(Foto: David Jaramillo / EL UNIVERSAL )

Cansado del mundo de la moda y del ambiente de las celebridades, una tarde de 2006, mientras filmaba un videoclip con la cantante Madonna, el fotógrafo estadounidense David Lachapelle (1969) decidió dar un giro a su vida y dejar el mundo de la publicidad y el consumo.

Ese día abandonó el set y los grandes estudios para recluirse en su granja, hasta que lo rescató, un año después, el curador de arte Fred Torres y lo invitó a entrar al mundo de los museos y las galerías, para lo cual el artista creó una serie de fotografías, inspiradas en varias pinturas, que darían forma a la exposición “Delirios de razón”, que a partir del 3 de febrero se presentará en el Antiguo Colegio de San Ildefonso.

En una multitudinaria rueda de prensa, Lachapelle recordó cómo decidió abandonar el mundo de las revistas y adentrase a las galerías, donde no tienen cabida los artistas comerciales: “Era muy difícil que se considerara a mi trabajo como profesional, hasta que dejé de fotografiar celebridades y me vieron como un fotógrafo más serio. Fue como un renacer”.

Lachapelle, quie ha fotografiado numerosas portadas de discos para artistas de la talla de Macy Gray, Moby, No Doubt, Whitney Houston, Elton John, Christina Aguilera, y quien en 1987 tomó la última fotografía de Andy Warhol antes de su muerte, presenta 64 piezas que reflejan la postura del artista ante un mundo convulsionado por fanatismos, obsesiones, vicios y arbitrariedades.

Tras reconocer en su más reciente trabajo cierta carga religiosa, así como la presencia de una belleza idealizada y la destrucción del mundo, el fotógrafo dijo que “nuestra vidas siempre están cercanas a la religión, incluso mi apellido es el nombre de una capilla, es parte de mi origen, pero a mi me interesa sin que pervierta mis ideas o llegue a ser un fundamentalismo, me gusta una frase que dice: ‘nadie a muerto en el nombre del ateísmo’”.

Lo único que quiero, explicó, “es comunicar mis ideas, que pueden ser desde la angustia del fin del mundo hasta el camino de la iluminación”.

Lachapelle también se dijo contento con el final de la era George Bush en su país, aunque “no creo que Obama sea un mesías, es muy importante que en América las personas vean por sí mismas y no esperar a que alguien que está arriba, como líder, solucione todo, cuando veo a la gente que se desmaya, llora y entra en una especie de histeria religiosa (frente a Obama) es para asustarse”.

Fuente: El Universal-Mexico

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¿Cómo se puede definir la belleza de una mujer o, más difícil aún, que criterios deben tomarse en cuenta para decidir si una mujer es hermosa o no lo es? La literatura mundial está repleta de ensayos sobre la belleza femenina y quizás el que mejor definió el secreto que esconde una mujer hermosa, una creación casi divina que despierta fantasías y sueños en la raza humana, fue Aristóteles cuando sentenció que la belleza es «una tiranía de corta duración». Es posible. Pero en los albores del siglo XXI y gracias a la técnica moderna y a la iniciativa de la Casa de la Fotografía de Hamburgo, 50 fotógrafos famosos ofrecen una visión particular e inquietante de lo que puede ser, según sus ojos, una fémina hermosa o, más importante aún, de ensueño.

En la nave restaurada de una vieja bodega del complejo Deichtorhallen, situada casi a orillas del viejo puerto de Hamburgo, la Casa de la Fotografia ofrece al público un exquisito viaje a través de la belleza femenina. El titulo de la exposición, ‘Traumfrauen’ (mujeres de ensueño) es sugerente, invita a soñar, provoca, y la muestra tiene la rara virtud de no decepcionar al visitante.
Fuera leyendas
Fotógrafos como Peter Lindbergh, Tony Duran, Marc Hom, Bruce Weber, Bettina Rheims y Albert Watson ofrecen su particular visión de la belleza femenina con un resultado novedoso. Los artistas de la cámara acaban con la vieja leyenda de que una mujer de ensueño no debe tener más de 25 años y en lo posible debe desempeñar el trabajo de modelo o ser una estrella de Hollywood.
Aunque existe la creencia de que las mujeres perfectas no son de este mundo y que sólo son productos de la imaginación humana, la muestra de Hamburgo devuelve la belleza femenina a la realidad y ofrece al visitante una galería de rostros y cuerpos femeninos que se encuentran entre nosotros.
Por ejemplo, la actriz Angelina Jolie, que posa para el fotógrafo danés Marc Hom, con un aire de reina sentada en un trono negro, pero en una actitud donde el rol principal de su esplendor está protagonizado por sus «piernas casi infinitas». A su lado, se confronta la cara surcada de suaves arrugas de la actriz Vanessa Redgrave, que con 71 años cumplidos emana un encanto casi diáfano. «Amo a las mujeres que tienen unos 40 años. Es el momento en que ellas desarrollan su propio carácter», advierte el fotógrafo, citado en la carpeta de prensa de la exposición. «Es el momento en que se vuelven interesantes: sexys, pero no vulgares, y en el camino de poseer una elegancia eterna».
La belleza también es subjetiva, puede cautivar al ser humano y es capaz de despertar pasiones ocultas si uno contempla el retrato que ha realizado Sheryl Nields de otra actriz, Scarlett Johansson, donde la retrata con su hermoso rostro tapado, pero con su vestido abierto que insinúa las formas de su beldad personal. «La belleza es un estado de gracia», sostiene la propia fotógrafa.
En un intento por definir a una mujer hermosa o a una mujer de quimera, Camilla Akranz llegó a la conclusión de que la magia de la fotografía hacía posible, a veces, percibir la auténtica belleza. «Es una luz interior que raras veces puede ser captada. Es una belleza interior». Para explicar ese sentimiento, la artista ha enviado a la exposición de Hamburgo un retrato cautivante de Sara Blomqvist, la modelo sueca de 20 años que ha conquistado el mundo de las pasarelas gracias a su inquietante belleza.
El amor embellece
Peggy Sirota, en cambio, tiene una explicación más terrenal para describir el momento exacto en que una mujer irradia atractivo. «Las mujeres se ven hermosas cuando se sienten bellas sin importarles la forma de sus cuerpos o el contorno de sus rostros. Pero las mujeres son radiantes cuando se sienten amadas», asegura la fotógrafa. Es cierto, una mujer irradia hermosura cuando está enamorada. El encanto puede ser una fugaz luz interior, un estado de gracia o una expresión de claridad, como afirma Liz Collins, que participa en la muestra con una instantánea de una chica desnuda que da la espalda a la cámara.
La muestra ‘Traumfrauen’, que estará abierta hasta el 9 de noviembre, no pretende descubrir el secreto de la guapura femenina, una tarea casi imposible. Se contenta con ofrecer al público medio centenar de opiniones diferentes. Pero en la diversidad, el famoso David La Chapelle puede que haya encontrado la mejor definición para describir a una mujer de ensueño cuando dice que «la belleza es la mejor prueba de la existencia de Dios».

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REUTERS
Una muestra de poder. El Shenzhou VII ha despegado camino del espacio tras haber sido lanzado desde la base militar de Jiuquan, en la provincia de Gansu.

En su interior tres astronautas chinos pretenden hacer ver al mundo que el potencial chino en la industria espacial crece hasta niveles de EE UU y Rusia.

AP Photo / Graylock, Kristie Bull
Belleza contra mortalidad. La Reina de Rania de Jordania, junto a la primera dama francesa Carla Bruni-Sarkozy y Wendi Murdoch, mujer del magnate Rupert Murdoch.

Las tres forman parte de un grupo de estudio de las Naciones Unidas para rebajar el grado de mortalidad en el mundo.

Stephen Hird / REUTERS

Nuevo wonderbra. La extravagante Dita Von Teese posa con varias modelos en la presentación del nuevo modelo de Wonderbra en Londres.

EFE / PETA
Las activistas Christina Cho (izqda), surcoreana de 29 años, y a Ashley Fruno, canadiense de 22, en Guangzhou, Cantón (China). Las chicas promocionaban las cualidades del vegetarianismo y condenaban el tratamiento que la industria cárnica en China.

Según las activistas, la policía les hizo abandonar el lugar a la media hora de comenzar el acto de protesta. Es la primera manifestación de PETA en la China continental.

REUTERS
Bao Xishun, el hombre más alto del mundo con 2.36, pasea junto a su mujer Xia Shujuan, que mide 1.68, por los exteriores de su apartamento en Zunhua (China).

El Record Guinness ha vuelto a una persona china sucediendo al ucraniano Leonid Stadnyk.

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A salto de mata MARTA P. ALDARAVÍ FOTÓGRAFA DEL FESTIVAL DE JAZZ DE SAN JAVIER
Una exposición en FNAC repasa en imágenes los once años de historia del festival de San Javier, con sus artistas y sus «expresiones más características»

AUTORA. Marta Aldaraví, con el cartel anunciador del festival. / ALEXIA SALAS
Los astros del jazz le hablan con los ojos. Conoce a la perfección los gestos de los grandes músicos porque se ha pasado horas y horas observándolos, con el dedo en el disparador a la espera de la expresión que define al artista. Marta Pinilla Aldaraví expone ahora en FNAC de Murcia un breve repaso por los 11 años de Jazz San Javier. Emoción, tensión, elegancia, concentración.

- ¿Cuántas fotos habrá hecho a músicos de jazz?

- Sólo a Toquinho le hice 700 fotos. Tengo el dedo flojo, cada momento lo veo especial. No me conformo. Siempre busco ángulos diferentes. No me sacio de hacer fotos. Busco la imagen perfecta. Tengo más de 3.000 fotos por año de Festival, así que tendrá unas 33.000 fotos, aunque de los primeros años hay menos porque usaba negativos de 135 milímetros.

- Debe ser algo así como fotografiar animales en su hábitat salvaje; un trabajo de paciencia.

- Sí, por eso nunca me quedo satisfecha. Al final del concierto, el artista suele sentirse más relajado y le ves más expresividad. Hay que tener mucha paciencia, estar con el dedo preparado para el momento en que gire algo la cabeza. Creo que ésa es mi gran virtud, la paciencia. La tengo con los niños, con mi negocio, con los músicos.

- ¿Qué busca en las imágenes de los músicos?

- Busco su expresión más característica. Atrapar el sentimiento de su música. Los hay poco expresivos. Algunos incluso se hacen perder la motivación y llegan a aburrirte. Pero los grandes artistas suelen tener carácter.

- Tiene que moverse además sin ser visto, para no molestar a los artistas.

- Casi nunca reparan en las fotos. Los baterías sí, porque me gusta hacerles planos laterales y algunos me ven y me echan una sonrisa. El saxofonista James Carter se puso a bailar cuando me vio y Wynton Marsalis miraba a la cámara.

- En estos 11 años de jazz, quiénes han sido los mejores modelos, los más expresivos?

- Leían Elías fue muy dulce y natural. Salomón Burke se comía la cámara por lo inmenso que es. Marsalis es un buen modelo. Y la pianista Hiromi muy difícil de captar porque se mueve muchísimo.

- ¿Y los más complicados?

- Con Van Morrison, que es un pedazo de artista, te quieres lucir, pero puso muchas condiciones, entre ellas que se hicieran las fotos sólo con luz tenue. Además llevaba sombrero y no cambió apenas de expresión.

- ¿Los hay maniáticos para esto de las fotos?

- Sobre todo las mujeres, que piden que saques su lado bueno.

- ¿Le molestaron los flashes al albino Johnny Winter?

- Él pidió que no se usara flashes, pero no los uso en los conciertos. En el camerino no puso ningún problema. Pero algunos, cuanto más famosos, más quisquillosos. Gary Moore no dejó entrar a nadie y limitó las fotos.

- En alguno ha observado una personalidad diferente ante la cámara que lejos de ella?

- Paul Anka es un gran profesional en el escenario, bailó con una señora y se acercó al público, pero luego se mostró muy poco accesible.

- ¿Tiene alguna foto preferida de todos estos años?

-Sí, una de un trompetista concentrado, pensativo antes de comenzar a tocar, mirando hacia abajo. Es Ron Blake, que vino a San Javier el año pasado con Joel de Francesco. Está en la exposición.

(fuente: Laverdad-Miurcia)

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Los arqueólogos Jorge Ulloa Hung y Johnny Rubio realizaron los hallazgos en Sección Hato Viejo, el Salto del Jaguez y La Cueva del Indio. Los hermanos Guillén, conocidos por su labor artesanal en la zona, sirvieron como guías a los arqueólogos.

Según los investigadores las nuevas expresiones de arte rupestre en la Provincia de Monte Plata, y en particular en la zona de Yamasá, constituye una nueva evidencia que completa en parte los estudios de la zona.

Sobre el hallazgo, añaden que el primer lote de pictografías aparece en la sección No1 “de las tres que atraviesan con disposición más o menos horizontal de esta gran masa cársica. La misma presenta 5 claraboyas en caída vertical por las cuales penetra la luz y cuatro entradas (dos al Sur, una al Norte y la otra al Este)”.

“Las pictografías descubiertas son de color negro, y su altura del piso es variable. Algunas se encuentran a 50cm mientras otras alcanzan 1,50m aproximadamente”.

En superficie han aparecido fragmentos de vasijas que son las únicas evidencias arqueológicas. Se realizó el rescate de superficie de muestras lo que es común en estos casos. No aparecieron piezas completas, y los fragmentos han sido llevados para estudio al Museo del Hombre Dominicano.

Fueron rescatados huesos humanos dispersos, producto de las remociones del lugar por personas que habían visitado las cavernas lítico”, aclaran. A diferencia de las pictografías, los petroglifos, o sea grabados sobre la roca, fueron localizados en el Salto De Jaguey, y representan figuras humanas.

Autor: Ramón Calcaño
Fuente : El Nievo Diario

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Imagen de una mujer observando las fotografías de Richard Avedon. AFP

* La exposición reúne unas 270 fotografías en blanco y negro

Richard Avedon durante 46 años revolucionó el mundo de la moda y paso a la historia como retratista.
PARÍS.- París inaugura una exposición retrospectiva del fotógrafo estadounidense Richard Avedon (1923-2004), que durante 46 años revolucionó el mundo de la moda y pasó a la historia como el retratista de algunos de los personajes más famosos del siglo XX.

La exposición, que reúne unas 270 fotografías en blanco y negro, estará abierta al público hasta el próximo 28 de septiembre en el “Jeu de Paume” del jardín de las Tuilerías de París.

Avedon, que comenzó su carrera en el Ejército, empezó a trabajar en 1945 en la revista “Harper’s Bazar”, donde se convirtió rápidamente en el fotógrafo preferido de las estrellas.

Para sus fotos de moda, recurre a extravagantes puestas en escena como en la famosa instantánea que muestra una frágil modelo vestida con un traje de noche, rodeada de elefantes.

En la década de los sesenta, el artista se concentra en el trabajo en su estudio, donde pone énfasis en el movimiento.

Avedon es autor de algunos de los retratos más auténticos de los personajes de su época, como el de una Marilyn Monroe desamparada que parece anunciar su suicidio, y otro que refleja el lado trágico del cómico Buster Keaton.

Por su estudio también pasaron Charlie Chaplin, Samuel Beckett, el ex presidente George Bush, Los Beatles, Janis Joplin, Andy Warhol y Katherine Hepburn, entre muchos otros.

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geotagging-flickr.pngEn días pasados, los fotógrafos tenían que utilizar su memoria para responder a la pregunta: ¿dónde tomé esta foto?” Este ya no es el caso. Geotagging se está convirtiendo en algo popular para la fotografía digital. Por definición, Geotagging es el proceso de añadir una forma de identificación geográfica geoespacial a los metadata de tus imágenes. También puede ser agregado a otros medios como sitios web o feeds RSS. Este metadata casi siempre consiste de coordenadas de latitud y longitud; aunque también puede incluir otras cosas como altitud o nombres de locación dependiendo de qué tan específico quieras ser.

Geotagging también puede ser útil si lo que estás buscando es información de un lugar específico. Por ejemplo, puedes intentar buscar imágenes tomadas cerca del cañón Red Rock. Simplemente buscas las coordenadas de longitud y latitud en un buscador que tenga habilitada con geotagging. Estos mismos buscadores también pueden ser utilizados para encontrar sitios y noticias basadas en localización.

Una moda de ahora es instalar una unidad GPS en tu cámara. Una solución es considerar el innovador GPS Photofinder de ATP. Es fácil de usar. Registra hasta 550 horas de datos GPS y usa su ranura SD para automáticamente agregar geotags a las imágenes JPG.

Incluso sitios populares de fotos como Flickr están utilizando esto al promover el soporte de información geográfica en las propiedades de imagen publicadas a su sitio. A principios de este año, cuando Nokia introdujo su nuevo teléfono el Nokia N96, se aseguraron de mencionar que utilizaría el A-GPS interno y su cámara para agregar metadata sobre ubicación en cada fotografía.

Fuente: Gadgetell

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Sarah Leyla Puello – 6/28/2008

LA EXPOSICIÓN PROMUEVE EL DIÁLOGO ENTRE ARTISTAS SIN FRONTERAS

Rafael Romero, Gabriel Pérez-Barreiro, Fernándo León Asencio, Patricia Phelps de Cisneros, José León Asencio, Gustavo Cisneros, Lidia León Cabral, Adriana Cisneros de Griffin y Carlos Palacios, presiden el acto inaugural de la exposición “Geografías (In)visibles en el Centro León.

SANTIAGO.- El arte contemporáneo habla por su capacidad de reinventarse a contratiempo. Un desarrollo contra la marea de avances tecnológicos que hace popular el entretenimiento inmediato por delante de aquél más introspectivo.

Los museos hoy en día son más que espacios blancos totalmente vírgenes donde se cuelgan las obras de un determinado número de artistas al azar, y más bien un monumental colectivo organizacional donde, según las palabras de Harald Szeemann, “actitudes e ideas que se han vuelto formas” cobran vida.

A la vanguardia de lo que acontece en la museología internacional, la directiva del Centro León de Santiago ha asumido el compromiso de difundir el arte contemporáneo en nuestro país a través de firmes propuestas en colecciones que llaman la atención, no solo por la calidad de las obras expuestas, sino por el encanto estético de sus instalaciones y conceptualización del espacio mismo de exposición.

Desde el pasado 27 de junio, se encuentra en exhibición por toda la superficie del centro, “Geografías (In)visibles, arte contemporáneo latinoamericano en la colección Patricia Phelps de Cisneros”, segunda colaboración entre el Centro León y la Fundación Cisneros de Venezuela.

Jay Levenson, Curador del Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York (MOMA) calificó de “fabulosa” la exhibición, resaltando la estrategia de extender el espacio expositivo por toda la superficie del Centro León. “Es la primera vez que veo la exposición y creo que es fabulosa. Está instalada de manera muy bella”, expresó.

Una excelsa brigada de especialistas en museos tanto de República Dominicana como de Venezuela encaminó esta exposición hacia la expresión misma de la contemporaneidad en la creación de un discurso visual y simbólico entre las obras en el espacio museológico.

La idea surgió, en palabras del Director General del Centro León Rafael Emi-lio Yunen, de la intención de “salirnos de la frontera de lo que tradicionalmente consideramos “arte”. “Para la preparación de esta exposición no solo debíamos tener en cuenta el considerable valor simbólico de cada obra, sino el principio de que, tan importante como la obra en sí, es también el lugar, el espacio en que ella se exponga”, explicó Yunén.

Elaboración del proyecto
Dicho espacio requiere la colaboración de varios especialistas teniendo a la cabeza un curador encargado de ejecutar el proyecto. En este caso, el curador de arte contemporáneo de la Colección Patricia Phelps de Cisneros, Carlos Palacios, elaboró la conceptualización del espacio e hizo dialogar las 90 obras de 64 artistas de toda Latinoamérica, Europa y Estados Unidos.

Palacios explicó que lo que buscaba desarrollar era la relación de artistas contemporáneos con América Latina como lugar de origen y como territorio de un gran poder simbólico. Toda exposición, según el curador, parte de una idea. En este caso, se trató de poner de manifiesto cómo “el mundo globalizado de cierta manera ha diluido las fronteras, provocando que el arte ya no siga estrategias programáticas, sino un discurso que sobrepasa el ámbito geográfico”.

Partiendo de ese punto, fueron escogidas dentro de la Colección Patricia Phelps de Cisneros y la Colección Adriana Cisneros de Griffin, las obras que reunieron las condiciones para hacer surgir esa idea. Entre ellas se encuentran las de los dominicanos Jorge Pineda y Quisqueya Henríquez con “Sandra y Juana” y “A Heap of Paradise” respectivamente.

Formando diálogos
Uno de los aspectos más interesantes de la preparación de una exposición como “Geografías (In)visibles”, yace en el discurso que se busca lograr entre las obras. Rafael Emilio Yunén habló de cómo Adolfo Vásquez Rocca había sugerido que el arte contemporáneo necesitaba “desmantelar los conceptos de autenticidad, obra original y autoría individual como práctica discursiva”.

Preparar una exhibición de arte es parecido a la elaboración de una historia: la asociación de ciertas obras en un determinado espacio condicionan el mensaje subyacente que logra llevarse el espectador.

“La obra de arte siempre tiene un discurso ella misma”, explicó Carlos Palacios. “Lo que nosotros hacemos es ponerla a dialogar con otras obras”. Según Pedro José Vega, coordinador de exposiciones del Centro León esta tarea de casi un año se logra “con gran coordinación e implementando un lenguaje común a nivel técnico para solucionar determinados problemas”.

En una conferencia magistal acerca de la preparación de exposiciones de la Colección Patricia Phelps de Cisneros, su curador en jefe, Ariel Jiménez mostró cómo la arquitectura de los museos, la estructura espacial de las salas y sus tamaños influyen en la colocación de cada una de las obras y cómo el universo temático casi infinito de las obras se abre cuando unas son yuxtapuestas a otras.

En el caso de “Geografías (In)visibles” aparecen cuatro territorios o espacios relacionados tanto con la imagen visual como con los conceptos que ellas vehiculizan y que están muy ligados a la cultura latinoamericana. Por un lado, las representaciones de transparencia y opacidad juegan con detalles escondidos o aparentes que el artista deseaba resaltar. En el segundo espacio se distinguen las geografías, territorios y lugares estrechamente ligados a expresiones culturales, políticas o económ i c o s teniendo al hombre como a g e n – te modificador tanto del espacio urbano como de la naturaleza.

Así, los artistas contemporáneos proponen una nueva narrativa del lugar abriendo paso al tercer ámbito que es precisamente el de sus legados culturales. Finalmente, y con una mirada al interior del artista, el último aspecto de esta exposición es que reúne obras que de manera aparentemente sencilla esconden con gran trascendencia poética las vivencias personales y investigaciones de los artistas.

Terence Riley, curador del Museo de Arte de Miami (MAM), recalcó su gratificación de ver expuesto en nuestro país las obras de artistas que pertenecen también a la colección del MAM como Melanie Smith y Quisqueya Henríquez. Además, en su calidad de arquitecto y experto en arte contemporáneo, dijo que “esta exhibición es una prueba de que cuando se es un artista contemporáneo, las fronteras van perdiendo su significado puesto que las personas viajan más.

PARTICIPACIÓN
Uno de los elementos más atrayentes de esta exhibición que permanecerá en el Centro León hasta septiembre del año en curso, es la presencia, como centro del espacio expositivo, de una obra lograda por tres artistas locales.

María Román, Pragmi Marichal y Alberto Pereyra colaboraron en la realización de varios proyectos creados por los autores de las obras. Es el caso de “Public square with two fountains – bird eyes view”, de Franz Ackermann, una obra que requiere de gran destreza pictórica para ser realizada a la perfección y en el espacio de 5 días.

Carlos Palacios, curador del proyecto, calificó de “excepcional” el trabajo logrado por los artistas santiagueros quienes lograron, a través de la utilización de 11 colores y recursos diversos como el “masking-tape”, lograr a la perfección las instrucciones de Ackermann.

A pesar de que la obra será desmantelada al final de la exposición, tanto su creación como su limitada vida son una expresión misma de lo que es el arte contemporáneo: un espacio para dialogar, que llena de riqueza y significado las experiencias de vida que unen a aquellos que tienen la posibilidad de apreciar este arte.
(fuente: listindiario.com.do)

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A media asta; hasta cuando y desde cuando?
como rueda la driza sostenida desde abajo
por el humano ser que con cuidado y reverencia
contempla el símbolo deshilvanado.
y ahí viene desde allá, desde arriba.
en un inexorable y lento paso,
para descanzar en las manos que le dieron origen:
las manos del pueblo, el pueblo terreno, humano..
Los colores , sus matices nos hablan de un mundo azul,
libre y claro, amarillo alegre de una choza
que más que espacio refugiado ilumina hacia afuera
rompiendo, al reflejar los cálidos rayos del sol vespertino,
la inexorabe presencia de las futuras sombras.
Y éstas astas solitarias y vacías que dejan tributo
y espacio al lienzo mutilado.
El humano, el humano, si!
Mira, presente,con mirada alzada en espera.
o quizá en entrega. Compasión acaso?
En qué se transforma quien hereda y ve la herencia
deshacerse: en defensor de legado o simplemente en doliente?
Amén de las interpretaciones, aquí está el símbolo.
Carcomido por vientos destructores,
descuidado, despedazado con brutal estilo.
Y como símbolo: representa esperanza, tierra propia,
lugar de inexorable pertenencia ancestral?
Y como todo….no, ya no es un todo, es un trozo.
Una parcial porción irreversible a la totalidad.
Y el pirata, dónde se esconde? dónde mora cada hilacha
que en su origen daba abrigo al sueño de la patria?
Fuertes los vientos?, más brutales los hubo.
Debil la trama de hilo y franjas?: Si paz y guerra, si Dios y Patria,
fueran los fines, mensaje y estampa, entonces, sólo entonces
podría decirse que le han robado el fuego interno y
la esperanza, la paz soñada, el evangelio (la buena nueva)
de nuestra andanza y
queda en medio del gran Caribe, nuestra República Dominicana.
con medio lienzo en cruel batalla con fuertes vientos,
horas aladas de atardeceres,
Y el pueblo mira, espera y baja su signo eterno,
como ave herida, deshilachada.
Tendrá un mañana?, dá por seguro: es la esperanza.
Las mismas manos, el mismo lienzo, la misma patria,
será mañana,
por el momento vendrá la noche y el lienzo en vela añorará
todas sus hilachas: rojas, azules y blancas como garzas.
Y hará silencio, para despertar con la luz dorada:
nuevo amanecer, nueva esperanza,
pueblo abajo, ella: arriba.
Lo representa, inspira y guia: aunque mutilada.
(Juan Guzmán: Santiago, República Dominicana.
30 de Junio, 2008)

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Por Roberto Sanchez
Fotografía: Juan Guzmán
23 de junio de 2008

El recién publicado Informe de Desarrollo Humano del PNUD para la la República Dominicana ha dejado sorprendidas a muchas personas por la dramática revelación de que la provincia La Altagracia, centro del más pujante desarrollo turístico del país, es una de las que presenta peores niveles de distribución de la riqueza, o lo que es lo mismo, mayores índices de pobreza de sus habitantes.

También revela el indicado Informe el extraordinario proceso de apropiación privada del territorio, en especial de las costas y, muy en especial de las playas.

El Informe derrumba el mito de que el desarrollo turístico, en el modelo convencional impuesto en la Región Oriental, produce reducción de la pobreza. Al mismo tiempo obliga a una reflexión y una reorientación de ese modelo hacia formas más sostenibles, más equitativas y menos enajenantes.

En ese sentido, esta serie de artículos sobre los atractivos ecoturísticos de la región Este, tienen el propósito de contribuir a visibilizar el extraordinario potencial que esta región aún conserva, a pesar de todo, para emprender una modalidad de turismo más humano, equitativo, respetuoso del patrimonio natural y cultural y en definitiva, sostenible.

Atractivos culturales de la región Este de República Dominicana

En la primera entrega de esta serie nos concentramos en los atractivos naturales de la región, en esta enfocamos el interés en los atractivos culturales, y en la próxima y última destacaremos el potencial de las áreas naturales protegidas de la región, incluyendo algunas conclusiones generales.

Cuando la llegada de los Europeos en 1492, la región oriental de la República Dominicana tenía siglos de estar habitada por los nativos y en ese momento era parte del Cacicazgo de Higuey, regida por el Cacique Cotubanamá.

La región guarda huellas de los primeros contactos entre Europeos y Nativos del Caribe, quizás las únicas en el mundo. De toda esa riqueza histórica y la acumulada en los siglos siguientes, se conservan huellas en la región que constituyen parte del patrimonio histórico cultural del país.

Gracias al aporte de Adolfo López, contenidos en su ensayo “Recursos Culturales de la Región Este”, podemos compartir con ustedes algunos comentarios y muestras de esa valiosa herencia cultural, la cual constituye sin duda un atractivo invaluable.

Asentamientos prehispánicos

En cientos de lugares se conservan restos de los asentamientos humanos que antecedieron al descubrimiento. La región estuvo poblada miles de años antes de la llegada de los españoles.

Como testimonios de esos antiguos asentamientos se destacan los poblados de la desembocadura del río Soco y del puente del río Cumayasa.

También el poblado de la Punta de Bayahíbe, considerado por algunos como el asentamiento cerámico más antiguo del Caribe insular, fechado en el año 1.600 antes de Cristo.

El manantial de La Aleta en el Parque Nacional del Este se considera el centro ritual más importante del Caribe, donde se localizan miles de ofrendas depositadas en el fondo del profundo manantial.

Cavernas con arte rupestre

La característica geológica de la región ha favorecido la formación de cavernas. Estas cavernas fueron utilizadas de distinta manera en los distintos períodos de la historia prehispánica.

La Cueva de Las Maravillas entre San Pedro de Macorís y La Romana contiene petroglifos y alrededor de 300 pinturas, además de restos precerámicos y enterramientos de esta época. Esta cueva ha sido habilitada para recibir visitantes.

En el Parque Nacional del Este se conocen cavernas con pinturas rupestres y algunas con petroglifos, entre las más conocidas tenemos, la cueva de José María, la de Ramoncito, del Puente, de Panchito y de Berna, esta última con pinturas de las más antiguas que se conocen en las Antillas mayores.

Otras cavidades extraordinarias se encuentran en la región, en particular en el Parque Nacional de los Haitises.

Edificios y ruinas coloniales

Al igual que en el resto del país, en la región Este se pueden encontrar restos de edificaciones de la época de la Colonia, qué son parte de las primeras infraestructuras europeas en el Nuevo Mundo.

Entre estas se destacan: el Arco del acueducto del ingenio inconcluso de Diego Caballero, en los alrededores de Higueral, en La Romana, la casa de Ponce de León en San Rafael de Yuma, la Atalaya de Boca de Yuma, la Iglesia de San Dionisio en Higuey y las ruinas del ingenio del río Sanate en Higüey.

Pecios coloniales

El término Pecio designa los restos de buques hundidos en la época Colonial. La actividad marítima en la región Este durante la Colonia fue particularmente importante. Buques surcaban desde Santo Domingo a recoger los aportes (impuestos) que los Indios de la región debían pagar, también era ruta de muchas embarcaciones de la época, por esta razón sus aguas fueron escenarios de acciones de Piratas que utilizaban La Saona como base. Fruto de la Piratería, de los huracanes y de los arrecifes de corales, en la región se produjeron numerosos hundimientos de embarcaciones cuyos restos esperan en los fondos marinos para revelar sus riquezas al mundo.

Vale destacar entre estos hundimientos el del Capitan Kid en isla Catalina., el de Caballo Blanco frente a Saona, que incluye un barco con 17 cañones del siglo XVII y dos de la primera mitad del siglo XVI. Frente a Miches tenemos el Escipión y el Tolosa frente a playa Esmeralda.

En Dominicus se tienen las Reservas arqueológicas submarinas de Guadalupe y Canoa, que son reconstrucciones de naufragios coloniales realizados con piezas originales de artillería, anclas, etc.

Arquitectura popular

Es interesante la arquitectura de las viviendas de la región. López las define como: “Casa de madera isabelina, con hermosos pórticos de columnas realizadas en madera”, indicando que algunas de estas aún son visibles en La Romana, Bayahibe, Higuey, La Otra Banda, Sánchez y Samaná.

Tradiciones y fiestas populares

Entre las expresiones culturales destacan las siguientes: El gagá,, fiestas de palos y atabales, fiestas patronales, Ofrenda de los toros a la Virgen de La Altagracia en Higüey y los cantos religiosos afro-anglosajones de Samaná, originarios estos últimos de los esclavos negros que provenientes de Estados Unidos se asentaron en esa península.

Gastronomía

Constituye otra de las riquezas culturales de la región, siendo particularmente notable el Sancocho, que algunos consideran que su origen se remonta al guiso taino preparado con víveres y carne.

Tambien destacan en este renglón el Mabí Seibano, las Arepas, Pastel de hoja, Pasteles de guayiga de autentica tradición Taina, Pan de coco de Samaná, Pescado a la india, Dulce de naranja, Dulce de leche, Pan inglés de Samana, Pescado al coco y el llamado chicharrón de leche.

(Fuente: clavedigital.com)

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Por : Juan Guzmán-Fotógrafo
Como todo arte, el ejercicio de contemplación de una fotografía demanda una actitud protagonista y visionaria. No basta simplemente con mirar y esperar que la imagen u obra, nos susurre particularmente los moviles que llevaron al autor a realizarla. Ante una escultura no podemos ver solo el molde con rasgos humanos.

Ante una pieza de Vivaldi lo menos que podría ocurrir es imaginarnos las virtudes de cada estación con sus olores y ritmos, borrazca y plácidos instantes de plenitud y tranquilidad. El creador debe participar en toda creación. El vidente debe participar en la obra que mira.
Esta participación tiene como pre-requisito entender la obra, conocer de las circunstancias y condiciones bajo las que fue creada, las motivaciones primarias de quien concibió la misma y mas aún, como esas motivaciones toman su lugar en todo el conjunto expresado. En la pintura, escultura, música o fotografía, deben distinguirse la técnica, el estilo y las cualidades particulares del creador.

Para comprender una obra, en cualquier ámbito del arte, debe previamente estudiarse. Un concepto en decadencia frente al inmediatismo moderno, pero necesario y obligatorio. Esa es la razón por las que tan pocas personas están dispuestas a sacar provecho del disfrute artístico y otros indispuestos a consideraciones críticas ya que el arte requiere de profunda contemplación para entenderse y disfrutarse. La superficialidad en la observación trae consigo falta de comprensión o comprension atrofiada del conjunto de la obra y por ende una experiencia estética insustancial frente a todo lo que una realización artística nos puede llevar a experimentar .

En la fotografía el asunto se profundiza y se presenta con más frecuencia ya que la misma generalmente muestra temas de cierta familiaridad : Un paisaje, Un rostro. El observador asimila los rasgos superficiales de su estructura con rapidez y normalmente no traspaza los linderos un poco más allá. No obstante, entender una fotografía require de conocimiento para dar un paso hacia adelante en su entendimiento. Por tanto quien evalua una fotografía debe saber contestar: Cuando (momento histórico), tema (para colocarle en el nicho expresivo correspondiente), Calidad desde dos ámbitos (transparencia de la técnica y la armonía de los elementos) y por último, no menos importante, estar en la capacidad y disposición de recibir el mensaje que a querido transmitir el artista : humano, social o solamente estético.

De por si el concepto equivocado de que la fotografía es una imitación disminuida de la pintura, justificado por la orfandad de conocimientos con respecto a sus valores propios, hace más dificil calibrar la misma en el proceso de observación. En realidad la fotografía ha sido defendida más como vehículo de expresión artística que como arte mismo.

Además de estos conceptos, propios de la intelectualidad y conocimientos estéticos del observador, existen cualidades inherentes a la buena fotografía, aquella digna del proceso de observación. Estas cualidades, segun Feininger en su obra -El fotógrafo creativo- son las siguientes:

a) La fuerza, el poder, de llamar la atención y retener la mirada.

Ante el volumen incommensurable de imágenes fotográficas en el mundo actual el fotógrafo debe evitar lo común, aún en lo cotidiano; debe inclinarse por lo diferente, en el sujeto o en la técnica. Debe evitar, sin embargo, la novedad por novedad, sin sentido, genio, ni gracia. En el amplio mundo de las técnicas modernas el pastelado, saturación, la perspectiva exagerada, la oportunidad que a otro no inspira, siempre manteniendo la naturaleza del tema, son herramientas de novedad.

b) El poder de Comunicar una experiencia.

Mensaje o significado dirigido al intelecto. Por decirlo de algún modo una buena fotografía es una experiencia educativa. Las fotografías excelentes son el resultado del alto grado de interés que sobre la misma pone el fotógrafo en el momento de su realización.

c) Capacidad de crear impacto emocional.
Si el autor se sintio sobrecogido, excitado, hasta triste al realizarla, debe lograr transmitir esto, parcialmente por lo menos, al observador.

Humor, orgullo, compasión, ira, felicidad, tristeza. La obra fotográfica lo transmitirá en una relación proporcional a los sentimientos del artista, los cuales deben ser auténticos y expresados con honestidad, lo que eleva el contenido de la obra. De forma contraria se caería en lo ridículo, falso y manipulado.

d) Poder de expresión gráfica.

Junto a los elementos de composición, comunes a todas las artes plásticas, la fotografía puede adicionar: contraste, nitidez, movimiento, encuadre, etc, factores que contribuirán a la expresión gráfica adecuada y así a que el mensaje y los sentimientos del autor lleguen con mayor fuerza al público.

Finalmente, como todo lenguaje, la fotografía toma su nivel a traves del dialogo, comunicación entre fotógrafo y vidente. El grado que esta comunicación alcance dirá de la calidad del mensaje gráfico. Por eso, hoy más que nunca, las técnicas deben utilizarse como colaboradoras de la expresión gráfica, una carga excesiva de tecnicismo es un obstáculo a la comunicación de la idea primaria. La fotografía con una carga de preciosismo técnico aniquilante del mensaje primario se constituye en un monólogo vacio. Si queremos imitar la estética de la pintura abstracta no figurativa cometemos el error de convertir la fotografía en una pieza decorativa, aunque ésta sea exquisita.
Juan Guzman/dfotoart.com

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Fotógrafo, pintor, horticultor y conservador del MOMA. La vida de Edward Steichen (Bivange, Luxemburgo,1879-Umpawa, Estados Unidos, 1973) abarca buena parte de la historia de la fotografía. Como los realmente grandes, Steichen destacó en todos los campos y géneros: experimentó con la fotografía pictorialista, colaboró desde sus inicios en la mítica Camera Work, fue aclamado como fotógrafo de moda en Vanity Fair y Vogue durante los años treinta, organizó las unidades de la fotografía aérea en la Primera Guerra Mundial para el Ejército estadounidense en Francia y el naval en la Segunda Guerra Mundial en el Pacífico, ejerció como conservador en el departamento de fotografía del MOMA de Nueva York y brilló como jardinero, una afición que tuvo su reflejo en sus negativos y en su vida.

Su labor como conservador del MOMA todavía sigue siendo una referencia para los profesionales de los museos

Tras años de olvido, la obra fundamental del que fuera considerado en su día como el fotógrafo más famoso del momento, se exhibe por primera vez en España en dos grandes exposiciones paralelas: Edward Steichen. Una epopeya fotográfica, una retrospectiva en el Museo Reina Sofía de Madrid con casi trescientas fotografías, material documental (maquetas originales, catálogos…) y la recreación de algunos de los montajes que realizó para el museo neoyorquino y, otra, en el Museo del Traje de Madrid, Edward Steichen, fotografía de moda (los años de Conde Nast, 1923-1937), donde se exhibirán las fotos que realizó para las revistas de esta editora periodística, entre las que se cuentan retratos de Coco Chanel, Fred Astaire y Gary Cooper. Ambas muestras reúnen únicamente su trabajo en blanco y negro, aunque trabajó con color. Las dos muestras, que se inauguran este martes y permanecerán abiertas hasta el 21 de septiembre, han pasado por París, Lausanne y Reggio Emilia y pretenden ser un reflejo preciso de la prolífica obra de este artista.

Que la fotografía forma parte del arte es ya un hecho contrastado, pero en la época en que Edward Steichen desarrolló su carrera había que demostrarlo y a ello dedicó toda su vida. De hecho, no se conocen demasiados nombres de profesionales que se hayan utilizado como verbo: que Steichen captara tu retrato significaba ser esteichenizado. “Odio la especialización, es la ruina del arte”, aseguró en un momento de su carrera. Como autor sus pasiones fueron más que variadas: retratos (el de Rodin sigue siendo objeto de estudio), desnudos, fotografías de flores, moda, danza, teatro, bodegones, paisaje, naturaleza. Básicamente los elementos de sus retratos mantenían una sobriedad y una sencillez que marcaron su trabajo. Una de sus imágenes, El estanque-Salida de la luna, realizada en 1904 se subastó en Sotheby’s en 2006 por 2,4 millones de euros, lo que la sitúa como una de las fotografías más caras de la historia. “Pasó de ser el enfant terrible en 1900 al fotógrafo mejor pagado en 1925, y en 1950 el conservador más poderoso del sector”, asegura William A. Ewing, director del Museo de l’Elysée, y uno de los comisarios de la muestra del Reina Sofía en el catálogo.

Su formación fue autodidacta. Tras trasladarse con su familia a Estados Unidos, compró su primera cámara a los 16 años, para entonces ya trabajaba como aprendiz de una empresa de litografías de Milwaukee y al poco de ingresar en la compañía propuso promover la fotografía como fuente de imágenes más realistas para la publicidad de la empresa. Con ese ímpetu se movió siempre. En esos años de aprendizaje se entregó plenamente a la causa abanderada de la vanguardia. Aprendió lo que pudo de fotografía en la biblioteca de Milwaukee, donde descubrió la revista Camera Notes, la publicación norteamericana más influyente en ese momento, dirigida por Alfred Stieglitz, impulsor del potencial artístico de la fotografía, a la que deseaba situar al nivel de la pintura. Steichen no tardó en meter sus fotos en la revista y tratar directamente con Stieglitz, que en poco tiempo se convirtió en su mentor. Los pictorialistas firmaban y fechaban sus obras como cuadros y juzgaban cada fotografía por sus cualidades estéticas. Complejos procesos de revelado a mano y manipulaciones del negativo para conseguir el efecto artístico deseado les llevaron a rechazar el papel de revelado preparado industrialmente y las cámaras y lentes de precisión de fácil manejo. Stieglitz y Steichen acabarían desarrollando todo su potencial en otra revista, Camera Work, cuenta Catherine Coleman, conservadora jefe de fotografía del Reina Sofía y directora del simposio internacional Steichen y sus contemporáneos, que se celebrará en Madrid el 26 y 27 de junio y que contará con la presencia de la viuda del fotógrafo, Joana T. Steichen, así como destacadas personalidades del mundo de la fotografía y del arte.

En Camera Work, la revista que marcaba las tendencias del momento, Steichen publicó retratos, paisajes neblinosos, motivos arquitectónicos y desnudos femeninos -uno de ellos se exhibía a la venta la pasada semana en la feria Art Basel-; los desnudos fueron una constante en su obra. Un crítico los describió como “una extraña procesión de formas femeninas, ingenuas, amorales y prácticamente asexuadas”. William Ewing cuenta que la relación del fotógrafo con las mujeres no fue fácil; ellas deseaban pasear a su lado y él se mostraba encantado de estar con ellas, pero su arte iba por delante. En sus negativos, a las señoras le gustaba colocarlas en su entorno, rodeadas de flores o de muebles de época. Los hombres, salvo que fueran escritores o celebridades, no le interesaban como objetivo fotográfico. En Camera Work logró sus mayores halagos y alabanzas: “En sus fotografías ha logrado expresar la perfecta fusión entre objeto y sujeto”. Sin embargo, como suele ocurrir con demasiada frecuencia, los piropos no se correspondían con una situación económica boyante. Cuando decidió dejar Milwaukee y viajar a París lo hizo con sus ahorros y vivía de ocasionales ventas de arte. Fue el protegido de Auguste Rodin (le llamaba “mon fils”) y uno de los pocos que le retrató. En uno de los catálogos de la muestra se cuenta que en una ocasión el escultor le encontró llorando en su estudio, angustiado por sus dudas como artista. La respuesta de Rodin ante las lágrimas sonó como un diagnóstico: “Ahora sé que eres un gran artista y que estás hecho de la pasta adecuada. Si yo no tuviera todavía esos momentos sabría que estoy acabado”.

Durante su etapa parisiense, Steichen se encontró inmerso en el mundo de las bellas artes. Al tiempo que pintaba realizaba fotografías pictorialistas -usaba la fotografía para captar “el carácter y la expresión del momento” y obtenía fotografías mediante diferentes procesos de manipulación que denominaba peinture à la lumière-. Su trabajo en la capital francesa se complementaba con el montaje de exposiciones. Pionero en promover muestras de Picasso, Cézanne, Matisse y Brancusi, introdujo el arte moderno en Estados Unidos y en cierto modo ejerció como “cazador de talentos” para la revista en la que trabajaba.

Pero Steichen no era un hombre capaz de entregarse a una sola idea. La relación personal y profesional con Stieglitz acabaría por deteriorarse. Éste pensaba que Steichen no dedicaba suficiente tiempo a la fotografía y sí demasiado a hacer pinturas decorativas. Tampoco Steichen se sentía cómodo. En su última colaboración en la revista, a modo de despedida criticó que Camera Work se hubiera convertido en una copia de sí misma mientras el mundo ardía en la Primera Guerra Mundial.

La contienda acabaría por cambiar su vida. Tras dejar la revista se alistó como fotógrafo de guerra y posteriormente dedicó sus mejores esfuerzos a defender “el arte comercial”. Una vez más en su vida, cambiaba de dirección abruptamente. Decidió dejar definitivamente la pintura y dedicarse sólo a la fotografía. Dejó atrás su casa alquilada en las afueras de París, donde cultivaba su propio jardín y experimentaba con las plantas, y busco en Nueva York mejores oportunidades financieras. Había cumplido los 43 años, acababa de divorciarse de su primera esposa, tenía que enfrentarse a la educación de sus hijos y pagar numerosas deudas cuando le llamaron del imperio Condé Nast. Fichado en 1923, en el curso de una comida para sustituir a su jefe de fotografía que acababa de dejarles por la empresa de la competencia, para las revistas Vogue y Vanity Fair, Steichen empezó un nuevo camino. Y llegó, como de costumbre, arrasando. Al poco aconsejó a la directora de Vogue que aspirara a las estrellas -”haz de Vogue un Louvre”- y previó cuán poderoso acabaría siendo el mundo del cine. Fue uno de los precursores de la fotografía de moda. Sus imágenes efímeras se difundían en masa pero resultaron tan modernas que impactaron a muchas personas. Paul Poiret, Jeanne Lanvin o Elsa Schiaparelli pusieron sus colecciones ante su cámara. Más de mil actores y actrices posaron para él en trabajos cruzados que vinculaban la moda y el cine. Sus innovadores retratos en Vanity Fair inmortalizaron a personajes como Cecil B. DeMille, Pirandello, Greta Garbo, Gershwin, W. B. Yeats, Thomas Mann y Churchill, entre otros.

El actor en una fotografía tomada en 1933. Howard pasó a la historia por su interpretación de Ashley Wilkes en Lo que el viento se llevó. En el momento en el que se tomó la fotografía, Howard ya había rodado varias películas, pero sobre todo era conocido por sus actuaciones en las producciones de Broadway

Harto de celebrities y de glamour, Steichen dimitió de su cargo en 1938 y se fue a México. Una vez más la guerra vino a aclararle las cosas. Se decantó por lo que denominaba la fotografía útil. Organizó las unidades de la fotografía naval para el ejército estadounidense en la Segunda Guerra Mundial en el Pacífico. Al acabar la contienda colgó las cámaras para trabajar como comisario del Museo de Arte Moderno de Nueva York. Su labor como conservador del MOMA después del conflicto bélico todavía hoy sigue siendo una referencia para los profesionales de los museos. The Family of Man pretendía levantar el ánimo de la humanidad tras la contienda y fue admirada por diez millones de personas en todo el mundo desde 1955 hasta 1962. Antes de fallecer, a los 94 años, tuvo tiempo para diseñar vidrieras, tejidos para vestidos de seda, echarpes, dos pianos de cola, libros ilustrados y murales. Todo compaginado con el cultivo de flores.

Como todos los que se adelantaron a su tiempo, pagó también el precio de la fama con críticas severas. La tensión entre la fotografía artística y la comercial no se ha acabado pero él figura como el representante más emblemático de esa disyuntiva. Brilló en ambos campos. Algunos de sus contemporáneos le calificaron como “el Leonardo de la fotografía”, pero para sus detractores se trataba de un suministrador de “elegancia de nuevo rico y técnica escurridiza”. Su muerte no sólo no apagó su estela sino que su trabajo forma ya parte de la historia de la fotografía, aunque algunas de las polémicas que suscitó sigan vigentes. ¿Arte o comercio? Horacio Fernández, profesor de Historia del Arte de la Facultad de Cuenca y experto en historia de la fotografía, considera la polémica tan anticuada como aburrida. Los más críticos consideran que se trata sólo de imágenes efímeras difundidas en masa. “La fotografía publicada no es lo raro sino la norma. Por definición la fotografía es reproducción y es múltiple y el arte necesita cosas únicas. Hubo un momento en que los autores revelaban sus propias fotos en el laboratorio, pero ahora todo se hace en la misma imprenta de Alemania”, asegura Fernández, que participará como ponente en el simposio en el que se debatirá sobre la obra de Steichen. Como experto en la materia le apasiona el trabajo que desarrolló como fotógrafo de guerra y como conservador del MOMA. No le interesa en exceso el mundo de las tendencias. Su idea es que la fotografía de moda dura lo que la “espuma” y que lo normal, salvo excepciones entre las que caben los nombres de Man Ray o Irving Penn, es que las modas pasen y las fotos con ellas. La opinión de Fernández es que “la moda se ha convertido con el paso del tiempo en un gran negocio y las imágenes contribuyen a agrandarlo de una manera perversa creando modelos de cuerpo y de belleza. Es lógico que las empresas busquen a gente muy brillante”.

(Fuente: El Pais.com)

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