“Una fotografía de intensa expresión –escribió- percibida correctamente tanto formal como sensorialmente, tensada sobre sí misma, tiene vida propia”. (Gotthard Schuh)

Apreciados por los historiadores de la fotografía y perfectos desconocidos para el gran público, las poéticas fotografías de la estadounidense Francesca Woodman (1958-1981) y del suizo Gotthard Schuh (1897-1969) son un regalo para la vista y las emociones del que por primera vez se puede disfrutar en España. La Fábrica Galería y la fundación Mapfre ofrecen sendas exposiciones de estos infatigables buscadores de la belleza separados por varias generaciones y unidos por su afán poético. Dos fotógrafos casi secretos cuya singular y sensual obra no deja de ganar enteros e influencia en las generaciones que les sucedieron.
La corta y atormentada vida de Woodman, que con 22 años se arrojó al vacío desde su apartamento en Nueva York, se refleja en sus inquietantes imágenes. Siempre en blanco y negro, su obra se resume en ocho centenares de instantáneas de un ambiguo lirismo. La exposición -en cartel hasta el 21 de enero – recorre todo su legado, desde la primera foto que tomó a los 13 años hasta las de sus últimos y desesperados días neoyorquinos. Un vida reflejada en el documental ‘The woodmans’ estrenado el año pasado.

Woodman exploró el cuerpo y la identidad a través de su propia anatomía y su complejo yo. Su obra, de marcado carácter autobiográfico, íntima y directa, se desarrolla a través de descarnados autorretratos que capta en escenarios melancólicos; habitaciones en las que imperan la soledad, el olvido y los estragos del tiempo. Muestra Woodman su frágil figura en esos interiores destartalados, con cierto aire gótico, entre la sensualidad y la inocencia.
Treinta años después de su muerte, La Fábrica Galería -Alameda 9, en Madrid- ha logrado reunir 20 fotografías, la mitad inéditas, que demuestran la singularidad de la estética de esta poeta de la imagen y de su inusual y precoz talento. No es ni un artista madura ni una criatura inocente, aunque tenga algo de ambas. Su trabajo se compara con el de fotógrafas contemporáneas como Ana Mendieta y Hannah Wike y conecta con el de Cindy Sherman, Sarah Lucas, Nan Goldin and Karen Finley, tanto por su diálogo con el yo como por la representación del cuerpo femenino.

Dos mundos

Nacida en 1958 en Denver y abruptamente fallecida en Nueva York en 1981, Francesca Woodman creció en un ambiente artístico. Hija de ceramista y pintor, vivió su infancia a caballo entre Europa y América, entre las montañas de Colorado y las planicies de la Toscana. Formada entre Rhode Island y Roma, donde expuso por primera vez, instalada en Nueva York a finales de los setenta, realizó una residencia artística en la colonia MacDowell en New Hampshire.

Durante años la obra de Francesca Woodman ha sido un tesoro para iniciados. Su primera gran exposición tuvo lugar cinco años después de su muerte en el Wellesley College. Una muestra que recorrió la liga de museos universitarios y catapultó póstumamente a Woodman. Sus fotos generaron una atención poco común para una artista tan joven y oscura. A finales de los noventa su trabajo recaló en la Fundación Cartier de París, el Kunsthall de Rotterdam o la Photographers Gallery de Londres. Su obra está en las colecciones del Metropolitan Museum, el Whitney Museum, el MoMA y la Fundación Cartier. El museo de Arte modero de San Francisco (SFMoMA) exhibe en estas fechas una retrospetiva que se verá en el Guggenheim de Nueva York este año.

Pulso vital

El suizo Gotthard Schuh es uno de los grandes fotógrafos del siglo XX, por más que su reconocimiento fuera tardío. De inusual intensidad poética, retrata en blanco y negro un mundo que se desvanece mediante unas imágenes devenidas en símbolos de la búsqueda de la belleza.

La Fundación Mapfre en sus salas de Azca -Av. General Perón 40- reúne hasta el 19 de febrero casi un centenar de imágenes del fotógrafo suizo. Dotado de una gran sensibilidad, Schuh triunfó como pintor, pero pronto cambió los pinceles por las lentes al constatar el enorme potencial creativo de la fotografía.
En los años treinta se sumó a la revolución estética de la ‘nueva visión’ y halló en el emergente fotoperiodismo un campo abonado para desarrollar sus inquietudes plásticas. Desde las páginas de la revista suiza ‘Zürcher Illustrierte’ renovó la narrativa del reportaje documental. Huye de la convención y de la rigidez impuestas por la ‘nueva visión’ y aprovecha sus estancia en París para labrase un camino propio en el ‘realismo poético’.
La expresividad y una honda sensibilidad psicológica marcan la obra de Schuh, que retrata la noche y sus sensuales personajes: mujeres, parejas y grupos a través de los cuales toma el pulso a la vida en imágenes.
Schuh viajó por toda Europa antes de saltar al lejano Oriente, por encargo de ‘Zürcher Illustrierte’, y recorrer durante casi un año Singapur, Java, Sumatra y Bali. Fruto de ese periplo es una de sus grandes obras, ‘Islas de los dioses’ (1941) un clásico de la fotografía de viajes que mezcal realidad y fantasía. Rinde Schuh homenaje a la naturaleza el paisaje y a las etnias que visita, retratando su vida cotidiana, su laboreo, fiestas y rituales religiosos en unas imágenes que son hoy símbolos de la búsqueda de la belleza y de la armonía. “Una fotografía de intensa expresión –escribió- percibida correctamente tanto formal como sensorialmente, tensada sobre sí misma, tiene vida propia”.
Amigo y valedor de Robert Frank, en los años cincuenta cofundó el ‘Kollegium Schweizerischer Photographen’, influyente institución que sentará las bases de la fotografía como medio subjetivo de expresión artística. En sus últimos años, sin abandonar nunca la cámara, retornó la pintura aplicando la misma exigencia que en su amado oficio de mirar.

Fuente: (colpisa.com, Miguel Lorenci)

Related posts:

1. Blanco y negro con pedigrí. La fotografía clásica tiene valor asegurado en Arco Hay quien dice que en esta edición de Arco ha...

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

La iluminación es un factor que puede elevar o deprimir el nivel de un espectáculo, de una presentación, de una ponencia, de un evento familiar.
Por eso el luminotecnico tiene que ser artista con el artista que va a iluminar, hacer suya la obra.
Movimientos, éxtasis musical, silencios….. una variedad de matices expresivos pueden ser embellecidos con la iluminación adecuada.
Recuerdo que una tarde se presentaría Felle Vega en La Casa Club del Centro Español. A mi me tocaba la imagen de circuito cerrado.
Subido en una escalera, aquel joven, delicadamente cuadraba las intensidades luminosas desde un banco de “par de 14″.
El evento fue un éxito.
Con el tiempo lo conocí mejor se trataba de Yino Hernández.
Una persona de apariencia tranquila, siempre dispuesto a ayudar en lo que se le solicita.
“Ruedala a la derecha Yino”….ok!!, ok!!
“Yino, necesito un ambiente de tranquilidad detrás del primer plano”….Eso lleva el color……!
Yino conoce de luces y conoce de servicio, el es una persona servicial.
Me decía Felle que a el no le gusta posar. Con esa mente inquieta que tiene Felle no es raro que en algunos momentos su expresión facial cambie, pero cuando le tome esta foto con Yino, Felle solo reía.
Es que Felle y Yino son amigos. Grandes amigos. O algo más allá de amigos, bordeando la frontera de la hermandad.
Que bueno encontrar a Yino y a Felle juntos porque entre música y luces crean un complemento que comenzó mucho tiempo atrás,
desde las raices de una gran amistad. Una amistad con música iluminada.

Related posts:

1. Felle Vega realiza concierto junto a la Orquesta de la Danzas Mezcladas en Centro Leon. Una significativa presentación en homenaje a la música universal, afirmo...

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

Fue un artista autodidacta y sus primeros trabajos fueron publicados principalmente en revistas.
En 1933 realiza su serie ‘Distortion’ basada en el cuerpo femenino y en la que se sirve de espejos deformantes de circo. Esta es una de sus series ‘más innovadoras’, gracias a la cual obtuvo una fama mundial’
Kertész conservó siempre ese afán por la perfección que se detecta en todas sus fotografías y que hacen de una simple toma una obra maestra, la obra de André Kertész.

André Kertész (Budapest, 2 de julio de 1894 – Nueva York, 28 de septiembre de 1985) es uno de los fotógrafos más originales del siglo XX. Fue un artista autodidacta y sus primeros trabajos fueron publicados principalmente en revistas.

En 1925 se trasladó a París en contra de los deseos de su familia, en donde formó parte del creciente grupo de artistas inmigrantes y del movimiento dadaísta.

Allí fue reconocido por otros artistas gracias a su estilo profundamente ‘original y humanista’. Según ha explicado el comisario de la muestra y director del Magyar Fotográfiai Múzeum (Museo Húngaro de la Fotografía), Peter Baki, su etapa de París fue la ‘más importante’ y creativa de su carrera.

SU SERIE MÁS INNOVADORA

En 1933 realiza su serie ‘Distortion’ basada en el cuerpo femenino y en la que se sirve de espejos deformantes de circo. Esta es una de sus series ‘más innovadoras’, gracias a la cual obtuvo una fama mundial’, según ha explicado Peter Baki.

Esta insólita solución visual, ‘subraya lo extraño de la realidad, pero no lo falsifica’. Supone un gran paso para su obra y también para la historia de la fotografía.

Kertész trabajó para revistas europeas como ‘Vu Sunday Times’, ‘Berliner Illustrierte Zeitung’ y ‘Uthu’ y presenta en París a un todavía desconocido compatriota que terminará siendo uno de los corresponsales de guerra más famosos del siglo XX, Robert Capa.

Según el fotógrafo húngaro Brassai, André Kertész contaba con ‘dos cualidades esenciales para un buen fotógrafo: una curiosidad insaciable por el mundo, por la gente y por la vida, y un sentido preciso de la forma’.

PRESTIGIO INTERNACIONAL

A Estados Unidos se traslada en 1936. Después de unos primeros tiempos muy difíciles, a partir de los años 50 se suceden las exposiciones y se convierte en un fotógrafo de prestigio internacional. En 1984 recibe de Hungría la Orden de la Bandera de la República Popular, una condecoración que ningún otro fotógrafo ha recibido, ni antes ni después de Kertész.

En el último período de su vida, regresó a Hungría varias veces en busca de los escenarios y personajes de su infancia con poco éxito; por ello, volvió a explorar con su cámara lo nuevo, lo diferente. En la cantera de Fertörakos esperó una hora inmóvil hasta que llegó la imagen deseada: el paso de las aves ante un muro derribado.

Kertész conservó siempre ese afán por la perfección que se detecta en todas sus fotografías y que hacen de una simple toma una obra maestra, la obra de André Kertész.

El Museo Húngaro de la Fotografía, dirigido por Peter Baki, fue inaugurado en 1990 con 70.000 piezas provenientes de la colección de la Asociación de Fotógrafos Húngaros, fundada en 1957. Desde entonces, su colección se ha multiplicado por diez y ahora dispone de más de un millón de fotos.
(Fuente: Terra.es)

No related posts.

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

El Museo Internacional de Cine y Fotografía. Casa de George Eastman, es el sitio donde se exhiben las imágenes con motivo del 150 aniversario del inicio de la Guerra Civil estadunidense.  

El museo, elegido por ser parte importante en la historia del arte, albergará hasta junio próximo, una serie de fotografías inéditas que datan del siglo XIX, imágenes contemporáneas de los sitios de guerra y una colección de los filmes más representativos del conflicto bélico.  

Además en abril, será homenajeado el director de cine independiente Jonas Mekas, a quien se le entregará el título ‘George Eastman Honorary Scholar’.  

Hijo de María Kilbourn y George Washington Eastman, George nació el 12 de julio de 1854, en la aldea de Waterville, Nueva York; a los ocho años perdió a su padre, lo que ocasionó que la familia atravesara por momentos difíciles y penurias económicas, que lo obligaron a dejar sus estudios a los 14 años.  

Según sus biógrafos, el chico juró entonces, con sombría determinación, sacar a su familia de las dificultades financieras y ayudar a su hogar.  

Fue así que se colocó como mensajero en una compañía de seguros, donde acabó haciéndose cargo del archivo de pólizas, pero el sueldo era insuficiente, lo que lo llevó a buscar una oportunidad en el banco local, ingresos que le permitieron ahorrar para iniciarse en el negocio fotográfico.  

Su afición por la fotografía nació a los 24 años cuando pensó en tomar unas vacaciones y un compañero le sugirió capturar imágenes de recuerdo. Eastman compró su equipo y tomó unas lecciones, y aunque nunca viajó a Santo Domingo, a partir de entonces se dedicó a buscar la manera de simplificar el proceso de este arte.  

Al principio, quería simplificar la fotografía para su propio placer, pero pronto empezó a ver posibilidades de fabricar placas secas para el mercado, así que mientras trabajaba de día en el banco, por las noches experimentaba en la cocina de su madre, mezclando emulsiones.  

Los primeros tres años de sus experimentos fotográficos fueron los más duros e inclementes de su dura vida de trabajo, sin embargo, para abril de 1880, George Eastman alquiló el tercer piso de un edificio en la calle State de Rochester y empezó a fabricar placas secas para la venta.  

En 1879 patentó en Inglaterra una máquina que aplicaba el gelatino-bromuro de forma homogénea, sobre las placas de cristal, pero fue hasta 1884, que tras varios experimentos, logró sustituir el soporte de la fotografía y patenta la primera película en forma de carrete que empezó a ser práctica.  

Para llegar al público en general, Eastman decidió fabricar un nuevo tipo de cámara, la primera Kodak, que es introducida al mercado en junio de 1888.  

Se trataba de una cámara, de tipo de cajón, ligera y de tamaño pequeño, cargada con un rollo de película desplegable, y con suficiente longitud para tomar 100 exposiciones.  

El precio de la cámara ya cargada era de 25 dólares e incluía su estuche y una correa para el hombro; después de haber expuesto el rollo, la cámara se enviaba a Rochester, donde se sacaba la película, se revelaba, se imprimían las copias y se cargaba con un nuevo rollo por 10 dólares.  

En agosto de 1889 se lanzaron al mercado los primeros rollos de película transparente de Eastman, que logró fabricarlos extendiendo una solución de nitrocelulosa sobre una mesa de cristal de 200 pies de largo por 42 pulgadas de ancho, que una vez seca recubría con un sub-estrato de silicato de sosa, para hacer que adhiriera la emulsión, y después recubría con la emulsión de gelatina.  

Era transparente y sin grano y podía durar como soporte permanente para el negativo, con lo cual se hizo innecesaria la operación de despegue, además podía producirse en tiras de 200 pies de largo.  

Esta película flexible y transparente de George Eastman, unida al aparato construido de manera simultánea por Thomas Alva Edison, haría posible después el cinematógrafo.  

Uno más de sus logros, en 1891, fue una nueva mejoría más para la película transparente para aficionados, que al colocarla en carretes, permitía cargar la cámara a plena luz del día.  

En 1892 fundó la compañía Eastman Kodak Company, en Rochester, Nueva York, lo que fue un cambio radical en fotografía, la cámara Kodak crea un nuevo mercado y convierte en fotógrafos a personas que no tenían conocimientos especiales del asunto y cuyo único móvil era el deseo de tomar fotografías.  

Ahora, la cámara ya no tenía que enviarse a Rochester para ser cargada nuevamente; los rollos de película podían comprarse ya casi en cualquier parte y las cámaras para la nueva película seguían simplificándose más.  

En 1895 se puso en el mercado una cámara de cajón de tamaño de bolsillo. Ese aparato estaba dotado de un fuelle que la hacía plegadizo; y en 1900 se lanza la primera “Brownie”, diseñada para niños, a la venta por sólo un dólar.  

Eastman siempre estaba ansioso de alcanzar un progreso similar en la fotografía a color, ordenó que se hicieran trabajos sobre muchos procesos, hasta que logró hacer posible que cualquiera pudiera tomar fotografía de cine a color en película de 16 mm.  

No obstante todo lo anterior, Eastman no era presuntuoso, era un hombre modesto. Además de ser inventor, era tecnólogo, un organizador y un ejecutivo con visión, un ciudadano patriota y un filántropo.  

De lo que obtuvo a cambio de sus grandes dones, entregó más de 75 millones de dólares a diversos proyectos, entre ellos a la educación medicinal, fundación de la Escuela Eastman de Música y a colegios afroamericanos, entre otros.  

En 2006 fue reimpresa una nueva edición del libro “George Eastman: A Biography”, el cual tuvo su primer lanzamiento en 1996; la narración es un trabajo documental de Betsy Brayer, quien por más de 16 años se dedicó a rescatar archivos del fotógrafo.  

George Eastman se quitó la vida el 14 de marzo de 1932, en Rochester, Nueva York, dejando una nota que decía: “Mi trabajo está hecho, ¿por qué esperar?”.  

Actualmente, la fundación que lleva su nombre apoya a todos los estudiantes que estén interesados en convertirse en retratistas, con visitas guiadas a laboratorios fotográficos para que conozcan todo el proceso.

Fuente: informador.com

No related posts.

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

Florencia expone las influencias y encuentros entre los tres artistas

Picasso apareció en la escena artística en la primera década del siglo XX, Miró en la década de 1910, y Dalí a comienzos de los años veinte. La modernidad fueron ellos. Les separaba la edad, pero les unían muchas cosas. Sobre todas, la idea de que el arte genuinamente moderno no puede renunciar a las raíces y a la tierra. Picasso y Dalí vivieron su etapa madrileña. Y aunque Miró fue quizá el más catalán, los otros también se empaparon de ese aroma. Picasso fue maestro, pionero; Miró y Dalí le siguieron por los ismos y vanguardias hasta el más allá, los sueños y el surrealismo. Los tres fueron grandes buscadores de lenguajes nuevos. Sus encuentros e influencias cruzadas, a menudo invisibles o inconscientes, son el centro de la exposición Picasso, Miró, Dalí: tres jóvenes airados y los orígenes de la modernidad, que se puede ver en el palacio Strozzi de Florencia desde el sábado próximo hasta el 17 de julio.

La interacción entre los tres artistas españoles se explica a través de más de 60 pinturas de los tres protagonistas y más de 100 dibujos de Picasso. La exposición ha requerido dos años de trabajo, y se detiene sobre todo en las producciones juveniles de Picasso, Miró y Dalí para explicar cómo contribuyeron a la transformación creativa de su tiempo.

Joan Miró, Still Life with Knife [Nature morte au couteau], 1916. Switzerland, Nahmad Collection.-
Eugenio Carmona, catedrático de la Universidad de Málaga, ha preparado la muestra con el suizo Christof Vitali, y sitúa la entrada definitiva de Picasso en la modernidad en 1907. La de Miró a partir de 1923. Y la de Dalí en 1929. Con anterioridad, sus “búsquedas, hallazgos y experimentaciones fueron continuas y comunes”, explicaba ayer el comisario durante una visita con periodistas españoles. “Necesitaron muchas veces dar un paso atrás para luego dar el gran salto hacia delante”.

La exposición comienza en abril de 1926 y luego va retrocediendo en el tiempo salteada en cuatro ideas, episodios o pensamientos. El primer acto final detiene el tiempo en el año en que Dalí viaja a París y visita a Picasso en su casa, o al menos eso contó en su biografía La vida secreta de Salvador Dalí. Ese encuentro real o supuesto, que Carmona define como psicomaquia, muestra las obras de un Dalí mestizo, neoclásico, neocubista y freudiano, que acaba de dejar atrás el clasicismo y se debate entre dos mundos, el vicio de lo clásico y la virtud de lo moderno que luchan en Composición con tres figuras. Academia neocubista .

Salvador Dalí, Neocubist Academy (Composition with Three Figures. The Sailor) [Acadèmia neocubista.(Composició amb tres figures. El marinero)], 1926, oil on canvas, 90 x 200 cm, Museu de Montserrat, Donated by Josefina Cusí, R. N. 201.390
Dalí es aún muy joven -nació en 1904- pero ya refelxiona sobre Picasso y habla de Miró, que andan todavía en sus propias luchas. El segundo pensamiento se titula Miró-Dalí, genius loci, y resume la vivencia madrileña-catalana-parisina de los dos pintores catalanes entre 1915 y 1924. Épocas de ismos, de paisajes, retratos y bodegones (entre ellos, dos magníficas naturalezas muertas de Miró), en las que ambos, según Cardona, reflexionan sobre “la exigencia de la identidad, la pervivencia del clasicismo, el arte figurativo y la relación entre el arte nuevo y el arte de los museos”.

Pablo Picasso, Study for Girl with Raised Arms: Nudes with Raised Arms, Full-frontal Cahier 7, May-June 1907 pen and ink on paper, 220 x 170 mm Malaga, Collection of the Pablo Ruiz Picasso Foundation – Birthplace Museum, FPCN: 2037, c. 11r-
El penúltimo salto atrás se llama “Cuando Miró se cruzó con Picasso. Barcelona, 1917″. El genio malagueño ha vuelto de un viaje a Roma, Nápoles y Florencia impresionado por las esculturas de Miguel Ángel en la Capilla de los Medici de la capital toscana, y se dispone a hacer la escenografía para Parade, de Los ballets rusos de Dhiagilev. Picasso tiene 36 años, y Miró 24. El primero es cubista y neoclásico a la vez; Miró está empezando a ser, pero pinta su Autorretrato y unos estupendos paisajes catalanes.

El cuarto pensiero se decía al joven Picasso y tiene dos partes. La primera muestra el Álbum 7, con los bocetos para Les demoiselles d’Avignon procedentes de la colección de la Fundación Picasso de Málaga. La segunda son quince pinturas adolescentes que muestran su evolución desde que tenía 14 años hasta el año 1906.

Fuente: elpais.com

Related posts:

1. Que es el arte moderno para ti?, en el Centro Leon. En esta semana el Centro León realiza la apertura de...

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

En tres salas de la galería podrá verse ‘Ida Kar: fotógrafa bohemia’, que recoge las bellas fotos en blanco y negro de pintores, actores y escritores que la artista tomó en El Cairo, Moscú, París y Londres en los años 50 y 60 del siglo pasado, cuando los movimientos de vanguardia estaban en su apogeo.

Nacida en Rusia de familia armenia, Kar fue clave para que la fotografía se aceptara como parte de las bellas artes, y en 1960 se convirtió en el primer fotógrafo al que se dedicó una retrospectiva en Londres, en la Whitechapel Gallery.

Kar estudió en París en 1928 y en 1933 estableció su primer estudio, ‘Idabel’, en El Cairo, con su primer esposo, Edmond Belali. En 1945 se trasladó a Londres con su segundo marido, el artista Victor Musgrave, quien abrió la Gallery One.

Fue en esta galería donde Kar expuso ‘Cuarenta artistas de París y Londres’, que incluían retratos del pintor Tsugouharu Foujita, el escultor Alberto Giacometti o el escultor Le Corbusier y con la que consolidó su prestigio y logró elevar la fotografía a la categoría de arte.

En la exposición que se inaugura este jueves hay imágenes de sus primeros años como profesional, de sus viajes a países como Cuba y Armenia -que se publicaron en revistas como Tatler- y de su vida en el Reino Unido, donde capturó en su ambiente a escultores como Henry Moore o Barbara Hepworth y a actrices como Maggie Smith.

En 1964 fue invitada a Cuba a tomar imágenes de la revolución, que se conservan en hojas de contacto, lo que demostraría su interés por la política y su voluntad de internacionalizar su trabajo.

Otros retratos que pueden verse en la muestra londinense son de escritores como Jean-Paul Sartre, Iris Murdoch, Doris Lessing y TS Eliot, pintores como George Braque o Yves Klein o una bonita imagen de 1953 de la actriz británica Sylvia Syms.

También hay documentos del archivo de Kar adquiridos por la National Portrait Gallery, que incluyen cartas, diarios, copias antiguas de las fotos y hasta 10.000 negativos.

Kar siguió haciendo fotografías esporádicamente hasta el final de su vida y, un mes antes de morir -en 1974 en Londres-, había empezado un proyecto de desnudos.

Fuente: elmundo.es

No related posts.

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

La memoria es un campo de maravillas donde las imágenes, como un perfecto caleidoscopio, se van sucediendo y suplantando la una a la anterior; en ocasiones con una notable tendencia a la repetición y fijación final de las bellas, tiernas y memorables.
Hoy, buscando en negativos, vistas fijas, impresiones y en el ordenador, alguna de las fotografías tomadas durante más de dos décadas de amistad con un grupo de personas de incalculable valor humano, entre las que se encontraba nuestro hermano Jesús Natalio Puras Penzo –APECO, encontré esta foto.
Además de APECO y otros que vinieron después, entre los miembros de este grupo puedo mencionar a Carlos Acevedo, Mercedes Padilla de Acevedo, Sixto Paz Wells, Gertrudis Eli, Daysi y Johnny Luciano, Xiomara Núñez, Demetrio Almonte, Moisés Cruz, Patricia Martínez de Cruz, Jaqueline y Juan Luis Hadad, Mali Fermín, Bienvenido Hernández, Juanito Rodríguez, Luis Rodríguez, Leovigildo Díaz, Ingrid Ureña y otros cuyos nombres la briza ondulante del tiempo se ha llevado a otros planos: La inolvidable Milagros Beras (profesora, pianista y concertista), Don Juan Erickson padre de Edgar Erickson y Cesar Rodríguez Barroso (este ultimo de San Francisco de Macorís, a mi entender, uno de los seres humanos que fue más amado por APECO), Natalio y Cesar tenían la afinidad de la imagen duplicada en los cristales de la sensibilidad, humanidad y sencillez: del mismo origen, textura y brillo.
La fotografía memoriza una sección de la sala del apartamento donde vivía APECO, el tejido de la mecedora me recuerda la figura de Doña Gloria Penzo (madre de APECO), su eterna, clásica y delicada elegancia, a veces allí sentada. Las sandalias caseras de nuestro amigo y el espacio; testigo silente de tantas confidencias, polémicas, consultas, planes, puerta a conversaciones sobre arte, artistas, música, maestros, la vida, el devenir, la imagen, los instantes, Dios, la nada, el color, el dolor.
Allí tuvo lugar nuestra última conversación.
Aunque quizá no fue la última………
Santiago de los Caballeros, República Dominicana, 17 de Enero, 2010.

Related posts:

1. Premiación IV concurso Nacional de fotografía APECO, blanco y negro (2011) Tesoro de Cimarrón, fotografía ganadora del primer lugar. Artista: Pedro...
2. APECO, Blanco y Negro. Hoy se realizará la premiación del Concurso “APECO, Blanco y...
3. BASES IV CONCURSO NACIONAL DE FOTOGRAFÍA NATALIO PURAS (APECO), 2011 MINISTERIO DE CULTURA SUBSECRETARÍA DE CULTURA PARA LA REGIÓN NORTE...

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

No related posts.

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

No related posts.

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

Conocí­ a Pedro Martínez unos años atrás.  De temperamento un tanto introvertido, por lo menos en su ambiente de trabajo que es donde más le conocemos.

Quienes nos dedicamos a la fotografía comercial hemos tenido en Pedro siempre una mano presta para servir, sugerir y ayudar. Es que Pedro dirige el área técnica de la matriz de Magnacolor en Santiago de los Caballeros y esa posición ayuda a sacarnos de apuros de vez en cuando.

Pertenece al Grupo Fotográfico de Santiago (GRUFOS) y posee amplia visión de la técnica fotográfica.

En lo personal guardo un gran respeto por este novel fotógrafo Santiaguense. Tome algunas imágenes de su boda, el realizo las fotografías de la boda de mi hija Roxanna.

El pasado martes en la Cámara de Comercio y Producción de Santiago fue la premiación del concurso anual que con motivo de la celebración de la feria Expo Cibao organiza esa institución. Un primer y tercer lugar para Pedro Martínez fue parte del resultado. Imágenes plenas de sensibilidad y sentido de la expresión del momento y ritmo fotográficos, además de un uso prudente de la técnica de post-producción.

Este sábado pasaba a recoger una orden de impresión y fue  grande mi  alegría cuando supe que Pedro había obtenido el 2do. lugar en el Concurso APECO, en blanco y negro, promovido por la Sub-Secretaria de Estado de Cultura.

La obra de este segundo lugar es un tema inacabable que muestra en signos y de un solo tirón, los afanes de la mujer y del hombre en la procura de sostener con dignidad su familia. La ropa secando al sol, las tayotas recogidas resultado del esfuerzo labrando  la tierra y los hijos como presencia del amor y aquella humilde vivienda que por humilde no deja de ser el centro del conjunto visual como laboratorio físico del quehacer de la totalidad humana, conforman un blanco y negro sin desperdicio alguno.

Estamos ante la presencia de un artista que crece y participa, que muestra su interpretación, acomodando con justicia sus principios éticos y visuales al ritmo de las imágenes que capta con firmeza y carácter, Pedro Martínez es ya un exponente que enriquece la expresión de la fotografía dominicana.

Related posts:

1. Pedro Genaro o la cédula desvahída Respecto a la exposición “identidad”, de nuestro admirado y mutuo...
2. Premiación IV concurso Nacional de fotografía APECO, blanco y negro (2011) Tesoro de Cimarrón, fotografía ganadora del primer lugar. Artista: Pedro...

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

Como cada año la empresa Fotosistema realizo en el Hotel Melia de Santo Domingo su acostumbrada Convención Anual de Fotógrafos. Una elocuente oportunidad de reunir aquellos artistas visuales dedicados básicamente al reportaje de eventos sociales.

En este año se observa una apertura de Fotosistema hacia otros mercados al ofertar una línea de impresión ligera para catálogos comerciales de exquisita calidad de impresión y terminación.

Una gama de nuevos y elegantes estilos de álbumes para bodas y eventos, que vienen a enriquecer su tradicional y básica línea de álbumes, es muestra del esfuerzo de los propietarios de esta empresa en su claro objetivo de mantenerse a la vanguardia en la producción local de libros fotográficos con calidad.

En el marco de este encuentro, elegidos por votación de los fotógrafos del medio, fueron distinguidos con reconocimientos diversos: Don Hector Baez, Luis Nova, Jochy Fersobe y Rubén Román. Además de un homenaje póstumo a Don René Taveras.

A orgullo mueve tener entre nosotros estos  representantes de las virtudes propias del arte fotográfico tales como: constancia, tesón, creatividad, diversidad y dinamismo, enmarcados con el recuerdo de la figura de Don René símbolo inequívoco de amistad, caballerosidad y humanidad (la familia de Don Rene, su esposa e hijos, entre ellos Alejandro Taveras, fotógrafo como su padre, recibió la distinción).

Un encuentro de estas características mueve a la buena relación, a la admiración humilde de aquellos que movidos por diferentes motivos han llegado a ser, en la actualidad, los más claros y relevantes exponentes del reportaje fotográfico social en nuestro país y que elevan el nivel de calidad y alcance de la fotografía dominicana.

No related posts.

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

45 años atrás empuñó un fusil

para defender,  junto al pueblo,

sus convicciones.

Nos acompañó y le acompañamos

riendo con él, llorando con él.

Freddy Beras Goico se caracterizó

por la magia de su humor, pero además

fue un dominicano con grandes dotes de

humanismo.

Polémico, denunciante, solidario  y

respetuoso de los valores tradicionales.

Un amigo dice que se muere de muerte,

Pienso que Freddy muere de vida,

simplemente porque no se va.

Su ausencia física no significa

ausencia de su magia, de su “gordo”,

de su “punto”.

Será, como ya lo ha sido, un referente

para varias generaciones.

Ojalá y tengamos algún día muchos Freddys

que llenen el espacio físico

del que se ausenta,

quien además de su humor

nos ayudó a ser mejores dominicanos.

No related posts.

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

La armadura de Juan Guzmán captura instantes, atrapa congojas, eterniza miradas y graba para siempre históricas tomas al pie del altar.

Es un artista del lente que se confiesa hijo de los platanales mocanos donde se hizo amante gratuito del monte, el amanecer, el rocío lluvioso y los “echadías” del campo.

Echando un vistazo al pasado, recuerda que hasta la secundaria estuvo en grupos juveniles, movimientos estudiantiles y nidos culturales.

En casa crió palomas, conejos y junto a su padre aprendió a reparar taquitos de zapatos, utilizar el martillo, machete y a reparar las primeras motocicletas Honda que llegaron a su campo.

Con cédula y acreditación universitaria en administración de empresas, economía y publicidad, Guzmán trabajó en hospitales, bancos, industrias. Fue profesor de secundaria y universitario.

También aprendió fotografía. “En algunos lugares obtuve conciencia de orden, disciplina, aprecio por la belleza y el color; en otros fui testigo de la alegría y el dolor humano”, confiesa.

Recorrido el camino universitario, la enseñanza y las gerencias, decidió andar sin hojas de cálculo para abrazar el iris del lente fotográfico.

“Con la fotografía soy cantor y ciudadano voluntario.

Con las imágenes vibran en mí las mismas fibras de la guitarra, la herramienta de trabajo y el olor exquisito de una novia en su día de bodas”, declara mientras intenta domar el bigote desordenado que se resiste a rasurar.

Trabajo social Como
voluntario registra los programas sociales y de salud de Misión ILAC de Liceo al Medio; el Instituto Dominicano para la Prevención y Asistencia a la Depresión y Suicidio, la Fundacion SSM, Seminario San Pío X y las premiaciones anuales de la Asociación Cibao de Ahorros y Préstamos. Esa labor le hincha las venas de regocijo.

Con cámara al hombro y botines mete las narices y las pupilas en el campo para captar la asistencia sanitaria y educativa que luego ilustrará catálogos de instituciones de servicio.

“Lo más interesante es la gente, en la sierra o en el llano; en las lomas de Villa Trina, Henequén o Pedro García. Él ser humano es el fin y razón de mi accionar fotográfico, ese vínculo me nutre y le da razón a mi vocación hacia la imagen”, recalca.

A través de la fotografía, herramienta que le permite contar y descifrar historias, Juan se ha vuelto indispensable en uniones matrimoniales.

Y así, en oasis de flores y gente impecable, se mueve de forma prudente para hurtar con su lente lo planeado e inesperado de las celebraciones.

De tanto cabalgar entre velos de novia y novios impacientes, guarda múltiples crónicas. Cuenta que el día de la boda, las novias pasan por un stress muy fuerte, por aquello del manicure, maquillaje y un largo etcétera. “Es increíble como no las dejan tranquilas”. Sobre el consorte, asegura que los muchachos de hoy se involucran en la organización. “El hombre de hoy es tan caballeroso y delicado como el de otros tiempos.

Les gusta lucir elegante, ‘en control’, aunque uno sabe que también tienen sus nervios”.

http://www2.listindiario.com/el-norte/2010/6/10/145667/Mochilero-del-campo-y-la-fotografia

No related posts.

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

El MOMA recorre el siglo XX a través de la cámara de Cartier-Bresson

1. • Nueva York rinde tributo al artista con la mayor retrospectiva en Estados Unidos en tres décadas
2. • La muestra expone 300 imágenes, muchas inéditas, tomadas por el fotógrafo francés entre 1929 y 1989

HISTORIA VISUAL. Una mujer mira en el MOMA la foto de Cartier-Bresson ‘Funeral por las víctimas de Charonne, París’, de 1962. Debajo, ‘Shanghái, China 1948-1949’, y los Sanfermines de 1952 (izquierda). Foto: AFP / STAN HONDA

IDOYA NOAIN

Todo fluye, se mueve, se transforma y solo algunos son capaces de, en un solo gesto, apretando el disparador de una cámara, capturar y a la vez escribir la historia, con mayúsculas, esa que hacen tanto grandes acontecimientos y personajes famosos como pequeños gestos y seres anónimos. Pocos en el siglo XX alcanzaron tal genialidad en esa tarea como Henri Cartier-Bresson, viajero infatigable, curioso insaciable, al que el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA) rinde tributo con la mayor retrospectiva de su trabajo en tres décadas en Estados Unidos.
Solo la entrada a la exposición, abierta hasta el 28 de junio, es una advertencia para el visitante. Los enormes mapas tienen trazados los viajes del fotógrafo, que empezó a recorrer el mundo a los 22 años y solo a mediados de la década de los 70 dio prioridad a lápices y pinceles sobre su inseparable Leica. España, Portugal, su Francia natal, Italia, Suiza, México y EEUU, el Sáhara, Egipto, India, China, Indonesia… «Cartier-Bresson decía que te conviertes en quien eres a través de las experiencias», explicaba el martes Peter Galassi, responsable de fotografía del MOMA y comisario de la muestra, entre las paredes blancas y grises en las que se han colgado 300 imágenes en blanco y negro, más de una quinta parte nunca antes expuestas al público. «Le interesaba no solamente hacer buenas fotos, sino descubrir el mundo, porque creía que es la mejor forma de descubrirse a uno mismo».

PERFECCIÓN / En el recorrido por El siglo moderno, como se ha bautizado la exposición, queda en evidencia que, por más que Cartier-Bresson no gastara tiempo mirando sus propias imágenes y prefiriera pensar en su próximo destino y en la gente que encontraría allí, por más que descartara desde temprano pasar tiempo en el cuarto oscuro puliendo su trabajo, tomó decenas de fotografías que hacen pensar en la perfección.
Con la mayoría de imágenes llegadas desde la propia fundación que le animó a crear su ahora viuda, Martine Franck, y con fondos del MOMA y algunos originales de revistas como Life y Harper’s Bazaar, que publicaron sus fotos, la muestra recorre desde 1929 hasta 1989 a través de 13 separaciones temáticas.

FOTOPERIODISMO / Solo los dos bloques iniciales siguen un orden cronológico. Primero están sus primeras fotos, en las que aún late el Cartier-Bresson más artista y más influido por el surrealismo, ese que recorría las calles «decidido a atrapar la vida, a preservar la vida en el acto de ser vivida». Después llega la brutal entrada en el fotoperiodismo del hombre que fundaría la mítica agencia Magnum junto a sus amigos Robert Capa (al que siempre llamaba André), David Chim Seymour y George Rodger.
A partir de ese momento, Galessi ha decidido crear sus propias divisiones temáticas: por ejemplo, dos bloques con dos ensayos que Cartier-Bresson realizó en China (retratando, bajo estricto control de las autoridades, la industrialización forzosa de Mao) y en Estados Unidos (en un trabajo encargado por una corporación). También ha agrupado las instantáneas de los viejos mundos del Este, el Oeste, y de Francia, donde a través de las imágenes Cartier-Bresson retrata con cierta nostalgia romántica sociedades premodernas; y los nuevos mundos de EEUU y de la URSS (donde fue el primer fotógrafo occidental al que se permitió la entrada tras la muerte de Stalin.
Fuente : elperiodico.com

Related posts:

1. Eugéne Atget, minucioso retratista del París más oculto Eugéne Atget, minucioso retratista del París más oculto La Fundación...
2. Juliá teme la ´despersonalización del periodista gráfico´ El periodista Pablo Juliá, ha destacado hoy la progresiva sustitución...

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

No related posts.

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

La primera retrospectiva barcelonesa del fotógrafo Wilfredo García se inauguro el 9 de Febrero del presente año

La primera retrospectiva que se dedica al fotógrafo Wilfredo García Domènech (Barcelona, 1935-Santo Domingo, 1988) en su ciudad natal se inauguraro en el Palau Moja de Barcelona, donde se puede visitar hasta el 23 de marzo.

Considerado el padre de la fotografía moderna de la República Dominicana, García consiguió el nivel de celebridad, aunque en España siempre hubo mucho desconocimiento acerca de su obra.

La muestra ‘Wilfredo García: Peculiars obsessions’ está dentro del programa ‘La petjada catalana al Carib’, impulsado por la Fundación Casa Amèrica Catalunya, y que proseguio el 10 de febrero con la mesa redonda ‘De Wilfredo García a Juan Bosch: Referents catalans a la cultura dominicana.

Related posts:

1. Bases 10mo. Premio Internacional de fotografia Wifredo Garcia. Casa de Teatro, 2011. Ir directo al Post...
2. Conversatorio y exposición fotográfica en Centro León El Martes 27 de Septiembre del 2011. a las 7:00...

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

En la foto miembros de la familia Curiel en un momento musical familiar.
Se destacan Don Julio (RIP), Don Papi y Julio José, entre otros.

por Juan Guzmán.
En Santiago de los Caballeros, República Dominicana existe una familia de artistas naturales: La familia Curiel. A ellos le viene por herencia de su Padre: Pedro Varón Curiel, ese afán y gusto por la música.
Pedro Varón Curiel, como músico, dedicó varios años de su vida a tocar el clarinete conjuntamente con su hermano. Ambos fueron miembros de la Banda de Música de Santiago del os Caballeros.
Así mismo formaron parte de este Banda sus hijos: Julio Cesar Curiel y Manuel Joaquín Curiel.
Una lista de miembros de la familia Curiel se han destacado como músicos excelentes, entre estos tenemos a:
Enrique del Rosario Curiel -Bajista
Julio José Curiel -Guitarrista
Manuel Joaquín Curiel (Cukín) – Percusionista
Rosa Inés Curiel (Ochy) -Compositora y Cantante
David Mota Curiel -Violinista
César Mota Curiel -Violinista
En definitiva, cuando hablamos de la familia Curiel, es como asociar nuestras ideas a un pentagrama,
Que acoge y da base para el arreglo e interpretación de cualquier melodía, un sello que ha marcado de generación en generación a la Familia Curiel.

Related posts:

1. Felle Vega realiza concierto junto a la Orquesta de la Danzas Mezcladas en Centro Leon. Una significativa presentación en homenaje a la música universal, afirmo...
2. Mirada 2020. Concurso fotográfico que cierra el 8 de Febrero. La Gobernación de Santiago de los Caballeros y el Consejo...

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

Para el amigo y compañero que partió a iluminar aún más nuestros amaneceres.

PIDO SILENCIO
(Pablo Neruda)

Ahora me dejen tranquilo.
Ahora se acostumbren sin mí.

Yo voy a cerrar los ojos.

Y sólo quiero cinco cosas,
cinco raíces preferidas.

Una es el amor sin fin.

Lo segundo es ver el otoño.
No puedo ser sin que las hojas
vuelen y vuelvan a la tierra.

Lo tercero es el grave invierno,
la lluvia que amé, la caricia
del fuego en el frío silvestre.

En cuarto lugar el verano
redondo como una sandía.

La quinta cosa son tus ojos,
Matilde mía, bienamada,
no quiero dormir sin tus ojos,
no quiero ser sin que me mires:
yo cambio la primavera
por que tú me sigas mirando.

Amigos, eso es cuanto quiero.
Es casi nada y casi todo.

Ahora si quieren se vayan.

He vivido tanto que un día
tendrán que olvidarme por fuerza,
borrándome de la pizarra:
mi corazón fue interminable.

Pero porque pido silencio
no crean que voy a morirme:
me pasa todo lo contrario:
sucede que voy a vivirme.

Sucede que soy y que sigo.

No será, pues, sino que adentro
de mi crecerán cereales,
primero los granos que rompen
la tierra para ver la luz,
pero la madre tierra es oscura:
y dentro de mí soy oscuro:
soy como un pozo en cuyas aguas
la noche deja sus estrellas
y sigue sola por el campo.

Se trata de que tanto he vivido que
quiero vivir otro tanto.

Nunca me sentí tan sonoro,
nunca he tenido tantos besos.

Ahora, como siempre, es temprano.
Vuela la luz con sus abejas.

Déjenme solo con el día.
Pido permiso para nacer.

Related posts:

1. Premiación IV concurso Nacional de fotografía APECO, blanco y negro (2011) Tesoro de Cimarrón, fotografía ganadora del primer lugar. Artista: Pedro...

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

Por Juan Guzmán
Los actos relativos al funeral del fotógrafo dominicano Natalio Puras Penzo, para el día domingo, 17 de Enero 2010, serán:
-Translado de los restos mortales al salón que lleva su nombre en el Instituto de Cultural y Arte (ICA), cito en el Palacio Consistorial de Santiago en la Plaza del Parque Colón, el de la Catedral. Hora 8:00 a.m.
-Velatorio y Homenajes a cargo de la Secretaría de Estado de Cultura ( panegíricos y demás), hasta las 11:00 a.m.
-Misa de cuerpo presente, posiblemente en el mismo lugar. Hora 11:00 a.m.
-Cristiana sepultura en el cementerio municipal de la Av. 27 de Febrero con 30 de Marzo. Hora 12:00 m.
___________

Todos van tan de prisa

Todos van tan de prisa, tan sin tiempo de ser,
que aquellas maravillas a lentitud
de ir hombro a hombro saboreando las calles,
se han quedado tan solas como los parques
y las fuentes donde se piden sueños,
la gente ya no lleva monedas en los bolsillos
para tirarle al agua,
si lo que bien se ama,
no llega a nuestra puerta despertando la casa,
llenando sus rincones de cascabeles o profundos silencios;
yo todavía guardo las cosas esenciales
por si acaso nos vemos inesperadamente:
un marcador de libros, botones,
estampillas de correo, flautas, guindas para tu boca,
varios lápices, papel para escribirte, una bicicleta,
también conservo un trompo
por si lo quieres ver girar sobre la tierra;
ahora sé que no debo vivir sin ver las formas
que has ido dejando al aire por contentarle orillas a mis ojos
y me vas regalando, con esos gestos tuyos,
los años que me quedan por vivir,
lo valiente de ser quien soy,
la arquitectura donde mis palabras,
como un halcón puedan sentarse,
en lo más alto de las murallas
esperando que alguna voz se alce al final de la noche
por despedir luceros
o simplemente le hable al sol su destino de expansión,
sobre la cresta de las montañas y los valles.
Yo reconozco que eres imprescindible,
de la misma manera que mis pulmones necesitan el aire;
imprescindible, sí, como es de imprescindible el alfabeto,
la poesía árabe, la poesía en general,
imprescindible, sí, como tus brazos
que están atravesando el mundo donde vives,
sin saber que me buscas.

Alina Galliano@
Del libro…Litografías a partir del aire.

Related posts:

1. Premiación IV concurso Nacional de fotografía APECO, blanco y negro (2011) Tesoro de Cimarrón, fotografía ganadora del primer lugar. Artista: Pedro...

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.

El fotografo Dominicano Natalio Puras (APECO) en el acto de puesta en valor de parte de su trabajo fotografico por parte de El Centro Cultural Eduardo Leon de Santiago de los Caballeros. En lo adelante con solo entrar a la mediateca virtual del Centro Leon, los interesados de aqui y de todo el mundo tendran la oportunidad de ver y estudiar el trabajo fotografico de APECO. Un serio legado a aquellos que buzcan informacion cultural, fotografica e historica relacionada a la obra de este gran artista nuestro.

Related posts:

1. Premiación IV concurso Nacional de fotografía APECO, blanco y negro (2011) Tesoro de Cimarrón, fotografía ganadora del primer lugar. Artista: Pedro...
2. Blanco y negro con pedigrí. La fotografía clásica tiene valor asegurado en Arco Hay quien dice que en esta edición de Arco ha...
3. APECO, Blanco y Negro. Hoy se realizará la premiación del Concurso “APECO, Blanco y...

Related posts brought to you by Yet Another Related Posts Plugin.