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Vista desde la plazoleta frontal de la Iglesia Ntra. Sra. del Carmen. Se puede observar, a la derecha, la Loma el Mogote con su corona de antenas de radio y televisión. La pendiente a la izquierda nos lleva la vista a la parte oeste del valle de La Vega Real. En el  plano intermedio zonas de pasto.

En el mismo eje de la cordillera Septentrional está ubicado el pueblo de Villa Trina.
Luego de Constanza y Hondo Valle es el asentamiento humano localizado a mayor altura de el país: 687 metro sobre el nivel del mar.

Perteneciente, antaño, al Cacicazgo de Maguá; hasta el siglo pasado, esta zona montañosa guardo su capacidades ecológicas intactas ya que a penas fue habitada por indígenas tainos provenientes de Jamao, quienes practicaban la caza, alguna que otra agricultura y la pezca.

El nombre dado por los nativos a esa zona montañosa fue Ciguay ( Loma del Ciguay).  Ciguay es por definición el aduar (grupo de chozas) de los ciguayos y estos a su vez habitaban  la franja quisqueyana desde Montecristy a Samaná.

De las inmediaciones de Villa Trina nacen varias fuentes acuiferas, la principal es el rio Jamao que desemboca en el atlantico luego de unirse al Yasica un poco después del poblado de Jamao al Norte. Además la flora es rica en especies nativas.

Desde niño escuchaba hablar de las bondades del clima de Villa Trina y precisamente a esa condición ambiental debe su nombre. Resulta que en el año 1924 el Presidente Horacio Vasquez adquirió los terrenos de esa comuna motivado por su esposa Doña Trina Moya de Vasquez quien visitaba la zona motivada por el clima. El Presidente bautizó el sitio como Villa Trina.

El 1ro. de junio de 1954, el Presidente Rafael Leonidas Trujillo, mediante Decreto convirtió dicha Colonias en Distrito Municipal, bautizándolo con el nombre de José Contreras. Insigne patriota nacido en Montecristi en el año de 1826 y residente en la comunidad de Jababa Moca; que lucho activamente en la guerras independentistas de 1844 contra la dominación haitiana y la corta edad  de 28 años,  alcanzó el grado del Coronel del Ejército. Tras la anexión a España, en 1861 dirigió el primer movimiento armado de protesta y junto a 45 mocanos más, produjeron lo que se conoce en la Historia como el “Grito de Moca “

La actividad productiva principal, hasta tiempos recientes en la zona, ha sido la agricultura. Predominante del cultivo del café, yautía y otros rubros. En la actualidad una gran cantidad de granjas avícolas se han construido en toda la zona, precisamente atraidos, sus promotores, por las bondades del clima. (caso que se repite en la zona de Jarabacoa). Un intento de agricultura controlada (invernaderos) se desarrolla en la sección de Rancho de los Platanos.

La gente de Villa Trina tiene como característica la bondad de su comportamiento, hospitalidad y acogida. Gente de fé profunda, trabajadores incansables y una tendencia natural a la cooperación comunitaria interactiva.

Juan Guzman. Diciembre, 29, 2011

Ref.: Apuntes de la historia de Moca, Espaillat.gob.do y apuntes personales.

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La Fundación Global Democracia y Desarrollo (FUNGLODE) y la Global Foundation for Democracy and Development (GFDD) dieron a conocer los ganadores de los Premios FUNGLODE 2011, en sus categorías: Fotografía, Documental, Cuento, Poesía, Ensayo y Periodismo.
La actividad fue encabezada por José Rafael Lantigua, director del centro de cultura de FUNGLODE/GFDD, Catherine Florentino, directora de los premios, y la directora de comunicaciones de FUNGLODE, Elina María Cruz.

Los veredictos con los nombres de los ganadores fueron abiertos en presencia de la abogada notarial Cecilia García Bidó y miembros del jurado de varias categorías.

La edición 2011 de los Premios FUNGLODE/GFDD recibió 281 obras: 146 cuentos, 42 poesías, 11 ensayos, 51 conjuntos fotográficos, 4 documentales y 27 reportajes periodísticos.

Los galardonados en los tres primeros lugares de casi todas las categorías obtendrán premios en efectivo entre lRD$50,000.00  y 100,000.00. La fecha de entrega de los premios se conocerá próximamente.

Los ganadores por categorías fueron:

Premio Fotografía “Abelardo Rodríguez Urdaneta”

Primer lugar en la categoría a color: “Devoción, Balconeando y Patrono”, de Angelita Casals

Segundo lugar en la categoría color: “Vigilante de la Patria”, de Ruddy Florentino.

Mención de honor: “A color”, de Roger Ramírez.

Primer lugar en la categoría blanco y negro: “Romanos”, de Francisco Fortunato.

Segundo lugar en categoría blanco y negro: “Mar Caribe, I, II y III”, de Herminio Alberti León.

Primer Lugar en la categoría libre: “Ventana natural, cascada del tiempo y huellas”, de Herminio Alberti León.

Segundo lugar en la categoría libre: “Libre”, de Roger Ramírez.

El premio del público a la mejor fotografía corresponde a: “Íntima soledad, dos aguas y medio ser”, del fotógrafo Roberto José Valera López.

Premio Documental “Max Pou”

Premio único: “Obra: 30 de marzo, consolidación de la Independencia Nacional”, de Víctor R. Valerio.

El jurado puntualizó que Valerio presentó un análisis minucioso y original, que incluye datos fehacientes y poco conocidos, de uno de los hitos más importantes del país.

Destacaron que, además, usó adecuadamente las técnicas del documental en los aspectos de la investigación, narración, análisis de expertos en la materia, recreaciones, ilustraciones y animaciones.

Los jurados por categorías fueron:

Premio Abelardo Rodríguez Urdaneta (Fotografía): Mayra Johnson, Domingo Batista y Jeannette Miller.

Premio Max Pou (Documental): Marlon Soto, Félix Manuel Lora y Martha Checo.

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Tesoro de Cimarrón, fotografía ganadora del primer lugar.
Artista: Pedro Genaro Rodríguez

Por cuatro años consecutivos, la Subsecretaria de Cultura para la Región Norte realiza el Concurso Nacional de Fotografía a “Blanco y Negro” Natalio Puras (Apeco), 2011, premiado el viernes 9 de diciembre del presente año. Los premios fueron entregados en Palacio Consistorial de Santiago, sede del vice Ministerio de Cultura para la Región Norte cuyo incumbente Enegildo Peña (Vice-ministro de Cultural) fue el orador principal. Luego de la entrega de los premios se inauguró la exposición en la sala del segundo nivel, la cual lleva el nombre de Apeco.

Luego se procedió a presentar los ganadores, cuyos premios recayeron en los siguientes concursantes: Primer lugar: Pedro Genaro Rodríguez, con la obra “Tesoro de Cimarrón” el Segundo lugar: Anthony Grullón con la Obra “Madre Tierra” y el Tercer lugar:Manuel de Jesus Reyex (Kutty) con la Obra “De vuelta a casa”.

Madre Tierra, fotografía ganadora del segundo  lugar.
Artista: Anthony Grullón

Los ganadores obtuvieron los siguientes premios

Primer Lugar: RD$50,000.00 y certificado

Segundo Lugar: RD$30,000.00 y certificado

Tercer Lugar: RD$25,000.00 y certificado

Y certificados a las 4 menciones

Una de las menciones de honor fue para:
“Jinetes bajo la lluvia”,
Artista: Juan Guzman

Después de la presentación de los miembros del jurado y de la concurrencia del acto se entregaron los certificados los ganadores de las 4 menciones  fueron Angelita Casals  con la foto “Conversando con el sembral”, Angel felipe Román “Los venderé hoy?”, Juan Evangelista Guzman (Juan Guzman) “Jinetes bajo la lluvia”, Eva Llorca Machi “Cajonero de Café”.

El Concurso APECO, Blanco y Negro; adquiere cada día mayor presencia entre nuestros artistas visuales. En la presente edición se recibieron cerca de 200 obras de fotógrafos de todo el país. Sólo basta visitar el salón de la exposición en la segunda planta del Palacio Consistorial y pasar la mirada por las 50 obras expuestas como muestra general del concurso.

Juan Guzman 27 de Diciembre, 2011

Link relacionados:

http://pedrogenaro.blogspot.com/2011/12/blanco-y-negro-apeco-2011.html

http://www.dominicanaonline.org/portal/espanol/cpo_noti3934.asp

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“Me atrevo a decir, que estos tres artistas del lente nos dan un testimonio de su amor, nos evangelizan, nos conmueven, nos indican que una familia que retrata unida, es el más bello canto que pueda escucharse en esta confusa humanidad.” (Freddy Ginebra)
Palabras de Don Freddy Ginebra, Director de Casa de Arte en la inauguración de la exposición
3Alberti en fotografía.

Pienso que “en fotografía” ya que el apellido Alberti a regado con su gracia diversos ámbitos del
arte dominicano. Sólo basta recordar a nuestro laureado Luís Alberi gloria de la música criolla.
Por su parte Pedro Genaro Rodríguez curador de este propuesta (quien por estos dias nos ofrece
su cuarta individual “identidad”en el museo de las casas reales), expresó:
“más que tres muestras individuales, yo veo en esta exposición un triálogo, tres discursos que tienen mucho en común y al mismo tiempo tienen distintos matices.”

3Alberti en Fotografía en Casa de Teatro fue una idea que surgió hace alrededor de un año y es ahora una realidad. Es una muestra de unión entre los integrantes de una familia que busca demostrar que los valores familiares aun existen. Don Herminio Alberti León y sus hijos Anadel y José Ml. Alberti Sadhalá.

Con este motivante motivo Anadel escribió en su mur de Facebook la siguiente nota:

Cada minuto en la vida es diferente al que ya pasó. El ser humano en general trata de compensar los minutos malos con aquellos buenos y así llegar a tratar de sentirse pleno.

Ayer Lunes, 5 de Septiembre del 2011 fue un día en que cada minuto vivido fue MARAVILLOSO. Fue uno de esos días en que me di más cuenta aun de lo GRANDE que es DIOS y de lo inigualable que es tener una familia como la que tengo.

Desde hace días me venían preguntando si estaba nerviosa o acelerada por la exposición de fotografía que iba a tener con mi hermano y mi padre…mi respuesta “mi papá creo que es el que está acelerado por los tres!!” Sin embargo, cuando llegó la hora de la verdad les confieso que el sentimiento vivido fue ESPECTACULAR. Desde poder tener a toda mi familia unida, hasta ver caras de muchas personas que tenía tiempo sin ver, hasta sentir el cariño de tantas personas que han estado junto a nosotros desde que tengo uso de razón, hasta recibir mensajes especiales de personas que por una razón u otra no iban a estar presentes, hasta el maravilloso mensaje transmitido por mi hermana.

Quiero agradecer a todos aquellos que de una forma u otro estuvieron presentes y han estado presentes en el proceso de la organización de este proyecto que nunca olvidaré “3- Alberti en Fotografía en Casa de Teatro.” El Maestro Pedro Genaro, NO HAY PALABRAS; Félix, Kutty, Domingo – siempre han sido una inspiración y un apoyo incondicional para nosotros; Freddy Ginebra y a todos en Casa de Teatro por sus palabras y por prestarnos un espacio del hogar de muchos grandes artistas; y gracias a todos los patrocinadores por apoyar esta iniciativa tan especial para nosotros.

A mi madre, por ser la paciencia personificada, a mi hermana, por expresar sus más puros sentimientos con tanto orgullo; a mi padre por ser el ejemplo que es, y a mi hermano por ser el mejor de los hermanos. A nuestros amigos que han sido parte importante de este proyecto, y sobretodo a DIOS, por darme la oportunidad de expresarme a través de la fotografía y sobretodo por darnos la oportunidad de presentar este proyecto como FAMILIA.

Puede que a algunos les guste una que otra foto, puede que a otros no les parezcan “la gran cosa,” lo cual se les respeta; pero al final del día no hay NADA como la satisfacción de poder haberme parado junto a cuatro de las personas más maravillosas que conozco y de las cuales me
siento orgullosa de llamar familia para presentar nuestro preciado proyecto.

De Nuevo gracias a cada uno de los que nos han apoyado y nos siguen apoyando y gracias a MI FAMILIA por ser la familia Imperfecta y Perfecta que día a día me mantiene en Pie.

Ayer Lunes 5 de Septiembre del 2011 puedo decir con mucho orgullo que me sentí FELIZ y PLENA.
————
3Alberti en fotografía estará abierta hasta el 30 de Septiembre en la sala Paul Giudecelli de Casa de Teatro. Durante este mes veremos muchas imágenes y propuestas. Esta tiene un toque único y sin presendentes: La fuerza de la sangre que a la ves es fuerza de amor ycompromiso ilimitado.
fotografiadominicana.com se hace eco de este quehacer al mismo tiempo que agradecemos a Anadel Alberti por su colaboración.

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….y en los troncos caídos fermentaron los hongos,
las babosas cruzaron sus hilos nauseabundos,
y la madera muerta se cayo de la altura
se lleno de agujeros y larvas espantosas.
Así es tu costado, patria, la desdichada
gobernación de insectos que pueblan tus heridas
los gruesos traficantes que mastican alambre….”

Pablo Neruda, Canto General. (1981)

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La Pedrera despliega la fascinante mirada del maestro catalán sobre la España de la posguerra

Francesc Català-Roca lo tenía claro: “El fotógrafo siempre duda: qué angulo hay que tomar, qué diafragma y qué velocidad hay que elegir, qué película hay que preferir… no debe dudar nunca a la hora de disparar”. Este mandamiento lo acuñó uno de los fotógrafos documentales europeos más importantes del siglo XX, del que, desde hoy, se exponen 184 imágenes en La Pedrera de Barcelona. Se trata de un compendio de instantáneas que el fotógrafo catalán captó en sus múltiples viajes por la geografía española entre las décadas de 1950 y 1960. La editorial Destino encargó a Català-Roca la ilustración de unas guías de viaje de lugares como Castilla La Nueva (sic), Madrid o Murcia. No son solo retratos con voluntad de espejo, sino que, como dice el artista Frederic Amat en un corto documental que cierra la muestra, “Català-Roca dignificaba la pobreza”.

Prueba de ello, son las escenas cotidianas de Cuenca, de Toledo, de Murcia o de Ibiza que descubren a un Català-Roca alejado de las grandes urbes. El fotógrafo de Valls realizó en Madrid y en Barcelona instantáneas memorables que forman parte del recuerdo colectivo como las señoritas paseando por la Gran Vía madrileña o el operario regando en el paseo Recoletos, allá por 1953.

La exposición, que se clausurará el 25 de septiembre, recupera un episodio en Carrascosa del Campo (Cuenca), donde en 1954 se celebró una corrida de toros organizada por Luis Miguel Dominguín, que quería impresionar a la que después sería su esposa, Lucía Bosé. Estampa impagable.

La muestra está organizada por la Fundación Barrié y la Fundación Catalunya Caixa y ya pudo verse en Vigo. A su paso por Barcelona, y gracias a la colaboración con el Colegio de Arquitectos se han reunido 43 ejemplares de fotografía arquitectónica, casi desconocidos para el gran público.

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Google ha iniciado el despliegue de una nueva red social de fotos llamada Photovine. Aunque poco se conocía hasta ahora sobre el servicio, su funcionamiento sería similar a Twitter pero para imágenes, es decir, que las fotografías tomadas con el móvil se subirían al servicio a modo de ‘tuits’, de tal forma que si un usuario sigue la cuenta de Photovine de otro vería las ultimas imágenes tan pronto como se tomaran.

El servicio no está abierto. Por el momento solo se puede solicitar una invitación en la web de Photovine que se enviará cuando el servicio sea lanzado, aunque por el momento se desconoce la fecha de lanzamiento.

Todo indica que el servicio será una red social de fotografía al estilo Instagram, aplicación de iOS que permite editar y compartir fotos entre usuarios con dispositivos de Apple. El mes pasado, Google compró la marca ‘Photovine’ y registró el dominio correspondiente.

“Planta una foto, mírala crecer”. La web Photovine.com muestra la pantalla de un iPhone con una nueva red social de fotografía en la que, según explica Google, se “plantará” una imagen y se verá cómo crece y se ramifica con las interacciones entre usuarios.

Pese a no estar aún disponibles ni la página web ni la aplicación en la App Store, se pueden conocer algunos datos de Photovine gracias a la sección de preguntas frecuentes del sitio. Esta sección define a Photovine como una “una comunidad para crear divertidas y únicas colecciones de fotos”.

Estas colecciones, se llamarán ‘Vines’ (vides o parras) y serán “una familia de fotos que crece constantemente y está conectada a través de un subtítulo creado por ti, tus amigos y gente de todo el mundo”. “En Photovine, Vines te conecta con la gente mediante las ideas y temas expresados en tus fotos”. Otras personas pueden ver la “vid” del usuario y unirse al añadir su propia foto, mostrando su propia visión de la captura.

A medida que la gente vaya añadiendo fotos a las colecciones (que pueden tener nombres como “de qué están hechos los fines de semana” o “el amor de mi vida”), esta red se irá extendiendo.

En cuanto a la privacidad, aunque aseguran que se la tomarán muy en serio, cualquiera puede ver las fotos que se suben a la red social, aunque no sea seguidor del usuario. En cambio, las fotos que se consideren inapropiadas podrán ser denunciadas, al igual que los usuarios.

Vía: Business Insider (http://www.businessinsider.com/googles-photovine-is-live-it-looks-like-an-iphone-photo-sharing-app-2011-7)

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Ministerio de Cultura da a conocer ganadores concurso de Fotografía

SANTO DOMINGO, República Dominicana- El Ministerio de Cultura dio a conocer los resultados del “Concurso de Fotografía Semana Santa 2011”, seleccionados luego de analizar y evaluar las propuestas presentadas.

Este concurso se realizó con el objetivo de estimular a los artistas de la fotografía a producir imágenes que expresen el fervor religioso, la solemnidad y la devoción que el pueblo dominicano transmite durante la celebración de la Semana Santa.

Conforme las bases, se otorgará un Gran Premio al mejor conjunto o secuencia de fotografías con un monto de 60 mil pesos y cinco premios igualitarios por un monto de 40 mil pesos cada uno. En esta versión se presentaron un total de 90 trabajos, de manos de 25 fotógrafos.

El ganador del gran premio, por votación unánime del jurado, fue Pedro Farías-Nardi, con su propuesta “Procesión”.

Los premios igualitarios recayeron sobre: “102 años sin salir”, de Juan de los Santos; “Santa Cena”, de Francisco Fortunato; “Soldado Romano + 3 puertas verdes”, de Orlando Barría; y por último, “Aferrada a mi fe” y “Tu devota fiel”, ambas de Bernardo Hwalder Durán.

Participaron como miembros del jurado los fotógrafos y artistas visuales, José Mercader, Mariano Hernández y José Antigua.

El acto de premiación tendrá lugar, conjuntamente con la exposición de las fotografías ganadoras, el viernes 5 de agosto de 2011, con motivo de la Conmemoración de la Fundación de la Ciudad de Santo Domingo, a las 5:00 p.m. en la sala de arte Ramón Oviedo del MINC.

Fuenta: noticiasSIM

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Eugéne Atget, minucioso retratista del París más oculto
La Fundación Mapfre inaugura una exposición dedicada a la obra de este fotógrafo francés cuya aportación a la historia de la fotografía fue fundamental gracias a sus enigmáticas imágenes de la ciudad.

Retrato de Eugène Atget, realizado por Berenice Abbot en 1927. (Foto: Musée Carnavalet)
La muestra está compuesta por más de 200 imágenes obtenidas entre 1898 y 1927, seleccionadas entre los miles que forman los fondos del Musée Carnavalet de París, la George Eastmann House de Rochester y las colecciones de la Fundación Mapfre. Son fotografías que muestran la evolución y el trabajo anónimo de Atget en las calles de París.

Eugène Atget llegó a la fotografía tras haber probado diversos oficios y comenzó su carrera en provincias. En París fue considerado un fotógrafo comercial, dedicado a fotografiar “documentos para artistas”, es decir paisajes, escenas y detalles que servían de modelo a los pintores. Muy pronto los surrealistas destacaron el trabajo de Atget por su sencillez y pureza de líneas.

Su técnica es del siglo XIX, ya que utilizaba una cámara de fuelle de 18 x 24 cm de madera, muy pesada, con placas de vidrio para recoger con nitidez todos los detalles. Atget positivaba sus imágenes en papel de albúmina sensibilizado con nitrato de plata y revelado con luz natural, virado finalmente al oro.

Pronto sus imágenes espontáneas de la vida cotidiana en las calles de París captó la atención de algunas instituciones por su carácter documental, como la Biblioteca Nacional, que empezó a adquirir sus trabajos. Está considerado como el punto de partida de la fotografía documental del siglo XX.

El París de Atget no es el de los lujos y las grandes celebridades, ni tampoco el de las grandes obras monumentales puestas en marcha en la ciudad a finales del siglo XIX por el barón Haussmann. La suya es la fotografía de los rincones, las calles y los barrios más antiguos, de los oficios y los habitantes que pasaban más desapercibidos.

La exposición está compuesta por 12 secciones organizadas como las grandes áreas en las que Atget clasificaba sus imágenes. Estas secciones son: Pequeños oficios, tipos y comercio parisinos, 1898-1922, Las calles de París, 1898-1913, Ornamentos, 1900-1921, Interiores, 1901-1910, Los coches, 1903-1910, Jardines, 1898-1914, El Sena, 1900-1923, Las calles de París, 1921-1924, Extramuros, 1899-1913 y Alrededores de París, 1901-1921.

La muestra se cierra con 43 fotografías de Man Ray, el gran fotógrafo surrealista con tipos y ambientes de la ciudad fechados entre 1899 y 1926, que muestran el temprano interés de los surrealistas por el trabajo de Atget y la defensa que hicieron de su conservación. Su visión de París y de la realidad fue también la inspiración de artistas y fotógrafos como Brassai, Cartier Bresson o Walker Evans.

La exposición permanece abierta hasta el 27 de agosto.

Fuente (hechosdehoy.com)

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El precedente de esta reunión se remonta a la Conferencia de París, celebrada en 1984, en la que se abordó la conservación de este patrimonio cultural. En aquella época se comenzaba a aplicar la ciencia a la restauración de imágenes porque hasta entonces la vida de una instantánea dependía casi exclusivamente de la responsabilidad y pericia del fotógrafo.

Han pasado casi tres décadas de aquel encuentro y en este tiempo han entrado en juego dos elementos que han revolucionado la fotografía más que en los cien años precedentes: la imagen digital e Internet. Y en esta nueva era en la que cada día se generan millones de imágenes nuevas en todo el mundo se plantean nuevos problemas para categorizar y conservar un patrimonio cultural e histórico inmenso; se han generalizado formas no deontológicas de conservación y una digitalización excesivamente agresiva de las imágenes.

Como apunta Jesús Rocandio, uno de los organizadores de este evento, “un mal escaneo le resta 10 años de vida a una imagen”. Fuentes apunta que el soporte fotográfico es “extraordinariamente frágil” y por eso urge “separar la información fotográfica de su soporte. Queremos poner el reloj a 0 para homogeneizar los parámetros científicos para su correcta conservación”". Para conseguirlo, los organizadores de Fotoconservación2011 reunirán durante cinco días a 15 ponentes, entre los que se encuentran algunos de los expertos en conservación de imagen más reconocidos del mundo, como Grant Romer, director del primer museo dedicado a la fotografía; o Anne Cartier-Bresson, referencia internacional en la restauración de soportes fotográficos y sobrina del mítico fotógrafo Henri Cartier-Bresson.

Las conclusiones de esta conferencia, que congregará a 150 asistentes, en su mayoría restauradores y directores de museos, servirán para la redacción de unas actas que permitan revisar las técnicas de restauración de los documentos fotográficos y las distintas líneas de investigación desarrolladas en las últimas tres décadas. También quedará para el futuro la web fotoconservacion2011.org, planteada como un Arca de Noé digital donde se clasificará la información histórica, técnica y científica para establecer principios marcados por el código deontológico profesional. Además de la conferencia internacional, Fotoconservación2011 acogerá una reunión de carácter nacional, centrada en la conservación del patrimonio fotográfico en tiempos de crisis, así como diversos cursos y exposiciones.
Fuente: (ANDRÉS GARCÍA DE LA RIVA, elpais.com)

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Es una imagen muy pequeña, apenas el largo de un dedo, y está enmarcada en un aparatoso soporte dorado y azabache. Se trata de un daguerrotipo datado entre 1840 y 1850 de autor desconocido y con un valor muy especial: es la primera imagen que se conserva de Madrid.

Pertenece desde hace 40 años a la colección privada de Miguel Nicolau, pero sus herederos han decidido subastarla a través de la casa Soler y Llach, que la ofertará al público -junto con otros 439 lotes de fotografías y fotolibros- el próximo 26 de mayo. Hoy, curiosos e interesados en adquirir esta o el resto de las obras tienen la oportunidad de verlas en la Casa de Subastas de Madrid. Después, solo habrá una segunda oportunidad en Barcelona, del 23 al 26 de mayo.

El citado y misterioso daguerrotipo de Madrid es la obra con más valor estimado de la subasta, pues su precio de partida es de 30.000 euros. Ya hay interesados en la reliquia que pujarán por ella, aunque la duda es: ¿Lo hará alguna entidad pública madrileña? “Deberían”, dice David Balsells, conservador jefe del departamento de fotografía del Museo de Arte de Cataluña. “Es una pieza fantástica”.

La daguerrotipia, según la RAE, es “el arte de fijar en chapas metálicas, convenientemente preparadas, las imágenes recogidas con la cámara oscura”. Fue el primer proceso fotográfico que consiguió fijar la imagen, y se dio a conocer al mundo en 1839.

Juan Naranjo, responsable de fotografía de la casa de subastas, explica el porqué de su valor: “Es el primer paisaje urbano de España elaborado con esta técnica que se conoció. Fue en 1980, cuando se empezó a recuperar el patrimonio fotográfico español, y no se expuso hasta 1982 como parte de la muestra La fotografía en España hasta 1900. Los daguerrotipos de paisajes son rarísimos, solo se conservan 15 de España. Y siete están en el Museo Getty, de Los Ángeles (EE UU)”.

“La daguerrotipia es una técnica de gran finura que sustituyó en poco tiempo la labor que hasta entonces desarrollaban los miniaturistas”, explica Balsells. “Se usaron sobre todo para retratos, a pesar de que la gente se tenía que someter a la tortura de posar hasta 20 minutos en sillas especiales que fijaban la nuca para que permanecieran inmóviles”, continúa Balsells. “Se hicieron miles de retratos por este método, por eso el valor de esta imagen, un paisaje urbano o escénico, es aún mayor”.

De forma oficial, la propia casa de subastas, describe la relevancia del punto de vista de la imagen de la siguiente forma: “El autor de este daguerrotipo ofrece un acercamiento al paisaje que se escapa de los convencionalismos, de la vista simétrica, frontal, realizada a pie de calle de los edificios de la ciudad, y recurre a un balcón para realizar la toma, ofreciendo una vista poco usual en la que juega con la diagonal para dar una visión más dinámica, fragmentada y formalista de los terrados de Madrid en la que podemos ver un andamio”.

“Cuando un daguerrotipo está en buen estado, su calidad es insuperable”, explica Rubén Morales, miembro de la Real Sociedad Fotográfica y experto en técnicas de fotografía antigua. “Como yo siempre digo: a partir del daguerrotipo, todo fue a peor. Son muy valorados porque son irrepetibles e irreproducibles. Eran muy laboriosos de hacer: había que pulir una placa metálica durante horas y quienes los hacían acababan con los antebrazos como Popeye. El problema es que se revelaban con vapores de mercurio, un proceso muy venenoso, y muchos acababan en la tumba. Pero en los inicios de la fotografía fueron un espectáculo fascinante. Eso de ver cómo se tomaba una foto con la acción de la luz era un espectáculo al que iba hasta la realeza. Era como si llegara el Circo del Sol… cuando el Circo del Sol no había venido nunca”.

La conservación de los daguerrotipos es compleja: el oxígeno estropea las imágenes, que hay que sellar en una cajita. Algunos adhesivos ceden con el tiempo, motivo por el cual muchas imágenes hechas con esta técnica no se han conservado.
Fuente (EL Pais)

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El Museo Internacional de Cine y Fotografía. Casa de George Eastman, es el sitio donde se exhiben las imágenes con motivo del 150 aniversario del inicio de la Guerra Civil estadunidense.  

El museo, elegido por ser parte importante en la historia del arte, albergará hasta junio próximo, una serie de fotografías inéditas que datan del siglo XIX, imágenes contemporáneas de los sitios de guerra y una colección de los filmes más representativos del conflicto bélico.  

Además en abril, será homenajeado el director de cine independiente Jonas Mekas, a quien se le entregará el título ‘George Eastman Honorary Scholar’.  

Hijo de María Kilbourn y George Washington Eastman, George nació el 12 de julio de 1854, en la aldea de Waterville, Nueva York; a los ocho años perdió a su padre, lo que ocasionó que la familia atravesara por momentos difíciles y penurias económicas, que lo obligaron a dejar sus estudios a los 14 años.  

Según sus biógrafos, el chico juró entonces, con sombría determinación, sacar a su familia de las dificultades financieras y ayudar a su hogar.  

Fue así que se colocó como mensajero en una compañía de seguros, donde acabó haciéndose cargo del archivo de pólizas, pero el sueldo era insuficiente, lo que lo llevó a buscar una oportunidad en el banco local, ingresos que le permitieron ahorrar para iniciarse en el negocio fotográfico.  

Su afición por la fotografía nació a los 24 años cuando pensó en tomar unas vacaciones y un compañero le sugirió capturar imágenes de recuerdo. Eastman compró su equipo y tomó unas lecciones, y aunque nunca viajó a Santo Domingo, a partir de entonces se dedicó a buscar la manera de simplificar el proceso de este arte.  

Al principio, quería simplificar la fotografía para su propio placer, pero pronto empezó a ver posibilidades de fabricar placas secas para el mercado, así que mientras trabajaba de día en el banco, por las noches experimentaba en la cocina de su madre, mezclando emulsiones.  

Los primeros tres años de sus experimentos fotográficos fueron los más duros e inclementes de su dura vida de trabajo, sin embargo, para abril de 1880, George Eastman alquiló el tercer piso de un edificio en la calle State de Rochester y empezó a fabricar placas secas para la venta.  

En 1879 patentó en Inglaterra una máquina que aplicaba el gelatino-bromuro de forma homogénea, sobre las placas de cristal, pero fue hasta 1884, que tras varios experimentos, logró sustituir el soporte de la fotografía y patenta la primera película en forma de carrete que empezó a ser práctica.  

Para llegar al público en general, Eastman decidió fabricar un nuevo tipo de cámara, la primera Kodak, que es introducida al mercado en junio de 1888.  

Se trataba de una cámara, de tipo de cajón, ligera y de tamaño pequeño, cargada con un rollo de película desplegable, y con suficiente longitud para tomar 100 exposiciones.  

El precio de la cámara ya cargada era de 25 dólares e incluía su estuche y una correa para el hombro; después de haber expuesto el rollo, la cámara se enviaba a Rochester, donde se sacaba la película, se revelaba, se imprimían las copias y se cargaba con un nuevo rollo por 10 dólares.  

En agosto de 1889 se lanzaron al mercado los primeros rollos de película transparente de Eastman, que logró fabricarlos extendiendo una solución de nitrocelulosa sobre una mesa de cristal de 200 pies de largo por 42 pulgadas de ancho, que una vez seca recubría con un sub-estrato de silicato de sosa, para hacer que adhiriera la emulsión, y después recubría con la emulsión de gelatina.  

Era transparente y sin grano y podía durar como soporte permanente para el negativo, con lo cual se hizo innecesaria la operación de despegue, además podía producirse en tiras de 200 pies de largo.  

Esta película flexible y transparente de George Eastman, unida al aparato construido de manera simultánea por Thomas Alva Edison, haría posible después el cinematógrafo.  

Uno más de sus logros, en 1891, fue una nueva mejoría más para la película transparente para aficionados, que al colocarla en carretes, permitía cargar la cámara a plena luz del día.  

En 1892 fundó la compañía Eastman Kodak Company, en Rochester, Nueva York, lo que fue un cambio radical en fotografía, la cámara Kodak crea un nuevo mercado y convierte en fotógrafos a personas que no tenían conocimientos especiales del asunto y cuyo único móvil era el deseo de tomar fotografías.  

Ahora, la cámara ya no tenía que enviarse a Rochester para ser cargada nuevamente; los rollos de película podían comprarse ya casi en cualquier parte y las cámaras para la nueva película seguían simplificándose más.  

En 1895 se puso en el mercado una cámara de cajón de tamaño de bolsillo. Ese aparato estaba dotado de un fuelle que la hacía plegadizo; y en 1900 se lanza la primera “Brownie”, diseñada para niños, a la venta por sólo un dólar.  

Eastman siempre estaba ansioso de alcanzar un progreso similar en la fotografía a color, ordenó que se hicieran trabajos sobre muchos procesos, hasta que logró hacer posible que cualquiera pudiera tomar fotografía de cine a color en película de 16 mm.  

No obstante todo lo anterior, Eastman no era presuntuoso, era un hombre modesto. Además de ser inventor, era tecnólogo, un organizador y un ejecutivo con visión, un ciudadano patriota y un filántropo.  

De lo que obtuvo a cambio de sus grandes dones, entregó más de 75 millones de dólares a diversos proyectos, entre ellos a la educación medicinal, fundación de la Escuela Eastman de Música y a colegios afroamericanos, entre otros.  

En 2006 fue reimpresa una nueva edición del libro “George Eastman: A Biography”, el cual tuvo su primer lanzamiento en 1996; la narración es un trabajo documental de Betsy Brayer, quien por más de 16 años se dedicó a rescatar archivos del fotógrafo.  

George Eastman se quitó la vida el 14 de marzo de 1932, en Rochester, Nueva York, dejando una nota que decía: “Mi trabajo está hecho, ¿por qué esperar?”.  

Actualmente, la fundación que lleva su nombre apoya a todos los estudiantes que estén interesados en convertirse en retratistas, con visitas guiadas a laboratorios fotográficos para que conozcan todo el proceso.

Fuente: informador.com

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La memoria es un campo de maravillas donde las imágenes, como un perfecto caleidoscopio, se van sucediendo y suplantando la una a la anterior; en ocasiones con una notable tendencia a la repetición y fijación final de las bellas, tiernas y memorables.
Hoy, buscando en negativos, vistas fijas, impresiones y en el ordenador, alguna de las fotografías tomadas durante más de dos décadas de amistad con un grupo de personas de incalculable valor humano, entre las que se encontraba nuestro hermano Jesús Natalio Puras Penzo –APECO, encontré esta foto.
Además de APECO y otros que vinieron después, entre los miembros de este grupo puedo mencionar a Carlos Acevedo, Mercedes Padilla de Acevedo, Sixto Paz Wells, Gertrudis Eli, Daysi y Johnny Luciano, Xiomara Núñez, Demetrio Almonte, Moisés Cruz, Patricia Martínez de Cruz, Jaqueline y Juan Luis Hadad, Mali Fermín, Bienvenido Hernández, Juanito Rodríguez, Luis Rodríguez, Leovigildo Díaz, Ingrid Ureña y otros cuyos nombres la briza ondulante del tiempo se ha llevado a otros planos: La inolvidable Milagros Beras (profesora, pianista y concertista), Don Juan Erickson padre de Edgar Erickson y Cesar Rodríguez Barroso (este ultimo de San Francisco de Macorís, a mi entender, uno de los seres humanos que fue más amado por APECO), Natalio y Cesar tenían la afinidad de la imagen duplicada en los cristales de la sensibilidad, humanidad y sencillez: del mismo origen, textura y brillo.
La fotografía memoriza una sección de la sala del apartamento donde vivía APECO, el tejido de la mecedora me recuerda la figura de Doña Gloria Penzo (madre de APECO), su eterna, clásica y delicada elegancia, a veces allí sentada. Las sandalias caseras de nuestro amigo y el espacio; testigo silente de tantas confidencias, polémicas, consultas, planes, puerta a conversaciones sobre arte, artistas, música, maestros, la vida, el devenir, la imagen, los instantes, Dios, la nada, el color, el dolor.
Allí tuvo lugar nuestra última conversación.
Aunque quizá no fue la última………
Santiago de los Caballeros, República Dominicana, 17 de Enero, 2010.

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Fotografia: El Pais
Reportaje de Isabel Lafont, El Pais, Madrid, 29/12/2010
Si hubiera que clasificar las fotografías de Jean-Luc Maylayne (Marquise, 1946) según el tiempo que tardaron en obtenerse, ocuparía sin duda el final de una escala que tendría su punto de partida en el fotoperiodismo. Lo suyo es la contemplación, la paciencia del cazador que espera en su puesto el paso de una pieza. Maylayne puede observar durante meses los hábitos de un gorrión, un estornino o un carbonero a la espera de la luz, el encuadre y el enfoque perfecto. Así ha elaborado unas 500 fotografías a lo largo de 32 años. Son copias únicas en color, de gran formato y, hasta el 4 de abril, el palacio de Velázquez (más conocido como palacio de Cristal) acoge una muestra de las mismas, en la primera retrospectiva de este artista que se presenta en España.
“Son fotografías que no tienen nada que ver con el instante decisivo del que hablaba Cartier-Bresson”, explicaba Manuel Borja-Villel, director del Museo Reina Sofía -responsable de este espacio expositivo-, durante la presente la presentación de esta muestra. “Son imágenes en las que hay algo de verdadero y algo de construido, de artificial. Hay un tiempo humano y un tiempo geológico porque la naturaleza está presente, no una visión romántica de la misma, sino una visión basada en el silencio”, añadía Borja-Villel. Maylayne no pretende documentar la naturaleza que observa, a pesar de que los títulos de sus imágenes recojan un número de inventario seguido del tiempo que tardó en tomarlas. “La totalidad de la obra está muy comprometida con la metafísica y hay que prestar a esto tanta atención como a los detalles concretos”, ha explicado la subdirectora del Museo Reina Sofía. Lynne Cooke. Maylayne no fotografía una naturaleza salvaje, sino espacios como ranchos o granjas de Francia o Estados Unidos en los que existe un diálogo entre seres humanos y animales. “El artista no solo diseña el espacio, sino la puesta en escena: siempre sabe dónde va a estar el pájaro en la imagen”, señala Cooke. Pero, como subraya el escritor y crítico de arte Javier Montes, autor de uno de los textos que figuran en el catálogo de la exposición, “ni siquiera son los pájaros el asunto principal de su trabajo, hasta cierto punto funcionan como pretexto de un subtexto denso y complejo de conceptos relacionados con la mecánica de la percepción visual, espacial y temporal. Al final, de ellos acaba por desprenderse todo un sistema filosófico”. Todo un cuerpo de reflexiones sobre asuntos como el ciclo de vida y muerte, el desgaste de los recursos naturales o la interdependencia del hombre y la naturaleza.

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Conocí­ a Pedro Martínez unos años atrás.  De temperamento un tanto introvertido, por lo menos en su ambiente de trabajo que es donde más le conocemos.

Quienes nos dedicamos a la fotografía comercial hemos tenido en Pedro siempre una mano presta para servir, sugerir y ayudar. Es que Pedro dirige el área técnica de la matriz de Magnacolor en Santiago de los Caballeros y esa posición ayuda a sacarnos de apuros de vez en cuando.

Pertenece al Grupo Fotográfico de Santiago (GRUFOS) y posee amplia visión de la técnica fotográfica.

En lo personal guardo un gran respeto por este novel fotógrafo Santiaguense. Tome algunas imágenes de su boda, el realizo las fotografías de la boda de mi hija Roxanna.

El pasado martes en la Cámara de Comercio y Producción de Santiago fue la premiación del concurso anual que con motivo de la celebración de la feria Expo Cibao organiza esa institución. Un primer y tercer lugar para Pedro Martínez fue parte del resultado. Imágenes plenas de sensibilidad y sentido de la expresión del momento y ritmo fotográficos, además de un uso prudente de la técnica de post-producción.

Este sábado pasaba a recoger una orden de impresión y fue  grande mi  alegría cuando supe que Pedro había obtenido el 2do. lugar en el Concurso APECO, en blanco y negro, promovido por la Sub-Secretaria de Estado de Cultura.

La obra de este segundo lugar es un tema inacabable que muestra en signos y de un solo tirón, los afanes de la mujer y del hombre en la procura de sostener con dignidad su familia. La ropa secando al sol, las tayotas recogidas resultado del esfuerzo labrando  la tierra y los hijos como presencia del amor y aquella humilde vivienda que por humilde no deja de ser el centro del conjunto visual como laboratorio físico del quehacer de la totalidad humana, conforman un blanco y negro sin desperdicio alguno.

Estamos ante la presencia de un artista que crece y participa, que muestra su interpretación, acomodando con justicia sus principios éticos y visuales al ritmo de las imágenes que capta con firmeza y carácter, Pedro Martínez es ya un exponente que enriquece la expresión de la fotografía dominicana.

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Como cada año la empresa Fotosistema realizo en el Hotel Melia de Santo Domingo su acostumbrada Convención Anual de Fotógrafos. Una elocuente oportunidad de reunir aquellos artistas visuales dedicados básicamente al reportaje de eventos sociales.

En este año se observa una apertura de Fotosistema hacia otros mercados al ofertar una línea de impresión ligera para catálogos comerciales de exquisita calidad de impresión y terminación.

Una gama de nuevos y elegantes estilos de álbumes para bodas y eventos, que vienen a enriquecer su tradicional y básica línea de álbumes, es muestra del esfuerzo de los propietarios de esta empresa en su claro objetivo de mantenerse a la vanguardia en la producción local de libros fotográficos con calidad.

En el marco de este encuentro, elegidos por votación de los fotógrafos del medio, fueron distinguidos con reconocimientos diversos: Don Hector Baez, Luis Nova, Jochy Fersobe y Rubén Román. Además de un homenaje póstumo a Don René Taveras.

A orgullo mueve tener entre nosotros estos  representantes de las virtudes propias del arte fotográfico tales como: constancia, tesón, creatividad, diversidad y dinamismo, enmarcados con el recuerdo de la figura de Don René símbolo inequívoco de amistad, caballerosidad y humanidad (la familia de Don Rene, su esposa e hijos, entre ellos Alejandro Taveras, fotógrafo como su padre, recibió la distinción).

Un encuentro de estas características mueve a la buena relación, a la admiración humilde de aquellos que movidos por diferentes motivos han llegado a ser, en la actualidad, los más claros y relevantes exponentes del reportaje fotográfico social en nuestro país y que elevan el nivel de calidad y alcance de la fotografía dominicana.

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Anualmente se realiza una peregrinación a esta capilla.

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