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“El servicio secreto de Corea del Norte me revisó cerca de 3.000 fotografías”

Juan Guzman — Sun, 08 Jan 2012 13:26:36 +0000

El menorquín ha recorrido numerosos países asiáticos fotografiando las experiencias cotidianas que viven los ciudadanos de diferentes culturas. Desde China a Indonesia, pasando por la India

Fotógrafo. Pedro Mir, en uno de sus viajes a Asia,

tratando de comunicarse con las mujeres de una tribu – Pedro Mir

Pedro Mir Bernal ve en la fotografía un medio con el que mostrar el día a día que se vive en otros países. Y es que, para él, el ser humano es muy parecido a pesar de que sus emociones se expresen de distinta manera por la diversidad de culturas.

Mir, de 37 años y nacido en Maó, vive en Barcelona y se dedica al marketing en una multinacional, además de impartir clases en la Universidad de Navarra. Su pasión es la fotografía, una afición que descubrió a los 16 años cuando empezó a interesarse por el proceso de revelado y el tratamiento de las imágenes. Su padre le regaló una cámara fabricada en Alemania del Este, muy básica, pero de la que le costó desprenderse.
Fue durante los años universitarios cuando Mir comienza a hacer reportajes fotográficos a amigos y compañeros, así como alguna que otra exposición en la propia universidad; aunque no es hasta finales de los 90 cuando, en un viaje a Cuba y posteriormente a Birmania, el menorquín decide que Asia sea su punto de partida para fotografiar la esencia de los pueblos más remotos.

Japón, Indonesia, Tailandia, China, India… Ha estado en numerosos países con un gran contraste a nivel cultural. De la India, precisamente, dicen que o te encanta o sales huyendo.
India es un país que está sobrefotografiado y que rompe paradigmas. Posee una cultura tan distinta que es un impacto. Dadas sus dimensiones es como un continente, reúne muchas culturas. Yo destacaría la hospitalidad, y lo integrada que está la religión en la sociedad y la filosofía de vida existente. Recuerdo un taxista que no sabía ni leer ni escribir que me preguntó: “Pero usted, ¿qué es lo que busca en la vida?”. La gente allí no desea cosas materiales para ser feliz. También me llamó la atención la poca permeabilidad social y el sistema de castas, por el que cual la evolución es complicada; así como el papel fundamental del agua en la vida de los hindúes. Para ellos está presente en la vida y en la muerte. Las áreas que más me impactaron fueron la zona tribal del este de la India, con las tribus Bonda y Dunguria, donde las mujeres van rapadas y se vive en matriarcados; el estado sagrado de Gujarat, donde nació Gandhi; y la frontera con Pakistán, estado de Punjab, donde se encuentran los grandes guerreros indios Sikh.

Una de sus colecciones fotográficas muestra los trabajos que llevan a cabo los indios para subsistir.
El sistema indio no da de comer a toda la población. Su gran número de habitantes lleva a que la gente tenga que inventarse profesiones para ganarse la vida. Está el limpiador de orejas, el arreglador de paraguas, el cuentacuentos, el vendedor de excrementos de vaca para hacer fuego, o el ahuyentador de serpientes.

Corea del Norte, que actualmente se encuentra en plena transición, también fue uno de los países que más le impactó.
Fui hace seis meses a través de una agencia autorizada por el gobierno norcoreano. Tuve que firmar y aceptar una serie de normas y condiciones para entrar en el país porque, si no, no te otorgan el visado. Nada más llegar, te retienen el teléfono móvil, el pasaporte y los libros. Intentan evitar cualquier comunicación con el exterior y allí sientes lo que es la no libertad. Hay que tener en cuenta que Corea del Norte recibe 2.000 turistas al año. Ellos consideran al extranjero un enemigo y no se puede interaccionar con la población. Nuestro grupo estaba formado por cuatro personas y teníamos que ir con cuatro guías que se alojaban en el mismo hotel. Tenías que pedir permiso para hacer cualquier cosa y a mí me llegaron a decir que no fuera al baño en una ocasión. Cuando conseguíamos tener cierta confianza con ellos, tampoco éramos capaces de hacerles hablar sobre el régimen. Se limitaban a decir que lo que desearían es una transición de su sistema de gobierno parecido al modelo chino.

Comenta que los norcoreanos parecen no sonreír nunca.
Así es, tampoco los niños. Creo que la gente no está bien y recurren al tabaco, el alcohol o el deporte como vías de escape ante la gran represión que sufren. Ir allí es como un viaje al pasado, donde todo está militarizado y se idolatra al líder. Ellos hablan del enemigo y lanzan un discurso victorioso. Incluso hay altavoces en las cocinas de todas las casas, que no se pueden apagar, que lanzan mensajes políticos continuamente. Recuerdo la vez que tomé un tren hacia Beijing, en China, y entró la policía de aduanas y el servicio secreto. Me revisaron unas 3.000 fotografías y me borraron el 20 por ciento. Menos mal que llevaba una tarjeta de memoria escondida y no perdí el material. Pasé miedo porque había incumplido las normas.

Otro de sus viajes le llevó hasta las Islas Célebes, en Indonesia. ¿Qué recuerda de aquella experiencia?
Los Toraja viven la muerte como la gran fiesta de su vida. Allí, las personas preparan durante muchos años el que será su propio funeral. Cuando el individuo muere, las familias guardan el cuerpo en su casa el tiempo que haga falta hasta que hayan ahorrado lo suficiente para la fiesta, en la que se sacrifican cerdos y búfalos. A los niños, como no han tenido tiempo de prepararlo, se les entierra en bajo un árbol sagrado perfectamente reconocible.

Y, ¿cómo consigue un fotógrafo ser aceptado en tribus tan poco acostumbradas a los turistas?
Está claro que la apariencia ya te delata pero, en general, los pueblos te acogen cuando tú muestras interés por lo que hacen y te integras, siempre sin fotografiar de manera intrusiva. Los viajes de este tipo requieren de una preparación durante varios meses. Hay que documentarse y saber qué se quiere retratar y qué se debe evitar. Normalmente, las comidas son un buen momento para la integración. Ha habido veces que he tenido que comer y beber cosas que no me apetecían. También he visto muchas injusticias con las que te sientes impotente, como es el caso de las mafias que usan a niños para mendigar, a los que mutilan a propósito para que den más lástima.

¿Qué será lo próximo que enfoque su objetivo?
Remataré la zona de Asia con el Transiberiano hasta llegar al este de Rusia. Me encantaría ver esa mezcla de oriente y occidente. Después, me gustaría explorar otros países. África, con Mali, Etiopía o Congo, aunque ahora mismo la situación allí es complicada.

Fuente:(Elena Delgado/Menorca.info)

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Peosía y sensualidad en la fotografía de Woodman y Schuh.

Juan Guzman — Fri, 06 Jan 2012 21:46:39 +0000

“Una fotografía de intensa expresión –escribió- percibida correctamente tanto formal como sensorialmente, tensada sobre sí misma, tiene vida propia”. (Gotthard Schuh)

Apreciados por los historiadores de la fotografía y perfectos desconocidos para el gran público, las poéticas fotografías de la estadounidense Francesca Woodman (1958-1981) y del suizo Gotthard Schuh (1897-1969) son un regalo para la vista y las emociones del que por primera vez se puede disfrutar en España. La Fábrica Galería y la fundación Mapfre ofrecen sendas exposiciones de estos infatigables buscadores de la belleza separados por varias generaciones y unidos por su afán poético. Dos fotógrafos casi secretos cuya singular y sensual obra no deja de ganar enteros e influencia en las generaciones que les sucedieron.
La corta y atormentada vida de Woodman, que con 22 años se arrojó al vacío desde su apartamento en Nueva York, se refleja en sus inquietantes imágenes. Siempre en blanco y negro, su obra se resume en ocho centenares de instantáneas de un ambiguo lirismo. La exposición -en cartel hasta el 21 de enero – recorre todo su legado, desde la primera foto que tomó a los 13 años hasta las de sus últimos y desesperados días neoyorquinos. Un vida reflejada en el documental ‘The woodmans’ estrenado el año pasado.

Woodman exploró el cuerpo y la identidad a través de su propia anatomía y su complejo yo. Su obra, de marcado carácter autobiográfico, íntima y directa, se desarrolla a través de descarnados autorretratos que capta en escenarios melancólicos; habitaciones en las que imperan la soledad, el olvido y los estragos del tiempo. Muestra Woodman su frágil figura en esos interiores destartalados, con cierto aire gótico, entre la sensualidad y la inocencia.
Treinta años después de su muerte, La Fábrica Galería -Alameda 9, en Madrid- ha logrado reunir 20 fotografías, la mitad inéditas, que demuestran la singularidad de la estética de esta poeta de la imagen y de su inusual y precoz talento. No es ni un artista madura ni una criatura inocente, aunque tenga algo de ambas. Su trabajo se compara con el de fotógrafas contemporáneas como Ana Mendieta y Hannah Wike y conecta con el de Cindy Sherman, Sarah Lucas, Nan Goldin and Karen Finley, tanto por su diálogo con el yo como por la representación del cuerpo femenino.

Dos mundos

Nacida en 1958 en Denver y abruptamente fallecida en Nueva York en 1981, Francesca Woodman creció en un ambiente artístico. Hija de ceramista y pintor, vivió su infancia a caballo entre Europa y América, entre las montañas de Colorado y las planicies de la Toscana. Formada entre Rhode Island y Roma, donde expuso por primera vez, instalada en Nueva York a finales de los setenta, realizó una residencia artística en la colonia MacDowell en New Hampshire.

Durante años la obra de Francesca Woodman ha sido un tesoro para iniciados. Su primera gran exposición tuvo lugar cinco años después de su muerte en el Wellesley College. Una muestra que recorrió la liga de museos universitarios y catapultó póstumamente a Woodman. Sus fotos generaron una atención poco común para una artista tan joven y oscura. A finales de los noventa su trabajo recaló en la Fundación Cartier de París, el Kunsthall de Rotterdam o la Photographers Gallery de Londres. Su obra está en las colecciones del Metropolitan Museum, el Whitney Museum, el MoMA y la Fundación Cartier. El museo de Arte modero de San Francisco (SFMoMA) exhibe en estas fechas una retrospetiva que se verá en el Guggenheim de Nueva York este año.

Pulso vital

El suizo Gotthard Schuh es uno de los grandes fotógrafos del siglo XX, por más que su reconocimiento fuera tardío. De inusual intensidad poética, retrata en blanco y negro un mundo que se desvanece mediante unas imágenes devenidas en símbolos de la búsqueda de la belleza.

La Fundación Mapfre en sus salas de Azca -Av. General Perón 40- reúne hasta el 19 de febrero casi un centenar de imágenes del fotógrafo suizo. Dotado de una gran sensibilidad, Schuh triunfó como pintor, pero pronto cambió los pinceles por las lentes al constatar el enorme potencial creativo de la fotografía.
En los años treinta se sumó a la revolución estética de la ‘nueva visión’ y halló en el emergente fotoperiodismo un campo abonado para desarrollar sus inquietudes plásticas. Desde las páginas de la revista suiza ‘Zürcher Illustrierte’ renovó la narrativa del reportaje documental. Huye de la convención y de la rigidez impuestas por la ‘nueva visión’ y aprovecha sus estancia en París para labrase un camino propio en el ‘realismo poético’.
La expresividad y una honda sensibilidad psicológica marcan la obra de Schuh, que retrata la noche y sus sensuales personajes: mujeres, parejas y grupos a través de los cuales toma el pulso a la vida en imágenes.
Schuh viajó por toda Europa antes de saltar al lejano Oriente, por encargo de ‘Zürcher Illustrierte’, y recorrer durante casi un año Singapur, Java, Sumatra y Bali. Fruto de ese periplo es una de sus grandes obras, ‘Islas de los dioses’ (1941) un clásico de la fotografía de viajes que mezcal realidad y fantasía. Rinde Schuh homenaje a la naturaleza el paisaje y a las etnias que visita, retratando su vida cotidiana, su laboreo, fiestas y rituales religiosos en unas imágenes que son hoy símbolos de la búsqueda de la belleza y de la armonía. “Una fotografía de intensa expresión –escribió- percibida correctamente tanto formal como sensorialmente, tensada sobre sí misma, tiene vida propia”.
Amigo y valedor de Robert Frank, en los años cincuenta cofundó el ‘Kollegium Schweizerischer Photographen’, influyente institución que sentará las bases de la fotografía como medio subjetivo de expresión artística. En sus últimos años, sin abandonar nunca la cámara, retornó la pintura aplicando la misma exigencia que en su amado oficio de mirar.

Fuente: (colpisa.com, Miguel Lorenci)

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Eugéne Atget, minucioso retratista del París más oculto

Juan Guzman — Fri, 27 May 2011 10:10:02 +0000

Eugéne Atget, minucioso retratista del París más oculto
La Fundación Mapfre inaugura una exposición dedicada a la obra de este fotógrafo francés cuya aportación a la historia de la fotografía fue fundamental gracias a sus enigmáticas imágenes de la ciudad.

Retrato de Eugène Atget, realizado por Berenice Abbot en 1927. (Foto: Musée Carnavalet)
La muestra está compuesta por más de 200 imágenes obtenidas entre 1898 y 1927, seleccionadas entre los miles que forman los fondos del Musée Carnavalet de París, la George Eastmann House de Rochester y las colecciones de la Fundación Mapfre. Son fotografías que muestran la evolución y el trabajo anónimo de Atget en las calles de París.

Eugène Atget llegó a la fotografía tras haber probado diversos oficios y comenzó su carrera en provincias. En París fue considerado un fotógrafo comercial, dedicado a fotografiar “documentos para artistas”, es decir paisajes, escenas y detalles que servían de modelo a los pintores. Muy pronto los surrealistas destacaron el trabajo de Atget por su sencillez y pureza de líneas.

Su técnica es del siglo XIX, ya que utilizaba una cámara de fuelle de 18 x 24 cm de madera, muy pesada, con placas de vidrio para recoger con nitidez todos los detalles. Atget positivaba sus imágenes en papel de albúmina sensibilizado con nitrato de plata y revelado con luz natural, virado finalmente al oro.

Pronto sus imágenes espontáneas de la vida cotidiana en las calles de París captó la atención de algunas instituciones por su carácter documental, como la Biblioteca Nacional, que empezó a adquirir sus trabajos. Está considerado como el punto de partida de la fotografía documental del siglo XX.

El París de Atget no es el de los lujos y las grandes celebridades, ni tampoco el de las grandes obras monumentales puestas en marcha en la ciudad a finales del siglo XIX por el barón Haussmann. La suya es la fotografía de los rincones, las calles y los barrios más antiguos, de los oficios y los habitantes que pasaban más desapercibidos.

La exposición está compuesta por 12 secciones organizadas como las grandes áreas en las que Atget clasificaba sus imágenes. Estas secciones son: Pequeños oficios, tipos y comercio parisinos, 1898-1922, Las calles de París, 1898-1913, Ornamentos, 1900-1921, Interiores, 1901-1910, Los coches, 1903-1910, Jardines, 1898-1914, El Sena, 1900-1923, Las calles de París, 1921-1924, Extramuros, 1899-1913 y Alrededores de París, 1901-1921.

La muestra se cierra con 43 fotografías de Man Ray, el gran fotógrafo surrealista con tipos y ambientes de la ciudad fechados entre 1899 y 1926, que muestran el temprano interés de los surrealistas por el trabajo de Atget y la defensa que hicieron de su conservación. Su visión de París y de la realidad fue también la inspiración de artistas y fotógrafos como Brassai, Cartier Bresson o Walker Evans.

La exposición permanece abierta hasta el 27 de agosto.

Fuente (hechosdehoy.com)

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Ricardo Read nos deja ver: “Lágrimas detrás de mi Cámara”

Juan Guzman — Mon, 18 Apr 2011 02:11:32 +0000

Hoy quiero ser eco, eco integro y total de Ricardo, Ricardo Read. Amigo, colega,
testigo profundamente humano, fiel y sincero, desde su óptica como fotógrafo y dominicano.

Lágrimas detrás de mi Cámara.(Por Ricardo Read)

Sólo así puedo definir esta escena y miles parecidas, me lleno de lágrimas detrás de mi cámara cuando las tomo, trato de sacar el lado más humano posible, pero su realidad es palpable a distancia, huele de lejos, se ve a leguas; no tienen esperanza; lloro mientras le tomo las fotos y maldigo a todos los culpables de esta situación.

Al hacer estas fotografías se me hace un nudo en la garganta, mi corazón cambia el ritmo y mis ojos quedan fuera de control, mis lagrimas no las controlo, es mi corazón el dueño de todos mis sentimientos. No quiero pensar que pude ser un Súper héroe y que en realidad no tengo poderes, no quiero pensar en esos ideales que nuestros padres nos dieron desde chicos, cuando somos los testigos y denunciantes de esta situación; no quiero pensar en nada, pero la realidad en la que estoy envuelto y no podré ser profeta, pero si una voz de alerta a todas aquellas personas que quieren y viven a espaldas de esta realidad: la niñez de mi país esta siendo consumida por su propia ignorancia.

Sare, nombre de la niña que proviene del nombre Sarah, Dominicana, nueve (9) anos de edad, minúscula, su piel escamosa y roída por alimañas de la noche, hermana de cinco (5) congéneres de igual situación, pobre a no más poder, hija de un labriego y una madre de campos no lejanos, rodeada de la miseria y bancas de apuestas mas fácil que de escuelas. Sin acceso a sistemas de salud pública ni privada y dueña de una de las sonrisas más bellas que hemos visto en tiempo pasado.

Sola en su ser, camina y juega en las cercanías de su hogar, el peligro no la acecha, ella convive con el,
negocia día a día su supervivencia ajena a los pensamientos de sus progenitores, sus hermanos varones la abandonan y ella vive dentro de sus fantasías de niña, pensando en un mundo mejor.

Si, un mundo mejor; me senté a su lado a conversar con ella, y me dijo: “voy a la escuela, tengo nueve (9) años de edad, estoy en primero y ya se leer y escribir”, ( aquí no me contuve y mi llanto interno salió a relucir, lo disimulé con un estornudo y ella me tomó de la mano y me dijo, “Salud”.) y sólo la comparaba con mis propios hijos, llenos de oportunidades, buenas escuelas, los mejores médicos y tutores, unos padres 100 % encima de ellos y esta chiquita me robaba el corazón sin saberlo y lo peor de esta historia es que no la podemos ayudar, no es labor mía ni de mi familia, es labor de las autoridades de mi país .

Cuantas cosas me expresaba ella hablando sin parar, que quería ser doctora cuando sea grande para sanar su familia, que si hacia las tareas cuando conseguía papel para escribir, que comía más frutas del campo que comida de su casa, que su mamá era lo mas bueno de la bolita del mundo, que su papá nunca dejaba de trabajar en una parcela, que sus hermanos eran bellacos pero que ella los quería muchísimo , que ella quería crecer y ser grande; y así mil cosas mas. Dígame usted si acaso puedo estar sin sentimientos; los míos estaban rotos hacia tiempo.

Ahora digo yo, porqué es que tenemos la educación abandonada a unos niveles peores que ciertos países tercer mundistas?; porqué no le dan acceso a los sistemas de salud a estas personas si ellos en realidad son el futuro de nuestra nación?; porqué los tenemos tan abandonados que viven en condiciones de pobreza que apenas una comida “ digna “ cada dos días pueden tener?; porqué nadie hace nada por ellos si en realidad ellos son muchos mas que nosotros?; porqué tantas personas y empresas sólo se embarcan en acciones de ayuda si esto les proporciona una contrapartida de publicidad y promoción?; porque conozco a tantas personas que al ver esto siempre dicen que están de acuerdo en ayudar, lo asienten con la cara mas seria pero nunca harán nada ni por apoyar a los que si hacen; porqué si de los impuestos que nos cobran dicen las leyes que estas personas serán atendidas y no les llega nunca nada a menos que sea época de elecciones?; porqué carajo, las cosas tienen que seguir siendo así y no comenzamos a exigir para ellos antes que ellos exijan para si mismos; porque no me ayudan a ver quien toma la voz cantante y lo ayudamos a sacar estas generaciones hacia adelante; porque siento que cada vez que hablo de estos temas me siento que estoy hablándole al aire y mis palabras se las lleva el viento; porqué TU no te decides a ayudar de verdad? !!!!

Hoy mi fotografía fue a Sare, miles de ellas tengo aquí para mostrar, millones de lágrimas he derramado y no pararé; sigo haciendo estas imágenes, llego a casa herido y me refugio en los brazos de mis hijos y esposa; esa es mi vitamina para seguir adelante con mi cruzada, los cuestionamientos de mis hijos a mis fotos y las explicaciones dadas a ellos de la realidad me aterrizan y puedo volverlas a hacer, ellos ya están preocupados, creo que es hora de dejar aparte la demagogia y no dejar que nuestro país retroceda mas aún en todo aquel terreno ya perdido.

Se que mi pensamiento les pasara por alto a muchos, pero sigo y sigo y sigo siendo testigo y vocero de estas realidades y espero que algún día brote entre la cizaña y rocas aquel árbol útil y fuerte, porque las esperanzas es lo único que no podemos perder .

Pensamiento de Ricardo Read.

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FUNGLODE exhibe hasta el 29 de abril la exposición fotográfica “Patrimonio Nuestro”

Juan Guzman — Thu, 07 Apr 2011 21:19:33 +0000

Frederic Emam-Zade, Catherine Florentino, Victoria Thomen, Amanda Tatiana Forteza y Hector Mota (Motika)

La Fundación Global Democracia y Desarrollo (FUNGLODE), a través de su Centro de Estudio de la Cultura dejó inaugurada, el pasado miércoles 6 de abril, la exposición fotográfica “Patrimonio Nuestro”, una muestra colectiva donde participan los fotógrafos: Héctor E. Mota Portes, Victoria Thomen y Amanda Tatiana Forteza Collado.

El lanzamiento de la exposición tuvo lugar en la Galería de Arte de FUNGLODE. Catherine Florentino, Directora de la Galería expresó que la misma estará abierta al público hasta el 29 de abril.

La actividad contó con la presencia de reconocidos fotógrafos y artistas de las artes plásticas en la República Dominicana junto a algunos directivos de FUNGLODE que acompañaron a los familiares y amigos de los expositores en este evento de presentación formal de su trabajo.

Héctor E. Mota fue quien dirigió las palabras a los presentes y manifestó su agradecimiento por el apoyo recibido de parte de todas las instituciones que hicieron posible la presentación de esta exposición fotográfica.

Mota expresó que con esta muestra los artistas del lente buscan presentar al publico imágenes de lugares que muy pocos dominicanos conocen, primero con la finalidad de mostrar que nuestros recursos naturales van mucho mas allá de rio y playa. Segundo pata destacar la importancia de fortalecer el sistema nacional de áreas protegidas y tercero para motivar al publico a salir de sus zona de confort y aventurarse a conocer las más de 50 reservas naturales en todos nuestro país.

El artista de la fotografía reconoció el trabajo que viene realizando el Ministerio de Medio Ambiente con la adecuación de áreas para facilitar la visita de los excursionistas, han habilitado senderos, miradores y casetas que en algunos casos incluso le permiten a los visitantes pernotar en el lugar.

“Nos toca a nosotros como ciudadanos contribuir con el turismo de aventura, ya sea ecológico o rural, ya que esto se traduce en el desarrollo de las comunidades que están en las zonas de impacto de las áreas protegidas. Esto trae como consecuencia un sistema de hostelería que aleja a los habitantes de estas comunidades de las intenciones de depredación y les motiva a proteger los recursos naturales que les sirven de sustento”, dijo.

El artista terminó su discurso motivando a los presentes a iniciar un peregrinaje por todas nuestras áreas protegidas, “que tengan el privilegio de bañarse en la gélidas aguas del salto de aguas blancas, o contemplar con paciencia el crecimiento de las estalactitas en el sistema de cavernas de los Haitises, a sentir la brisa marina mientras observan las garzas que se posan en los manglares de los humedales de nigua, o disfrutar de los jacuzzis naturales de la Posa de la Reina o simplemente les invitamos a viajar en los túneles del tiempo en las Cuevas del Pomier para contemplar las historias místicas contadas hace casi mil años por los chamanes taínos, que fueron los primeros habitantes de nuestra isla ”
Los artistas

Héctor E. Mota Portes, a.k.a. Motika, es informático de profesión y oficio, escritor de cuentos y poesía, tejedor de sueños, ambientalista, fotógrafo, buzo, chef y golfista. Como fotógrafo ha participado en varias exposiciones colectivas, tiene participación activa dentro de los principales gremios de fotógrafos de República Dominicana y ha organizado decenas de “safaris fotográficos”.

Victoria Thomen es egresada de la carrera de arquitectura y del postgrado de gerencia de proyectos de la Universidad Nacional Pedro Henriquez Ureña (UNPHU), posteriormente realizó estudios en Barcelona donde obtuvo un postgrado en urbanismo y una maestría en diseño de interiores. Actualmente se desempeña como arquitecto de proyectos de la empresa Servicios Científicos y Técnicos (SERCITEC) y es miembro activo del grupo de fotografía “Manso Fotogrú”.

Amanda Tatiana Forteza Collado es abogada graduada Magna Cum Laude de la Universidad Iberoamericana con estudios en dirección de marketing de la Escuela de Alta Dirección y Administración de Barcelona. Ha participado en colectivas tanto en el país como en Estados Unidos. En el año 2010 obtuvo el primer premio en la categoría en blanco y negro en el Concurso Internacional de Fotografía “Wilfredo García” auspiciado por Casa de Teatro, y el primer lugar del concurso “Yo soy green” auspiciado por Manuel Matos Brea & Asociados.
(Fuente: Funglode)

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El México del fotógrafo Juan Rulfo

Juan Guzman — Tue, 05 Apr 2011 12:12:07 +0000

La Fnac expone 25 imágenes que resumen la intensa actividad que el autor de ‘Pedro Páramo’ desarrolló en paralelo a su obra literaria

“No son recuerdos, dijo Pedro Páramo. Solo son imágenes. No conservo en la memoria sino llamaradas que se han quedado asentadas como cimientos, como granos de arena, que solamente se remueven cuando se nos voltea nuestro destino”. Que nadie trate de buscar este párrafo en la obra del escritor mexicano Juan Rulfo porque lo descartó del texto final. Según Víctor Jiménez, director de la Fundación Juan Rulfo, porque “tiene un carácter ensayístico que siempre evitó en su creación literaria”. En todo caso, afirma Jiménez, viene muy a cuento para introducir la faceta menos conocida de Rulfo, la intensa actividad como fotógrafo que desarrolló -que se sepa- a partir de la década de los cuarenta, y por eso lo ha elegido como título de la exposición que hasta el 22 de mayo puede verse en la Fnac Callao: Solo son imágenes: 25 fotografías de Juan Rulfo.

El archivo del autor cuenta con 6.000 negativos, la mitad arquitectónicos

La imagen más antigua es un autorretrato realizado hacia 1940

Pertrechado con su Rolleiflex, Rulfo retrató con altísima calidad técnica edificios, pueblos y paisajes de México. La fotografía más antigua del archivo de negativos del autor -6.000- es un autorretrato realizado hacia 1940 en San Gabriel, el pueblo del Estado de Jalisco donde fue a vivir con su abuela tras la muerte de sus padres.

Nunca fue un secreto que Rulfo era también fotógrafo. A partir de 1949 publicó imágenes en la revista literaria América y en los cincuenta y sesenta en publicaciones como Mexico This Month o Sucesos para todos. “Para él no era una actividad secundaria, sino simultánea a la literatura”, señala Jiménez. La biblioteca personal del autor de El Llano en llamas sumaba 15.000 volúmenes, de los cuales 700 eran de fotografía. Los más antiguos databan de la década de los treinta y, según los expertos, entre ellos había auténticas rarezas: “Conocía a todos los fotógrafos clásicos. Organizaba en carpetas recortes de revistas, por ejemplo, de Steichen, y llegó a acumular una enorme cantidad de imágenes”. Es posible que Rulfo fuera fotógrafo antes que escritor, sospecha Jiménez.

Los cuentos de El Llano en llamas no se publicaron hasta 1953 y Pedro Páramo -la obra que Álvaro Mutis entregó a Gabriel García Márquez un día y que le dejó sin dormir esa noche hasta que terminó su segunda lectura- apareció en 1955. En 1958 terminó El gallo de oro, su segunda novela. Hacia 1960, sin embargo, su trabajo literario y fotográfico quedó apartado a favor de la labor editorial que desarrolló Rulfo en el Instituto Nacional Indigenista hasta su muerte en 1986.

La exposición ha sido comisariada por Andrew Dempsey y Daniele de Luigi que, tras sumergirse en los negativos, seleccionaron un centenar para el libro 100 fotografías de Juan Rulfo, editado a finales del pasado año. Las 25 imágenes de la muestra están incluidas en ese trabajo. Los comisarios han querido que estuvieran presentes los géneros que más interesaron al Rulfo fotógrafo: los edificios de México, los paisajes del país, la vida de los pueblos y los retratos que realizó a artistas, escritores, amigos y familiares.

Abundan las imágenes arquitectónicas, una predilección que confirma el hecho de que la mitad de los 6.000 negativos pertenece a esta temática. Jiménez recuerda cómo siendo recién licenciado en Arquitectura, Rulfo le encargó el proyecto de su casa: “Un día apareció por el estudio con una caja de zapatos llena de negativos de edificios. Me di cuenta de que tenía ojo para fotografiar arquitectura, que tiene sus dificultades; por ejemplo, que no se deformen los edificios, que no se junten las fugas…”.

Además del libro y la exposición, la fundación ha querido recordar el 25º aniversario de la muerte de Juan Rulfo con la reedición de un libro que reúne El Llano en llamas, Pedro Páramo y el cuento Castillo de Teayo, con los textos introductorios que publicaron en ediciones anteriores García Márquez, Borges y Susan Sontag. También se ha publicado un texto revisado de El gallo de oro, la novela corta que en 1965 adaptaron para el cine García Márquez y Carlos Fuentes.

(Fuente: elpais)

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Collage de grandes fotógrafos

Juan Guzman — Mon, 21 Mar 2011 16:53:28 +0000

Colectiva de fotografía en la galería Marlborough

‘Juicio Final’, obra de Pablo Genovés.- PABLO GENOVÉS

La forma que cada artista tiene de enfrentarse a la fotografía es muy diferente. Varían los planteamientos, el tema que abordan en su objetivo, la realización. En común tienen el dar al espectador una visión propia de un entorno que comparten con la pintura. La galería Marlborough exhibe hasta el 20 de abril la exposición Zoom, una colectiva en la que participan 13 artistas españoles y extranjeros de diferentes tendencias y edades: Luis Gordillo, José Manuel Ballester, Jean Pagliuso, Sergio Belinchón, Alberto Corazón, Pablo Genovés o Isabel Muñoz, son algunos de los participantes.

‘Poultry Suite: White 23′, obra de Jean Pagliuso.- JEAN PAGLIUSO

De José Manuel Ballester se exponen tres grandes fotografías de la China postolímpica en la que se ve como la naturaleza va quedando en un segundo plano según se multiplican las grandes construcciones; son heridas que la mano del hombre no deja de ejecutar sobre el paisaje y cuya contemplación constituye todo un aviso.

De Luis Gordillo todo el mundo conoce su obra pictórica. Su “Segunda serie labil” tomada a principios de los 70 muestra ochenta rostros caricaturizados sobre un panel de 203 por 105 centímetros.

Jean Pagliuso es famosa por sus fotografías de moda y sus trabajos para el cine. Aquí expone una serie dedicada a uno de sus temas favoritos: las aves. La media docena que aquí muestra , realizadas en 2009, han sido tratadas como las más exigentes modelos de las pasarelas. Antes de la sesión, Pagliuso convive con las ave, acicala su plumaje y las mima hasta que están listas para el desfile. El resultado es todo un espectáculo.

‘Natural Fashion’, obra de Hans Silvester.- HANS SILVESTER

Sergio Belinchón es uno de los más jóvenes fotógrafos participantes en la muestra. Conocido, sobre todo, por su recreación de “El bueno, el feo y el malo”, expone aquí unas sorprendentes imágenes de Dubai en las que sobre los paisajes desérticos se imitan los motivos arquitéctonicos más tópicos del mundo occidental.

Belén Herrera ha comisariado la exposición con la intención de mostrar que es lo más interesante que está ocurriendo ahora en el mundo de la fotografía artística. Muy pocos de los participantes pertenecen a la galería. “El objetivo no es solo vender, sino dar a conocer lo mejor que se hace en todas partes”.

Fuente : elpais.com

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Fundacion Amberes tributa al fotógra húngaro André Kertész

Juan Guzman — Sat, 19 Mar 2011 12:00:56 +0000

La Fundación Carlos de Amberes en Madrid reúne las cien vintages más destacadas del fotógrafo húngaro André Kertész, distribuidas en los escenarios en los que transcurrió su vida: Hungría, Francia y los Estados Unidos. Las imágenes procedentes del Museo de la Fotografía de Budapest reflejan su visión lírica y humanista de la realidad.

Fue un artista autodidacta y sus primeros trabajos fueron publicados principalmente en revistas.
En 1933 realiza su serie ‘Distortion’ basada en el cuerpo femenino y en la que se sirve de espejos deformantes de circo. Esta es una de sus series ‘más innovadoras’, gracias a la cual obtuvo una fama mundial’
Kertész conservó siempre ese afán por la perfección que se detecta en todas sus fotografías y que hacen de una simple toma una obra maestra, la obra de André Kertész.

André Kertész (Budapest, 2 de julio de 1894 – Nueva York, 28 de septiembre de 1985) es uno de los fotógrafos más originales del siglo XX. Fue un artista autodidacta y sus primeros trabajos fueron publicados principalmente en revistas.

En 1925 se trasladó a París en contra de los deseos de su familia, en donde formó parte del creciente grupo de artistas inmigrantes y del movimiento dadaísta.

Allí fue reconocido por otros artistas gracias a su estilo profundamente ‘original y humanista’. Según ha explicado el comisario de la muestra y director del Magyar Fotográfiai Múzeum (Museo Húngaro de la Fotografía), Peter Baki, su etapa de París fue la ‘más importante’ y creativa de su carrera.

SU SERIE MÁS INNOVADORA

En 1933 realiza su serie ‘Distortion’ basada en el cuerpo femenino y en la que se sirve de espejos deformantes de circo. Esta es una de sus series ‘más innovadoras’, gracias a la cual obtuvo una fama mundial’, según ha explicado Peter Baki.

Esta insólita solución visual, ‘subraya lo extraño de la realidad, pero no lo falsifica’. Supone un gran paso para su obra y también para la historia de la fotografía.

Kertész trabajó para revistas europeas como ‘Vu Sunday Times’, ‘Berliner Illustrierte Zeitung’ y ‘Uthu’ y presenta en París a un todavía desconocido compatriota que terminará siendo uno de los corresponsales de guerra más famosos del siglo XX, Robert Capa.

Según el fotógrafo húngaro Brassai, André Kertész contaba con ‘dos cualidades esenciales para un buen fotógrafo: una curiosidad insaciable por el mundo, por la gente y por la vida, y un sentido preciso de la forma’.

PRESTIGIO INTERNACIONAL

A Estados Unidos se traslada en 1936. Después de unos primeros tiempos muy difíciles, a partir de los años 50 se suceden las exposiciones y se convierte en un fotógrafo de prestigio internacional. En 1984 recibe de Hungría la Orden de la Bandera de la República Popular, una condecoración que ningún otro fotógrafo ha recibido, ni antes ni después de Kertész.

En el último período de su vida, regresó a Hungría varias veces en busca de los escenarios y personajes de su infancia con poco éxito; por ello, volvió a explorar con su cámara lo nuevo, lo diferente. En la cantera de Fertörakos esperó una hora inmóvil hasta que llegó la imagen deseada: el paso de las aves ante un muro derribado.

Kertész conservó siempre ese afán por la perfección que se detecta en todas sus fotografías y que hacen de una simple toma una obra maestra, la obra de André Kertész.

El Museo Húngaro de la Fotografía, dirigido por Peter Baki, fue inaugurado en 1990 con 70.000 piezas provenientes de la colección de la Asociación de Fotógrafos Húngaros, fundada en 1957. Desde entonces, su colección se ha multiplicado por diez y ahora dispone de más de un millón de fotos.
(Fuente: Terra.es)

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Koen Wessing: Chile, imagenes indelebles.

Juan Guzman — Thu, 10 Mar 2011 11:41:13 +0000

Del 9 de marzo al 30 de abril estará abierta al público la muestra “Imágenes indelebles”, compuesta por 39 fotografías captadas en 1973 en Santiago por el destacado fotoperiodista holandés Koen Wessing (1942-2011), en los días posteriores al golpe de Estado en Chile, y que nunca habían sido vistas en la nación sureña.

El jueves 10 de marzo, a las 19 horas, habrá una conferencia sobre su trabajo con Jeroen de Vries, curador; Frank Ortmanns, productor; Louis Zaal, director de la agencia Hollandse Hoogte, y Kadir van Lohuizen, discípulo de Wessing.

A los 69 años, y tras una larga enfermedad, Wessing falleció el 2 de febrero pasado en su casa de Amsterdam. Desde hace meses supervisaba el proceso de recuperación y ampliación de estas imágenes junto al curador Jeroen de Vries y la productora Paradox, que organiza la exhibición en el Centro Gabriela Mistral. Dado su mal estado de salud, Wessing había descartado viajar a Santiago, pero tenía gran interés en la exhibición de su trabajo en Chile.

El fotógrafo viajó a Santiago en 1973 apenas se enteró del golpe militar. Cambió sus tradicionales jeans desgastados y ese aspecto hippie que lo caracterizaba por un terno gris, se cortó el pelo y se afeitó. Con el traje pasaba desapercibido, e incluso podía parecer un adepto al nuevo régimen, por lo que pudo circular por la ciudad sin ser cuestionado ni apresado. Así logró, con una pequeña cámara Leica, fotografiar la situación en la capital, incluido el campo de prisioneros instalado en el Estadio Nacional, donde logró darles cigarros a algunos detenidos.

Luego, se aseguró de que los militares no le quitaran los negativos, enviándolos con una azafata amiga. Al regresar a Holanda publicó inmediatamente el libro Chili, September 1973, que, con 25 imágenes y un armado casi artesanal, se convirtió en un ensayo visual clásico de la fotografía contemporánea y en uno de los mejores testimonios de la represión en Chile. Hoy, uno de esos ejemplares cuesta unos US$ 2.500.

La muestra en el GAM incluye todas las imágenes del libro y otras tomas recuperadas de los negativos originales, además de un documental en el que Wessing conversa con el cineasta holandés Kees Hin sobre su vida como fotógrafo, que lo hizo recorrer el mundo con un espíritu aventurero y con fe en que mostrar la opresión y el abuso de poder es una vía para el cambio social.

También se incluyen sus célebres fotos captadas en Nicaragua en 1978, en plena revolución sandinista, y en El Salvador en 1980, tras el asesinato de monseñor Romero. La honestidad y despojo de sus fotos, que expresan al mismo tiempo horror y dignidad, ofrecen un impacto de verdad “en pleno rostro”, como escribió a propósito de su trabajo el crítico francés Roland Barthes en el libro canónico La cámara lúcida.

Algunas imágenes de la exposición serán donadas al Museo de la Memoria de Santiago; el resto de las obras se incorporarán al catálogo del Centro Nacional del Patrimonio Fotográfico, y en abril editorial LOM publicará un libro con las fotos.

Fuente: Letralia.com

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Blanco y negro con pedigrí. La fotografía clásica tiene valor asegurado en Arco

Juan Guzman — Sun, 20 Feb 2011 12:22:44 +0000

Hay quien dice que en esta edición de Arco ha habido menos fotografía. Posiblemente sea así, pero referido principalmente a las sofisticadas y enormes fotografías de los artistas contemporáneos que tanto proliferaron hace unos años. Por lo que se refiere a los clásicos, siguen allí. El blanco y negro como valor seguro tanto de autores históricos como de fotógrafos que se han ganado su plaza en el arte sin renunciar a los elementos básicos de la disciplina.
En la galería Jorge Mara-La Ruche, de Buenos Aires, destacan las fotografías de Grete Stern (Alemania, 1904-Argentina, 1999) y del que fuera su marido en los años treinta, Horacio Coppola, (Buenos Aires, 1906), longevo fotógrafo del que hace unos años pudo verse una amplia retrospectiva. De la primera se exhibe una amplia selección de los fotomontajes que realizó entre 1948 y 1951 para una revista femenina y que tituló Los sueños (son edición moderna y valen unos 1.800 euros). De él, diversas copias de época de los años treinta de Buenos Aires de gran poder evocador (12.000 euros).

En la Elvira González se presentan fotografías de Mapplethorpe, del que tendrá una exposición este verano en su sala madrileña, y que es uno de los artistas más omnipresentes en la feria. En La Fábrica pueden verse obras de Diane Arbus y Francesca Woodman y en la galería Levy destaca un apartado dedicado al surrealismo con obras de Man Ray y otros artistas de la época. En Guillermo de Osma se presentan fotografías de los años treinta y cuarenta de Josep Alemany (1895-1951), cuyo archivo ha adquirido la galería, y en la sala Elba Benítez pueden comprarse por unos 5.500 euros fotografías del sudafricano David Goldblatt realizadas en 1975. O, más actual, en la Juana de Aizpuru, como siempre, no faltan las fotografías de Alberto García-Alix y Cristina García Rodero.

Clasicismo

Son casi todas ellas obras que atraen la mirada por su clasicismo en una feria que, aunque muy moderada en esta edición, suele estar plagada de estridencias coloristas. Lo que ya no es tan sencillo es saber exactamente el origen y la técnica de estas fotografías. Pep Belloch, que ha dejado la dirección de la histórica galería Visor después de 28 años para dedicarse al estudio de la fotografía desde la Universidad Politécnica de Valencia, es muy crítico con la manera de presentar la fotografía en Arco. Aunque podría decirse lo mismo del resto de formatos ya que si algo no abunda en esta feria es la información clara al visitante. “Es importante que se daten las obras, que se explique bien la técnica y si es copia de época o no”, señala Belloch. “Tanto si es para el visitante como para el comprador, que tiene derecho a saber exactamente lo que adquiere”. En opinión de Belloch, hay fotografías de autores históricos de los que no se informa que son copias actuales. “Son cosas importantes para clarificar la situación de la fotografía”, afirma.

Belloch confirma la abundancia de fotografía histórica en la feria y lo considera un dato importante de la normalización de la disciplina, que en subastas está adquiriendo cada vez más cotización. “Son valores seguros que los coleccionistas conocen bien, pero insisto en que falta más información sobre lo que se vende. Es un vacío que tenemos en España, en donde no abundan los estudios sobre nuestros autores y tampoco hay una producción teórica importante”, señala. Desde la universidad, indica, ha creado un máster de investigación y puesto en marcha un trabajo para crear una base de datos de colecciones y fondos de fotografía española.
Fuente: (El Pais.com)

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“Ser fotógrafo es una responabilidad: somos los ojos del mundo”

Juan Guzman — Wed, 16 Feb 2011 13:50:22 +0000

Durante dos décadas, el fotógrafo mexicano Patricio Robles Gil ha venido documentando la extraordinaria belleza de las tierras silvestres del planeta.

Esos espacios prístinos, cada vez más fragmentados y amenazados, tienen según el artista un poder transformador. Luego de estar varios días en estas tierras “tu mente funciona de una manera diferente y entras en una etapa de infinita paz”.

Robles Gil, quien llevaba 15 años como pintor antes de dedicarse tembién a la fotografía, es el fundador de dos organizaciones de conservación en su país, la Agrupación Sierra Madre y Unidos para la Conservación.

¿En qué medida, como usted dice en su sitio en internet, fotografiar “no sólo es un privilegio sino una responsabilidad”?

Es algo que dijo un compañero fotógrafo y se me quedó grabado.

Puede pasar mucho tiempo, en mi caso años, hasta que tomé la iniciativa de hacer una organización conservacionista, Agrupación Sierra Madre. Dos años después fundé otra, Unidos para la Conservación.

No me sentía bien nada mas teniendo ese privilegio. Eso fue hace 20 años.

Usted ha dicho que su vida cambió cuando decidió llevar las palabras a la acción.

A mí me preocupaba y me preocupa un asunto que poca gente ve. Lo que en Inglaterra y Estados Unidos llaman “wilderness”, tierras silvestres.

Yo tuve el privelegio de caminar y perderme en estos ecosistemas prístinos, durante días, a veces a caballo, y eso te deja una huella muy profunda.

Antes de iniciar las organizaciones de conservación yo había viajado por México prácticamente durante 15 años y había visto como la fragmentación estaba aislando estos espacios y obviamente con ello la viabilidad futura de las especies.

En estos últimos 20 años es mucho más dramática la fragmentación de los hábitats.

¿A qué se debe esta mayor fragmentación?

A muchísimos factores, cómo usamos los recursos naturales, cómo se hacen carreteras, cables de luz, ganadería, minería, la sobreexplotación de los mares. Estás viendo una falta de entendimiento de que de ahí venimos.

Una vez que te alejas y no tienes el celular, el restoran, el agua corriendo y la luz, tu mente funciona de una manera diferente y entras en una etapa de infinita paz

Yo veía que había un abismo entre la naturaleza y el hombre, porque en la ciudad prendes la luz y tienes luz, vas al supermercado y tienes alimentos, abres la llave y hay agua. Entonces no te preocupas de donde viene todo esto.

Viajando por México veía los cambios, como había caminos de brecha y ahora ya son caminos pavimentados, como había un bosque en tal lugar y ahora ya no lo había.

Habló sobre la huella profunda que dejan los espacios silvestres, ¿a qué se refiere?

Nací en la Ciudad de México. Llevo 50 y tantos años de mi vida viviendo en una ciudad y cuando vas a estos espacios silvesters desde niño es algo que te llena enormemente de paz y tranquilidad.

Robles Gil también es pintor y utiliza la pintura sobre cuerpos desnudos para comunicar el valor de la naturaleza.

Lo más interesante es que por miles de años sino millones de años, el hombre evolucionó en un estado silvestre, pristino y todo nuestro ADN está diseñado para estar ahí.

He tenido oportunidad de llevar amigos a estos espacios y la respuesta es impresionante, muchas veces no quieren regresar. No pueden entender como nunca habían visto praderas o selvas o bosques donde no hay huella del hombre.

Te toma tiempo a veces olvidar todos los problemas que tienes en la oficina. A veces me ha tomado diez días empezar un ritmo y entender el ritmo de la naturaleza.

Una vez que te alejas y no tienes el celular, el restoran, el agua corriendo y la luz, tu mente funciona de una manera diferente y entras en una etapa de infinita paz.

¿Qué responsabilidad le cabe al público en general?

Hoy yo creo que ya no es correcto ni ética ni moralmente que una persona pueda ir a visitar parques y reservas en el mundo y nada más sea espectador. Pagar por la visita es muy poco, la gente tiene que comprometerse. Sino vamos a arruinar esos espacios y van a desparecer.

Visitar estos espacios es un regalo. Podemos ver tigres, leones, elefantes, ballenas, osos y nos llena de júbilo poder presenciar todo esto.

Llegó un momento en que no es correcto que seamos nada más espectadores.

¿Qué puede hacer el público en concreto?

Depende de cada visitante. Hay que tomar un compromiso que puede ir de dedicarle un tiempo en la semana a apoyar organizaciones, si eres abogado o contador, o cada quien incluso en su propia casa.

Me preocupa enormemente la responsabilidad que tenemos como fotógrafos de descubrir estos espacios para este ecoturismo masivo a veces desenfrenado

Yo he estado en un parque nacional en India viendo un tigre y eramos 40 o 50 vehículos, para mí era más interesante fotografiar a los turistas que al tigre.

Muchas de estas gentes vienen pagando fortunas a veces por dos o tres días y quieren ver un tigre y presionan al conductor y a toda la infraestructura para que se entregue ese resultado. Para mí eso es una falta de respeto a la naturaleza, tienes que dar más tiempo para tener ese encuentro.

Usted ha dicho que fotografiar tierras silvestres como El Pantanal en Brasil le plantea un conflicto

Los fotógrafos somos los ojos del mundo. Acercas todo lo que es extraordinariamente bello pero también puedes mostrar lo que está sucediendo y que muchas veces los medios no quieren enseñar.

Mi problema es que si publicas, eso puede ayudar a la conservacion, pero también puede ser una cosa que provoque lo que pasaba con el tigre y si ahora hay unas ocho barcas viendo un jaguar puede haber 40.

Con eso se pierde toda la esencia de a lo que se va, el espíritu silvestre de ese lugar.

Me preocupa enormemente la responsabilidad que tenemos como fotógrafos de descubrir estos espacios para este ecoturismo masivo a veces desenfrenado, que puede ayudar a salvar el lugar pero también lo daña.
(Fuente: BBC)

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APECO: memorias.

Juan Guzman — Tue, 18 Jan 2011 01:33:14 +0000

La memoria es un campo de maravillas donde las imágenes, como un perfecto caleidoscopio, se van sucediendo y suplantando la una a la anterior; en ocasiones con una notable tendencia a la repetición y fijación final de las bellas, tiernas y memorables.
Hoy, buscando en negativos, vistas fijas, impresiones y en el ordenador, alguna de las fotografías tomadas durante más de dos décadas de amistad con un grupo de personas de incalculable valor humano, entre las que se encontraba nuestro hermano Jesús Natalio Puras Penzo –APECO, encontré esta foto.
Además de APECO y otros que vinieron después, entre los miembros de este grupo puedo mencionar a Carlos Acevedo, Mercedes Padilla de Acevedo, Sixto Paz Wells, Gertrudis Eli, Daysi y Johnny Luciano, Xiomara Núñez, Demetrio Almonte, Moisés Cruz, Patricia Martínez de Cruz, Jaqueline y Juan Luis Hadad, Mali Fermín, Bienvenido Hernández, Juanito Rodríguez, Luis Rodríguez, Leovigildo Díaz, Ingrid Ureña y otros cuyos nombres la briza ondulante del tiempo se ha llevado a otros planos: La inolvidable Milagros Beras (profesora, pianista y concertista), Don Juan Erickson padre de Edgar Erickson y Cesar Rodríguez Barroso (este ultimo de San Francisco de Macorís, a mi entender, uno de los seres humanos que fue más amado por APECO), Natalio y Cesar tenían la afinidad de la imagen duplicada en los cristales de la sensibilidad, humanidad y sencillez: del mismo origen, textura y brillo.
La fotografía memoriza una sección de la sala del apartamento donde vivía APECO, el tejido de la mecedora me recuerda la figura de Doña Gloria Penzo (madre de APECO), su eterna, clásica y delicada elegancia, a veces allí sentada. Las sandalias caseras de nuestro amigo y el espacio; testigo silente de tantas confidencias, polémicas, consultas, planes, puerta a conversaciones sobre arte, artistas, música, maestros, la vida, el devenir, la imagen, los instantes, Dios, la nada, el color, el dolor.
Allí tuvo lugar nuestra última conversación.
Aunque quizá no fue la última………
Santiago de los Caballeros, República Dominicana, 17 de Enero, 2010.

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Jea-Luc Mylayne: El fotografo del tiempo.

Juan Guzman — Wed, 29 Dec 2010 12:19:00 +0000

Fotografia: El Pais
Reportaje de Isabel Lafont, El Pais, Madrid, 29/12/2010
Si hubiera que clasificar las fotografías de Jean-Luc Maylayne (Marquise, 1946) según el tiempo que tardaron en obtenerse, ocuparía sin duda el final de una escala que tendría su punto de partida en el fotoperiodismo. Lo suyo es la contemplación, la paciencia del cazador que espera en su puesto el paso de una pieza. Maylayne puede observar durante meses los hábitos de un gorrión, un estornino o un carbonero a la espera de la luz, el encuadre y el enfoque perfecto. Así ha elaborado unas 500 fotografías a lo largo de 32 años. Son copias únicas en color, de gran formato y, hasta el 4 de abril, el palacio de Velázquez (más conocido como palacio de Cristal) acoge una muestra de las mismas, en la primera retrospectiva de este artista que se presenta en España.
“Son fotografías que no tienen nada que ver con el instante decisivo del que hablaba Cartier-Bresson”, explicaba Manuel Borja-Villel, director del Museo Reina Sofía -responsable de este espacio expositivo-, durante la presente la presentación de esta muestra. “Son imágenes en las que hay algo de verdadero y algo de construido, de artificial. Hay un tiempo humano y un tiempo geológico porque la naturaleza está presente, no una visión romántica de la misma, sino una visión basada en el silencio”, añadía Borja-Villel. Maylayne no pretende documentar la naturaleza que observa, a pesar de que los títulos de sus imágenes recojan un número de inventario seguido del tiempo que tardó en tomarlas. “La totalidad de la obra está muy comprometida con la metafísica y hay que prestar a esto tanta atención como a los detalles concretos”, ha explicado la subdirectora del Museo Reina Sofía. Lynne Cooke. Maylayne no fotografía una naturaleza salvaje, sino espacios como ranchos o granjas de Francia o Estados Unidos en los que existe un diálogo entre seres humanos y animales. “El artista no solo diseña el espacio, sino la puesta en escena: siempre sabe dónde va a estar el pájaro en la imagen”, señala Cooke. Pero, como subraya el escritor y crítico de arte Javier Montes, autor de uno de los textos que figuran en el catálogo de la exposición, “ni siquiera son los pájaros el asunto principal de su trabajo, hasta cierto punto funcionan como pretexto de un subtexto denso y complejo de conceptos relacionados con la mecánica de la percepción visual, espacial y temporal. Al final, de ellos acaba por desprenderse todo un sistema filosófico”. Todo un cuerpo de reflexiones sobre asuntos como el ciclo de vida y muerte, el desgaste de los recursos naturales o la interdependencia del hombre y la naturaleza.

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Fue por “Bo”

Juan Guzman — Mon, 15 Nov 2010 22:30:28 +0000

La invitación para participar en el proyecto concebido por los Grupos Manso Fotogrupo y YourPhotodr me llegó a través de FOCUS (Colectivo Fotografico de Santiago), me comuniqué con Ramón Infante para ponerme a su disposición. Se realizó una reunión de coordinación en Santo Domingo a la que no pude asistir, pero al día siguiente una llamada de Ramón explicándome que una empresa no prevista estaba por entrar en el grupo de sitios para el proyecto “Hoy por Bo”, horas más tarde confirmaba todo. Así entró en mi agenda del sábado 13 de Noviembre de éste 2010 el proyecto de ayuda a nuestro colega fotógrafo y publicista Paul Boehme (Bo) a quien se le ha desarrollado en el árae cerebral una tumoración que necesita de cuidados médicos especiales.

El sábado 14 me uní al grupo formado por Pedro Genaro Rodriguez, Arturo Rodriguez, su hijo Alejandro, Cuchy Molina y antes que nosotros habia llegado Giselle Moreno.

Abrimos los trabajos y salí del Centro Cuesta a las 2:50pm con Pedro Genaro que me dejó en Autobuses Metro. Nada de cansancio, sí una gran satisfacción y una gran esperanza que, como dice Jose Ravelo, Bo esté pronto con nosotros en algún rally fotográfico.

Otros quedaron allá continuando la labor con éxito fecundo, el proyecto había dado los frutos esperados y además la fotografía dominicana enriquecía su rostro humano.

Esta es mi nota personal para Bo:

En el libro de Los Hechos de los Apóstoles se recoge la frase : “Hay más alegría en dar que en recibir”.Y eso quedó demostrado el sábado pasado.

No es de extrañar que muchos deseen que se repita, porque es una aspiración intrínseca del ser humano vivir espacios donde podamos dar, y recibir a cambio: alegría, satisfacción, AMOR.

Hermano Bo, a muchos no nos gusta mezclar los momentos de alegría con el sufrimiento, pero en toda nuestra existencia ambos sentires guardan una relación simbiótica indisoluble.En cada niño o infante que retraté me acordaba de ti. Su inocencia, candidez, capacidad para llorar o reir libremente me traía a la memoria aquella necesidad de “ser como niños” para entrar en el reino y de la humildad que nos estas mostrando al dejarte ayudar y permitirnos así ser más colectivos, unidos, humanos. Este momento del tiempo marca una condición en tu situación personal, tienes que continuar peleando tu batalla, aquella que nadie puede pelear por ti, no obstante el ejercito que te acompaña ha crecido hasta donde tu no tienes idea, por tanto, nos hemos convertido en ti y tu eres nosotros. Y como somos lo mismo, continuaremos contigo sin condiciones hasta donde nuestros límites humanos lo permitan.

Te deseo paz. Mucho@s han salido a hablar de ti, a un bendecir (bien-decir) de tú persona, espero que también estés recibiendo la gracia, salud y bendición del altísimo hoy y siempre.

Cuenta con nosotros

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“Vistas Prestadas”, alta calidad en PHOTOIMAGEN 2010

Juan Guzman — Tue, 14 Sep 2010 22:05:57 +0000

Dentro del Contexto de PHOTOIMAGEN 2010, una de las muestras que llama la atención, por la calidad e sus expositores, es la que sera abierta al público el próximo 15 de Septiembre en la Galería de Arte San Ramón, En la Avenida Abrahan Lincoln, de Santo Domingo.

Con la Curaduría de Sara Hermann. Mary Rosa Jiménez, Clara Martínez Thedy y Carlos Acero Ruiz, presentan: “Vistas Prestadas”, una

vision de los Emiratos Arabes a traves de sus lentes.

Mary Rosa Jiménez es una artista refinada con gran aprecio de los ambientes rurales y urbanos y una preferencia notable por los colores brillantes.

Aflora una tendencia a destacar la moda en los sujetos de su fotografías, como influencia lógica de sus tiempos parisinos.

Un favoritismo por las reflexiones y yustaposiciones sobre cristal y la doble via de la representación sobre la realidad y viceversa, el ser y su contraparte, son elementos de la visión de esta artista.

Clara Martinez Thedy, además de Embajadora dominicana en los Emiratos Arabes Unidos, trae tras si una estela de casi 3 décadas de trayectoria artística. Desde Altos de Chavón, Europa, Latinoamerica, Africa, Medio Oriente y Asia, han sido sus escenarios. “Juegos de Niños”, “Cuerpos y formas”, “Abaya”, y otros múltiples títulos forman parte de su producción expositiva.

Carlos Acero Ruiz, quien además es sub-director y director de arte de PHOTOIMAGEN 2010, crítico de arte, curador y artista reconocido internacionalmente, con exposiciones en nuestro país, Francia, Estados Unidos, Argentina, Cuba, Alemania y otros. Un enamorado de la emigración caribeña como tema.

Por todo esto, “Vistas prestadas” es un plato fuerte, por el valor que encierra en si mismo el tema, la combinación creativa de sus exponentes y la calidad a que nos tienen acostumbrados, lo que de seguro se multiplicará en su sumatoria.

Photoimagen 2012 se centrará en la idea de Tránsitos. Mayra A. Johnson Depratt. Santo Domingo, 06 de Febrero, 2012....

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Manso Fotogrupo: La fotografía dominicana con amistad.

Juan Guzman — Sat, 11 Sep 2010 14:11:48 +0000

En Nuestro País han existido, con el desrrollo de la fotografía, ya sea por afinidad, cercanía geográfica, interéses comunes, etc., personas que se han reunido bajo la tutela de un nombre: club, escuela, grupo de viajeros, para enriquecer su experiencia a través del compartir, ya sea este formal e informal.

Con la popularidad y facilidades de la red moderna los grupos proliferan y van desde los que visitan un mismo hotel y comparten sus imágenes y aquellos que egresan de una de las escuelas existentes u otros vínculados por la fotografía informal y que luego evolucionan hacía aspectos más formales de expresión como colectivo, brindando una interesante experiencia de crecimiento.

Una de esta manifestaciones es Manso Fotogrupo, Como lema : “Manso es un etilo de vivir”, este grupo, formado dentro de la red social de Facebok, ha ido en crecimiento y ya ronda los 2,500 miembros, con un interesante historial de Safaris al interior del país, actividades de ayuda humanitaria fuera del ámbito fotográfico y una manifiesta y agradeble inclinación hacia la amistad como valor entre sus miembros tanto de los de dentro como fuera del país.

Recientemente la Embajada de Francia y dentro del contexto de PHOTOIMAGEN 2010, dispuso de sus facilidades para una exposición colectiva del Manso Fotogrupo cuyo tema central es “Devocion Diversa”, las obras correspondientes están expuestas desde el 02 de Septiembre hasta el 29 del mismo mes. Un éxito con poco presendentes ya que Manso es un grupo virtual y entra a la categorización de grupo formal, gracias al empeño de quienes coordinan y dirigen ese conglomerado virtual, lo que implica mucha dedicación y entrega a lo que es: Un etilo de vivir.

Actualmente, Manso Fotogrupo programa una exposición en coordinación con miembros residentes en las ciudades de New Jersey y New York, Estados Unidos, que además ofrece la oportunidad de un safari al “estilo manso” por las inmediaciones de ambos estados.

Además del equipo dominicano coordinado por Don Hector Mota Portes y muchos otros, cabe mencionar el entusiasmo del petro macorisano Dr. José Ravelo residente en la gran manzana y que se ocupa de la coordinación de esta actividad.

DOMINICAN CROSSOVER – Primer exposición de Manso Fotogrupo en New York

Lugar: Restaurant las tapas de España. Fecha: 02 de Octubre 2010

7909 Bergenline Avenue SALA DE FIESTAS

North Bergen, NJ

PRIMER MANSO SAFARI INTERNACIONAL – DOMINICAN CROSSOVER 2010

Lugar: NEW YORK CITY / NEW JERSEY

Viernes, 01 de Octubre del 2010

Al igual que Manso Fotogrupo existen y surgirán nuevos conglomerados atraídos por la mágica influencia de la imagen. Ojalá y conciten tanto interés a lo interno que sean sólidos y solidarios, amigos en la crítica y en el compartir, entusiastas de todas las edades y de diversos niveles de conocimiento fotográfico, tal como lo es Manso Fotogrupo: “Un estilo de vivir”.

Blanco y negro con pedigrí. La fotografía clásica tiene valor asegurado en Arco Hay quien dice que en esta edición de Arco ha...

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APECO: El Maestro.

Juan Guzman — Sun, 17 Jan 2010 20:28:17 +0000

Para el amigo y compañero que partió a iluminar aún más nuestros amaneceres.

PIDO SILENCIO
(Pablo Neruda)

Ahora me dejen tranquilo.
Ahora se acostumbren sin mí.

Yo voy a cerrar los ojos.

Y sólo quiero cinco cosas,
cinco raíces preferidas.

Una es el amor sin fin.

Lo segundo es ver el otoño.
No puedo ser sin que las hojas
vuelen y vuelvan a la tierra.

Lo tercero es el grave invierno,
la lluvia que amé, la caricia
del fuego en el frío silvestre.

En cuarto lugar el verano
redondo como una sandía.

La quinta cosa son tus ojos,
Matilde mía, bienamada,
no quiero dormir sin tus ojos,
no quiero ser sin que me mires:
yo cambio la primavera
por que tú me sigas mirando.

Amigos, eso es cuanto quiero.
Es casi nada y casi todo.

Ahora si quieren se vayan.

He vivido tanto que un día
tendrán que olvidarme por fuerza,
borrándome de la pizarra:
mi corazón fue interminable.

Pero porque pido silencio
no crean que voy a morirme:
me pasa todo lo contrario:
sucede que voy a vivirme.

Sucede que soy y que sigo.

No será, pues, sino que adentro
de mi crecerán cereales,
primero los granos que rompen
la tierra para ver la luz,
pero la madre tierra es oscura:
y dentro de mí soy oscuro:
soy como un pozo en cuyas aguas
la noche deja sus estrellas
y sigue sola por el campo.

Se trata de que tanto he vivido que
quiero vivir otro tanto.

Nunca me sentí tan sonoro,
nunca he tenido tantos besos.

Ahora, como siempre, es temprano.
Vuela la luz con sus abejas.

Déjenme solo con el día.
Pido permiso para nacer.

Premiación IV concurso Nacional de fotografía APECO, blanco y negro (2011) Tesoro de Cimarrón, fotografía ganadora del primer lugar. Artista: Pedro...

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Adios al fotógrafo dominicano APECO

Juan Guzman — Sun, 17 Jan 2010 01:01:56 +0000

Por Juan Guzmán
Los actos relativos al funeral del fotógrafo dominicano Natalio Puras Penzo, para el día domingo, 17 de Enero 2010, serán:
-Translado de los restos mortales al salón que lleva su nombre en el Instituto de Cultural y Arte (ICA), cito en el Palacio Consistorial de Santiago en la Plaza del Parque Colón, el de la Catedral. Hora 8:00 a.m.
-Velatorio y Homenajes a cargo de la Secretaría de Estado de Cultura ( panegíricos y demás), hasta las 11:00 a.m.
-Misa de cuerpo presente, posiblemente en el mismo lugar. Hora 11:00 a.m.
-Cristiana sepultura en el cementerio municipal de la Av. 27 de Febrero con 30 de Marzo. Hora 12:00 m.
___________

Todos van tan de prisa

Todos van tan de prisa, tan sin tiempo de ser,
que aquellas maravillas a lentitud
de ir hombro a hombro saboreando las calles,
se han quedado tan solas como los parques
y las fuentes donde se piden sueños,
la gente ya no lleva monedas en los bolsillos
para tirarle al agua,
si lo que bien se ama,
no llega a nuestra puerta despertando la casa,
llenando sus rincones de cascabeles o profundos silencios;
yo todavía guardo las cosas esenciales
por si acaso nos vemos inesperadamente:
un marcador de libros, botones,
estampillas de correo, flautas, guindas para tu boca,
varios lápices, papel para escribirte, una bicicleta,
también conservo un trompo
por si lo quieres ver girar sobre la tierra;
ahora sé que no debo vivir sin ver las formas
que has ido dejando al aire por contentarle orillas a mis ojos
y me vas regalando, con esos gestos tuyos,
los años que me quedan por vivir,
lo valiente de ser quien soy,
la arquitectura donde mis palabras,
como un halcón puedan sentarse,
en lo más alto de las murallas
esperando que alguna voz se alce al final de la noche
por despedir luceros
o simplemente le hable al sol su destino de expansión,
sobre la cresta de las montañas y los valles.
Yo reconozco que eres imprescindible,
de la misma manera que mis pulmones necesitan el aire;
imprescindible, sí, como es de imprescindible el alfabeto,
la poesía árabe, la poesía en general,
imprescindible, sí, como tus brazos
que están atravesando el mundo donde vives,
sin saber que me buscas.

Alina Galliano@
Del libro…Litografías a partir del aire.

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Falleció el fotógrafo dominicano APECO.

Juan Guzman — Sat, 16 Jan 2010 18:09:07 +0000

Por Juan Guzmán
En la mañana de hoy Sábado 16 Enero del 2010, a las 9:a.m. GMT., falleció en la ciudad de Santiago, República Dominicana, el fotógrafo Natalio Puras Penzo (APECO) a la edad de 73 años.
Notable por su larga trayectoria artística, APECO fue galardonado durante el año 2009 con diversos reconocimientos.
La Secretaria de Estado de Cultura auspició la publicación de un Volumen dedicado a su vida y trayectoria.
Así tambien el Centro Cultural Eduardo León de Santiago puso en valor una amplia gama de sus imágenes, recientemente. EL Instituto de Cultura y Arte de Santiago (ICA) dedicó una de sus salas al nombre de APECO.
Fotográfo, dramaturgo, poeta, APECO deja un legado invaluable para las nuevas y futuras generaciones ya que su estilo tiene una base firme en la simpleza de los elementos técnicos y el uso de luces elementales.
Amó profundamente a su Santiago, sentimiento que dejó plasmado en imágenes que recorren desde la vida callejera de esta urbe, hasta delicados retratos de sus artistas y empresarios.
Sus imágenes ilustran obras de famosos escritores dominicanos entre los que se cuenta al Ex-presidente de la República Dr. Joaquín Balaguer.
Los que fuimos sus amigos y compañeros de afán mantendremos su imagen, pletorica de anécdotas, sentimientos elevados y un altruismo silencioso.
Paz a sus restos. 210

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APECO. Puesta en valor de sus fotografias

Juan Guzman — Thu, 01 Oct 2009 22:34:21 +0000

El fotografo Dominicano Natalio Puras (APECO) en el acto de puesta en valor de parte de su trabajo fotografico por parte de El Centro Cultural Eduardo Leon de Santiago de los Caballeros. En lo adelante con solo entrar a la mediateca virtual del Centro Leon, los interesados de aqui y de todo el mundo tendran la oportunidad de ver y estudiar el trabajo fotografico de APECO. Un serio legado a aquellos que buzcan informacion cultural, fotografica e historica relacionada a la obra de este gran artista nuestro.

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