Desde 28 años atrás documento este espacio icónico de Montecristi: el Morro.
Desde que esa joroba del “dromedario” era un campo minado de Bubbies, cuyos graznidos y bello vuelo era un deleite. Con los años y la azarosa actitud de residentes y visitantes saqueando huevos y más huevos desapareció el ave de allí.
La playa era tranquila, transparente y su base de piedras pequeñas, ovaladas y lisas: un deleite.
Luego se inicio el proceso de derrumbe de la montaña, esa gruesa arena sustituyo la base de piedritas y cubrió todo el arco marino con su color rojizo y pesado.
La cabeza oeste inició la erosión de su base de forma abrupta y vertiginosa, añostiene ese proceso, pero en geología los procesos se toman mucho tiempo por lo regular. No así con el morro.
El “zapato” tiene vecinos, enormes trozos de montaña cuyo relieve me recuerda las ruinas de Angkor en Camboya, son testimonio de las poderosas fuerzas telúricas que convergen en ese punto marino de nuestra geografía,
Por tanto, me atrevo a decir que testificamos otra metamorfosis del morro, un cambio radical de su apariencia y que vale la pena documentar y comentar. Se ha hablado mucho de los cambios que sufrirá nuestra isla y digo: “sufre”.
Invito a los miembros de este grupo Focus y otros a visitar el morro con otra visión para que vivamos el momento ambiental con conciencia. Además, se debe tener sumo cuidado de movernos en esa área ya que, además de los desprendimientos que pueden aplastar con potencias de miles de toneladas, los salientes cortantes pueden crear, con un descuido, perjuicio corporal.
Con el debido respeto a la naturaleza, incluyan este lugar en sus itinerarios y procuren que uno o más de los acompañantes les pueda ilustrar sobre tipos de rocas y sedimentos, estructuras geológicas, procesos, razones y documenten con imágenes que esto es parte de nuestra historia isleña.
(Imagen realizada en el viaje fotógrafico el 16 de Junio 2013 en compañía de miembros de focus e invitados) f/4, 1/200. ISO 400, focal 17mm.
Juan Guzmán. Juio-17-2013

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El alta mayor, de caoba centenaria es considerado una obra de arte y fue elaborado en el taller de Don José Socias.

La fachada de la Iglesia San Fernando mira hacia la plaza central y desde las torres de su campanario pueden verse las playas circundantes a la ciudad.

Juan Guzman, Junio 2013

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El artista Joan Fontcuberta, quien imparte un curso de Talleres Islados, habló ayer sobre la fotografía fetiche

Traficante de ideas, gamberro fotográfico, transgresor, irónico, alquimista visual. Con este cóctel de adjetivos ha sido definido el fotógrafo y artista Joan Fontcuberta. Y es que su peculiar y singular forma de tratar, entender y desarrollar la imagen lo convierten en un gran creativo.

Su profesionalidad e ingenio fue reconocido con el Premio Internacional Hasselblad, considerado el Nobel de la fotografía. Estos días se encuentra en Mongofra impartiendo un curso de Talleres Islados en el que han recalado en la Isla grandes amantes de este mundo, incluso procedentes de Méjico. Sus reflexiones y conocimientos llegaron ayer también a un público general quien pudo saborear este cóctel sazonado de humor e ironía que encarna la figura de Fontcuberta.

Transgresor ya fue el hecho de impartir una clase magistral en el Arxiu d’Imatge i So de Menorca, un enclave abrigado con miles de fotografías que versan sobre la conservación de la memoria menorquina, cuando este fotógrafo ha asegurado en varias ocasiones que no se cree la fotografía.

El artista habló de la desmaterialización que está padeciendo la imagen a medida que progresan las nuevas tecnologías. Y es que, según el ponente, las imágenes primeras eran gordas, materialmente hablando, y año tras año han sufrido un proceso de adelgazamiento hasta el punto de “no tener cuerpo, se visualizan en la pantalla”.

Para Fontcuberta, la imagen, que inicialmente tenía una función mediadora entre el hombre y la realidad ha ido desvirtuándose y perdiendo el carácter mágico con que fueron concebidas. Han perdido ese valor testimonial, esa autoridad y carisma de sus orígenes.

Fontcuberta fijó esta hipótesis en los tradicionales álbumes familiares que nacieron como un “recopilatorio de sonrisas” puesto que solo se encartaban los buenos momentos. Pero desde el instante en que la foto se populariza el álbum también sufre una crisis. Así, si hace unos años era el sanctasanctórum de la unidad familiar, el álbum como tal ha desaparecido. O bien, ha adoptado nuevos territorios.

Es a partir de esta premisa que el artista fotográfico impregnó en las retinas de los oyentes varios ejemplos de álbumes peculiares, significativos, especiales y poco tradicionales.

Fontcuberta desarrolló un proyecto en Sajazarra, La Rioja, en la que dejó inmortalizado un álbum de familia, la de todo un pueblo pero con un carácter “reactualizado”. Y es que, con la técnica de la fotocerámica, y los artilugios que ofrecen las nuevas tecnologías, consiguió crear un fotomosaico de la Campana de la Mora con más de 3.000 fotografías que fueron depositando los 150 vecinos del municipio. El artista utilizó el programa de su serie Googlegramas. Un trabajo que “vuelve a dar grosor y densidad a la fotografía”, concluyó.

fuente: menorca.info

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FotoMuseo ha convocado a artistas, curadores, críticos, investigadores y teóricos nacionales e internaciones, quienes expondrán sus distintas nociones del paisaje, eje transversal del encuentro.

Como se mencionó, en esta ocasión tiene como invitados de honor los países nórdicos: Dinamarca, Finlandia, Islandia, Noruega y Suecia. De la mano y guía de Jan-Erik Lundstrom – encargado de la curaduría de exposiciones y conferencias de los países nórdicos- cada país dará la oportunidad de ver un nuevo panorama del paisaje.

Fotográfica Bogotá se compone de ocho ejes que despliegan el paisaje, la fotografía y su imaginario a través de toda la ciudad:

- Exhibiciones en el Espacio Público (paraderos de buses,. Módulos de Fotomuseo, pantallas de Publik y páneles de publimilenio.
- Ciclo Teórico
- Talleres en universidade.
- Ciclo de Cine.
- Convocatoria Nacional “Paisajes internos”
- Mirada a la fotografía joven
- Libro de memoria “Fotográfica Bogotá 2013”.

El Museo de Arte Moderno de Bogotá (Mambo), la Fundación Gilberto Alzate Avendaño, Juan Salas Galería, la Universidad Nacional, Casa Cano, Espacio Alterno, Galería dos Casas, LA Galería, Alonso Garcés Galería, Archivo de Bogotá, Biblioteca Nacional, Alianza Francesa, Cámara de Comercio (sede salitre), Biblioteca Virgilio Barco, Casa de la Moneda y Museo de Bogotá, entre otras salas tendrán exhibiciones.

El Encuentro Teórico, uno de los componentes más importantes de esta Bienal, es el espacio para que los amantes de la fotografía se reúnan, escuchen, analicen, discutan y disfruten de los diferentes puntos de vista planteados por los conferencistas invitados.  La cita será en el Auditorio Jorge Enrique Molina de la Universidad Central, del lunes 6 de mayo al viernes 10 de mayo, con conferencias de Gilma Suárez, directora de Fotomuseo; Jan Erik Lundstrom, curador nórdico; Daniel Martínez, museógrafo de Colombia; Marta Gili de España; Michiko Kasahara de Japón; Sohei Nishino de Japón; Noémie Goudal de Francia; Eder Chiodetto de Brasil; Trinidad Carrillo de Suecia; Alasdair Foster de Australia; Todd Hido de Estados Unidos; Arno Rafael Minkkinen de Finlandia; Lennart Alves de Suecia; Nissan Perez de Israel; Bjorn Larsson de Suecia; Antonio Briceño de Venezuela; Carlos Jiménez de Colombia; Jorge Villacorta de Perú; Andrés Garay Albújar de Perú; Alejandro Burgos de Colombia; Franco Fontana de Italia; Gabriel Mario Vélez de Colombia y  Gerardo Mosquera de Cuba.

fuente: radionacionaldecolombia.gov.co

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La exposición Premio Latinoamericano de Fotografía, una antología de imágenes que brindan una inédita visión de la rica y multifacética personalidad de nuestro continente, abre sus puertas en la Casa Nacional del Bicentenario hasta el 26 de mayo.

Primer Premio. “Fervor e Paixäo” de Marcelo Buainain (Brasil)

La muestra, curada por Virginia Fabri, está integrada por 48 obras premiadas y seleccionadas entre las 1695 fotografías presentadas al certamen organizado por el Centro Latinoamericano de Fotografía.

Este centro que organiza el certamen es dirigido por el célebre fotógrafo de Magnum Photos, René Burri, autor entre otras obras icónicas del difundido retrato del Che Guevara fumando un cigarro.

El jurado del premio, encabezado por Burri, estuvo integrado por notables representantes de la fotografía latinoamericana: Rodrigo Benavides, de Venezuela; Roberto Candia, de Chile; Carlos Cazalis, de México; Sven Creutzmann, de Cuba, y Dado Galdieri, de Brasil.

Se entregaron las siguientes distinciones: un primer premio (U$S 3.000) a Marcelo Buainain, de Natal, Brasil, por la obra “Fervor e Paixäo”; segundo premio (U$S 1.500) a Alejandro Olivares, de Santiago, Chile, por la obra “La eterna violencia”; tercer premio (U$S 500) a Cristóbal Herrera, de La Habana, Cuba, por la obra “Ciénaga”.

Las obras exhibidas contribuyen a la creación de una nueva imagen América Latina, alejada de los estereotipos y capaz de sintetizar, armónicamente, la realidad y los sueños de una comunidad de países en plena transformación, que se adentra en los desafíos de la modernidad sin olvidar sus tradiciones ancestrales, señalan los organizadores.

Fuente: TELAM

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Las fotos de la muestra provienen de la colección LPS (Stanislas y Leticia Poniatowski), quien ha realizado una cuidada colección de fotografía latinoamericana a partir de la investigación de archivos, visita a talleres de artistas más contemporáneos, así como de los pioneros de este medio en América Latina.

La Colección tiene más de 500 obras. En la exposición Urbes Mutantes se mostrarán más de 200 piezas que son sin duda obras maestras de la Fotografía Latinoamericana y que entrarán en diálogo con algunas piezas de la colección fotográfica del Banco de la República.

Muros vivos:
El espacio público es el escenario. Las paredes, parte del guión de las ciudades del continente. Cuando pluma y papel, derechos y leyes, estrados y jueces no llevan al logro efectivo de la justicia, los muros cobran vida para plasmar citas y gritos mudos de protesta y reclamar reconocimiento a las diversas causas. Son historias de pared que sintetizan la ira, el cinismo, la frustración o el humor de los habitantes urbanos, y que a través del medio fotografico se tornan en un doble signo cargado de una retórica visual urbana y de un mensaje textual.

Máximas como “Capitalismo: tus milenios están contados”, “El último, que apague la luz”, “Nosotros de rumba y el país se derrumba” cubrieron las paredes de diversas ciudades latinoamericanas durante las décadas del setenta al ochenta y han retornado en función de reiteradas crisis. Igualmente, la publicidad informal, sea política o comercial, invade los espacios, ya que es absolutamente efectiva por su forma directa de llegar a los transeúntes y callejeros.

Desde la antigua Grecia, pasando por el muralismo mexicano, el poder de lo plasmado en paredes es alto. La cámara, que siempre es testigo, perpetúa consignas, imágenes, signos, textos y códigos propios de las realidades de América Latina que heredaron, sin duda, la efervescencia y energía de otras manifestaciones del grafiti contemporáneo que tuvieron lugar en mayo del 68 y durante la movida urbana neoyorkina en los años setenta y ochenta.

En el contexto de las ciudades latinoamericanas ha sido la herramienta contestataria más directa y duradera frente a las recurrentes heridas sociales, económicas y políticas. Este recurso de protesta, casi siempre anónimo, ha desenmascarado las tensiones de estas historias, desde la represión por las dictaduras, la disidencia política, así como las imposiciones colonizadoras de los países de Primer Mundo. Por otro lado ruinas urbanas y muros derruidos han sido el reflejo del abandono abrupto de proyectos inconclusos e inclusive de patrimonio invaluable que sin registros fotográficos como los presentados pasaría al olvido.

Identidades:
A lo largo del siglo XX, y con una intensidad in crescendo, las migraciones a las ciudades latinoamericanas han marcado la fisionomía y la cultura urbanas. Esta heterogeneidad concentrada en un solo sitio ha sellado la diversidad de nuestras poblaciones citadinas, en las que rostros indígenas, mestizos, afrodescendientes, caucásicos y europeos son ingredientes de un inmenso popurrí en constante transmutación. Nuestras razas fundacionales, su evolución y su transformación en poblaciones de las ciudades han generado miradas que podrían entenderse como exotizantes e inclusive formalizar estereotipos. Sin embargo, los diversos registros fotográficos presentados son el testimonio que permite revelar ese tránsito abrupto entre lo popular y lo urbano.

Varios fotógrafos han buscado cánones que los vinculen a lo latinoamericano: a sus razas, a su pasado indígena, mayoritariamente. Esta tendencia fue muy fuerte entre los años veinte y los años sesenta del siglo XX, con imágenes centrales de maestros como Martín Chambi, Geraldo de Barros, y Manuel y Lola Álvarez Bravo. Esta solida herencia visual marcó a muchos fotógrafos que siguieron un canon de exaltación de lo propio como vindicación de la identidad del pasado, pero mostrando también que en el encuentro con la ciudad aquel legado se ha ido desvaneciendo en mixturas, fruto de las influencias coloniales y poscoloniales que han marcado el continente. El poeta Antonio Cisneros observó alguna vez que los blue jeans hacen a los indígenas menos exóticos, pero que no los vuelven menos auténticos1.

La selección de Urbes mutantes rompe lazos tanto con la mirada nostálgica al pasado perdido como con la visión eurocentrista y dominante que enmarca nuestras experiencias como otredades; más bien explora una mirada regional que se justifica en la necesidad de revelar valores y genealogías en transición. Busca visibilizar, más allá de lo exótico y lo salvaje, para contrarrestar los intentos de homogeneización, confirmando la complejidad étnica de estos países.

Retomando al escritor Edmundo Desnoes, “el indígena urbanizado afirma su terquedad frente a publicidad de Coca Cola”, generando impactantes contrastes visuales.

Desplazamientos:
Citado por Fernando Castro en su texto “Crossover dreams. Sobre la fotografía latinoamericana contemporánea”, en: Image and Memory- Photography in Latin America, Editorial Fotofest /University of Texas.

El movimiento es uno de los ejes centrales de cualquier ciudad moderna. La vitalidad urbana, concentrada mayoritariamente en la calle, fluye por vías, avenidas, diagonales y andenes. Este sistema circulatorio marca la realidad citadina. Desde el peatón que deambula a la deriva para huir de su propia cotidianidad, hasta el taxista para quien el tránsito y el desplazamiento son factores de supervivencia- la movilidad no podría dejar de ser parte de la imagen urbana.

Dicha movilidad implica, además, la posibilidad de experimentar con el mismo instante fotográfico y con fenómenos que siempre escaparán de la retina. La velocidad, la conmoción, el afán inherente al ir y venir acelerado en un cruce de semáforos, son sensaciones difíciles de captar visual o textualmente. Hay algo irreal en el exceso de movimiento, una pérdida de la referencialidad. Sin embargo, la cámara fotográfica logra registrarlo con sus propios códigos y sin total posibilidad de control del fotógrafo. La ausencia de foco causada por el movimiento, los momentos congelados de la energía urbana que son imperceptibles para la mirada, serán factibles solo mediados por el mecanismo fotográfico.

Series tan impactantes como Caracas desde el carro, de Ricardo Jiménez, o Pasajeros, de Gertjan Bartelsmann, reflejan esta condición peregrina del individuo de las ciudades, con su mirada fugaz enmarcada por ventanas de automóviles, tranvías o buses. Desde adentro o desde afuera, estos viajeros (porque podría decirse que todo tránsito es un viaje) siempre tendrán una pantalla a través de la cual captar ese mundo en flujo constante

Los olvidados:
La fotografía desde sus inicios ha mostrado la vida de los sectores sociales oprimidos; Henry F. Talbot, por ejemplo, buscó el sujeto para sus retratos en las caras de obreros y trabajadores, así como en gente de estratos desfavorecidos. El carácter transparente del medio fotográfico que se creó en el siglo XIX como potenciador de objetividad y, en consecuencia, como espejo de la realidad, resultaba perfecto para romper con el estigma burgués que amarraba la representación (por medio de la pintura, el dibujo y otros medios tradicionales) a la belleza clásica y a la vida de las clases acomodadas. Desde que los fotógrafos salieron del estudio a la calle, han buscado muchas veces reventar la aparente burbuja de bienestar social para revelar un lado deprimido de las urbes.

La película Los olvidados, realizada en México por Luis Buñuel (1950), es sin duda fuente de inspiración visual en el manejo de la marginalidad y la pobreza de las ciudades latinoamericanas. Con su mirada surrealista, Buñuel enmarcó temáticas universales de las relaciones humanas en ese contexto de delincuencia e injusticia potenciada por la escasez extrema. En este capítulo se presentan imágenes de la ciudad cruel que, como una mala madre, deja huérfanos a sus habitantes.

Las imágenes se convierten en testigo de las dramáticas emergencias sociales del continente y, sin duda, habilitan un mecanismo de denuncia. Pero ¿cómo no caer en la mirada miserabilista? ¿Cómo presentar la memoria subdesarrollada sin que se saque provecho del dolor de vidas ajenas? Siempre hay un riesgo…

Entre las décadas de los años cincuenta y setenta del siglo XX se consolida la necesidad de realizar desde Latinoamérica fotoperiodismo y ensayo documental muy políticos, que toman como designio de la imagen la protesta frente al desequilibrio económico y social. Al igual que en la mirada de Buñuel y de algunas obras maestras del Neorrealismo italiano, diversos fotógrafos logran que confluya en su trabajo el interés social por documentar historias del bajo mundo con una manera ética y sensible que evada la miseria como producto visual. Con sus retratos callejeros buscaron, además, presentar autenticidad y sinceridad de expresión en los sentimientos de seres del mundo real, de gente ordinaria que con sus expresiones, sus vidas y entornos genuinos ofrecían más honestidad que todas las imágenes de consumo que se vendían a las clases medias por medio de la publicidad.

Como establece Edmundo Desnoes, pionero de la crítica visual –inicialmente por sus aportes al libro Para verte mejor, América Latina–, es importante que la aproximación a las imágenes de pobreza de la región sea cuidadosa y aguda para entender cuáles son los ojos que nos miran, pues la mirada puede volverse un fraude por ser un tipo de lenguaje y no la realidad de una cultura1.

Masas y protestas:
La relación entre la fotografía y los movimientos de masas es una constante en la historia del continente durante los últimos 100 años . Inclusive se puede decir que las protestas se han apoyado en la fotografía para trascender en el tiempo. La recordación de esos momentos es más evidente en la imagen que en la palabra escrita: el impacto de la acumulación humana, el histrionismo de los líderes populares, los rostros trastornados o rabiosos.

Todos estos eventos en su momento fueron noticia y a partir de los años treinta del siglo XX, esta viene acompañada de la foto-reportería. La imagen superó el titular y el momento decisivo entró en juego con mayor fuerza que nunca, pues la prensa se construiría de ahí en adelante con historias condensadas en una foto. Muchos de los fotógrafos incluidos en esta sección estuvieron vinculados a periódicos que dan cuenta del devenir de las urbes latinoamericanas.

La foto que en estos casos es mayoritariamente documental juega un papel sumamente importante al preservar la memoria de eventos históricos como la Revolución cubana, los hechos políticos de las dictaduras en Argentina, Chile y Brasil, además de los múltiples conflictos por relaciones de poder entre grupos alzados en armas y partidos tradicionales.

La rebelión y la protesta no han cesado en América Latina y la fotografía ha sido el vehículo para develar la tensión por causas políticas, económicas y sociales cuyo mayor impacto se vivió en los años sesenta y setenta. Las fotografías evidencian la relación directa que hay entre estos movimientos masivos y la ciudad. La convulsión fluye entre plazas y calles, plataformas necesarias para estas batallas y para los melodramas que persisten en el continente: luchas en contra de un poder desmedido en dictaduras o gobiernos autoritarios y enfrentamientos contra el afán colonizador que ha perjudicado al pueblo.

La noche en vida:
La energía nocturna de la calle crea un imaginario propio para la fotografía. La luminosidad artificial que desvela la noche, los particulares habitantes que surgen de la misma, sumados al peligro que a veces implica recorrerla, reflejan una experiencia urbana que ante la lente se manifiesta con una intensidad casi extraterrestre o sideral. Con el crecimiento de las ciudades, la vida callejera hace que el hogar se desplace y con ello que muera la privacidad. En ese sentido, los habitantes de la noche, más que nadie, revelan cómo vivencias antes imposibles ahora son factibles en la vida pública nocturna. La calle se convierte en escenario para el teatro de historias entrecruzadas.

La noche trae consigo la cara más oscura de las ciudades, no solo con sus parrandas, fiestas y bullicio, característicos de los países latinos, sino escondiendo bajo su máscara la delincuencia y los excesos. El fotógrafo que centra su mirada en esta amplia gama de espectáculos logra pasar desapercibido como un cazador de imágenes para “ver el mundo, ser el centro del mundo, pero mantenerse escondido del mismo”1. Toda esta faceta que se reservaba al espacio privado genera un espectáculo voyerista de encuentros, que son el objetivo perfecto para el observador tímido que se esconde tras la cámara. Un testigo que, en algunos casos, vive su existencia a través del registro de vidas ajenas escondiendo la soledad forzosa de las inmensas ciudades en las que, paradójicamente, se puede a la vez estar solo, pero rodeado de gente.

—————
“Urbes Mutantes 1941-2012. Latin American Photography”, que muestra la evolución de las ciudades de Latinoamérica en el siglo XX, ha logrado el Premio PhotoEspaña (PHE) al mejor libro de fotografía nacional.
Los premios PHE, que distinguen a “la mejor publicación de fotografía nacional e internacional publicada en 2012, así como a la editorial más destacada”, han decidido galardonar a “Urbes Mutantes”, editada por RM/Toluca Éditions.
El libro es “un catálogo de la exposición del mismo nombre”, que puede visitarse, hasta el 27 de mayo, en el Museo de Arte del Banco de la República de Bogotá y hace un recorrido por diversas ciudades latinoamericanas haciendo énfasis en esa capacidad de modificación arquitectónica, cultural y social que se presenta a lo largo del siglo XX entre las décadas del cincuenta y setenta”

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La compleja situación financiera se comió a uno de los grandes actores del negocio de la fotografía.

Luego de más de un año de luchar contra sus números en rojo, la compañía estadounidense tomó la determinación de abandonar ese nicho. Ayer, anunció que llegó a un acuerdo con su principal acreedor, el fondo de pensiones británico KPP, al que le cederá nada menos que su negocio de la fotografía, a cambio de 650 millones de dólares.

Como parte de ese trato, KPP renunciará a una demanda que mantenía, por 2.800 millones de dólares.

Kodak presentó ayer el primer plan ante un tribunal de insolvencia, luego que la empresa haya abandonado en los últimos meses de la producción de diapositivas, cámaras e impresoras para el uso privado, siempre con la búsqueda de sanear sus finanzas. El acuerdo está sujeto a la aprobación del juzgado de quiebras de Estados Unidos en Manhattan.

El acuerdo permite a Kodak cumplir un requisito de obtener garantías de financiación para abandonar la quiebra. Los prestamistas exigieron a la firma vender sus negocios de imágenes de consumo y de documentos por al menos 600 millones de dólares.

Así, Kodak, que marcó el negocio de la fotografía a nivel mundial, cortó con sus raíces en este negocio, que le dejó en sus mejores momentos fuertes ganancias y la llevó a ser una de las empresas más grandes y conocidas en el mundo.

El principio del fin para la empresa llegó con el avance de la fotografía digital –negocio en el que evitó meterse en una primera etapa, pese a tener todo listo para hacerlo–, con lo que su estructura se comenzó a debilitar.
A principios de 2012 se declaró insolvente, y miles de empleos se perdieron en medio de las medidas de reestructuración, al tiempo que se registraron fuertes pérdidas. Con esa determinación, la firma se acogió a la ley de bancarrotas para reestructurar sus operaciones, y desde entonces está cerrando o vendiendo algunas de sus divisiones y activos como parte de ese proceso.

La idea de Kodak de vender la división de producción de películas fotográficas ya había sido puesta en marcha en agosto último. Junto con el negocio de la fotografía también cambian de mano las terminales fotográficas para imprimir las imágenes, así como los escáner. Estos últimos iban a ser vendidos al especialista en impresión japonés Brother, pero Kodak aún no cerró la operación por si llega una mejor oferta.

Eastman Kodak Company había revolucionado el mercado justamente con la creación de las películas fotográficas, en 1888, que reemplazaron a las placas de cristal que se usaban hasta ese entonces.

Fuente: cronista.com

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Los fotógrafos cuyos trabajos se podrán apreciar, juegan un papel importante en cuestiones vinculadas al arte y la religiosidad brasileña. Los procesos creativos en los que se vieron inmersos revelan sus experiencias, su modo de ver las transformaciones ocurridas en varios aspectos de la vida cotidiana de su país en las últimas seis décadas.  Pasando estas imágenes a ser, en cierto modo, testigos de la historia y la memoria brasileña, y donde se podrá percibir la búsqueda incansable de respuestas para saber quiénes somos, de dónde venimos y hacia dónde vamos. Pudiendo de esta forma el público asistente, apreciar los efectos del mundo contemporáneo en el diario vivir, para luego construir a partir de estas imágenes su propia mirada.

Una de las fotos que será expuesta en el Centro León de Santiago. Foto suministrada por la fuente

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En honor a la celebración del Mes de la Historia de la Mujer, la Embajada de los Estados Unidos organiza el concurso de fotografía “Retratos de Mujer” donde los participantes deberán captar a través del lente de la cámara a la mujer trabajadora de hoy en sus diferentes roles dentro de la sociedad, reflejando su labor profesional, su trabajo como ama de casa, como madre o ejerciendo labores no convencionales para una mujer.

Para participar sólo tienes:

Los participantes deberán presentar una fotografía original mostrándonos a través de su lente fotográfico los “Retratos de Mujer” entre nuestras comunidades. Deben de enviar la fotografía con sus datos, un título y una descripción al correo electrónico  redessociales@embajadausa.gov.do antes del viernes 12 de abril de 2013.

Nuestros seguidores podrán hacer votaciones a sus fotografías favoritas hasta el viernes 19 de abril en la galería de fotos “Concurso de fotografía “Retratos de Mujer” que estará disponible en nuestra página en Facebook: www.facebook.com/EmbajadaUSASantoDomingo.

NOTA: Sólo ciudadanos dominicanos que residan en República Dominicana podrán participar en este concurso de canciones.

Terminos y condiciones del Concurso

LEA BIEN los siguientes términos y condiciones. Su participación en el concurso implica el íntegro conocimiento y aceptación sin reservas de estos términos y condiciones.

1. ORGANIZADOR/PATROCINADOR:

El presente “Concurso de fotografía “Retratos de Mujer“está organizado por la Embajada de los Estados Unidos en Santo Domingo en honor a la celebración del Mes de la Historia de la Mujer en los Estados Unidos.

2. PLATAFORMA:

• Toda la información pertinente a este concurso estará alojada en nuestra página www.embajadausa.gov.do.
• Se utilizarán las redes sociales de Facebook y Twitter para fines de anuncio y recordatorios del concurso.
• Los participantes deben de enviar su fotografía con sus datos, un título y una descripción al correo electrónico  redessociales@embajadausa.gov.do antes del viernes 12 de abril. El título del correo electrónico deberá ser “Concurso de fotografía “Retratos de Mujer”.
• Nuestros seguidores podrán hacer votaciones a sus fotografías favoritas hasta el viernes 19 de abril en la galería de fotos “Concurso de fotografía “Retratos de Mujer” que estará disponible en nuestra página en Facebook: www.facebook.com/EmbajadaUSASantoDomingo.
• Una vez concluido el “Concurso de fotografía “Retratos de Mujer”, se elegirán las cinco fotografías más votadas por nuestros seguidores y el Comité de Concursos del Centro Franklin elegirá la fotografía ganadora del concurso.

3. COMO PARTICIPAR:

• El participante debe someter una fotografía original inspirada en el tema del concurso fotográfico “Retratos de Mujer”.
• El participante debe enviar su fotografía con sus datos incluyendo la siguiente información: Nombre, edad, número de contacto y dirección del participante. El participante debe dar crédito a las personas involucradas en la fotografía, un título y la descripción de la fotografía al correo electrónico  redessociales@embajadausa.gov.do antes del viernes 12 de abril. El título del correo electrónico deberá ser “Concurso de fotografías “Retratos de Mujer”.
• El participante solo podrá someter una sola fotografía.
• Una vez el participante envíe su colaboración al concurso se sujeta a la aceptación de términos y condiciones de este concurso.
• Una vez el participante somete su colaboración, será considerada como final y no podrá ser modificada, editada o reemplazada.
• Aunque se trabaje en equipo para realizar cada fotografía, el premio será entregado a un solo participante.

4. Características de las fotografías:

• Las fotografías presentadas en el concurso deberán tener las siguientes características:
• Sólo se permitirán imágenes en formato .JPG.
• El tamaño de la fotografía debe ser mayor de 1 MB y menor de 5 MB.
• El retoque digital está permitido, siempre y cuando éste no altere la esencia de la imagen por medio de su manipulación.
• Se admitirá una fotografía por participante.
• Cada fotografía se presentará con un título y un breve resumen de lo que muestra.
• Las fotografías deben ser enviadas por e-mail a: redessociales@embajadausa.gov.do indicando: Nombre completo, Edad, Teléfono fijo, Teléfono celular y Dirección de Correo Electrónico. El Asunto del email debe decir: “Concurso de Fotografía Retratos de Mujer”.
• La fecha tope para recibir las fotos será el viernes 12 de abril hasta las 12:00 P.M. Las fotos enviadas después de esta fecha/hora no participarán en el concurso.
• Las fotos que cumplan con los requisitos serán publicadas en la página social de la Embajada de E.U. en Facebook: www.facebook.com/EmbajadaUSASantoDomingo a partir de la fecha de publicación del concurso hasta el viernes 12 de abril hasta las 12:00 P.M.
• Nuestros seguidores podrán hacer votaciones a sus fotografías favoritas hasta el viernes 19 de abril en la galería de fotos “Concurso de fotografía “Retratos de Mujer” que estará disponible en nuestra página en Facebook: www.facebook.com/EmbajadaUSASantoDomingo.

5. Votación popular:

• Los miembros de la página en Facebook serán parte del jurado y deberán votar por sus fotos favoritas mediante el botón “Me gusta” o “Like”. Los comentarios no se contarán como votos. Sólo pueden votar los miembros de la página.  Una vez concluido el “Concurso de fotografía “Retratos de Mujer”, se elegirán las cinco fotografías más votadas por nuestros seguidores y el Comité de Concursos del Centro Franklin elegirá la fotografía ganadora del concurso.
• Un mismo miembro podrá votar por todas las fotografías publicadas que desee.
• Un mismo miembro no podrá votar más de una vez la misma fotografía.
• El voto se registrará al pulsar el botón “Me gusta” o “Like” en la foto publicada.
• Las cinco (5) fotografías con más cantidad de “Me gusta” o “Like” serán las elegidas para ser evaluadas por el Comité de Concursos del Centro Franklin.
• La Embajada se reserva el derecho de retirar el premio a fotografías que hayan obtenido votos de forma ilícita.

6. CONCURSANTES:

• Podrá participar en el concurso cualquiera que reúna las siguientes condiciones:
• Persona mayor de 18 años
• Menor de 18 años con autorización escrita de sus padres/tutores o apoderados, Dominicano y residente en República Dominicana.

NOTA: No podrán participar en el presente concurso con opción a premio:

1) Fans que ya hubieran ganado un premio en algún otro concurso organizado por la Embajada de los Estados Unidos en Santo Domingo,

2) Los empleados de la Embajada de Estados Unidos en Santo Domingo, ni sus parientes por consanguinidad o afinidad hasta el segundo grado inclusive, ni sus cónyuges.

7. FECHAS:

• La fecha límite de entrega es el viernes 12 de abril de 2013.
• Nuestros seguidores podrán hacer votaciones a sus fotografías favoritas hasta el viernes 19 de abril en la galería de fotos “Concurso de fotografía “Retratos de Mujer” que estará disponible en nuestra página en Facebook: www.facebook.com/EmbajadaUSASantoDomingo.
• Las cinco (5) fotografías con mayor votación por nuestros seguidores serán revisadas por el Comité de Concursos del Centro Franklin, el elegido como ganador recibirá notificación (por e-mail y/o vía telefónica) de un miembro de la Embajada de los Estados Unidos en Santo Domingo antes del final de mes de noviembre.

8. USO DE NOMBRES/FOTOS DE CONCURSANTES:

• Las colaboraciones de los concursantes tienen que ser de contenido original creado por el concursante y no deben contener ningún elemento protegido por derecho de autor de otra persona. Las colaboraciones deben adherirse en apariencia y hecho a las normas del discurso civil. En otras palabras, el contenido de todas las colaboraciones debe ser apto para una audiencia global y pública. La Embajada se reserva el derecho a descalificación, en su absoluta discreción, a cualquier colaboración que no se adhiera a estos criterios descritos en la definición y en los términos y condiciones del concurso.
• Las colaboraciones de los concursantes no deberán incluir: obscenidad, material explicito sexual, profanidad, violencia gráfica, llamados o incitaciones a la violencia, solicitación comercial o promoción comercial.  Tampoco deberán incluir contenido o imágenes que puedan ser consideradas abusivas, difamatorias, denigrantes o irrespetuosas al patrocinador de este concurso, grupos, individuos o instituciones.
• Al participar en este concurso el concursante explícitamente otorga la autorización a la Embajada de los Estados Unidos en Santo Domingo para la difusión pública, transmisión, retransmisión, reproducción o publicación de las filmaciones, fotografías, ensayos, imágenes o grabaciones de imagen y/o voz y/o nombres y apellidos de los concursantes en general y de los tres principales ganadores en particular, y su uso en publicaciones con fines informativos o de difusión, no comerciales (por ejemplo, la foto de un ganador recibiendo su premio podrá ser incluida en un boletín de la Embajada, o un calendario, etc.).
• Los datos personales enviados por los participantes para fines del concurso  (tales como: correo electrónico, teléfono y dirección, entre otros) a la Embajada serán manejados con estricta confidencialidad.

9. MECANISMO DEL CONCURSO:

• A partir de la fecha de publicación del concurso hasta el viernes 12 de abril de 2013 nuestros seguidores podrán enviar sus fotografías al correo electrónico redessociales@embajadausa.gov.do. Este correo electrónico debe tener como título “Concurso de fotografía “Retratos de Mujer” y debe incluir la siguiente información: Nombre, edad, número de contacto y dirección del participante. El participante debe dar crédito a las personas involucradas en la creación de la fotografía.
• Nuestros seguidores podrán hacer votaciones a sus fotografías favoritas hasta el viernes 19 de abril en la galería de fotos “Concurso de fotografía “Retratos de Mujer” que estará disponible en nuestra página en Facebook: www.facebook.com/EmbajadaUSASantoDomingo.
• Aunque se trabaje en equipo para realizar cada fotografía, el premio será entregado a un solo participante.
• El participante solo podrá someter una sola fotografía.
• Cada concursante sólo podrá participar una vez. El intento de inscribirse dos veces lo descalificará del concurso.
• Antes de finalizar el mes de abril el Comité de Concursos del Centro Franklin notificará al ganador del concurso.
• La entrega del premio se realizará en fecha y hora determinadas por la Embajada de los Estados Unidos en Santo Domingo con el ganador.

10. PREMIOS:

• El elegido como ganador del concurso se le obsequiará un iPad.
• Aunque se trabaje en equipo para realizar cada fotografía, el premio será entregado a un solo participante.
• El premio no será transferible y no podrán ser cambiados por un equivalente.

11. CONDICIÓN DE LOS PREMIOS:

Los premios serán nuevos, pero podrán haber sido sacados de su empaque para fines de difusión en cualquiera de los sitios de la Embajada de Estados Unidos en Santo Domingo.

12. DESCALIFICACIÓN:

• Un concursante podrá ser descalificado por la violación a cualquiera de los presentes términos y condiciones.
• El plagio también será considerado como causa de descalificación.

13. MODIFICACIÓN DE BASES Y REGLAMENTOS:

Con el fin de mejorar la hermenéutica del concurso, estos términos y condiciones podrán ser modificadas por la Embajada de Estados Unidos en Santo Domingo en cualquier momento, debiendo anunciar la modificación de las mismas en su página en Facebook.

fuente:http://spanish.santodomingo.usembassy.gov/

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Para el acto inaugural se tiene previsto la presentación de un panel sobre la contextualización de la fotografía dominicana, donde intervendrán la Dra. María Amalia León de Jorge, Directora General de la Fundación Eduardo León Jimenes; Pedro José Vega, Coordinador de Exposiciones del Centro León y Marianne de Tolentino, Directora de la Galería Nacional de Bellas Artes de la República Dominicana y ensayista invitada por el Centro León especialmente para esta exposición.

Este proyecto ha contado con los auspicios de Só Dança, la Fundación Eduardo León Jimenes y la Cervecería Nacional Dominicana, y forma parte de un programa de colaboración interinstitucional entre la Pinacoteca del Estado de São Paulo, en Brasil, y el Centro León, en Santiago de los Caballeros, República Dominicana. Los trabajos iniciales entre ambas instituciones surgieron en 2010 por iniciativa del Centro León y con un decidido apoyo de la Embajada de Brasil. Esos primeros intercambios fueron continuados por el actual Embajador de Brasil en República Dominicana, Hon. Sr. Jose Marcus Vinicius de Sousa.

El programa incluye en reciprocidad el montaje de la exposición La Construción de una Mirada – Fotografía brasileña en el acervo de la Pinacoteca del Estado de São Paulo, la cual abrirá al público el 25 de abril de 2013, en el Centro León.

APECO fue esencialmente un fotógrafo de pueblo que durante más de medio siglo desarrolló una vasta actividad que incluye la fotografía comercial, documental y artística. Su peculiar carácter se expresó no solo en su fotografía, sino también en otros trabajos como documentalista, corresponsal de prensa, profesor, coleccionista, dramaturgo, actor y escritor. Todas estas facetas lo convirtieron en un símbolo de Santiago de los Caballeros, ciudad donde transcurrió su vida y que sirvió como escenario esencial de su obra.

El proyecto expositivo cuenta con un total de 72 piezas representativas de los repertorios creativos abordados recurrentemente por el autor, entre los que se encuentran autorretratos, retratos, fotografía urbana y fotografía experimental, así como 30 piezas realizadas por precursores y pioneros de la fotografía dominicana que APECO coleccionó como un proceso de creación de acervos y preservación de la memoria.

La Pinacoteca del Estado de São Paulo, fundada en 1905 por el Gobierno Estatal, es uno de los museos de arte más antiguos e importantes de Brasil. Mantiene un expresivo y variado acervo de arte brasileño, principalmente de los siglos XIX y XX. Entre las más de seis mil obras que conforman su acervo se encuentran pinturas, esculturas, dibujos, grabados, fotografías, tapices, objetos de arte decorativo y piezas del período colonial de Brasil, lo que permite brindar un amplio panorama del arte brasileño.

El Centro León ha hecho posible que en Brasil se admiren estas fotografías dominicanas de APECO, las cuales por primera vez se muestran a nivel internacional. Este tipo de gestión cultural no solo logra proyectar la gran labor de un artista criollo, sino que también contribuye a la promoción del arte y la cultura dominicanas a través de la Pinacoteca del Estado de São Paulo, una de las instituciones más importantes de Brasil y América Latina.

——————————

Fichas técnicas:

AV-ELJ-33572.8
Jesús Natalio Puras Penzo (Apeco)
(1933-2010, Santiago de los Caballeros)
Autorretrato, c, 2006
Imagen digital
Copia de 2013
33 x 56,4 cm
Fondo de fotografía dominicana Natalio Puras Penzo (Apeco)
Donación del artista
Colección Eduardo León Jimenes de Artes Visuales

AV-ELJ-20099
Jesús Natalio Puras Penzo (Apeco)
(1933-2010, Santiago de los Caballeros)
Autorretrato intervenido con color, 1978
Fotografía análoga blanco y negro
intervenida con color sobre papel
Copia de 2013
68, 5 x 57 cm
Fondo de fotografía dominicana Natalio Puras Penzo (Apeco)
Donación del artista
Colección Eduardo León Jimenes de Artes Visuales

AV-ELJ-20138
Jesús Natalio Puras Penzo (Apeco)
(1933-2010, Santiago de los Caballeros)
Autorretrato, Apeco cámara en manos, c, 1960
Negativo formato 35 mm
Copia de 2013
50, 8 x 41,2 cm
Fondo de fotografía dominicana Natalio Puras Penzo (Apeco)
Donación del artista
Colección Eduardo León Jimenes de Artes Visuales

AV-ELJ-20139
Jesús Natalio Puras Penzo (Apeco)
(1933-2010, Santiago de los Caballeros)
Autorretrato, Apeco se asume cámara fotográfica, c, 2006
Positivo formato 35 mm
Copia de 2013
50, 8 x 39,1 cm
Fondo de fotografía dominicana Natalio Puras Penzo (Apeco)
Donación del artista
Colección Eduardo León Jimenes de Artes Visuales

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El escritor y fotógrafo Joan Fontcuberta, EFE/Alejandro García

Barcelona (EFE).- El fotógrafo catalán Joan Fontcuberta ha ganado hoy el Premio Internacional de Fotografía Hasselblad, uno de los más importantes del mundo, y que este año, por primera vez, se ha entregado durante un acto celebrado en Barcelona.

El director de la Fundación Hasselblad, Bo Myhrman, ha destacado la trayectoria profesional de Fontcuberta, al que ha calificado como “uno de los fotógrafos contemporáneos con más inventiva, con más de treinta años de trabajo constante, con una obra original”.

El ganador de la edición número 33 de este galardón ha bromeado al señalar que estaba en “una nube” al integrar una lista en la que también están los reconocidos Cartier-Bresson o Richard Avedon.

Ha agradecido el premio por ser “un gran honor y, al mismo tiempo, una responsabilidad, porque genera muchas expectativas”. “Ojalá -ha proseguido- esté a la altura” de esos profesionales.

Ha rememorado que con la Fundación Hasselblad ya había colaborado en ocasiones anteriores, incluso ejerciendo como jurado en una pasada edición.

No ha ocultado que al recibir la primera llamada procedente de Suecia tardó en contestar porque pensaba que sería un galerista de Estocolmo con el que está preparando ahora una exposición en esa ciudad y que iba a reclamarle unas imágenes que aún no le había entregado.

Cuando, finalmente, se puso al teléfono y le comunicaron que sería el próximo ganador del premio, ha reconocido que le provocó un estado de “shock”, no sin antes pensar que igual le estaban engañando.

“Hasta que no recibí por escrito un correo electrónico que ratificaba el premio mantuve mis dudas. Dudar es muy saludable, es una manera de poner una pequeña barrera de escepticismo, de frenar el exceso de entusiasmo, que puede ser dramático”, ha precisado.

Reconocido fotógrafo conceptual, además de escritor, editor, comisario y profesor, Fontcuberta crea con su obra un universo visual en el que siempre están estrechamente entrelazados los conceptos de verdad y ficción, algo que subraya el acta del jurado, formado por Ute Eskildsen, Thomas Joshua Cooper, Marcel Feil y Agnès Sire.

Joan Fontcuberta ha indicado que el premio le sirve de estímulo y es una motivación para intentar demostrar que es “merecedor” del mismo”. “No será una especie de defunción, de pasar al panteón de los cadáveres ilustres”, ha apostillado.

Todo lo contrario, ha advertido que continuará trabajando en sus proyectos interdisciplinarios, con la imagen como protagonista, “usándola, no de manera complaciente, sino -ha precisado- para saber más de nosotros mismos”.

El miembro del jurado Marcel Feil ha destacado que sus proyectos cada vez adquieren más importancia, especialmente, porque “invitan a pensar”.

El premio Hasselblad toma el nombre del industrial y fotógrafo sueco Victor Hasselblad, inventor de la réflex Hasselblad 6 x 6 centímetros de lente única y de la 1600F, elegida por muchos fotógrafos profesionales y que en 1969 se hizo mundialmente famosa cuando la NASA la escogió para el primer viaje a la luna.

El premio, que se instituyó a partir de 1980 en la ciudad de Göteborg, ha recaído en anteriores ediciones en artistas como Henri Cartier-Bresson, Sebastiao Salgado, Richard Avedon, Robert Frank, Sophie Calle y el año pasado en el británico Paul Graham.

El premio está dotado con un millón de coronas suecas, unos 110.000 euros, un diploma y una medalla de oro.

Está previsto que en octubre se inaugure una exposición con la obra de Joan Fontcuberta en el Hasselblad Center de Göteborg, comisariada por Dragana Vujanovic y Louise Wolthers.

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Sin concentrarnos en un solo tópico, este año la experiencia de los exponentes será presentada en los diversos ámbitos que cubre la fotografía, como una manera de diversificación de quienes realizan esta profesión, pero también de los asistentes que no están involucrados totalmente en la fotografía de bodas.
WPPI se esfuerza cada año, por mantener vigente e incrementar el interés de los fotógrafos latinos a esta convención, trayéndoles exposiciones en su idioma y por esa razón, una de las presentaciones aunque será en inglés, tendrá traducción simultánea al español. Ellos son los fotógrafos que compartirán sus conocimientos, experiencias y entusiasmo en nuestra próxima convención. Aprender no es totalmente lo más importante, relacionarse con otros profesionales también tiene grandes ventajas.

Fer Juaristi
Radica en México, desde donde se desplaza por todo el mundo, haciendo fotografía de bodas. Su estilo desenfadado, sin clasificación, más bien marcado por lo que la inspiración le dicte en ese momento, es lo que lo ha hecho destacar. Fer ofrecerá el taller “Sigue tus raíces”, en donde especificará que cada fotógrafo de bodas puede atraer a su cliente perfecto siendo honesto en su propuesta y canalizando su estilo a un mercado más selectivo. Sentirse cómodo con el NO e intentar ser la excepción puede abrir puertas inimaginables.
El taller se presentara el lunes 11 de marzo de 9:00 a 11:30 a.m.

Francisco Guerrero
Radica en España, es fotógrafo desde 2002, aunque años atrás lo había hecho como aficionado. En sus inicios se involucró directamente con la tecnología digital, tanto con las cámaras como con el proceso de la imagen. Francisco desarrollará el tema “Más social que nunca”.
El taller se presentara el lunes 11 de marzo de 4:00 a 5:30 p.m.

Hernán Rodríguez
Cuenta con un estudio de fotografía en el corazón del Valle de San Fernando en el área de Los Ángeles, desde donde realiza fotografía comercial, de celebridades, corporativa y retratos de familia. Ha fotografiado artistas de la música y el entretenimiento. Ha dirigido y fotografiado campañas publicitarias para varias corporaciones.
Hernán hablará sobre el tema “Creando retratos íntimos” en donde dice que en esta clase lidiaran con el contacto inicial fotógrafo-sujeto y las muchas facetas para crear retratos fieles y sinceros. “Tendremos en cuenta personalidades, poses, características faciales y los diferentes métodos de iluminación necesarios para lograr retratos sentadores. Haremos un recorrido por mi experiencia con sujetos realizando retratos, moda y el área de celebridades”.
El taller se llevará a cabo el lunes 11 de marzo de 6:30 a 8:00 p.m.

Bob y Dawn Davis
Es una pareja de fotógrafos Bob y Dawn impartirán el taller Llevando un pequeño negocio local al éxito, en el que compartirán en detalle, cómo llevaron su pequeño negocio al éxito y como pueden realizarlo otros fotógrafos. Ellos hablarán de cómo tras el hecho de haber aumentado sus precios logaron sobresalir en un mercado sobresaturado, además de cómo manejar las reuniones con sus clientes y con los clientes que tienen un presupuesto reducido.
El taller se llevará a cabo el martes 12 de marzo de 9:00 a 10:30 a.m.

Robert Lino
Es un fotógrafo, radicado en Miami, Florida, con experiencia y reconocimiento internacional. Sus imágenes han sido exhibidas en galerías de arte y ha colaborado con diversas publicaciones especializadas en fotografía, tanto con artículos como con imágenes.
Ha sido juez y conferencista en las asociaciones de fotógrafos profesionales más importantes de Estados Unidos, Canadá, España y América Latina, en donde además ha participado como asesor en mercado técnica.
Robert ofrecerá el taller “El mensaje de la imagen”, para lo que justifica que un retrato refleja mucho más que semejanza física, transmite un sentimiento. En esta presentación mostrará como dirigiendo pequeños detalles en la pose, se puede lograr cambiar el mensaje de la imagen. La clave no es ver fotos para copiar poses, es aprender a dirigir a los clientes observando una postura propia y el mensaje corporal.
El taller se llevará a cabo el martes 12 de marzo de 4:00 a 5:30 p.m.

René Miranda
Su experiencia en la fotografía se ha diversificado en diferentes aéreas, creando en él una base sólida para diferenciar los diversos géneros que van desde el periodismo social hasta el de espectáculos, para luego capturar las imágenes que detallan sensibilidad como el retrato y la fotografía de bodas.
Radica en Los Ángeles, donde ha obtenido la mayor parte de su experiencia y donde ha fotografiado algunos de los conciertos más memorables que se han presentado en esa área, para el público latino. René desarrollará el tema de “Fotografía de espectáculos” en el que hablará sobre la manera adecuada de cubrir asignaciones para periódicos y revistas en temas de fotoperiodismo, alfombra roja, conciertos, entrevistas, features.
Compartirá secretos de cómo resolver exitosamente sesiones con artistas de renombre internacional, en poco tiempo. Además de cómo estas técnicas de fotoperiodismo las aplica en retratos y bodas.
El taller se llevará a cabo el martes 12 de marzo de 6:30 a 8:00 p.m.

Roberto Valenzuela
Es un fotógrafo radicado en Los Ángeles, en donde se destaca por ser fotógrafo de bodas. Ha ganado varios reconocimientos por su trabajo. Roberto ofrecerá el taller “Síganme” durante la experiencia de una boda completa en donde dice, los participantes aprenderán cómo cada desafío, obstáculo, locación, pose, y limitaciones de tiempo fueron superadas con el fin de producir una fotografía de boda del más alto nivel.
El taller se llevará a cabo el miércoles 13 de marzo de 9:00 a 10:30 a.m.

Vinicios Matos
Inició su carrera fotográfica en 2006 y desde entonces actúa como fotógrafo de bodas / familia y como docente, fotografiando y dictando talleres por el mundo entero. Es propietario de la mayor institución de enseñanza de fotografía en América Latina, la Escola de Imagem.
Radicado es Brasil, es ganador de varios premios internacionales por la WPJA, fue el fotógrafo del trimestre en 2009 por la ISPWP, además de ser considerado durante dos años consecutivos, 2009/2010, como entre los top 50 del mundo a través de la reconocida asociación Junebug Weddings. En 2011 fue elegido por la revista italiana Just Married como una de los 5 principales fotógrafos de boda del mundo. Vinicio ofrecerá el taller “Creatividad, un estilo de vida”.
El taller se llevará a cabo el miércoles 13 de marzo de 3:00 a 4:30 p.m.

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José R. Hernández
Armado con una cámara fotográfica y con un fino humor irlandés por único salvoconducto, el artista Richard Mosse ha conseguido sobrevivir en un territorio hostil como la franja este de la República Democrática del Congo donde recaló hace años atraído por la aventura y con la misión de dar a conocer al mundo un conflicto armado que ha permanecido invisible para los ojos de Occidente.

No obstante, lejos del trabajo de los típicos cronistas de guerra, los certeros disparos de este “cazador de imágenes” se traducen en evocadoras estampas de un paisaje teñido de tonos rosas y rojos que rayan los lindes de lo onírico.

Hasta finales de enero, la Galería Leyendecker de Santa Cruz de Tenerife expone la última de sus series, que conforman una decena de obras agrupadas bajo el nombre de “Infra”.

“Infra” revela un universo particular de las guerrillas del Congo bajo una estética inusual que convierte escenas duras de un conflicto bélico en paisajes sugerentes y atractivos. ¿Cómo surgió la idea?

Mi proceso es muy intuitivo. En el 2009, leí que Kodak dejó de producir su excéntrica película Aerochorme, que fue diseñada originalmente para la vigilancia aérea militar y el reconocimiento, producida por primera vez durante la Segunda Guerra Mundial. Puesto que esta era la última oportunidad en la historia de la fotografía para utilizar este medio, me sentí muy atraído por esta bizarra película. Quería dar un salto a ciegas, tirar las muletas, y hacer algo en lo que no me sintiera cómodo. Congo fue mi destino natural. Es realmente el lugar para un hombre que quiere ir muy lejos, fuera de una zona confortable.

¿Cómo se plantea recurrir a esta técnica tan peculiar? ¿Emplea máquinas fotográficas o películas especiales?

Utilizo cámaras tradicionales, de la vieja escuela, muy lejos del apuntar y disparar de las cámaras digitales. Una de ellas está hecha de madera. En la película es donde está la magia. La película de color infrarrojo ve un espectro invisible de la luz, viendo las ondas de luz infrarroja, que el ojo humano no puede ver. Registra esta luz invisible en tonos de rosa y rojo.

¿Cuál es el mensaje que pretende transmitir al espectador con esta serie?

Para mí, tiene muchos puntos de vista, y puede ser interpretado de tantas maneras como espectadores. Sin embargo, en lo básico, las fotografías tienen éxito cuando congelan y sorprenden a un espectador, aunque sea por un minuto, para echar un vistazo más de cerca a la olvidada tragedia que se está desarrollando en la República Democrática del Congo. Lo que está en juego aquí es enorme. 5,4 millones de personas han muerto por causas relacionadas con la guerra en el Congo desde 1998 (según el Comité Internacional de Rescate). Eso es horrible. Pero, ¿sabemos o nos preocupamos por ello en Occidente? No, en absoluto. Tenemos muy poca compasión por el Congo. Así que esta idea de lo oculto, lo escondido, lo invisible, se refiere tanto a la guerra en el Congo como a la película que opté por usar. Hay un salto metafórico, que espero que haga que esta guerra sea más visible para más gente.

¿Cuántas imágenes desecha hasta conseguir lo que realmente está buscando?

Debido a que se suspendió la fabricación, no tengo muchas películas para trabajar. Es realmente el fin de este medio. Así que tuve que ser muy cuidadoso en cómo usaba la película. Es un recurso muy valioso, ya que está muy cerca de la extinción.

¿Por qué ha elegido un lugar como el Congo como motivo de su muestra? ¿De dónde parte su relación con este país?

Fue con el libro de Joseph Conrad, “El corazón de las tinieblas”, con el que comenzó mi obsesión con el Congo.

¿Cómo ha sido su experiencia a nivel personal en la convivencia con estos grupos de guerrilleros? ¿Tiene alguna anécdota destacable que contar?

Sí, han sido un par de años extraordinarios, trabajando y viviendo entre los grupos rebeldes, a veces en sus enclaves de la selva profunda, fuera del alcance de la vida moderna. Lo que más me atrajo de algunos grupos rebeldes es su proximidad a lo mítico. Algunos de ellos creen, literalmente, que son a prueba de balas, y han estado dispuestos a querer demostrármelo. Tengo historias increíbles al respecto.

Con apenas 30 años de edad atesora ya una experiencia de una década en el mundo de la fotografía donde se ha convertido en una de las firmas más prestigiosas a escala mundial ¿Cuál es el secreto de su éxito?

Me siento muy afortunado de estar representado por galerías de gran renombre como es el caso de Leyendecker, que lleva en el negocio durante 36 años. Es decir, que lleva funcionando incluso antes de que yo naciera. Tal vez el secreto de mi éxito se explica en que soy irlandés; la suerte de los irlandeses.

¿Tiene algún referente en el mundo de la fotografía o en el mundo del arte en general?

¡Tengo tantas referencias! A veces vienen de la música o la literatura, de los periódicos, o de mis sueños.

¿En una disciplina como la suya qué tiene más importancia, la técnica, la perseverancia o el sentido de la estética?

Creo que el sentido de la estética es fundamental. La técnica es solo una herramienta, y hasta un burro puede aprenderla. Lo más importante, creo yo, es un sentimiento de lo sublime, para entender lo que no puede ser explicado.

¿Considera que la fotografía está considerada como un escalón por debajo de otras expresiones artísticas?

Solía serlo, pero ahora la fotografía es el futuro. Se trata de la nueva pintura. La nueva escritura. Mira nuestro mundo. ¿Qué es lo que ves? En internet se ven principalmente fotografías. La fotografía es la adrenalina de las redes sociales como Facebook o Instagram. Mientras tanto, Twitter intenta reducir el lenguaje de tantas palabras, a frases abreviadas. Sin embargo, una fotografía no tiene fin. La fotografía se ha vuelto completamente democrática, es prácticamente gratis, y está cambiándolo todo.

¿Conoce Tenerife? ¿Cree que sus paisajes podrían ser el escenario de un nuevo trabajo suyo?

La roca volcánica negra de Tenerife es muy parecida a la del paisaje alrededor de Goma, en el este del Congo, donde he estado trabajando los últimos dos años. Así que me siento muy a gusto aquí. Es increíblemente hermoso. Si pudiera conseguir un trabajo cuidando de una chica guapa de Tenerife, y un perro cariñoso, creo que sería el escenario de un nuevo trabajo seguro!

¿En qué proyectos está trabajando ahora? ¿Cuáles son sus metas a corto y largo plazo?

Actualmente estoy trabajando cada segundo de cada día en la Bienal de Venecia. He sido seleccionado para representar a Irlanda en la 55ª Bienal de Venecia el próximo verano. Este posiblemente sea el mayor honor que puede ser otorgado a un artista vivo, representar a tu país en este foro. El trabajo que voy a mostrar se titula “The Enclave”, y será una instalación multimedia de las fotografías infrarrojas del Congo. La situación actual en el Congo es extremadamente inestable. Acabo de volver de trabajar allí para inaugurar la exposición en la Galería Leyendecker. Fue maravilloso sentarse con Ángel Luis y su encantadora esposa Lele en un íntimo bar de tapas en Santa Cruz, comiendo pulpo. ¡Gracias, Tenerife!

las claves

El fotógrafo Richard Mosse nació en 1980 en Irlanda, aunque desde hace años tiene fijada su residencia en Nueva York. Estudió literatura inglesa en el prestigioso Kings College de Londres, donde se graduó con honores y completó su formación con diversos cursos y masters como el de fotografía en la Yale School of Art. Desde principios del siglo XXI su obra se expone en los principales canales artísticos internacionales con participación en exposiciones colectivas e individuales en puntos tan dispares del planeta como Londres, Dubai, París, Amsterdam, Hong Kong, Shanghai, Toronto, Barcelona y varias ciudades de Estados Unidos. Sus fotografías forman parte de los fondos permanentes de museos como el de Bellas Artes de Houston y el de Montreal, los de arte contemporáneo de Kansas City y Chicago, o el Museo d’Elysse de Lausanne, entre otros. Representará a Irlanda en la 55 edición de la Bienal Internacional de Arte de Venecia que se inaugurará el 1 junio y se mantendrá abierta hasta el 24 noviembre. La Galería Leyendecker de Santa Cruz de Tenerife expone su obra hasta final de mes, de lunes a viernes, en horario de 10:00 a 14:00 y 16:00 a 19:00 horas.

Fuente:eldia.es

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Su estilo es inconfundible. El Premio Nacional de Fotografía Chema Madoz (Madrid, 1958) considera que esta profesión en España no está bien considerada, está en un punto en el que falta otro paso, el «reconocimiento»

Se lo habrán preguntado miles de veces pero ¿se considera usted fotógrafo o artista?
Unas 1.200 veces (ríe). La verdad es que siempre mis imágenes llegan al espectador a través del soporte fotográfico y mi manera de trabajar se ciñe más a la fotografía. Con el paso del tiempo se unen otras influencias, pero me gusta seguir considerando lo que hago fotografía. La fotografía tiene de atractivo que es un mundo en el que cabe trabajar desde perspectivas dispares.

Su fotografía asocia objetos cotidianos que nada tienen que ver formando una nueva imagen. ¿Cómo llega a ella: por impulso o por reflexión?
Es un lugar al que llegas después de una serie de años y de ir creando un lenguaje o una manera de contar las cosas. No es algo que se hace de la noche a la mañana, vas tomando conciencia de qué supone ese ejercicio de comunicación, jugando con unos códigos y limpiando todo lo accesorio de la imagen.

¿Sus objetos son posibles o imposibles?
La idea de objeto imposible me es un poco ajena porque no hago objetos que caigan en el absurdo. Es un ejercicio centrado en el objeto, en los usos de cada objeto o en los añadidos, pero no trato de hacer un catálogo de objetos imposibles, que ya se ha hecho y que es un ejercicio interesante y divertido pero que se puede quedar en el gag. Mis objetos están trabajados desde un punto de vista propio, más personal y no sé si más poético, aunque me resulta complicado decirlo así.

De hecho, dicen que sus fotografías son poemas visuales que cuentan historias.
Son imágenes, pero siempre me ha interesado la parte más narrativa con la que te encuentras. Con la poesía tiene una relación más directa porque juega con la idea de transmitir emociones con los mínimos elementos posibles.

¿Es complejo pasar de la idea a la imagen?
Hay imágenes que se resuelven con mucha facilidad porque son sencillas y otras en las que los procesos son complejos, a lo mejor por bobadas o porque no das con lo que buscas. Me interesa que las imágenes respiren cierta levedad y que aparezcan cuanto más simples y sencillas, mejor. A veces hay que dejarlas respirar.

¿Y alguna se enquista?
Sí, hay imágenes que en su momento he dejado porque me he visto incapaz de resolver y con el tiempo caes en la cuenta de que estaban mal y luego la retomas, y otras que no.

Y siempre en blanco y negro. ¿Por qué? ¿Porque es su imagen de la fotografía desde niño?
No lo sé. Sí que es cierto que al final tiene que ver con tu juventud o tu adolescencia, donde todas las imágenes que te llegaban eran en blanco y negro. Pero también es cierto que la imagen en blanco y negro tiene mucho que ver con el tipo de trabajo que hago, que marca cierta distancia con la idea de la realidad, de reelaboración de la realidad. Prescindir del color lleva a objetos distintos a un territorio en el que jugar con ellos es más natural.

¿Es la fotografía un juego?
Sí, hay algo de juego en el mejor de los sentidos, en esa parte de disfrute de todo lo que nos rodea y de intentar sacar partido a todo, de conocer lo que nos rodea.

¿Hay también crítica?
Hay, en la medida en que las imágenes que se muestran son una especie de disconformidad, de no estar satisfecho con una mirada anodina o plana, que parece que para sacar algo interesante hace falta salir de nuestro entorno. Estamos rodeados de cientos de pequeñas cosas capaces de hacernos tomar conciencia de otras realidades.

¿Le sigue sorprendiendo la fotografía?
Sí, es algo con lo que disfruto enormemente. La gente me dice si no se agota esto de los objetos, pero hay veces que consiguen embargarte la emoción o descubrir algo de lo que no habías tomado conciencia. Aprendo y disfruto. Es un trabajo muy gratificante.

¿Están bien considerados los fotógrafos españoles?
No, creo que es una situación un tanto peculiar. Estoy convencido de que en este país hay fotógrafos con trabajos maravillosos y a la misma altura de fotógrafos del mercado internacional. Sin embargo, la fotografía está en un punto en el que falta otro paso, falta el reconocimiento. Hay algo que hacemos mal , algo que se nos escapa -a los fotógrafos los primeros, pero también a las instituciones, a las galerías- para que la fotografía española no tenga aún el peso que se merece, que debería tener. Es como lo del aceite español, que es igual de bueno que el italiano, pero tiene más fama el italiano.

Hoy hay fotografía en los museos pero usted entró en el Reina Sofía hace más de veinte años, cuando sería insólito.
Era algo con lo que no contaba porque en aquel momento no había espacio para la fotografía y tuve suerte de que mi trabajo fuera uno de los primeros en poder llegar allí.

¿Que le gustaría que viera el público en sus imágenes?
No sé, bastaría con que saliera con la idea de que la fotografía tiene la versatilidad de trabajar con perspectivas muy distintas.

Fuente: laopiniondemalaga

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MILÁN, November 13, 2012 /PRNewswire

La bella y oscarizada actriz Penélope Cruz será la protagonista del Calendario Campari de este año junto al prestigioso fotógrafo de moda Kristian Schuller, encargado de captar todas las instantáneas.

Creado con el objetivo de transportar al público a un asombroso viaje visual, el calendario 2013 muestra a la última protagonista de Campari en 13 expresivas fotografías, sumergida en supersticiones místicas: entre gatos negros y espejos rotos o pasando debajo de escaleras. Ataviada con suntuosos vestidos de color rojo, zapatos de lujosas firmas (como Monique Lhuillier y Ferragamo) y luciendo joyas de Chopard, Penélope brilla en cada instantánea.

Sobre su participación en el calendario, Penélope ha comentado: “He disfrutado mucho participando en el calendario Campari 2013, cuyo tema de las supersticiones me ha parecido fascinante. Ha sido un placer trabajar con profesionales de tanto talento, sobre todo con el fotógrafo Kristian Schuller, de quien soy gran admiradora”.

Kristian Schuller, fotógrafo de talla internacional, ha sido el encargado de fotografiar esta 14(a) edición del calendario Campari. Conocido por relatar curiosas anécdotas de su trabajo y enamorado de la iconografía surrealista, Kristian ha sabido reflejar perfectamente el tema del calendario con su vanguardista estilo.

Kristian Schuller comenta sobre el calendario Campari 2013: “Este calendario es sinónimo de estilo y creatividad y para mí ha sido un placer poder transformar estos estereotipos en potentes fotografías llenas de magia”.

Penélope es la última estrella en protagonizar el emblemático Calendario Campari, que en ediciones anteriores ha contado con otras bellezas de la talla de Salma Hayek , Eva Mendes, Jessica Alba y Milla Jovovich.

Según Bob Kunze-Concewitz, consejero delegado del Gruppo Campari: “Lo que buscábamos en esta edición era resaltar el poder de la confianza en uno mismo, en creer que todo es posible y desterrar supersticiones como espejos rotos o gatos negros. Nuestra intención es ofrecer a los amantes de Campari momentos placenteros para celebrar la confianza y el poder mágico del número 13″.

El eslogan Beso de despedida a las supersticiones es una idea de BCube Milan. Han trabajando con el fotógrafo Kristian Schuller el director artístico Andrea Marzagalli y el guionista de marketing Bruno Vohwinkel. La producción ha corrido a cargo de L&A Artist – Milan.

(EuropaPress)

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