Fotógrafo especializado en mirar la naturaleza desde arriba, Daniel Beltrá expone en Madrid su serie fotográfica dedicada al desastre medioambiental del golfo de México. Alessia Cisternino ha conversado con él del proceso de realización de esta serie y de la importancia que siguen teniendo estas imágenes dos años después, cuando, aparentemente, no queda ni una gota de petróleo en el mar.

Marea Negra

Los desastres medioambientales no difieren de las demás noticias: cuando se apagan los focos es como si no hubieran pasado nunca. Sin embargo, la huella que dejan en la naturaleza no se borra ni en meses, ni mucho menos en años. Daniel Beltrá es un fotógrafo y fotoperiodista madrileño afincando en Seattle, Estados Unidos, que lleva desde el 1990 colaborando intensamente con Greenpeace.

Cuando hace dos años millones de barriles llenos de petróleo se vertieron en el golfo de México tras la explosión de una plataforma petrolífera, Beltrá recibió de Greenpeace el encargo de fotografiar lo que estaba pasando. El resultado fue la serie Spill que ha recibido 6 premios internacionales en 2011 y que, tras su paso por Barcelona, se expone ahora en Madrid bajo el título Marea Negra.

“Cuando explota la plataforma petrolífera, las imágenes que veíamos en televisión eran todas muy interesantes, pero no quedaba claro cómo iba a ser de catastrófico” cuenta Daniel Beltrá. “Me fui en principio para hacer un reportaje de cuatro o cinco días, muy cortito y me acabé quedando un mes en este primer viaje, luego hice otros dos: en total estuve dos meses allí trabajando”.

“Desde tierra, nada más llegar, no se veía nada. Cuando el vertido comienza, los medios y la prensa esperan en la costa mientras que el petróleo se queda concentrado en la zona del vertido a unos 90 km desde la costa: las primeras oportunidades que había de verlo era desde el aire” explica Daniel Beltrá.

“Mi especialidad es la fotografía aérea pero también estuve trabajando por tierra. Trabajar allí es muy complicado, la costa no tiene carretera por todos los sitios, hay que conducir y mucho para ir de un lado a otro, me quedé en una pequeña población al sur de Nueva Orleáns donde había una empresa que alquilaba hidroaviones y con ellos salía a volar, hice unos doce-quince viajes en el tiempo que estuve allí”.

“Había días que se veía mucho petróleo y era muy visual todo el daño y a había veces que se veía muy poco. Ha sido una constante de todo el tiempo pasado allí a trabajar: nunca sabías lo que te ibas a encontrar”.

Durante dos meses, el objetivo de Daniel Beltrá fue en busca de las “pruebas” de que este desastre existía, a pesar del tiempo, de las corrientes y de los oleajes que lo movían y lo escondían.

“Era todo muy dramático pero había que buscarlo en varios sitios: había zonas, kilómetros, donde todo estaba cubierto de petróleo, luego te ibas de allí y no había absolutamente nada. A través de contactos y otros pilotos que trabajaban allí en la zona, creé una red que me mantenía informado sobre dónde ir”.

Las fotografías de la serie Spill inmortalizan ese instante que poco a poco ha dejado de ser noticia y que sin embargo durará siglos, aunque haya desaparecido.

“El último viaje que hice fue a finales de agosto” cuenta Beltrá “y allí ya no quedaba nada por ver: el problema del uso de los dispersantes, que se utilizaron muchísimo en esa ocasión, es que hunden el petróleo, ojos que no ve, corazón que no siente. Es como cuando le echas jabón a una sartén manchada de aceite, lo que hace el jabón es que simplemente empuja el aceite. Estos dispersante rompen el petróleo, lo diluyen más en toda el área y entonces se ve menos, pero no desaparece”.
Fuente (lainformacion.com)

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El fotógrafo alemán Horst Faas, ganador de dos premios Pulitzer, mítico reportero en Vietnam para la agencia Associated Press entre 1962 y 1974, ha fallecido a los 79 años dejando como legado no solo un puñado de fotos de una crudeza devastadora; sino también una forma de mirar la guerra que cambió para siempre el fotoperiodismo. Sin el trabajo de Faas como editor de AP, dos de las imágenes más importantes del conflicto, que ayudaron a cambiar la visión que se tenía en EE UU de lo que ocurría en Indochina, seguramente no hubiesen visto la luz: la imagen captada por Eddie Adams en la que un general survietnamita le pegaba un tiro en la sien a un prisionero del Vietcong y la niña de la carretera número uno, corriendo desnuda y abrasada por el Napalm, tomada por Nick Ut. Las dos instantáneas lograron el Pulitzer.

“Vietnam marcó un patrón para el fotoperiodismo que se convirtió en un ejemplo para todas las futuras guerras”, explicaba el propio Faas en Requiem, un libro que editó junto a Tim Page en el que rinde homenaje a todos los fotógrafos muertos en las guerras de Indochina. En su ensayo clásico sobre la historia del periodismo bélico, The First Casuality, Philip Knightley le describe así: “Horst Faas, el fotógrafo de Associated Press para el que la guerra se había convertido en un modo de vida, decía, con su marcado acento alemán: Sí, clarrrro que me gusta el boom boom, clarrrro que sí”. Y su nombre vuelve a aparecer al final del capítulo sobre aquel conflicto, titulado significativamente “La guerra es divertida”. “Jack Laurence, de la CBS, regresó con pesadillas. Empezaba a preguntarme si sería capaz de aguantarlo, si no perdería la cabeza. Quizás gente como Horst Faas tiene algún tipo de acero dentro que les blinda, deja fuera el horror y evita que les afecte”.

Sin ese acero interior, seguramente Faas no hubiese sobrevivido emocionalmente a una carrera que le llevó a Argelia, Congo, Bangladesh —sus imágenes de ejecuciones públicas le valieron el Pulitzer— pero sobre todo a Vietnam. “Tenía un talento excepcional detrás de la cámara, pero también para editar el trabajo de otros”, ha escrito sobre él Santiago Lyon, jefe de fotografía de AP, agencia en la que se jubiló en 1976 como editor para Europa. Nacido en Berlín en 1933, creció durante la II Guerra Mundial y logró escapar al Oeste tras el final del conflicto. En 1960 fue fichado por AP y llegó a Vietnam dos años después, el mismo día que otro mito del reporterismo bélico con el que trabajó muchos años: Peter Arnett. Una de sus imágenes más famosas la tomó en Munich en 1972, durante el secuestro del equipo olímpico israelí y mostraba a uno de los terroristas palestinos encapuchados.

“Podíamos mostrar la muerte”, declaró en Perpiñán en 2008 durante una visita a los encuentros fotográficos que tienen lugar en la ciudad francesa. “Son imágenes que ahora mismo no vemos. Este oficio no ha cambiado mucho”, señaló cuando fue preguntado sobre sus imágenes más célebres, que mostraban el combate en primer plano y toda la brutalidad de la guerra, sin filtros, desde soldados torturando prisioneros hasta los civiles muertos. “Iba a ver a los conductores de helicóptero y trataba de convencerles de que me llevasen. Les decía que tenía mi propia comida y mi propio casco y en general funcionaba”.

Perteneció a una generación única de reporteros que crecieron profesionalmente en las selvas de Vietnam, nombres como Larry Burrows, Don McCullin, Philip Jones Griffiths o nuestro Manu Leguineche. “El periodismo convencional no puede servir para cubrir esta guerra de la misma forma que un Ejército convencional no puede ganarla”, escribió Michael Herr en sus Despachos. Su trabajo no pudo frenar el horror, pero al menos lo hizo visible.
(Fuente: elpais)

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Esta actividad, organizada por el Centro Nacional de Fotografía (Cenaf) en conjunto con Universidad Nacional Experimental de las Artes (Unearte), el Centro de Estudios Latinoamericanos (Celarg), la Alianza Francesa y la Embajada de Francia, tiene como finalidad, en palabras del presidente de esta institución, Alejandro Oramas, incentivar la reflexión entorno a los referentes visuales en el país.

El teórico y filósofo francés considera que a partir de una fotografía es difícil analizar la realidad política, pero apunta que los humanos no son solamente visuales, sino que como seres pensantes y dentro de un contexto pueden vincular una fotografía con otras.

Este teórico europeo, que trabaja desde 2007 en distintos países de África, América, Europa y Asia sobre el tema fotografía y cuerpos políticos, apunta que las personas se plantean los problemas de manera diferente con base en su cultura, disciplina, profesión y puntos de vistas personales.

El teórico, quien además es catedrático en la Universidad Paris 8 y en el Instituto Nacional de Historia del Arte (París), se pregunta si el contexto es el que hace que se reciba una imagen y se relacione con la problemática del cuerpo político.

Además, afirma que el concepto de una imagen puede ser no fotográfico y suponer un vínculo con otras imágenes. “Eso es lo que me interesa trabajar, los conceptos invisibles de lo visible. Soy un ser que piensa, que tiene memoria y que pone en relación imágenes con otras imágenes, por lo tanto yo soy el que politiza los cuerpos”.

Por su parte, el presidente del Cenaf destacó que la reflexión del profesor “es fundamental en este momento porque nos permite revisar nuestra historia contemporánea, los acontecimientos, la lucha mediática, la confrontación”.

Además, destacó que sus ideas pueden dar luces para el análisis sobre la manera cómo se puede hacer frente a las matrices de opinión y mensajes mediáticos.

El profesor Soulages es director del Equipo de Investigación de Estética, Práctica e Historia del Arte; del programa de Máster Fotografía y Arte Contemporáneo y del Grupo de Investigación Filosofía y Estética de la Imagen.

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Unos 180 artistas provenientes de 43 países participarán en la XI Bienal de La Habana que se inaugurará el próximo 11 de mayo con una apuesta por la interactividad con el espectador y por la vocación social del arte.

Hasta el 11 de junio, La Habana se convertirá en un gran escaparate artístico con un programa que se desarrollará en todas las sedes de la plástica en la ciudad así como en calles y espacios públicos de su centro histórico o barrios como el Vedado y San Agustín.

La mayoría de los artistas invitados proceden de Latinoamérica si bien en esta edición el arte contemporáneo africano tendrá un lugar destacado con la participación de catorce creadores de ese continente.

También Estados Unidos estará muy presente no solo por las obras de artistas como el fotógrafo Andrés Serrano o Craig Shillito sino con más de 1.300 “turistas culturales” norteamericanos que prevén viajar a Cuba para disfrutar de esta bienal.

“Por parte de Cuba no se va a cerrar el intercambio cultural con Estados Unidos. Desde el arte, la cultura y el pensamiento se pueden hacer muchas cosas respetando dos realidades diferentes”, dijo hoy Jorge Fernández, director del Centro de Arte Contemporáneo Wilfredo Lam y director de la Bienal en la conferencia de prensa para presentar el evento.

Este año, la apuesta de los organizadores por artistas jóvenes de todo el mundo se combinará con destacadas figuras como el polémico artista austríaco Hermann Nitsch; la serbia Marina Abramovic; la pareja ruso-estadounidense de Ilya y Emilia Kabakov o el polifacético artista mexicano Gabriel Orozco.

Cuba completará la nómina del evento con una fuerte presencia de sus creadores y propuestas renovadoras y experimentales.

El programa de la Bienal incluye además nueve proyectos colectivos, uno de ellos denominado “La Caza del Éxito” que propone una nueva mirada sobre fenómenos contemporáneos como la llamada “arquitectura de remesas” en Latinoamérica o la influencia en el diseño que están teniendo en Cuba la aparición de pequeños negocios con las reformas económicas emprendidas en el país.

A esas reformas aludieron hoy los organizadores al destacar el valor de organizar una amplia bienal en una época marcada por el ahorro y los recortes presupuestarios en el país.

Sin embargo, esos cambios no afectarán a la “esencia” de las políticas culturales promovidas durante la Revolución cubana y deben servir como elemento dinamizador del movimiento artístico, según Rubén del Valle, presidente de la Bienal y del Consejo Nacional de Artes Plásticas de la isla.

Los organizadores destacaron que en su undécima edición la Bienal de La Habana “busca la relación con el público”, generar interactividad huyendo de un enfoque “bidimensional” o “contemplativo”.

(Fuente: lainformacion.com)

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En 1955, el fotógrafo Edward Steichen presentó en el Museo de Arte Moderno de Nueva York una exhibición bautizada The family of man, una colección de 508 fotos obtenidas en 68 países y seleccionadas entre los dos millones de imágenes que recibió de personas anónimas que querían participar en la muestra. Un material que quedó archivado, sin nunca poder exhibirse, debido a las limitantes físicas y tecnológicas de la época.

Ahora, el fotógrafo sueco Jeppe Wikstrom quiere replicar el proyecto. Bajo el nombre  Picture today, Inspire tomorrow, busca convertirse en el mayor proyecto de fotografía colaborativa de la historia. La idea es que el próximo 15 de mayo cualquier persona, en cualquier país, tome una imagen de su vida cotidiana y luego la suba a la red.

La iniciativa no es nueva para Wikstrom. En 2003 publicó un libro llamado Un día en Suecia, donde reunió fotografías de tres mil personas de ese país, que retrataron la cotidianidad.

El proyecto de este año es más ambicioso: a escala global. Para ello, montó su propia fundación, llamada Expressions of Humankind. “Se estima que hay mil millones de cámaras fotográficas en el mundo”, dice Wikstrom a La Tercera. “Estoy seguro de que obtendremos momentos muy inusuales de la vida diaria”.

Todos juegan

Cualquier persona puede participar del proyecto. Sólo se debe ingresar a la página www.aday.org para registrarse y así, el 15 de mayo, tomar una fotografía de su vida diaria y subirla al sitio.

El formato es libre. Puede usarse desde una cámara de celular hasta una profesional, lo cual no importa para el organizador, para quien “la mejor cámara es la que tengo en el momento”.

¿Por qué el 15 de mayo? “Porque queríamos una fecha que fuera cotidiana, no un fin de semana, y que tampoco tuviera una importancia global muy marcada”, explica Héctor de Tomaso, gerente de marketing de Ericsson para Latinoamérica, empresa que apoya el proyecto.

Una vez arriba, a los usuarios se les pedirá colocar diferentes etiquetas a las imágenes, con datos como país, temática y elementos presentes, de modo tal de crear un índice que pueda ser visitado a futuro.

Las fotos podrán verse luego en una gran muestra universal en el mismo sitio web del proyecto, donde quedarán alojadas “eternamente”. Precisamente, ese es el espíritu de la iniciativa: retratar la vida cotidiana de todo el mundo como un legado para la posteridad. Por lo mismo, además de quedar alojadas en el sitio, las imágenes serán respaldadas y guardadas en una mina subterránea en Suecia y las mejores imágenes serán seleccionadas para un libro.

Las temáticas a fotografiar son tres: “casa”, “trabajo” y “conexiones” (para mostrar cómo se comunica la gente en el mundo). Los usuarios podrán subir un máximo de 10 fotos de cualquier aspecto de su vida (comida, traslado al trabajo) y, aunque la imagen debe ser tomada el 15 de mayo, se puede subir hasta el 22, día en que no se podrán alojar más imágenes. “Queremos crear historia a través de la fotografía”, sintetiza Wikstrom.

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Con los auspicios de la Fundación Fil-Armonia y el Ministerio de Cultura, dirigida por su fundador, el Maestro Caonex Peguero y dentro del marco de la Feria Internacional del Libro, tuvo lugar este Sábado 5 de Mayo el lanzamiento de la Orquesta de cámara Hermanas Mirabal “Camerata Mirabal”, primera configuración femenina de su género en la República Dominicana.

A las 7:30 de la noche en la sala Carlos Piantini del Teatro Nacional Eduardo Brito se dió inició a un evento cargado de una exquisita armonía, belleza y profundo mensaje.

La Camerata, dirigida por Caonex, tuvo como solistas a la flautista Laura Canelo-Cohen, recién egresada de la Columbus State University y a la soprano Ana Martínez-Fiallo, solista del Coro Nacional que interpreto tres “Quisqueyas”: de Mercedes Sagredo, Pérez Oviedo y Rafael Hernández, culminando con la emotiva canción “La tierra”,  escrita por Aída Cartagena Portalatín.

Esta canción, “La Tierra”, sirvió de colofón al performance “Un amen de Mariposas” desarrollado por la actriz María Ligia Gullón, junto al Teatro-Estudio de la 37, quienes desde la madeja del tiempo trajeron al escenario la memoria de las hermanas Mirabal: Patria, Minerva y Maria Teresa. Nuestras mártires y cuyo nombre lleva la Camerata.

La estructura de la presentación incluyó un espacio en forma de Elegía, In memoriam,  por las víctimas de la violencia intrafamiliar.

A decir de su fundador y director, Caonex Peguero: “La motivación surge por la necesidad de amplificar el mensaje contra la violencia de manera preventiva, al tiempo de dar oportunidades a las más talentosas jóvenes ejecutantes, ya que se están comisionando obras de compositoras para honrar la memoria de las grandes mujeres de la historia, y muy en especial de las dominicanas”, explicó Peguero.

Deseamos a este proyecto único que utiliza las artes para llevar un mensaje social de convivencia de género, a la fundacion Fil-Armonia, al Maestro Caonex Peguero y a todas las maravillosas integrantes de la Camerata Mirabal, muchos éxitos.

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Regularmente las parejas al momento de pensar en las fotografías de su boda solicitan la presentación de “los paquetes” de precios de que dispone el fotógrafo de su preferencia o el recomendado.

Con ánimo de orientar y cobijado en la experiencia, recomiendo a las parejas tratar de tener información mas concreta para el fotógrafo y eso disminuirá las diligencias y las posibilidades de incurrir en gastos innecesarios al final.

a) Primeramente piense en que Usted quiere que le fotografíen.

Algunas parejas desean una sesión de fotos previa, juntos pero no vestidos con la indumentaria del día de la boda.

otros desean que la sesión de fotos solo sea de la novia vestida con su traje y los mas modernos desean una sesión de fotos con la pareja vestida con las prendas de el día de la boda.

Y para que la sesión de fotos?.

Bien para seleccionar una o varias imágenes con la que se realizara un poster de entrada a la boda, bien para tomar varias en formato disminuido y agregar a un libro de firmas, bien para armar un portarretratos para cada mesa de invitados y finalmente para agregar las mejores al álbum de bodas.

Comente al fotógrafo del ambiente en que usted desea estas imágenes o pídale su opinión.

El día de la boda:

El estilo de trabajo del fotógrafo estará determinado por los planes de la pareja y usted debe transmitir claramente eso al profesional de la imagen.

Algunas parejas desean tener memoria de los detalles de su decorado tanto de la casa, de el lugar de la ceremonia y principalmente de la recepción.

Es un error comprometer al fotógrafo principal para que supla las imágenes del decorador dentro de su trabajo ordinario, digo esto porque al arribar a la recepción muchos elementos no se encuentran en un estado primario y otras veces, el tiempo no existe para dedicarse a fotografiar los detalles en su totalidad.

Por suerte muchos decoradores procuran los servicios de un fotógrafo particular para la toma sus detalles.

Preparándose:

Determine el estilo de fotos que le agradan, transmítalo al fotógrafo y desde ese momento en adelante confie en su experiencia.

Las fotos de la casa, la ceremonia y la recepción son esenciales en el evento de contar una historia de bodas, prepare sus compromisos, principalmente con el o la maquillista con tiempo suficiente para estar lista a la hora adecuada.

Con pena escuchamos en los momentos antes de algunas ceremonias que el retraso de la novia se debe al fotógrafo y no; no necesariamente, es que el tiempo no se multiplica y el retraso de un servicio trae una cadena de retrasos.

Por tanto, los segmentos  básicos de un proyecto fotográfico de bodas irán por el orden de:

1) Una sesión de fotos, como previo se determinara  donde, cuando y como.

2) La cobertura del día de la boda basada en los parámetros de tiempo planificados.

3) La forma de presentación final deseada.

La línea básica de estos tiempos es un libro impreso con un arte previamente aceptado por la pareja.

En el mercado local se confeccionan libros (álbumes) digitales para bodas desde 5×5 pulgadas hasta 16×20 pulgadas, siendo el más popular el de 10×10 pulgadas con 40 páginas.

Si su presupuesto lo permite puede solicitar cotización previa de copias para ambas familias que tienen un costo menor que el libro primario.

4) Los archivos digitales y la forma de obtenerlos es consideración de cada fotógrafo. Aun así, tenga en cuenta que este es su material de trabajo y esta protegido por derechos de autor. Por tanto si negocia con un fotógrafo la compra de parte de su archivo, trate de obtener una carta de descargo que le permita imprimir esas imágenes.

5) Las fotos impresas para colocar en portarretratos y las ampliaciones que se desearían de fotos familiares o de pareja, surgen luego de la apreciación del trabajo fotográfico, trate esas impresiones por separado y quizá gane un descuento o un obsequio.

Como detalle final les recomiendo pedir los precios por escrito, correo electronico o una forma de dejar guardada la informacion con precios y condiciones. En nuestro caso funciona un formulario online para enviar los datos generales.

Espero haber ayudado un poquito a comprender como  pedir precios a un fotógrafo de lo que Usted desea, en lugar de solicitar los precios de “paquetes”.

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Transcurría el año 1976 y Dagoberto Tejada, quien era nuestro profesor de Sociología en la UASD, nos envió a ubicar y entrevistar de primera mano a participantes en la guerra de Abril de 1965. Un compañero nos llevo a Guayacanal, Azua, Sábado en la tarde en la parte trasera de unos de los camiones de la empresa de pasta de tomates. Siempre recuerdo ese episodio cuando veo la película la momia, por la cantidad de polvo que llevamos encima al terminar el recorrido.

Al día siguiente conocí a aquel hombre que nos narro sus vivencias en la revolución de Abril y por primera vez escuche mencionar el nombre del Coronel Juan María Lora Fernández quien junto a otros grandes de la patria lucho para restablecer el orden constitucional dislocado en 1963.

El Coronel Juan María Lora Fernández, era de mi pueblo, Moca. Había nacido en Higuerito.

Y murió en Santiago en aquella batalla donde emboscaron a los constitucionalistas en el Hotel Matún, lugar frente al cual se encuentra un pequeño monumento con 4 tarjas y un busto separado dedicado al Coronel Lora Fernández.

Para comprender la historia y definir nuestro papel personal y colectivo en ella debemos conocerla. Saber que nuestras raíces como nación tienen sangre y sacrificio no solo de desconocidos, sino de familiares y compueblanos. Por eso es nuestra historia y muy mal servicio hacen a nuestra patria los que aposentados en el terreno de los beneficios personales, juegan a la torpe tarea de desorientar. Nuestro deber como dominicanos y el llamado de este tiempo es a construir desde nuestras opiniones, participación y puestos públicos y privados un mejor país con honestidad y sentido de servicio.

La memoria del Coronel Dr. Juan María Lora Fernández y la de miles y miles de dominicanos que ofrendaron su sangre, su vida. Por ti, por mi, por todos, no puede resultar una ofrenda sin sentido.

Llamados estamos pues, en nombre de la historia, de nuestras familias y de nuestra patria; la que muchos quieren desconocer, pero que existe, cobija y da sentido de pertenencia a nuestras generaciones.

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Soraya Abu Naba’a, por la singularidad y frescura de su pintura y por su manera de abordar el tema de la mujer y la memoria.
Carlos de León, por su carácter autobiográfico y el modo sutíl de abordar temas sociales como la violencia.
Polibio Díaz, por la pertinencia y sistemática reflexión sobre la sostenibilidad medioambiental.
Evelyn Espaillat, por su manera de tratar el tema del paisaje urbano y la des-personificación de sus habitantes.
Stepanie Marie Gómez Jiménes, por la imediatez y frescura de sus incursiones en el cine y el video sobre los temas autobiográficos.
Hulda Guzman, por su dominio de la técnica pictórica y su habilidad para construír narrativas de caracter autobiográfico.
Sayuri Guzmán, por el carácter intimista e interactivo de su propuesta, involucrando patrones de conducta sociales y culturales.
Citlally Miranda, por la originalidad de sus procedimientos pictóricos en el abordaje del tatuaje y su impronta en el cuerpo femenino.
Raquel Paiewonsky, por la consistencia y coherencia de su investigación sobre el cuerpo femenino y los problemas de género.
José Pión, por la manera peculiar de aticular imagen y sonido en sus videos y performances.
Francisco Rodríguez, por la legitimidad de sus investigaciones sobre la dominicanidad y su estudio de las culturas dominico-haitianas.
Juan Zapata, por su análisis de la problemática de la migración y la construcción de nuevas identidades transnacionales.
Jochi Muñoz, por su trabajo  sistemático y constante investigación en el campo del performance, como estrategia para visibilizar problemáticas relacionadas con temas sociales y de género.
David Pérez ( Karmadavis), por la pertinenciay originalidad de sus acercamientos a temas políticos y sociales a través del performance, interviniendo en la comunicación y las relaciones interpersonales.
Yoel Bordas García-Godoy, por la originalidad en el tratamiento de la sostenibilidad y el medio ambiente, enmarcado dentro de un rico universo narrativo pictórico.

Firmado en Santiago de los Caballeros, el 26 de abril de 2012. Maria Elena Ditrén, Ivo Mesquita, María Inés Rodriguez.

Fuente DiarioLibre

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Retratos «anónimos» en los boulevares de Los Ángeles, de Katy Grannan

El galerista londinense y agitador de conciencias, Charles Saatchi, se ha propuesto elevar el perfil de la fotografía en la escena del arte contemporáneo de la capital británica con la exposición «Out of Focus» (desenfocado), que se inaugura hoy en la espectacular sede de la Saatchi Gallery en Chelsea. Es la primera gran muestra de fotografía en la galería desde hace más de una década, tras la polémica «I am a camera» de 2001. Esta vez, los responsables del museo han seleccionado obras de 38 artistas de diferentes países, todas ellas parte de la colección Saatchi.

«Los artistas jóvenes están cuestionando los límites tradicionales de la fotografía»
«A diferencia de Nueva York, la fotografía ha sido hasta ahora un mundo separado del arte contemporáneo; ahora, estos dos universos comienzan a colisionar en el trabajo de artistas jóvenes a los que esto no les da miedo, y que están cuestionando los límites tradicionales de lo que es una fotografía», explica a ABC Rebecca Wilson, directora de la galería.

Las obras de artistas y fotógrafos de Estados Unidos, Japón, Reino Unido, Sudáfrica, Francia Benín o Finlandia –no incluye ningún español– inundan las doce salas de la fastuosa sede a la que se mudó el museo en 2008, generando una sensación inicial de sobreabundancia y ausencia de hilo conductor. Pero, poco a poco, emergen tanto las verdades eternas del arte fotográfico como interesantes incursiones en nuevos territorios.

Omnipresencia del desnudo

Como era de esperar, la selección de Saatchi ha primado el tratamiento del desnudo, quizás la constante más inevitable en el ojo humano. Así, la muestra incluye los desnudos domésticos y relajados del artista sueco JH Engström, los cuerpos devueltos al bosque de Ryan McGinley o los retratos «queer» provocativos y reivindicativos de AL Steiner, la componente de las Chicks on Speed.

La aprehensión del paisaje por el artista basado en Nueva York, David Benjamin Sherry, las centrales eléctricas como manifestación del «poder americano» de Mitch Epstein, o la «re-mapización» del plano de París de los dioramas del artista japonés, Sohei Nishino, apuntan por su parte a distintas maneras de comprometerse con el entorno.

La primera sala está dedicada a los potentes retratos de la conocida fotógrafa estadounidense, Katy Grannan. Un recorrido callejero por los personajes –viejos, travestis, viudas, negros…– que pueblan los boulevares de Los Angeles y San Francisco, donde el consentimiento de los retratados confiere a las imágenes un luminoso aire teatral.

Además, ocupa un llamativo papel central la obra de artistas-documentalistas que trabajan con imágenes de archivo. «Son fotógrafos que no hacen fotos», nos explica Wilson. «Queríamos reunir obra de gente que trabaja de manera diferente a lo habitual, de forma rara, no somos el lugar para una fotografía documental más clásica», reconoce. Así, John Stekazer se «reapropia» de fotos que ha ido encontrando en rastros, mercados, postales o tiendas de libros viejos, mezclando elementos de distintos rostros. Un «robo» que termina en «violación».

Interesante dúo de artistas sudafricanos
En «Alias» rescatan del gueto de Varsovia una versión radical de Ana Frank
Destaca especialmente la obra de Adam Broomberg y Oliver Chanarin, el dúo de artistas sudafricanos residentes en Londres. Con imágenes de los archivos de Belfast sobre los años de plomo –«the troubles» (problemas), en inglés»– construyen un fascinante micro-retrato de otras violencias, más cotidianas –pequeños robos, violencia juvenil, gamberradas infantiles–.

En la seria «Alias», rescatan una espeluznante y delicada versión radical de la joven Ana Frank. Está compuesta por viejos negativos restaurados, encontrados en un archivo polaco, que recogen los desnudos de una joven del gueto de Varsovia que se evadía así, con sus amigos en el estudio fotográfico de sus padres, del horror exterior.

«En la era digital, la gente puede interactuar con la imagen, coger un momento y expandirlo y explorarlo en nuevas dimensiones», nos explica Chris Levine, uno de los artistas de la muestra. «La tecnología ha ampliado mucho el campo de acción, ahora podemos ver formas de imágenes que nunca habíamos podido ver», afirma.

La muestra estará abierta hasta el 22 de julio. El acceso a la Saatchi Gallery es gratuito.

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Me dijeron en los Montones que el camino hacia Dajao de la Piedra estaba en mal estado debido a las ultimas lluvias. Quería llegar a la casa de Dario Marmol. Entonces decidí probar suerte por otra ruta y me aposté en el puente sobre Bao en el camino que lleva a Loma Prieta a la altura de la mina de Mata Grande. Resulta que Vidal Marmol es el Padre de Dario y el lugar de origen de todos ellos es Loma Prieta. A poco esperar vi pasar un mulo solitario, conociendo la sierra sabia que detras vendría alguien, y asi fue. A un minuto de distancia llego Alex, un joven fornido que me dijo conocer a la familia Marmol, pero que ya Vidal no vivía allí, sino su hija. Mandé el recado con Alex a Dario y espero sus noticias muy pronto.
La Sierra tiene señal telefónica por todos lados aun así conectar con amigos de breñas y largas travesías es imperativo que sea en persona. Al volver, Doña Dedé me esperaba en Corocito con sus gafas oscuras, cuidando una reciente cirugía ocular y una taza de cafe. Corta se hizo la tarde para actualizar tantas memorias.
Aun la sierra sigue siendo un paraíso.
Salimos para Santiago bajo una ligera llovisna, los pronósticos de los serranos rara vez se equivocan.

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En el ocaso de una tarde, de esas que tantas veces han inspirado al fotógrafo Domingo Batista, fue declarado por el Ministerio de Cultura como “Activo Cultural de la Nación”, colocando en el lugar que da la bienvenida a su casa una tarja que anuncia “aquí reside el artista del lente”.

La presentación del Manual de Armas en Silencio a cargo de cadetes de la Marina de Guerra y la lectura de la proclama, a cargo del actor Orestes Amador de la Compañía Nacional de Teatro, se sumaron a los honores ofrecidos a Domingo por sus 45 años de trayectoria fotográfica, que guarda más de 30 reconocimientos internacionales, y que se caracteriza por resaltar y defender los recursos ecológicos del país y de la gente que lo compone.

El Ministro de Cultura, José Rafael Lantigua, dijo sentirse muy honrado en conceder a Batista el galardón supremo que entrega el ministerio que representa. “Este es un reconocimiento que no se entrega graciosamente, es cuidado con mucho celo, reservado para aquellas personas que son ejemplos culturales”, agregó Lantigua.

El nuevo Activo Cultural de la Nación agradeció a Dios, a su esposa “Yayi”, familiares y amistades que le han acompañado en la travesía de capturar la luz. Batista, en sus palabras de gratitud también narró que hasta sus 20 y pocos años calmaba la sed visual de resaltar los pequeños detalles, cuando dibujaba, hasta que conoció su verdadera vocación, la fotografía en el campo del Realismo Poético.

(Listindiario.com)

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Las novedades visuales, por lo general, impactan nuestros sentidos.

Nos sorprenden.

No así lo cotidiano, lo diario, aquello que es una parte nuestra;

que aun siendo bello o llamativo no encanta la vista, no decodifica

la clave del despabilo cerebral para reaccionar.

Para andar por la ciudad fotografiando sería aconsejable vestirse

con traje de extranjero y hablar otra lengua, caminar otro ritmo,

no entender lo cotidiano. Para que lo cotidiano nos sorprenda y

nos muestre a los del patio lo que tanta gente que nos visita

admira, procura y anhela tener.

En lo cotidiano acurren eventos que nos repliegan al génesis mismo

de lo que somos, si, de lo que somos.

Esa densa manifestación de un existir simbiótico, vértice de continentes

y culturas encontrados en el medio de un Caribe sol, de un Caribe intento

y búsqueda de ser.

Santiago es cuna de muchos de nosotros que amamos esta ciudad donde

se ha crecido y visto crecer. Una ciudad con encanto que trasiega

el desparpajo del tiempo para reconvertirse permanentemente sin dejar

atrás su historia y sus signos.

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‘Drida Kahlo’, 1931
Imogen Cunningham hizo en 1931 este retrato, absolutamente ‘moderno’, a la artista mexicana Frida Kahlo (National Gallery of Canada, Ottawa)

La Galería Nacional de Canadá, en Ottawa, tiene una de las mejores colecciones de fotografía del mundo. Es tan variada y rica que cuando la pinacoteca decidió exponerla al público tuvo que programar cinco grandes exposiciones, troceando cronológicamente los fondos para garantizar que no quedasen ocultos al público algunos de los tesoros que contienen.

La cuarta de las muestras está en marcha y permanecerá en cartel hasta el 1 de abril. Se titula Made in America 1900-1950 (Hecho en América 1900-1950) y abarca medio siglo revolucionario para el arte fotográfico: el paso del pictorialismo al modernismo y la irrupción del documentalismo social.

‘Citizen in Downtown Havana’, 1933

Walker Evans, uno de los primeros reporteros documentales, hizo esta foto en su mítica serie sobre La Habana en 1933 (National Gallery of Canada, Otawa)
Entre las más de un centenar de fotografías de la exposición hay piezas, algunas icónicas e inolvidables, de, entre otros, Walker Evans, Alfred Stieglitz, Edward Steichen, Lisette Model, Paul Strand, Ansel Adams, Weegee, Margaret Bourke-White, Berenice Abbott y Dorothea Lange.

Made in America 1900-1950 abarca un periódo de especial fertilidad y cambios para la fotografía, la época en que el medio emergía como un modo de expresión artística y, al tiempo, como un instrumento para captar los cambios sociales. Las piezas que componen la exposición, por ejemplo, muestran a las claras el paso del pictorialismo al modernismo y de éste al documentalismo.

Los paisajes pastorales, las calles neblinosas y los retratos idealizados de comienzos de siglo, con foco suave, iluminación tenue y manipulación de los negativos para crear el efecto de que la foto es una prolongación de la pintura, dieron paso a la llegada de artistas interesados en mostrar la realidad tal cual es, con definición clara y realismo.

Steerage. Foto de Alfred Steiglitz, uno de los grandes renovadores de la fotografía a principios del siglo XX (National Gallery of Canada, Ottawa )
La democratización de la fotografía y el interés de los nuevos reporteros en captar la vida de la gente común y lo que sucedía en las calles fueron las dos consecuencias más notorias de la transición.

También fue una época de grandes cambios técnicos, con el invento de las cámaras y películas de 135 milímetros, manejables y cómodas frente a los aparatos pesados de la fotografía de gran formato.

20minutos.es

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Retrospectiva excepcional, en el Grand Palais, consagrada a Helmut Newton, presentando una visión de conjunto de su obra, obligándonos a repensar su puesto en la historia de la fotografía, con aportaciones muy mayores a historia de varios géneros, la foto de moda, el desnudo, el retrato, dando carta de nobleza a «subgéneros» como la instantánea del paparazzo.

Se trata de una «deuda» de Francia con un gran maestro que comenzó «huyendo» a Mónaco y tuvo que instalar la gran fundación que lleva su nombre en Berlín, su ciudad natal, tras las reticencias de la burocracia de Estado francesa.

Jane Newton, la esposa del artista, oficia de «maestra de ceremonias» y biógrafa, presentando una película indispensable, «Helmut by June». El marco excepcional del Grand Palais cuadra bien con las obras monumentales de Newton, y permite presentar más de doscientas fotografías, copias originales, en su mayoría, con la generosidad imprescindible para poder apreciar con claridad los meandros de su evolución creadora.

La obra de Newton suele presentarse en el marco de la historia de la fotografía de moda. En efecto, Newton forma parte de una generación de fotógrafos de género (Guy Bourdin, Jerry Schatzberg, entre otros) que comenzaron a romper con el clasicismo de una o dos generaciones de fotógrafos de moda. Ruptura real y aparente. Newton conserva y acelera las metamorfosis que había comenzado Avedon, aprende a respetar e ironizar sobre el legado de Cecil Beaton y hace suya, transformando, la visión «arquitectónica» de la composición de Horst.

A partir de ahí, Newton, como Bourdin, lleva la fotografía de moda mucho más lejos, roturando terrenos tórridos y bellísimos: las modelos de Newton bajarán a la calle como vestales oníricas y desnudas, con mucha frecuencia. El desnudo femenino ocupará un puesto esencial en la imaginería personal de Newton, claro está. Desnudo femenino cuya historia él contribuye a modificar de manera muy significativa. Sus mujeres desnudas abandonan el lecho tradicional para descubrir muchos otros territorios de exposición. Las divinidades del panteón clásico se han transformado en vestales publicitarias, que pueden lucir sus cuerpos gloriosos en vallas publicitarias, salones de grandes hoteles, piscinas públicas o privadas, oscuros pasillos o jardines de residencias renacentistas.
Metamorfosis del desnudo

Esas metamorfosis del desnudo femenino quizá sean indisociables de su práctica del retrato. Los trabajos de Newton con personalidades tan distintas como Catherine Deneuve, Estefanía de Mónaco, Margaret Thatcher o Jean-Marie Le Pen nos recuerdan el «genio» de Newton a la hora de desnudar a sus personajes, tras ganarles una confianza que él utiliza muy libremente.

Tras inmortalizar a Deneuve como personaje publicitario de Yves-Saint-Laurent, Newton consigue fotografiarla desde un «perfil prostibulario». Tras fotografiar a Estefanía de Mónaco disfrazada oficialmente de princesa de su diminuto reino, Newton consigue «vestirla» con las prensas de un personaje de un cuento de «terror». Convocado para realizar una fotografía oficial de Margaret Thatcher, Newton consigue despeinar a la primera ministra inglesa, consigue desabrochar su sacrosanta camisa de seda, hasta conseguir una obra maestra, presentando a una señora Thatcher hasta «sensual». Llamado para realizar una foto oficiosa de Jean-Marie Le Pen (para el «New Yorker»), Newton tira tres carretes antes de conseguir que el líder de la extrema derecha francesa se siente junto a uno de sus perros, a la manera de Hitler con uno de los suyos…

Hay muchos otros Newton, el «padre» del porno chic, el «discípulo» canalla de Weegee, el publicitario que se sirve de los presupuestos de sus «empresarios» para imaginar imágenes paralelas que causan escándalo entre quienes habían pagado los encargos originales.

Queda, al final de esta inmensa retrospectiva, el rastro espectacular de un maestro todavía mal estudiado. El fotógrafo que retrataba a mujeres muy bellas y las inmortalizaba a la manera del topógrafo de una geografía celeste. Fotografiada por Newton, Monica Bellucci no es solo una mujer muy bella: su retrato forma parte de una serie, rostros y paisajes, que nos hablan del paralelismo entre los misterios de las geografías celestes de la creación y el cuerpo femenino.
JUAN PEDRO QUIÑONERO, ABC.es

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Cartier-Bresson escribió que tomar fotografías significa reconocer –simultáneamente y dentro de una fracción de segundo– tanto el hecho mismo como la rigurosa organización de formas visualmente percibidas que le dan sentido; es poner la cabeza, el ojo y el corazón sobre un mismo eje. Se trata, sin duda, de la mejor definición del momento decisivo en fotografía por parte de quien mejor supo captarlo en sus imágenes. Escribió también que tomar fotografías era retener el aliento cuando todas las facultades convergen frente a la realidad fugitiva. A Cartier-Bresson le gustaban las fotografías de Pentti Sammallahti (Helsinki, 1950), tanto que decidió incorporarlas a la exposición Al gusto de que inauguró su fundación en París. Con Cartier-Bresson, Sammallahti comparte mucho: no le interesa el aspecto documental de la fotografía, excepto como expresión poética; sólo está interesado en la fotografía que surge de la vida, y concede idéntica importancia a la gramática visual, punto en el que Cartier-Bresson citaba a Víctor Hugo: “la forma es la esencia llevada a la superficie”. No podrá estar más de acuerdo Sammallahti, al menos es lo que intuimos al contemplar la extensa secuencia de fotografías que integran la exposición itinerante Au bord du monde producida por el Centro Andaluz de la Fotografía que se presenta en el Museo Pablo Gargallo.

Pentti Sammallahti se inició en la fotografía en 1961 y en 1969 comenzó sus expediciones fotográficas por territorio finlandés, a las que siguieron, hasta la actualidad, otras por diferentes países europeos, Marruecos, India o Nepal. De su experiencia viajera da testimonio esta singular cartografía espacial y temporal en la que el espíritu de cada uno de los lugares da sentido al mundo.

El gozo de mirar, la emoción, la intuición, la imaginación, la espontaneidad y un especial sentido de la geometría, como en Cartier-Bresson, convergen en el visor de la cámara de Sammallahti para dar luz a territorios inciertos, que obligan al espectador a mirar sus fotografías de un modo diferente para comprender la naturaleza física y mental de un paisaje sin fronteras, en el que solo la presencia de los animales rompe el vacío de la nada. En la extraña calma visual de las imágenes de Pentti Sammallahti el tiempo fluye sin interrupciones desde el pasado para detenerse en el presente, en el momento decisivo que alumbra poéticamente la eternidad.

En los paisajes sin fronteras que Sammallahti fotografía apenas hay presencia humana, que ocupará toda su atención en la galería de retratos Andante, realizada durante el invierno de 1981 en Tallinn, Estonia. Una valla metálica sirve de fondo al tránsito cotidiano de personas anónimas, instantes decisivos, breves destellos que como sus fotografías de paisaje son elocuentes del lugar.

Fuente (CHUS TUDELILLA,periodicodearagon.com)

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