha organizado la exposición del Barbican. Para ella, la duda tendría sentido si Capa no hubiera hecho nada más notorio en aquellos años, pero su trabajo en el desembarco de Normandía lo confirma como alguien con un alta «calidad y estilo».
Todo indica que «Muerte de un miliciano» fue puro accidente. Capa y Taro, que también captó a Borrell antes de su muerte, estaban en el frente entre las filas republicanas simulando acciones de guerra cuando de pronto se produjeron inesperados disparos de las tropas franquistas. En las secuencias previas al ataque, los milicianos adoptan poses de vencedores o en lucha por la victoria; difícilmente se harían el muerto, como vencidos por el enemigo.
Federico Borrell, un anarquista de 24 años nacido en la población alicantina de Benilloba y apodado el Taino, fue reconocido después por su hermano a pesar de que en la famosa fotografía su rostro aparece borroso. Los datos oficiales así lo corroboraban, al datar su muerte el 5 de septiembre de 1936; fue el único miembro de la Columna Alcoyana en morir ese día en la lucha de Cerro Muriano.
Capa envió los negativos de esa jornada a su estudio de París. «Muerte de un miliciano» fue publicada por primera vez en la revista francesa «Vu», con un pie en el que se describe a los soldados «apretando sus fusiles, bajando la ladera. De pronto, su remontada fue interrumpida, una bala silvó y su sangre fue derramada en su suelo nativo». Luego aparecería en la revista norteamericana «Life», con el lema: “La cámara de Robert Capa capta un soldado español en el instante en que es derribado por una bala en la cabeza», que confundía la borla de la gorra militar con una trozo del cráneo estallado.
El negativo utilizado para esas reproducciones no volvería a parecer. El resto del carrete de Cerro Muriano y otros trabajos de Capa, Taro y «Chim» fueron custodiados por el diplomático y general mexicano Francisco Alvarez, que luchó con Pancho Villa. La maleta fue llevada de París a Marsella y de allí a México, donde no fue reabierta por los herederos del general hasta los años 90, aunque sin percatarse de su importancia. Sólo hace unos meses, los negativos llegaron al Centro Internacional de Fotografía de Nueva York, fundado precisamente por el hermano de Capa, Cornell. Robert Capa, cuyo nombre original había sido el de Andrei Friedman y entre cuyos logros profesionales está la creación de la agencia Magnum, murió en 1954 desempeñando su trabajo en Vietnam, con la creencia de que sus joyas de la Guerra Civil española habían sido destruidas por los nazis en su ocupación de París

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Muere a los 83 años Paul Newman

Juan Guzman — Sun, 28 Sep 2008 00:40:30 +0000

NUEVA YORK (AFP) – El actor estadounidense Paul Newman falleció el viernes de cáncer a los 83 años, un año después de haberse despedido del cine, oficio en el que se consagró con más de 60 películas, entre ellas “Butch Cassidy and the Sundance Kid” (Dos hombres y un destino), “El golpe” o “El color del dinero”.

Tras conocerse la noticia, los homenajes a Newman comenzaron en distintos lugares del mundo y reunieron amigos, estrellas y celebridades.

El actor estadounidense Robert Redford, amigo y coprotagonista de Newman en recordadas películas como “Butch Cassidy and the Sundance Kid” y “El golpe”, encabezó los homenajes.

“Hay un punto en el que los sentimientos van más allá de las palabras”, dijo Redford, de 72 años, según el programa Entertainment Tonight. “He perdido un verdadero amigo. Mi vida y este país son mejores porque él estuvo en ambas”.

George Clooney dijo que el actor “sentó un precedente demasiado alto para el resto”, “no sólo para los actores, sino para todos”.

El director y ganador del Oscar Sam Mendes dirigió a Newman en el filme “Camino a la perdición” y dijo que hacerlo fue “lo más destacado” de su carrera.

Daniel Craig, quien interpretó al hijo de Newman en esa película, lo recordó como “uno de los más grandes actores de todos los tiempos”. Dijo que con él se terminaba una era.

Para Gina Lollobrigida Newman era un hombre para “respetar y apreciar”, según la agencia ANSA.

Julia Roberts, quien trabajó con él en una obra de caridad para niños enfermos, agregó: “Fue mi héroe”.

El ex presidente Bill Clinton y su esposa, la senadora Hillary Clinton, se refirieron a la generosidad de Newman: “Paul fue un ícono, un campeón para los niños”, afirmaron en una declaración.

“La obra de Paul Newman fue la actuación. Su pasión fue para las carreras de automóviles. Su amor fue para su familia y amigos. Y su corazón y alma fueron dedicados a ayudar a hacer del mundo un mejor lugar para todos”, dijo Robert Forrester, el vicepresidente de la fundación Newman’s Own al anunciar el deceso desde Westport, Connecticut. El actor sufría de cáncer, pero no se anunció el lugar de su fallecimiento.

Newman, quien el 10 de mayo hizo su última aparición pública en el evento de automovilismo de Indianápolis, se había despedido de la actuación el 25 de mayo de 2007 en una entrevista a la cadena estadounidense ABC, en la que con mucha franqueza admitió los bemoles de la edad.

El último trabajo del actor de ojos azul profundo que fue todo un sex-symbol del cine hollywoodense, fue prestando su voz a uno de los automóviles animados de “Cars” en 2006.

Newman, diez veces nominado a los premios de la Academia, ganador de dos Oscar honoríficos y uno en 1987 como Mejor Actor por su papel en “El color del dinero” de Martin Scorsese, nació en Cleveland (Ohio) el 26 de enero de 1925.

Debutó en los escenarios en 1949 y en 1952 ingresó al Actor’s Studio lo que le permitió ganarse su primer papel en la pieza “Picnic” de William Inge en las tablas de Broadway.

Vivió épocas de gloria y su nombre quedó impreso en la memoria colectiva con su protagónico en “Butch Cassidy” (Dos hombres y un destino, 1969), al lado de Robert Redford, y “The Sting” (El Golpe, 1973).

Fanático de las carreras automovilísticas y filántropo de larga data, Newman se casó dos veces y tuvo cinco hijos.

En 1993 recibió por tercera vez un Oscar pero como premio a sus labores humanitarias: las ganancias de su empresa de alimentos Newman’s Own son donadas a obras caritativas.

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El fotógrafo de la aldea que se convirtió en ciudad

Juan Guzman — Mon, 28 Jul 2008 12:14:49 +0000

KLAUS HENNING 1921-2008

El pasado lunes 21 falleció el fotógrafo Klaus Henning, quien entre los años cincuenta y setenta retrató el centro de Asunción, falleció a los 87 años. Henning fue retratando la evolución de la ciudad, y de otras localidades del país.

Los improvisados puentes que se armaban en Palma y Nuestra Señora de la Asunción en los días de lluvia para pausar los raudales fueron retratados por Henning en los 60.

Las “palmeadas”, los raudales del centro, los negocios y edificios están retratados en las fotografías de Henning, quien tenía una librería en Palma y 14 de Mayo, donde no solo vendía libros, sino también artículos para fotografía. Henning solía dejar el mostrador para salir a caminar con su cámara en las cuadras cercanas y retratar la ciudad que iba cambiando.

Entre los años cincuenta y setenta, el centro neurálgico de la ciudad se encontraba sobre las calles Palma y Estrella, desde México a Colón y la librería estaba en el centro mismo de ese corazón.

Detalle del altar de Yaguarón. Henning publicó un libro dedicado a la iglesia de este pueblo.

Gracias a sus fotografías se puede apreciar el cambio que ha sufrido la ciudad en ese tiempo, no siempre favorable con la belleza arquitectónica de la ciudad

En sus fotos se puede ver el antiguo Club Nacional, que luego fue reemplazado por el edificio del Banco de la Nación Argentina; el edificio de lo que fue Copacar, convertido hoy en el edificio del Banco Regional.

El fotógrafo también recorría el interior del país y realizaba fotografías paisajísticas que luego imprimía en postales, las cuales hoy son muy requeridas por los coleccionistas.

Klaus Henning nació el 14 de julio de 1921 en Alemania. Llegó a Paraguay con solo 13 años de edad, en 1934, cuando emigró con toda su familia. Se establecieron en la colonia Carlos Pfannl donde tuvo que aprender los duros oficios del campo. Pero ocho años después, a los 21, se estableció en Asunción.

Los desaparecidos Saltos del Guairá. Henning realizó una gran cantidad de fotos paisajísticas que luego comerciaba como postales, hoy muy valoradas por los coleccionistas.

Desde entonces hasta 1987 trabajó en la librería “Universal”, primero como dependiente y luego llegó a ser su propietario. Su afición por la fotografía le llevó a ampliar el negocio de los libros a la fotografía.

En 1945 empezó a estudiar fotografía de forma independiente, leyendo y experimentando con la cámara y el laboratorio. Necesitaba equipos de mayor calidad. Prestó la Rolleyflex de un amigo y con ella empezó a realizar las postales que se convertirían en un gran negocio. En las décadas de 1940 y 50 realizó a mano sus tarjetas postales, sumando entre 180.000 y 200.000, lo que permitió adquirir un mejor equipo.

Un cometa cruza el cielo asunceno, captado por la lente de Henning, junto al edificio del IPS.

Luego tuvo que enfrentarse a las trabas de la Dirección de Turismo que prohibió la venta de postales que no tuvieran su aprobación. Exigía que solo podían aparecer edificios monumentales y modernos, nada de ranchitos, ni de burreritas y gente descalza.

Desde 1960 Klaus Henning mandó imprimir tarjetas postales en colores en Alemania y en Estados Unidos. Dejó de realizar postales hacia 1980. En 35 años produjo aproximadamente un millón de postales; 700 mil en colores y 300 mil en blanco y negro, conocidas como fotopostales. El motivo más reiterado y exitoso fue el Hotel Guaraní.

Como legado ha dejado un archivo de sesenta mil negativos, cuatro mil ampliaciones y veinte mil diapositivas. En marzo de 2005, en el Centro Juan de Salazar se realizó una muestra sobre su obra.

Un autorretrato de Klaus Henning, en su estudio, junto con la ampliadora. El fotógrafo fue un autodidacta.
(Fuente:ABC digital)

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La Historia en imágenes a través de ABC

Juan Guzman — Mon, 16 Jun 2008 11:26:41 +0000

ABC fue el primero que consiguió una imagen exclusiva, la del atentado contra Alfonso XIII el día de su boda, el 31 de mayo de 1906, tomada por el estudiante Luis Mesonero Romanos. Al paso de la comitiva real por la calle Mayor de Madrid, el anarquista Mateo Morral arrojó contra la carroza una bomba de dinamita escondida en un ramo de flores. La instantánea dio la vuelta al mundo El 12 de mayo de 1912, Blanco y Negro publica la primera fotografía en color en la historia de la prensa en España. «La primera lección» fue realizada por el célebre fotógrafo Fungairiño

JUAN CARLOS DELGADO

MADRID. La fotografía es testigo de excepción de la Historia desde finales del siglo XIX. Decía Robert Capa que no existen fotos buenas o malas, sino fotos hechas de cerca o de lejos. Sólo la fotografía posee el poder de la melancolía de instantes no vividos, de detener el tiempo en un único instante. ABC fue concebido, desde su fundación, como diario gráfico. Aunque desde el principio publicó fotografías, su primer hito fue el 1 de abril de 1908: adopta una innovación revolucionaria en su portada, la página de anuncios que abría el ejemplar, como era costumbre en los periódicos de la época, es sustituida por una fotografía; desde entonces ha seguido prestando la misma atención preferente a la información gráfica.

ABC fue el primero que consiguió una imagen exclusiva, la del atentado contra Alfonso XIII el día de su boda. En 1906, ABC se apunta su primer gran éxito con esta fotografía del atentado cometido por el anarquista Mateo Morral contra los Reyes, en la calle Mayor de Madrid. La histórica fotografía fue tomada por el estudiante Luis Mesonero Romanos y publicada en exclusiva por ABC, constituyendo un enorme éxito informativo, del que entonces se dijo fue «el más grande que se conoce en los anales de la prensa universal». Pero hay otros muchos hitos. ABC fue también el primer diario que introdujo el color en sus páginas. El 12 de mayo de 1912, Blanco y Negro publica la primera fotografía en color en la historia de la prensa en España. «La primera lección» fue realizada por el célebre fotógrafo Fungairiño y trata, a la manera pictórica, un tema costumbrista.

En 1909, el fotógrafo Ramón Alba obtiene para ABC, desde un globo, la que se considera en el mundo la primera foto aérea. Aquel año España iniciaba una guerra contra las cabilas sublevadas en Marruecos. La intensidad del conflicto llega a su punto álgido en verano. ABC envía a un redactor gráfico, Ramón Alba, para cubrir la campaña. La histórica imagen capta el momento en el que el reportero (con salacot) comienza la ascensión en globo para reconocer el terreno. Con el desembarco de Alhucemas, en 1925, ABC ensayó con éxito modernos medios de transmisión con motivo de la campaña de Marruecos.

El Archivo de ABC conserva más de 30 millones de fotografías, que se remontan a 1891, año de la fundación de Blanco y Negro. Actualmente más de un millón y medio de fotos están ya digitalizadas y se prevé que en 2010 se llegue a los 8 millones de imágenes digitalizadas. La digitalización no sólo permitirá una mejor difusión de los fondos, sino que ayudará a una mejor conservación de este inmenso fondo documental, en gran parte inédito. Es uno de los archivos con mayor volumen fotográfico de Europa.

Las imágenes tienen un gran valor histórico: abordan desde los grandes acontecimientos históricos (Guerra de Cuba y Filipinas, Guerras Mundiales, Revolución Rusa, conflicto de las Balcanes…), a los grandes reportajes sobre la industria y el comercio de principios del XX, descubrimientos e inventos, imágenes de la vida cotidiana, y las distintas manifestaciones de la vida social, la cultura o los deportes. Durante la Guerra Civil, ABC se convirtió en el único periódico que se ha publicado a la vez en los dos bandos contendientes. Pero al valor histórico se suma el artístico de este fondo documental en sus diversas manifestaciones, tipos y soportes (albúminas, gelatinas, autocromos …)

ABC cree que un archivo de semejante envergadura, interés y atractivo debe estar al alcance de todos. Por ello, consciente del gran valor de estos fondos, y convencido de que puede contribuir a la difusión del conocimiento, ABC abrirá de par en par su impresionante archivo fotográfico. Por una parte, el próximo otoño se lanzará el banco de imágenes ABC on line. Tanto los profesionales como el público general podrá acceder a estos fondos a través de internet, donde además del acceso a la totalidad del archivo se facilitará la consulta a efemérides, noticias temáticas con carrusel de imágenes, colecciones, etc.

Exposiciones y visitas

Por otra parte, se organizarán exposiciones con los fondos de ABC: hubo una este año durante la Feria de San Isidro en Las Ventas; actualmente hay otra, hasta el día 29, en el Retiro, y en julio se inaugurará una muestra en Zaragoza bajo el título «Zaragoza de Expo a Expo (1908-2008)». Además, a partir de octubre y durante 2009, están previstas cuatro exposiciones fotográficas itinerantes que viajarán por diferentes puntos de España. Y se organizarán pequeñas muestras temáticas.

Destacados especialistas han visitado ya al archivo fotográfico de ABC. Es el caso de Miguel González, director de la Agencia Contacto, representante en España de Magnum; Alejandro Castellote, crítico, comisario y editor de obra fotográfica; Publio López Mondéjar, historiador de Fotografía y miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando; Clément Chéroux, conservador jefe de Fotografía del Pompidou; Jon Levy, director de foto8, EI8HT Magazine y HOST Gallery de Londres; Hripsimé Visser y Bas Vroege, conservadores de Fotografía del Stedelijk Museum de Ámsterdam, y Oliva María Rubio, directora de Proyectos de La Fábrica.

(ABC – Madrid,Spain)

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Blanca Berlín: «El mundo de la fotografía está muy necesitado de la palabra seriedad»

Juan Guzman — Mon, 24 Sep 2007 13:13:00 +0000

MANUEL DE LA FUENTE
—Cuándo decidió cambiar el objetivo de su cámara por el objetivo de ser galerista?
—-Llevo veinte años en la fotografía, pero la idea de montar una galería no es tan antigua, al contrario, es bastante reciente. He trabajado mucho en Prensa, y durante quince años me he dedicado a los reportajes de viajes. Hasta que llegó un momento en que, la verdad, estaba muy cansada de la precariedad del sector, pero, por otro lado, quería seguir relacionada con el mundo de la fotografía.
—Y se produjo el flashazo.
—Sí, entonces se me ocurrió, pero no fue un proyecto tan madurado como pueda parecer. Sino que en los últimos años siempre había sido visitante asidua de Arco y de prácticamente todo lo que se puede ver en el extranjero, y llegó un momento, hará dos años, en que me dije, ¿por qué no montar yo misma una galería?
—Algo que poner en negativo de estos primeros meses.
—Todavía no llevo mucho tiempo, pero problemas de tipo logístico no ha habido. Sí han existido otros problemillas «teóricos», podemos decir. Algunos compañeros me decían que estaba haciendo una programación muy conservadora y clásica; y otros me decían todo lo contrario.
—Fotográficamente hablando, ¿quiénes le han dado carrete?
—No he recibido ninguna ayuda, pero lo cierto es que no las he solicitado, aunque no descarto buscar alguna ayuda oficial porque está muy claro que estás haciendo una labor cultural muy fuerte. De hecho, en pleno mes de agosto han llegado a pasar por aquí más de ciento cincuenta personas diarias. El mayor problema reside en la enorme inversión que exige montar una exposición, pero una exposición bien montada, como las que estoy llevando a cabo.
—Ha comenzado con nombres muy propios: Ramón Masats, Félix Lorrio e Isabel Muñoz.
—Creo que eso es bueno, porque así se puede establecer una especie de marca de la casa. Una marca Blanca Berlín, de manera que la gente identificará el nombre con buenas exposiciones. Eso es lo que espero y ésa es la idea. Quiero una galería muy especializada, rígidamente especializada diría.
—¿Cómo anda España en materia fotográfica, es un panorama a contraluz?
—Ya hay algunos grandes coleccionistas, pero todavía funciona todo de forma balbuceante, no es un sector en plena pujanza, como sucede en Nueva York, Londres, Berlín y París. Queda mucho camino por andar, por eso eso es necesario que cada paso se dé con mucha seriedad. Llevo muchos años en la fotografía y sé lo necesaria que es ésa palabra, seriedad.
—¿Todavía hay quien se toma la fotografía a broma, como un arte muy menor?
—Entre la gente de la calle sigue imperando esa idea. A otros niveles, como los coleccionistas, los compradores y las instituciones, la polémica ya se ha decantado por admitir que la fotografía ocupa una posición muy importante, como cualquier otro tipo de arte.
—Resumiendo, que por aquí una imagen aún no vale más que mil palabras.
—En general, creo que la gente tiene verdadero interés por la fotografía, aunque eso sí, se siguen sorprendiendo mucho por los precios, aún no se asimila que una gran fotografía pueda valer lo mismo que un cuadro.
—Y con lo digital el planeta se ha llenado de artistas.
—Sí, todo el mundo se cree capaz de hacer su propia obra de arte.
—¿Como fue recibido el proyecto entre los compañeros?
—Me quedé muy sorprendida por la enorme acogida que mi idea tuvo entre los fotógrafos, empezando por el gran maestro Masats, al que ni siquiera conocía.
—El futuro pinta en color más que en blanco y negro.
—Las expectativas son magníficas, y a veces hasta me abrumo, porque éste es un mundo muy competitivo y yo no soy una mecenas. La galería, además de arte y cultura, también es una actividad comercial, y a veces me abruma todo lo que la gente espera que hagas. Yo no he venido aquí para cambiar el mundo de la fotografía con mi espacio; sencillamente, voy a poner mi granito de arena por intentar darle el valor que se merece.
mdelafuente@abc.es

“Ser fotógrafo es una responabilidad: somos los ojos del mundo” Durante dos décadas, el fotógrafo mexicano Patricio Robles Gil ha...

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"Ugly Betty" y El laberinto del fauno ganan Premios Imagen

Juan Guzman — Sun, 29 Jul 2007 12:40:00 +0000

Julio 29, 2007

LOS ANGELES (AP) _ La comedia de televisión “Ugly Betty” _ Betty la fea – y la cinta “Pan’s Labyrinth” _ El laberinto del fauno _ se llevaron los mayores honores el sábado en la entrega de los Premios Imagen en su vigésimasegunda versión.

La cinta “Babel”, aclamada por la critica y que hilvana una serie de historias que suceden en México y en otros cuatro países, perdió en cuatro categorías.

El Premio Imagen reconoce la labor de y acerca de hispanos en la industria del entretenimiento.

La serie de la cadena ABC, “Ugly Betty”, que recibió 11 nominaciones al premio Emmy, fue nombrada el mejor programa de televisión a la hora de mayor audiencia Su estrella, América Ferrera, quien también está nominada para un premio Emmy, fue reconocida como la mejor actriz de televisión y también recibió el Premio a la Creatividad de la Fundación Imagen.

La actriz del elenco de la misma serie, Ana Ortiz, ganó el premio a mejor actriz de reparto.

La cinta surrealista “Pan’s Labyrinth” _ El Laberinto del fauno – que trata sobre una niña que se envuelve en historias de hadas para escapar la brutalidad del fascismo en España, fue reconocida como la mejor película.

El director mexicano Guillermo del Toro recibió el premio e Ivana Baquero, la estrella de la cinta, 13 años de edad, fue nombrada mejor actriz.

La violenta película de Mel Gibson sobre los mayas, “Apocalypto”, perdió el premio de mejor cinta pero Gerardo Teracena y Dalia Hernández fueron seleccionados como mejores artistas de reparto.

Más de 2.000 personas asistieron al evento en el Walt Disney Concert Hall.

Laberinto de miradas, viaje por la fotografía documental iberoamericana Este 10 de Febrero se inaugura en el Antiguo Edificio...

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Mirones y obras maestras

Juan Guzman — Sun, 29 Apr 2007 12:30:00 +0000

MICHAEL KIMMELMAN

La exposición de Thomas Struth -fotos cautivadoras y magistrales de visitantes de museos delante de Velázquez en Madrid y contemplando un Leonardo en el Hermitage de San Petersburgo- culmina uno de los memorables proyectos artísticos de los últimos 20 años. Durante todo este tiempo, Struth ha estado haciendo fotos de gente en los museos. Están viendo arte, aunque se podría decir que la verdadera pregunta es qué están, y estamos, viendo.

Ahora mismo, la belleza de estas fotografías prácticamente se da por hecha. Esta muestra es una coda de la que se exhibió en el Prado, en la que Struth introdujo una docena de fotografías o más, algunas casi a tamaño natural, entre los cuadros y las esculturas. Hizo falta descaro y astucia. Estas fotografías, con las que uno se topaba irregular e inesperadamente, salpicaban salas de una grandeza casi implacable.

Algunas veces se entrometían. En ocasiones parecían irrelevantes. La mayoría de las veces desentonaban. Más tarde, me sorprendí recordando una fotografía que en el momento me pareció olvidable, del mismo modo que se recuerda más vívidamente a alguien que has visto de pasada en el museo que al mismo arte.

La obra de Struth implica en parte ocultar estas distinciones (y, por tanto, hacer que nos concentremos más en ellas) entre los espacios que hay en los cuadros que fotografía, los que ocupan las personas que están mirando esas pinturas, y los que ocupamos nosotros, que estamos mirando las fotografías.

En una sala de retratos pintados por Velázquez, Struth colocó una fotografía de dos jóvenes japonesas mirando fijamente una obra que está fuera del campo de la cámara, que daba la casualidad que estaba en el mismo sitio de la pared en el que ahora estaba colgada su foto. La mezcla de deseo y de reserva, medida a través de un claro abismo cultural, tenía una apariencia ligeramente cómica y conmovedora. Los cuadros de la pared les devolvían la mirada.

Enfrente del Tres de Mayo, de Goya, con el héroe ante el pelotón de fusilamiento, Struth interpuso una foto de público en Tokio, visto como una silueta oscura, admirando La Libertad guiando al pueblo de Delacroix, préstamo del Louvre, dentro de una enorme urna de cristal antiséptica. Dos escenas de heroísmo histórico, la de Goya y la de Delacroix, sutilmente aminoradas por el crepúsculo moral del consumo moderno, un tipo de espectáculo que ha sustituido a otro.

En el Prado, Struth colocó también una foto de sí mismo (sólo se ven de forma borrosa su brazo y su hombro, con una chaqueta azul) mirando un autorretrato de Durero en Múnich, que, perfectamente enfocado, nos devuelve la mirada. Durero es el verdadero modelo en el autorretrato de Struth, la paradoja de la imagen. Esa fotografía estaba colgada al lado del autorretrato de Durero del Prado.

Y en el catálogo de la exposición del Prado también hay una fotografía de Struth de toda la instalación, una caja china virtual de alusiones, fiel a lo que a menudo constituye la experiencia en un museo abarrotado y entretenido, que es lo que nos perdemos cuando miramos.

El proyecto de Struth entronca con una larga y a menudo desapercibida tradición de pintar a gente que contempla el arte. Su frialdad y su escala panorámica, que simula encuentros reales en espacios reales, puede ser engañosa. La obra de Struth es sutilmente emocional y no se trata de un mero soporte satinado. Se ve cómo la experiencia del museo en general ha evolucionado en los últimos años, cómo han crecido las masas, junto con la distracción de los teléfonos móviles, pero también lo que no ha cambiado.

La expresión en las caras de dos mujeres de mediana edad, con las cabezas inclinadas la una hacia la otra, compartiendo una audioguía en el Hermitage, buscando una obra de Leonardo, es eterna (sus miradas son a la vez esperanzadas y cautelosas). A la altura de sus hombros, con una visera rosa y tirantes de color lima, hay una especie de Madona estadounidense, un joven ángel del turismo.

Struth coloca la cámara junto al cuadro, de modo que nosotros vemos a esas personas mirando algo que no podemos ver. Agrupó varias de esas fotografías, diferentes, tomadas en diferentes momentos, para componer un friso; el flujo y reflujo de cuerpos proporciona unidad al conjunto. Hizo lo mismo con tomas combinadas de personas ante Las Meninas en el Prado, que sí vemos, y las figuras del cuadro miran a la gente que las mira.

Sala de espejos

En cuanto a nosotros, contemplamos las escenas tal como hacemos con el arte: aquí está el sonriente guía turístico, que se inclina hacia una melé de visitantes con los ojos como platos, que a su vez se apartan ligeramente del Velázquez, como si les intimidara su reputación. Allí, unos adolescentes españoles, indiferentes a las obras, discuten ante ellas, concentrados el uno en el otro, ignorando su poder. Sus posturas reproducen inconscientemente las de las figuras del cuadro. (Una chica vestida de rojo, doblada a la altura de la cintura, imita a la perfección a la sirvienta que está junto a la infanta; un chico con la mano a la espalda refleja a Velázquez tras su lienzo). El espacio se despliega dentro de la pintura, que en sí misma es una sala de espejos.

Y luego están los alumnos de escuela primaria a los que Struth fotografía, con sus uniformes, desperdigados como pétalos de flores ante La rendición de Breda de Velázquez, junto a la cual la famosa escultura antigua del niño que se saca la espina de un pie resulta una broma mordaz; es como uno de los niños distraídos. Un niño pequeño y de pelo oscuro en el término medio devuelve la mirada a la cámara, serio e insondable, como una especie de modelo real de enano de Velázquez. Una niña toca el hombro a otro niño. Su mano, que se mueve con rapidez, está ligeramente desen
focada. Como Velázquez, Struth desvela estos fragmentos de humanidad, que parecen corrientes, pero sobresalen, deteniendo el tiempo.

«Los momentos del pasado no permanecen quietos», como escribió Proust. «Conservan en nuestra memoria el movimiento que los empujó hacia el futuro, hacia un futuro que ya se ha convertido en pasado, y nos empuja en su progresión».

Las fotos de Struth tratan sobre este continuo, desde artistas como Velázquez hasta los espacios públicos adonde van a parar sus obras, y hasta nosotros. ¿Qué buscamos en un museo? Vamos a buscar la verdad en la pintura, y acabamos leyendo las caras de los demás. Nos buscamos a nosotros mismos.

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Desireé Martín se lleva el Ortega y Gasset de Fotografía

Juan Guzman — Thu, 26 Apr 2007 14:22:00 +0000

El periodista Roberto Navia gana el galardón por un reportaje de investigación publicado en ‘El Deber’ sobre esclavitud en Bolivia

La fotografía ‘Cayuco en las costas de Tenerife’ de Desireé Martín ha sido la ganadora en la categoría de Periodismo Gráfico de los premios Ortega y Gasset. EFE La fotógrafa Desirée Martín, por una instantánea difundida por la Agencia Efe, y el periodista boliviano Roberto Navia, por un reportaje de investigación publicado en El Deber, han sido dos de los ganadores de los premios y de periodismo, que concede el diario
Según informó el periódico en una nota, en su vigésimo cuarta edición, estos premios han recaído también en el poeta y periodista cubano exiliado en España Raúl Rivero, colaborador de , por su trayectoria como periodista, y en el servicio mundial de la BBC en español.

La fotógrafa Desirée Martín ha sido la ganadora en la categoría de Periodismo Gráfico, por su imagenCayuco en las costas de Tenerife que difundió Efe y publicó el diario ABC, el 22 de marzo de 2006.

Un instante dramático

El jurado ha destacado “el poder expresivo de esta fotografía, que capta un instante dramático de la llegada de los inmigrantes a Canarias”.

En este apartado se ha otorgado también una mención especial a Xoan Alvarez Rey, fotógrafo de Efe y de El Faro de Vigo por su instantánea El incendio en Ponte Romaño, publicada el 12 de agosto de 2006.

Roberto Navia ha sido premiado en la categoría de Mejor Trabajo de Investigación o Reportaje, Artículo Crónica, Entrevista o Columna de Opinión por Esclavos made in Bolivia”, publicado en el diario El Deber, de Santa Cruz de la Sierra, Bolivia.

El jurado ha valorado la importancia de la información de Navia sobre la explotación de los emigrantes bolivianos en los talleres clandestinos en Buenos Aires y Sao Paulo y la calidad de este trabajo periodístico “llevado a cabo con medios reducidos y con gran mérito personal”.

Rivero ha sido galardonado en la categoría de Mejor Labor Informativa por su trayectoria como periodista y en su caso se ha querido rendir homenaje a la “lucha tenaz y comprometida por la libertad informativa protagonizada por él y a su obra de periodismo muy original y de extraordinario valor literario”.

El premio al mejor trabajo en la categoría de periodismo digital, incluida por primera vez en la edición de este año, ha sido para el servicio mundial de la BBC en español por su “decidida apuesta por un periodismo digital de calidad en español”, que edita esa página web desde 1999.

El jurado de esta edición ha estado presidido por el sociólogo francés Alain Touraine, y compuesto por Clara Sánchez, Aitana Sánchez Gijón, Darío Arizmendi, Rafael Argullol, y los cuatro directores que ha tenido desde su fundación: Javier Moreno, Jesús Ceberio, Joaquín Estefanía y Juan Luis Cebrián

Premio Funglode, 2011 (Fotografía, documental, Cuento, Poesía, Ensayo y Periodismo) La Fundación Global Democracia y Desarrollo (FUNGLODE) y la Global...

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Más que un rally, busco destellos de belleza y libertad: Tunick

Juan Guzman — Thu, 22 Mar 2007 16:42:00 +0000

Después de tres años concretará su propuesta estética en dos espacios públicos del DF
El artista espera atraer a 4 mil personas, mayores de edad, para su instalación masiva de cuerpos desnudos
”Si uno ve un millar de flores, entonces se trata de arte de concepto orientado” MERRY MACMASTERS

Así luciría el campus de Ciudad Universitaria, de realizarse en ese sitio público, todavía no confirmado oficialmente, la propuesta estética de Spencer Tunick. Trascendió que el Zócalo capitalino será el otro espacio donde se lleve a cabo otra toma del artista estadunidense Foto: Montaje: Ana Lilia Martínez

Aunque tuviera 90 años, el estadunidense Spencer Tunick (Middletown, Nueva York, 1967) encontraría ”frescas” sus archipublicitadas instalaciones masivas de seres humanos desnudos en espacios públicos, expresó a La Jornada.

El artista anunció ayer que el domingo 29 de abril, después de esperar tres largos años, efectuará por fin un proyecto fotográfico y de video en un lugar de la ciudad de México que, ”por tradición”, revelará siete días antes de la fecha, para el que espera atraer a 4 mil participantes. Bien podría ser en el campus de Ciudad Universitaria.

También, dio a conocer la creación de la página web www.spencertunickmexico.unam.mx, donde los interesados podrán inscribirse. Y como la instalación requiere que los participantes se desnuden por completo, los voluntarios deberán contar con la mayoría de edad y ceder los derechos de las imágenes y del registro en video que realizará TvUNAM, para su posterior difusión.

Tres instalaciones por año

Si los proyectos de Tunick mantienen su frescura es porque sólo realiza tres al año. El de la ciudad de México será el primero de 2007, mientras que el segundo será en Amsterdam, como parte del Holland Festival. El tercero aún es un secreto, porque hay que conseguir los permisos y tener la forma de inscribirse antes de anunciarlo, pero también tendría sede en Europa.

Desde 2004, Tunick cultivó la esperanza de que aquí algún museo o institución de arte contemporáneo se interesara por financiar un proyecto suyo en el país. Pero, ”para bien o para peor”, las instituciones con las cuales se reunió decidieron no asumirlo (La Jornada, 22/04/05).

Hasta el momento el costo de la instalación asciende a un millón 240 mil pesos, pero podría llegar a un millón y medio de pesos, informó Marco Antonio Hernández Murrieta, presidente de la Fundación Murrieta, patrocinador junto con Difusión Cultural de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y la Secretaría de Cultura del Gobierno del DF.

La mitad de los gastos serán cubiertos por dos coleccionistas particulares, cuyos nombres no fueron revelados, y el resto por las instituciones mencionadas.

Los organizadores tratan de mantener a Tunick alejado de lo político, porque los trámites burocráticos lo ”deprimen”.

Explica: ”Por lo general las ciudades obtienen la imagen necesaria de otras urbes. Los políticos siempre se muestran muy nerviosos en cuanto a la acogida del arte público en general, pues lleva un poco de tiempo. Tienen que ver qué se hizo en otras partes y si fue exitoso. Este es el tiempo más largo que he trabajado en una instalación”. Al empeño de Mireya Escalante se debe que el proyecto haya cuajado.

En Santiago de Chile, por ejemplo, su trabajo fue el catalizador para que más de 4 mil personas sacudieran ”una opresión de 10 años y comenzaran algo nuevo”.

Aunque nunca fue su pretensión que eso pasara, porque ”pienso que podemos crear una obra de arte y tener un momento de belleza y libertad o lo que sea. Para mí no se trata de un rally o de una protesta”.

Abstracción y cuerpos como forma

Para su primer trabajo en grupo, en 1994, frente al edificio de la Organización de las Naciones Unidas, en Nueva York, Tunick contó con 28 personas. Aunque no lo veía como una protesta, consistió en su ”modo personal de tratar el genocidio en Ruanda y Bosnia”. Si en un principio su trabajo era más ”un grito en contra de la agresión hacia el cuerpo”, ahora, trabaja más con la abstracción y los cuerpos como forma.

Aparte de Santiago de Chile, Tunick ha hecho instalaciones en Sao Paulo, Buenos Aires y Caracas. Le ha ido bien en Latinoamérica. En su estado natal, sin embargo, tuvo que ganar su derecho de trabajar en la Corte Suprema de la Nación, donde lo apoyó la juez Ruth Ginsberg.

Tunick ve el cuerpo humano como una flor. ”Si uno dispone un millar de flores en cierta forma, entonces, se trata de arte de concepto orientado”. Le gusta trabajar al amanecer, cuando ”el sol aun está debajo del horizonte y el cielo entero es una caja de luz”. Emplea el cuerpo como ”una cobija que tranquiliza situaciones”.

-¿Algún día le rogarán para que haga sus instalaciones en diferentes países?

-Acabo de cumplir 40 años, tal vez cuando tenga 50 habré obtenido un poco más de reconocimiento. Pero estoy bien, durante los próximos 10 años no me importa si me rechazan.

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PHotoEspaña ficha a «mamá Brody»

Juan Guzman — Wed, 21 Mar 2007 14:36:00 +0000

POR JAVIER HERNÁNDEZ. MADRID.

Sylvia Plachy y Adrien Brody son uña y carne. Más allá de aquel niño, hijo único, que acompañaba a su madre al periódico «Village Voice», donde aprendió a ponerse delante de una cámara, ambos se trasvasan inspiración. Él constituye una fuente para retratar cuando Plachy coge su máquina de hacer fotos, ya sea para hacer retratos, en los escenarios donde se rodó «El pianista», o hace unos meses en el set de rodaje de «Manolete». Mamá (con permiso de Elliot Brody) tiene la culpa de que él hiciera carrera en el cine, de que ingresara en la Academia de Arte Dramático de Nueva York, de recibir los consejos para orientar su carrera al séptimo arte («que él tenga una sensibilidad especial viene de mí y de todo lo que ha sufrido mi familia», comenta a ABC) y de escoger «muy bien los papeles que le aportan algo especial».

Pese a que es habitual verlos, por ejemplo, desfilar por la alfombra roja de Hollywood, ella prefiere, sin embargo, no referirse a su hijo, algo inevitable si hablamos de lo que los americanos llaman una «celebrity» (un famoso). De hecho, gran parte del Oscar que le catapultó a la categoría de estrella en 2003, con «El pianista», aquella historia del judío polaco Wladyslaw Szpilman (a las órdenes de Roman Polanski) se lo sigue debiendo a esta fotoperiodista húngara (Budapest, 1943), cabeza de cartel este año en PHotoEspaña, donde se presentará una amplia retrospectiva de cien imágenes («De reojo», en el Círculo de Bellas Artes).

Brody (que vive un tórrido romance con la explosiva Elsa Pataky) se inspiró en las fotografías que hizo su madre en Bosnia para entender «la pérdida, la soledad y el nivel de tragedia que mucha gente ha experimentado en su mundo», según sus palabras. Su interpretación, sin embargo, va más allá. Porque esos significados están muy arraigados en su familia, forzada a salir de Budapest durante la represión soviética de noviembre de 1956, que llenó de tropas las calles de esta ciudad bañada por el Danubio.

A Austria con una maleta

Apenas una maleta para llegar a Austria y muchos recuerdos con los que Plachy llegó a Estados Unidos. Años después quedarían retratados en «Self Portrait with cows going home (Autorretrato con vacas volviendo a casa)» (2004), su obra más reconocida, un «puzzle» fotográfico de la Europa del Este que ella vio en su infancia y que, ocho años después de salir de Hungría, volvió para retratar. Son instantáneas de su vida mediante fragmentos imaginarios, misteriosos, en blanco y negro en su mayoría: los cambios en su Hungría natal a través de lo cotidiano, sombras extraviadas, edificios de apartamentos llenos de agujeros de balas que recuerdan esos trágicos episodios (10.000 muertos) de 1954, la huella del exilio (200.000 personas emigraron del país), pero también hay pasajes y casas, álbumes familiares, documentos fotográficos en los que muestra su visión de otros países del antiguo telón de acero: Rumanía, la Alemania Oriental, Checoslovaquia o la antigua Yugoslavia. El viaje termina en Estados Unidos.

Llorar una tragedia

Con esta obra, esta colaboradora de publicaciones como «The New York Times», «The New Yorker», «Time» o el ya mencionado «Village Voice» (sus trabajos datan de hace más de 30 años) afirma haberse liberado, según explica a este periódico. «Cuando has llorado por una tragedia, te lleva años poder sacar fuera tus emociones. Y «Self Portrait» me ayudó a entender todo lo ocurrido, expulsar de mí los peores recuerdos de mi infancia».

Plachy está presente en las colecciones fotográficas de museos como el Metropolitan y el MoMA (ambos en Nueva York), el de Arte Moderno de San Francisco, el de Grandes Obras de Houston o la Biblioteca Nacional de París, entre otros, y su obra ha sido expuesta en Francia, Inglaterra, Alemania, Eslovenia, Hungría, Canadá, Japón, China y Estados Unidos, pero no así en España.

Mireia Sentís, comisaria junto a Joaquín Gallego de la exposición que acoge PhotoEspaña sobre la autora de, entre otros, «Unguided Tour (Visita no guiada)» (1990), «Red Light: inside the sex industry (Luz roja: dentro de la industria del sexo)» (1996) o «Señas y Reliquias» (2000), explica así como la descubrió: «Durante años recorté las fotografías que publicaba en el «Village Voice», me gustaban tanto que luego las guardaba en un librito».

¿Qué fotografías se podrán ver? «Estarán -responde esta comisaria- Nueva York, sus viajes, sus retratos maravillosos, sus imágenes de animales… «De reojo» nos enseña su movimiento, como si no meditara mucho a la hora de hacer imágenes. Sin embargo, es muy introspectiva, y eso la diferencia de un fotorreportero al uso: es artista pero también retrata la realidad».

Plachy usa el color, pero prefiere el blanco y negro. Le resulta imperecedero: «Puede ser más dramático, cautivar más las emociones y expresar bellas metáforas».

El festival, que este lunes presenta su X edición, también servirá para ver a Plachy en su faceta de escritora: el catálogo de «De reojo» incluirá también, según Sentís, «sus textos, algo que no es muy habitual en este tipo de exposiciones».

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Jorge Pineda, icono de la Feria de Arte ARCO 2007 en Madrid

Juan Guzman — Thu, 22 Feb 2007 23:53:00 +0000

Fuente: Clave Digital

MADRID.- ARCO, la Feria de Arte Contemporáneo de Madrid abrió su 26ª. Edición el pasado 14 de febrero. El periódico El País del día 15, reprodujo en su portada la obra “AFRO: Issue I” del artista dominicano Jorge Pineda, que expone con la Galería Raquel Ponce. Esta obra que fue adquirida por el MUSEO IVAM (Instituto Valenciano de Arte Moderno) de Valencia el mismo día de apertura de la feria.

El suplemento cultural del periódico ABC ya había publicado en diciembre del pasado año un reportaje de la obra de Pineda, a doble página en la sección artista del mes.

El periódico La Vanguardia de Barcelona del día 15 de febrero ilustró uno de sus artículos sobre ARCO con la imagen de la obra que expuso el artista dominicano en este importante evento en el que exponen más de 3,000 creadores de diferentes latitudes.

Por su parte el periódico El Mundo realizó dos publicaciones de la obra de Jorge Pineda, una en el suplemento El Cultural en un especial sobre la feria y la segunda en la sección cultural diaria del día 14 de febrero, con otra de las obras de Jorge Pineda titulada Mambrú y que estará este año en el proyecto sobre el Arte de El Caribe, curado por Tumelo Musaka para el Brooklyn Museum de Nueva York.

Al final del segundo día de la Feria, se había vendido la totalidad de las obras expuestas por Jorge Pineda: nueve dibujos de la serie “Niñas Locas” y seis de gran formato de la serie “Niños Malos”. El Museo de Arte contemporáneo de Castilla y León (MUSAC) que ya tenía una instalación de este artista, adquirió recientemente otros nueve dibujos de la serie “Niñas Locas” para fondos de su colección.

Jorge Pineda ha sido invitado a la Bienal de Venecia a celebrarse el próximo mes de junio, y en Mayo estará en Salamanca, España, para montar la instalación Entropía que ha sido adquirida por el Museo de Arte Contemporáneo Da2 (Domus Artium 2002).

En el mes de abril una serie de dibujos que reflexionan sobre la perversión del ideal, estarán en exhibición en el IVAM de Valencia en un proyecto curado por Rafael Sierra con motivo de la celebración en esa ciudad de la Copa América 2007.

Su obra se puede ver en la exposición individual que presentará la galería District & Co. en Santo Domingo en el mes de mayo con quienes estuvo en Artmiami en enero pasado y en la galería Varelli , Arte Contemporáneo en Romana, con quien estará en la feria de arte Arteaméricas de Miami en marzo próximo. En la feria CIRCA de Puerto Rico estará con la galería Raquel Ponce, su representante en España.

Jorge Pineda es un artista que maneja diferentes medios de la creación visual. En el teatro ha sido como director, escenográfo y dramaturgo. En la pasada Bienal Nacional de Artes Visuales obtuvo el Primer Premio de Instalación, de igual forma fue galardonado en la categoría dibujo en el más reciente Concurso de Arte Eduardo León Jimenes.

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Para una historia de la fotografía: Fidel en la Sierra Maestra, 1958

Juan Guzman — Sat, 10 Feb 2007 12:07:00 +0000

Por: Rufino del Valle

10 de Febrero, 2007

La foto y su historia: Fidel Castro en la Sierra Maestra, 1958

Después del desembarco en Las Coloradas y del desigual enfrentamiento con las tropas de la dictadura de Fulgencio Batista en Alegría de Pío, Fidel Castro y doce combatientes partieron a la Sierra Maestra, la altura más alta de Cuba. Durante dos años pelearon fuertemente para hacer a Cuba Libre y soberana, como lo soñó José Martí. Esta es una de las imágenes más divulgadas internacionalmente del jefe de la Revolución Cubana, en esa etapa. Fue publicada por primera vez en el semanario francés París Match y fue tomada por el fotógrafo y periodista español Enrique Meneses en febrero de 1958, en la zona de La Mesa, antigua provincia de Oriente.

Meneses Miriaty, Enrique (Madrid, 21 de octubre de 1929)
Fotógrafo, periodista, profesor de fotoperiodismo y escritor español. Director de ABC de Las Américas, creador y director de “Los Aventureros” en Radio Nacional Española, y ha colaborado en decenas de diarios y revistas de todo el mundo. Está considerado uno de los pioneros del fotoperiodismo español, maestro de fotógrafos y periodistas. Ha vivido en Francia, Portugal, Egipto y Estados Unidos, y ha viajado por la India, Oriente Medio, el África negra y Cuba, entre otros países. Testigo de excepción de los acontecimientos más importantes de la segunda mitad del siglo veinte; pernoctó con los manifestantes de la marcha sobre Washington que lideró Martin Luther King; fotografió la Guerra de los Seis Días entre Egipto e Israel, el entierro del presidente Kennedy, la boda de los reyes de España; entrevistó al Dalai Lama, a Nasser, a Abdel-Krim; ha sido Chief-Bureau de París-Match para Oriente Medio y fue el primer reportero gráfico que ascendió a la Sierra Maestra en la última quincena de 1957. Allí fotografió y convivió con Fidel Castro, el Che Guevara y el resto de los barbudos de la Comandancia Rebelde. Los negativos en blanco y negro, tomados en Cuba, los reveló en casa del ingeniero Agustín Capó, un aficionado de lujo a la fotografía, en La Habana y los de color en el Studio Naranjo con la colaboración del fotógrafo Rolando Montalbán. A su regreso a España, a mediados de los sesenta, monta Fotopress con Prensa Española y posteriormente crea y dirige para Televisión Española el programa A toda plana. Más adelante forma parte del equipo de Los Reporteros, y luego produce Robinson en África, además de dirigir la edición española de Playboy. Como periodista y escritor es autor de numerosos libros como: Fidel Castro (Ed. Afrodisio Aguado, 1966); Nasser, el último faraón (Prensa Española, 1970); La bruja desnuda (Ed. Alce, 1976); Seso y Sexo (Ed. Campus, 1979); Escrito en carne (Planeta, 1981); Una experiencia humana… Robinson en África (Planeta, 1984); La nostalgia es un error (Planeta); José Luis de Vilallonga (Grupo Libro 88, 1993); Castro, empieza la revolución (Espasa Calpe, 1995); África, de Cairo a Cabo (Plaza & Janés, 1998); Hasta aquí hemos llegado (Ediciones del Viento, 2006). En la actualidad es colaborador de Periodista Digital, donde mantiene su propio “blog”.
(Datos tomados del Diccionario de la Fotografía Cubana de Ramón Cabrales, en edición)

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La magna exposición de Mateo Inurria reunirá casi toda su obra escultórica

Juan Guzman — Wed, 24 Jan 2007 10:58:00 +0000

LUIS MIRANDA

CÓRDOBA. Mateo Inurria regresará a su ciudad en primavera. No será sólo una magna exposición que llevará su nombre y su obra por varios puntos de Córdoba, sino una ocasión para situarle en el arte de su tiempo y para conocer casi todos los frutos de su creación.

No en vano esta muestra antológica reunirá en la ciudad la práctica totalidad de obras que se conservan de Mateo Inurria, con la excepción de los monumentos callejeros que no se pueden trasladar, pero de los que también habrá testimonio gráfico.

La Diputación Provincial, el Ayuntamiento de Córdoba, Cajasur, la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía y la Universidad de Córdoba cooperarán en la realización de esta muestra, para la que se han nombrado como comisarios a Jaime Brihuega y Javier Segura. Ambos son profesores de Historia del Arte en la Universidad Complutense y cuentan con experiencia en este tipo de muestras, pues ya fueron comisarios de «Símbolo, materia y obsesión», la magna exposición que se dedicó en 2003 a Julio Romero de Torres, y en cuyo modelo se inspira la de Mateo Inurria.

Los dos profesores están trabajando en la configuración de esta exposición de gran formato que recuperará sus esculturas, dibujos y bocetos, pero también las de los autores de su tiempo, que va desde el siglo XIX hasta comienzos del tiempo, ya que el artista nació en 1867 y murió en 1924.

Jaime Brihuega explicó ayer a ABC que la muestra tendrá cinco sedes, cada una de ellas dedicada a algún aspecto en concreto. En la Sala Vimcorsa, propiedad del Ayuntamiento de Córdoba, se expondrá «el grueso de la obra de Mateo Inurria», tanto de esculturas como de plantillas de tipo arqueológico. Parecido tipo de obras albergará otra de las sedes, el Museo de Bellas Artes, aunque en este caso predominarán los dibujos.

Otro de los lugares será la Sala de Exposiciones Museísticas de Cajasur. Se dedicará a obras de gran formato, firmadas tanto por Mateo Inurria como por escultores de su tiempo. El Palacio de la Merced, sede de la Diputación Provincial, se dedicará también a la obra de los artistas contemporáneos a Mateo Inurria, aunque será en obras de pequeño formato. Con esta contextualización, aseguró Jaime Brihuega, se buscará «centrar el sentido de su escultura en el seno de la historia del arte español de su tiempo».

La última de las salas será Puertanueva, situada junto a la Facultad de Derecho. En ella los visitantes podrá contemplar las obras monumentales que es imposible trasladar de los lugares en los que están emplazados. Mateo Inurria dedicó una parte muy significativa de su producción a este tipo de trabajos y en la sala se ofrecerá abundante testimonio gráfico de cada uno de ellos. Habrá un completo reportaje de estos monumentos, pero además fotos documentales sobre el escultor, fragmentos, dibujos y pequeños bocetos.

«Como ocurrió con Romero de Torres, toda la ciudad estará instalada para hacer una revisión general de la obra del artista», resumió Jaime Brihuega. Según el profesor, Mateo Inurria fue «un artista importantísimo, que murió joven y que por eso no terminó de dar todo el fruto que hubiera podido dar».

La modernidad

Supo enlazar la tradición con las vanguardias que se empezaron a desarrollar en España a partir de 1925, un año después de su fallecimiento. «Fue capaz de combinar el realismo, el idealismo y ese cierto impresionismo de toque de la materia donde la figuración se llena de contenidos y pulsiones muy intensas y muy modernas», resaltó Jaime Brihuega, que insistió en que la exposición buscará ante todo esta vertiente «moderna» de Mateo Inurria.

En la muestra estarán obras tan características como sus bustos o sus figuras femeninas. No irán los monumentos, entre ellos el del pintor Eduardo Rosales, «que es uno de los monumentos públicos más importantes del arte español del siglo XX». De esta obra, situada en el Paseo Pintor Rosales de Madrid, se mostrará una amplio reportaje fotográfico a gran formato que permita admirar su calidad.

No habrá «obras concretas que se puedan fetichizar», sino que se dará cuenta de «la trayectoria general de un artista que es muy sólido, muy coherente y con una tensión evolutiva importante».

Las esculturas proceden de museos y colecciones públicas y privadas siempre españolas, de ciudades como Bilbao, Barcelona y Valencia.

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Juan Vacas, fotógrafo

Juan Guzman — Wed, 24 Jan 2007 10:46:00 +0000

JUAN JOSÉ PRIMO JURADO

ME dicen que se va a proponer a Juan Vacas para el Premio Nacional de Fotografía de este año y se están buscando apoyos. Incondicionalmente que cuenten con el mío, humilde en cuanto no represento a nadie más que a mí mismo. Espero de todas las instituciones cordobesas y personalidades vinculadas a Córdoba, con todos los matices que conlleva ese epíteto, su suma a la iniciativa. Estoy seguro que a Juan Vacas le da igual, pero su nominación es de justicia y si es premiado, el prestigio será para toda Córdoba.

La actividad profesional de Juan Vacas, nacido en Jaén hace 83 años, ha estado vinculada a la Guardia Civil, donde sirvió como técnico electrónico casi toda su vida. Pero su faceta artística, también de toda su vida, tiene dos nombres: fotografía y Córdoba. La fotografía es un arte y siempre habrá arte en ella si el que la hace, la hace bien. Y Juan ha hecho bien la fotografía. Siempre en blanco y negro, Córdoba ha sido su gran objetivo: La Mezquita, fotografiada con cien permisos e infinita paciencia, el Museo Taurino, la Cuesta del Bailío, la Posada del Potro, el Guadalquivir, el cielo de Córdoba, la Sierra, la Campiña, sus gentes, en sus labores y en sus instantes.

También se ha dedicado al retrato, por el que siente gran predilección, sumando más de un centenar, siempre intentando mostrar lo que el retratado es, y no lo que aparenta externamente. En otras ocasiones le ha salido el pintor abstracto que lleva dentro y lo ha plasmado en fotomontajes, creaciones donde ha investigado materiales y luces, a través de guitarras pareciendo copas, cuerpos femeninos o arcos de la Mezquita y de ojos que nos miran desde el corazón de las flores.

Aunque no lo sepa, Vacas representa a una Córdoba ciudad de fotógrafos. Aquéllos heroicos que comenzaron su actividad en el siglo XIX, como Palomares, Molina, Almenara o Santos; los que la continuaron en una época no menos gloriosa, como Francisco J. Montilla y su estudio en la calle de la Plata o Señán González, que lo tuvo junto a la Mezquita en un característico edificio aún hoy en pie; Linares, Margón o Jiménez ya en pleno siglo XX; hasta llegar a una actualidad donde brillan, entre otros, los nombres y las obras de José F. Gálvez, Rodríguez, A. J. González, F. González, José Aguilera, José C. Nievas, Rafael Carmona, nuestro jefe de la sección de fotografía de ABC, junto a la trayectoria de la asociación Afoco y su premio de fotografía «Ciudad de Córdoba».

También representa Juan Vacas a esa Córdoba trabajadora anónima. Brillante en el desempeño de sus funciones y apenas reconocida por poderes públicos y privados. Él, como tantos otros artistas, intelectuales o profesionales cordobeses, no ha practicado ni la adulación, ni el servilismo, ni el arribismo. Ha practicado el trabajo: «Una vez me entrevistaron y el periodista decía que Juan Vacas había conseguido algunas grandes instantáneas. ¡Instantáneas! Cada fotografía nocturna me llevaba casi tres cuartos de hora». Y ha preferido la libertad y la independencia, que en Córdoba tienen el precio de la soledad, pero a cambio encuentran el premio del verdadero prestigio, el que no precisa de grandes homenajes públicos.

Juan Vacas tiene tres grandes premios ya en su haber. El reconocimiento internacional con sus obras expuestas en el MOMA de Nueva York; el amor de la familia que ha sabido criar, logrando transmitirle su sello de artista y el reconocimiento profesional entre los especialistas en fotografía. Hace algo más de un año, Vacas afirmaba en un reportaje publicado en la revista Córdoba Eterna: «De Córdoba no hay más que una fotografía: Córdoba es una fotografía». Una vez más se demuestra que el amor por lo que se hace y donde se hace, es una clave para el éxito.

El México del fotógrafo Juan Rulfo La Fnac expone 25 imágenes que resumen la intensa actividad...

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Concha Prada muestra en «Invisibles» lo que se escapa en la vida cotidiana

Juan Guzman — Fri, 19 Jan 2007 16:28:00 +0000

ABC

VALLADOLID. La zamorana Concha Prada expone hasta el próximo día 25 de febrero en Valladolid su colección «Invisibles», dentro de la muestra itinerante Constelación Arte 2007, promovida por la Consejería de Cultura. Prada intenta en esta exposición que el ojo humano vea todo aquello de los objetos y acciones de carácter cotidiano que, normalmente, no es capaz de percibir.

La exposición, que ya ha visitado de forma itinerante el resto de provincias de la Comunidad, se puede ver en el Monasterio de Prado de la capital vallisoletana y representa una recopilación del trabajo de los últimos diez años de esta zamorana. «Es un trabajo fotográfico y abstracto de la fotografía, que intenta ver las cosas cotidianas de otra manera. Todo lo que estamos cansados de ver, trato de convertirlas para verlas de otra manera», manifestó la zamorana, residente en Valencia.

En «Invisibles», se muestra una colección de piezas, cuyo tema común es «el tratamiento de la materia orgánica, que mantiene una tensión intrigante entre lo imaginario y la realidad; así pues, nos encontramos con la huella, el rastro, la disección, el referente». Prada enmascara la imagen «en tanto que huella de lo real». La fragmentación y el aumento de la escala contribuyen a aislar la imagen de su referente, llevándola hacia la abstracción, pero sin perder por ello su capacidad descriptiva y por tanto su carácter figurativo.

«No se trata de transformar los objetos en nada, sino de ver nuestra incapacidad de percibir, porque no somos capaces de percibir todo lo que hay si no es a través de una máquina», señaló la artista.

Concha Prada realiza obras en formatos relativamente grandes; algunos como trípticos o polípticos modifican la escala de lo fotografiado y, al agrandar la imagen, contribuye a crear nuevas formas, informa Ical.

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La Fundación Serralves trae la heterodoxia de la fotografía contemporánea

Juan Guzman — Sat, 23 Dec 2006 12:45:00 +0000

FÃLIX IGLESIAS

VALLADOLID. La sala municipal de San Benito de Valladolid vuelve a apuntarse un tanto en su haber como centro dedicado en exclusiva a la fotografÃa con la exposiciÃ³n Â«Sin lÃmites. FotografÃas de la ColecciÃ³n de la FundaciÃ³n de SerralvesÂ», un centro de arte contemporÃ¡neo luso reconocido internacionalmente pese su corta trayectoria. Un tanto, no por conseguir una primicia en EspaÃ±a (la muestra ya se ha visto en Barcelona) sino por una apuesta por la expresiÃ³n mÃ¡s innovadora de este arte, una reciÃ©n nacida en comparaciÃ³n con la trayectoria de otras expresiones artÃsticas.

El director adjunto del Museo Serralves, Ricardo Nicolau, en la presentaciÃ³n ayer de la muestra no dio pie a duda alguna cuando recordÃ³ que la fotografÃa es el arte mÃ¡s prÃ³ximo a la cotidianidad. Dicho esto apuntÃ³ que este vÃnculo forzosamente no conduce a una obra Â«bellaÂ», ni siquiera a que el resultado final sea Â«fotogÃ©nicoÂ».

Y asÃ se presenta en esta exposiciÃ³n la obra de 25 creadores portugueses y de otras nacionalidades, incluyendo firmas tan relevantes en el arte de las Ãºltimas dÃ©cadas como Helena Almeida, Gordon Matta-Clark, Sigmar Polke, Gilbert & George o Bernd & Hilla Becher.

Volviendo a la presentaciÃ³n realizada por Nicolau, Ã©ste recordÃ³ que todos estos nombres protagonizaron la vuelta de tuerca que los creadores dieron al arte del siglo XX en los aÃ±os 60 y 70, donde muchos no se consideraban fotÃ³grafos sino artistas o bien, por el contrario, fotÃ³grafos simplemente.

AsÃ las cosas, la heterodoxia rezuma esta muestra, en la que destacan las obras seriadas y los retratos entendidos como representaciÃ³n dinÃ¡mica, aunque tambiÃ©n hay espacio para el sempiterno vÃnculo con el diseÃ±o y las proclamas. En definitiva, una exposiciÃ³n realmente relevante.

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PHotoBolsillo presenta cinco décadas de fotografía en España

Juan Guzman — Fri, 22 Dec 2006 12:47:00 +0000

PHotoBolsillo presenta cinco décadas de fotografía en España
Esta obra de PHotoBolsillo, cinco décadas de fotografía en España, es una retrospectiva de la historia contemporánea. Quince grandes fotógrafos forman parte de esta colección: Alfonso, Muller, Català-Roca, Cualladó, Terré, Masats, Herráez, Pérez Siquier, Maspons, García-Alix, Pérez-Mínguez, Trillo, Ouka Leele, Vallhonrat y el gallego Vari Caramés.

(viernes 22 de diciembre de 2006)

XORNAL I A Coruña.- Se trata de una colección considerada por los expertos como exquisita y novedosa que reúne las tendencias, los estilos y los creadores imprescindibles de la fotografía española. Momentos y temas como la posguerra, la dictadura, la España profunda, la transformación de las ciudades, la movida madrileña, las corridas de toros, las celebraciones y costumbres… En esta cita se encuentran imágenes épicas, retratos de personajes emblemáticos y anónimos, el paisaje cotidiano y arriesgadas creaciones personales.

Cada volumen presentado con un prólogo realizado por un escritor, historiador o especialista del arte y la fotografía. La obra está a la venta en librerías y tiendas especializadas.

PhotoBolsillo, una colección de La Fábrica Editorial dirigida por Chema Conesa, ha publicado 58 títulos que conforman la única biblioteca dedicada al estudio de la obra realizada por los fotógrafos españoles más prestigiosos. Con más de cien mil ejemplares vendidos, PHotoBolsillo ofrece por primera vez la posibilidad de aproximarse desde una perspectiva cronológica a los sucesos que han hecho historia y a los estilos que han dado pie al desarrollo de la fotografía en España. La trayectoria propuesta por PHotoBolsillo en esta edición especial de cinco estuches, cada uno con tres títulos representativos, abarca la segunda mitad del siglo XX, el período correspondiente entre los años 50 y 90. Una selección aproximada de sesenta fotografías, prólogo, biografía y bibliografía componen el libro de cada autor.

En la selección de los años 50 están agrupados Alfonso, Francesc Català Roca y Nicolás Muller; en los años 60: Gabriel Cualladó, Ramón Masats y Ricard Terré; en los años 70: Fernando Herráez, Oriol Maspons y Carlos Pérez Siquier; en los años 80: Alberto García-Alix, Pérez-Mínguez y Miguel Trillo y, finalmente, en los años 90: Vari Caramés, Ouka Leele y Valentín Vallhonrat.

Años 50: Muller, Català-Roca y Alfonso
Fotoperiodismo, Compromiso, Épica, Posguerra

Nicolás Muller (Orosháza, Hungría, 1913, Andrín, España, 2000) vivió su exilio en Francia, Portugal y Tánger y se instaló definitivamente en España en 1944. En 1980 dejó la fotografía y se retiró en Andrín, Asturias, hasta su muerte. Su libro, con prólogo de Pilar Rubio, recoge fotografías realizadas por el autor entre 1935 y 1966, en Hungría, Francia, Portugal, Marruecos, Italia y España. Paisajes y episodios de la vida cotidiana, retratos de mujeres, campesinos, trabajadores y personajes ilustres como Azorín y Pío Baroja.

Francesc Català-Roca (Tarragona, 1922, Barcelona, 1998) trabajó desde 1948 en fotografía y cine. A partir de 1954 colaboró con la Editorial Destino y la Dirección General de Turismo. En 1970 realizó documentales sobre Miró, Chillida y Guinovart. En 1983 recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas, por primera vez otorgado a un fotógrafo. En su libro, con prólogo de Luis Revenga, se recogen fotografías realizadas entre 1950 y 1973, donde destacan su visión irónica de la posguerra y los retratos de Hemingway, Dalí, Miró y Tàpies. Una visión fundamental para aproximarse a los orígenes del documentalismo en España.

Alfonso es el nombre de la firma colectiva fundada por Alfonso Sánchez García (Ciudad Real, 1880, Madrid, 1953) y seguida por sus hijos, Alfonsito y Luis Sánchez Portela. Alfonso fue reportero desde 1904, cubrió la guerra de Marruecos, la proclamación de la República, trabajó para el ABC y fue el primer presidente de la Unión de Informadores Gráficos de Prensa. Sus estudios de las calles Toledo y Fuencarral de Madrid fueron confiscados temporalmente al inicio de la guerra civil. En el libro, con prólogo de Lorenzo Silva, están recogidas las fotografías más emblemáticas de esa época turbulenta.

Años 60: Terré, Cualladó y Masats
Existencialismo, Realidad, Emoción, Poesía

Ramón Masats (Barcelona, 1931) se decidió por el camino del reportaje, un género despreciado entonces, evitando siempre manipular o maquillar la realidad. Fue el primer gran reportero de su generación y logró captar con talento la cambiante realidad del país. Obtuvo el Premio Nacional de Fotografía en el 2004. En su libro, con prólogo de Publio López Mondéjar, se muestra el trabajo producido entre 1958 y 1997.

Ricard Terré (Barcelona, 1928) comenzó a practicar la fotografía en 1955 cuando entró en contacto con los miembros de la Agrupación de Fotógrafos de Almería, AFAL. Se le considera un maestro de la fotografía en blanco y negro. En su obra, con prólogo de Laura Terré, están las fotografías realizadas entre España y Portugal, en las que sobresale la expresividad de los rostros y las composiciones geométricas, en el marco de festividades y ritos religiosos.

Gabriel Cualladó (Valencia, 1925, Madrid, 2003) formó parte de la Escuela de Madrid junto a otros fotógrafos como Masats, Paco Gómez y Ontañón. Obtuvo el Premio Nacional de Fotografía en 1994. En el libro, con prólogo de Marie Geneviève Alquier, se muestran sus imágenes atemporales, desprovistas de manierismos técnicos, entre las que destacan los figuras infantiles en acciones cotidianas.

Años 70: Herráez, Pérez Siquier y Maspons
Surrealismo, Intelectualidad, Ensayo, Sorpresa

Oriol Maspons (Barcelona, 1928) realizó fotografías de los primeros hippies en Ibiza y participó activamente en la gauche divine, el fenómeno que capturó la atención de la intelectualidad de Barcelona. En su libro, con prólogo de Luis Permanyer, aparecen fotografías en las que las mujeres son un tema recurrente, muestra de la fascinación del fotógrafo por ellas.

Fernando Herráez (Cádiz, 1948) trabajó en sus inicios como fotógrafo industrial y en 1979 fundó en Madrid la agencia de prensa Cover. Desde 1981 se ha dedicado a la docencia y actualmente es profesor titular de fotografía en la Universidad Popular de Alcobendas. En el libro, con prólogo de Luis Carandell, está publicado su trabajo desde los años 70, en el que destaca su capacidad para integrar la figura del hombre al entorno, las imágenes trágicas del campo y las celebraciones religiosas en España y Portugal.

Carlos Pérez Siquier (Almería, 1930) se hizo socio del grupo AFAL en 1952, y puso en marcha, junto a José María Artero, la revista del grupo. Sus reflexiones críticas sentaron las bases para una renovación de la fotografía española. En la obra, con prólogo de Laura Terré, hay una muestra de su trabajo realizado entre 1957 y 1998, en Almería y otras poblaciones próximas, donde destacan los paisajes marinos, los bañistas y, sobre todo, la experimentación con la fotografía en color.

Años 80: Trillo, García-Alix y Pérez-Mínguez
Obsesión, Libertad, Transgresión, Modernidad

Alberto García-Alix (León, 1956) ha logrado crear un registro visual único de su generación, una mirada subjetiva y profunda de las contradicciones de la vida. En sus imágenes está presente, sobre todo, su experiencia personal y un estrecho vínculo con los personajes que retrata, de los que saca lo esencial. Obtuvo el Premio Nacional de Fotografía en 1999. En su libro, con prólogo de Francisco Calvo Serraller, se muestran imágenes desde 1979 hasta 2003.

Luis Pérez-Mínguez (Madrid, 1950) se inició en la fotografía a mediados de los
años 60, y a pesar de sus limitaciones físicas, ha logrado proyectar en su obra una perspectiva vitalista, cargada de sensualidad. En su libro, con prólogo de Antoní Socías y textos de Pablo Carbonell, P.P. Vila-San Juan y Francisco Buendía, se muestra su trabajo realizado entre 1967 y 1999, en el que prevalecen los desnudos y el mar.

Miguel Trillo (Cádiz, 1953) retrató las caras de la movida madrileña y las tribus urbanas, en la década de los 80: grafiteros, rockeros, gitanos, skaters y otros personajes de la vida urbana, siempre dentro del marco de sus acciones, con una fuerte vinculación con la música. En su libro, con prólogo de José Luis Gallero, están presentes las imágenes de las que Trillo fue testigo y creador.

Años 90: Ouka Leele, Vallhonrat y Caramés
Concepto, Arte, Espejismo, Creación

Ouka Leele (Madrid, 1957) ha integrado, con un estilo muy personal, la fotografía y la pintura. Sus imágenes expresan el sentido poético frente a la cotidianeidad, un sentido cargado de originalidad y guiños al arte pop. PHotoBolsillo presenta la obra realizada por la artista entre 1979 y 2002, con prólogo de Rafael Gordon, en la que destacan sus retratos y personajes mediáticos, como Gorbachov.

Valentín Vallhonrat (Madrid, 1956) ha desarrollado las series: Sueño de animal, Cristal oscuro, Room for love, Anónimos y Las caras del amor, con las que critica los modelos de realidad construidos por la cultura. Vive en Tokio desde 1998. Su libro, con prólogo de Santiago B. Olmo, recoge sus fotografías desde 1989 hasta el 2000, en las que resalta el horror de la vida contemporánea, los estereotipos y prototipos de belleza, pasión, amor.

Vari Caramés (La Coruña, 1953) ha creado imágenes etéreas, nostálgicas y misteriosas, casi siempre localizadas en su tierra natal pero cargadas de una identidad y un mundo propio. En su libro, con prólogo de Pilar Corredoira, está recogido el trabajo creado entre 1984 y 2000, en el que son protagonistas la lluvia, las piscinas, las playas y ciertos episodios fugaces de la ciudad.

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Todo es igual a nada. Crítica sobre la Bienal publicada en el suplemento cultural de ABC el sábado 16 de diciembre

Juan Guzman — Thu, 21 Dec 2006 11:44:00 +0000

Reproducimos esta crítica sobre la Bienal de Juan Antonio Álvarez Reyes publicada en el suplemento cultural de ABC el pasado sábado 16 de diciembre en la página 37. Colgado en www.abc.es/abcd/noticia.asp

…………

TODO ES IGUAL A NADA

Por Juan Antonio Álvarez Reyes.

Vivimos en la sociedad del riesgo, donde el colapso es una seria posibilidad. Ulrich Beck así lo ha teorizado, afirmando que los peligros ecológicos no han sido apreciados como síntomas, pese a sus preocupantes señales, hasta después de que se hayan producido algunas de sus graves consecuencias, como, por ejemplo, la desaparición de una ciudad bajo las aguas ante la impotencia de un Estado cuyas bases de intervención y solidaridad han sido desmanteladas por la ideología «neocon».

Recientemente ha sido reeditado un libro fundamental que lanzó la idea de la sostenibilidad: Los límites del crecimiento, un trabajo liderado por un grupo de investigadores del Massachusetts Institute of Technology, en el que allá por los años 70 ya advertían que de seguir las constantes de crecimiento industrial, poblacional, de contaminación, destrucción y ocupación del medio natural? El planeta alcanzaría sus límites en cien años. Según esas previsiones iniciales -que en la revisión publicada en España este año son sustancialmente reducidas- no falta mucho tiempo para alcanzar ese límite-frontera.

Crecimiento desordenado. Desarrollo sostenible es, sin duda, una idea que aunque haya calado, no es en absoluto puesta en práctica. Antonio Zaya, comisario de la sección de arte de esta bienal, en su pequeño texto editado hasta el momento, habla de esto al señalar cómo en Canarias ya se rozan esos límites y cómo se continúa con un proceso imparable de crecimiento desordenado, por lo que se hace necesario «articular los recursos necesarios a la reflexión interdisciplinaria sobre su vulnerabilidad y su sostenibilidad». ¿Consigue esto último la I Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias? Tras visitar varias de las islas y estudiar su conjunto, cabría decir que no, pese a los esfuerzos, a los presupuestos y trabajos invertidos. Ya se sabe: año electoral, año de bienes. Aunque también cabe afirmar y recodar que pocas cosas en la vida se consiguen a la primera y en poco tiempo. Para ser una bienal aún queda por saber si habrá alguna más o ha sido otro espejismo de la globalización artística y la política de imagen.

Canarias vive una especial crisis urbanística y quizás en alguna de sus islas también una crisis poblacional. Es decir, una crisis de crecimiento no sostenible en la que el turismo tiene casi todo que ver. Sin embargo, esto que podría haber sido el trasfondo de la bienal, es esquinado hacia las conferencias y hacia alguna obra concreta. Por esta razón no resulta comprensible cómo en esta cita el concepto de arquitectura va por un lado y las artes visuales se dirigen hacia otro dentro de una decisión que las escinde: más que una estructura organizativa piramidal y de compartimentos estancos, quizás hubiera sido necesario crear un grupo de trabajo efectivo. Del mismo modo, el entendimiento del paisaje es demasiado laxo: «paisaje es todo», parecen decir los organizadores dentro de una idea expandida del mismo. Pero estamos escarmentados de que con frecuencia todo es igual a nada.

Sin duda, uno de los grandes temas del apartado arte no es tanto el paisaje, como la inmigración, algo completamente comprensible dados los acontecimientos e imágenes del pasado verano, pero también producto de la estrategia del caracol a la que conducen las políticas del miedo. En este sentido, la mayoría de las piezas sobre el asunto son, sin duda, bienintencionadas, pero varias pecan de tender a una «estetización del sufrimiento» que hacen que no casen y se relacionen del todo bien resultados e intenciones.

Fines políticos. Por último, aunque los mayores conjuntos se hayan instalado en Fuerteventura, Tenerife y Gran Canaria, la idea de una bienal expandida por el territorio tiene tanto precedentes como un trasfondo político e, incluso, de ordenación de un territorio. Dos serían los precedentes. Uno en las propias Islas, en el proyecto de Elba Benítez titulado Revisitar Canarias, que dio como principal fruto el proyecto de Craigie Horsfield sobre El Hierro, y en el que se invitó a un artista por isla para que realizara un proyecto fotográfico. El segundo, anterior en el tiempo, podría ser el de Mar Villaespesa para la Expo?92 y titulado Plus Ultra, un conjunto de exposiciones e intervenciones diseminadas por el territorio andaluz como parte de su pabellón. Pero en esta bienal esa dispersión provoca falta de intensidad, sobre todo en las islas no citadas más arriba, que se une a la falta de concreción también señalada.

En España, las bienales, como todo lo sólido, según Marx, acaban por desvanecerse en el aire. Queda por saber si aquí ocurrirá lo mismo o se aprenderá de la experiencia, y si bajo el manto del nombre bienal o no se intensifica y concretiza la idea de una Canarias sostenible.

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La historia de la fotografía, a examen en el Muvim

Juan Guzman — Mon, 18 Dec 2006 04:14:00 +0000

ABC Ansel Adams, uno de los grandes fotÃ³grafos de la historia

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