Mayra A. Johnson Depratt.

Santo Domingo, 06 de Febrero, 2012.

PhotoImagen 2012 • Tránsitos

Tema de Photoimagen 2012
Los artistas que serán presentados en esta edición del más importante festival fotográfico del país abordarán temas diversos cuyo hilo conductor y leit motif sea precisamente ese tránsito, o esos tránsitos, de un lugar a otro, de un estado a otro, de una sociedad a otra, y las implicaciones personales, sociales, políticas y hasta económicas de estos desplazamientos.

Photoimagen 2012 se centrará en la idea de Tránsitos. Usamos la idea de los tránsitos, en plural, debido a que aunque responda básicamente a la acción de transitar, su uso, en el contexto de Photoimagen 2012 implica movilización, traslados, pasos de un estado a otro, desplazamientos, flujos y disoluciones. En estos tránsitos se considerara la manera en que la obra fotográfica responde a las migraciones, la muerte, las transgresiones y los traspasos en general.

Forma de participación
Photoimagen 2012 es un festival de fotografía donde participarán más de medio centenar de exposiciones de fotografía. En su sección oficial participan por invitación las exposiciones seleccionadas por el Comité Organizador. La convocatoria abierta de otros años ha evolucionado hacia un modelo por invitación a propuestas curatoriales. Los proyectos expositivos que participarán serán seleccionados por el Comité Organizador de Photoimagen 2012 por su pertinencia y correspondencia con el tema que ocupa en esta edición: Tránsitos.

Perfil de los proyectos que participarán en PhotoImagen 2012
Los proyectos que se presenten a PhotoImagen 2012 deben guardar relación con el eje teórico del evento. Estos vínculos deben estar claros en el proyecto que se someta.
Los curadores, coordinadores o gestores de los proyectos de exposición seleccionados, aunque contarán con el apoyo logístico del Comité Organizador de PhotoImagen 2012, deben controlar todos los procesos de conceptualización, producción, montaje y desmontaje.
Los curadores, coordinadores o gestores de los proyectos de exposición seleccionados deben velar por la calidad de impresión y montaje. Estos parámetros debe estar de acuerdo a los niveles cualitativos establecidos por PhotoImagen.
Todo el material grafico e informativo relacionado con la exposición debe contar con la identidad y logos del festival y sus patrocinadores.
Las propuestas de exposiciones para PhotoImagen 2012 deben adecuarse a los espacios expositivos disponibles para el festival.

FORMULACIÓN DE PROYECTO EXPOSITIVO PARA PHOTOIMAGEN 2012
La convocatoria de PHOTOIMAGEN 2012 aunque es por invitación, plantea un espacio para la revisión y posible inclusión de proyectos de curaduría para exposiciones que se circunscriban al tema que ocupa en esta edición: Tránsitos. Estos proyectos deben ser presentados antes del 20 de mayo de 2012. Cada proyecto debe tener los siguientes elementos para ser considerados para esta edición:

Carta de intención
Este documento es una presentación breve del proyecto y debe ser dirigida a Mayra Johnson, Directora de la Fundación Imagen 83 inc. y a Carlos Acero Ruiz, Director Artístico de PHOTOIMAGEN 2012.

Planteamiento curatorial.
Desarrollo de la tesis de la exposición.

Proyecto expositivo
Guion expositivo, artistas participantes y posible diseño de la exposición.

Artistas participantes y ejemplos de obras
Debe incluir a todos los artistas (en caso de que sea una exposición colectiva) y ejemplos de la obras que se expondrán.

Plan de Comunicación
Engloba todas las acciones que serán emprendidas para divulgar la exposición.

Programa Educativo
La exposición deberá ser acompañada de un plan educativo, que tome en cuenta las comunidades del contexto donde se presenten.

Cronograma de Ejecución
Documento esencial que estructure y detalle acciones, proyectando su ejecución hasta el desmontaje de la exposición. Debe contemplar la planificación de ejecución de todas las actividades: pre-producción, montaje, desmontaje, acciones educativas, divulgación.

NOTA:
En caso de que un proyecto curatorial sea aceptado, el/los responsable/s de el proyecto deben firmar un convenio con el Centro de la Imagen en el que se establezcan las responsabilidades y deberes de ambas partes.

Aunque este evento es por invitación se podrán considerar algunos proyectos por su pertinencia y adecuación al tema. Estos proyectos deben ser sometidos antes del 20 de mayo de 2012. Toda la documentación correspondiente debe ser entregada en el Centro de la Imagen de Santo Domingo.

Información y Contacto
Fundación Imagen 83
Centro de la Imagen
PhotoImagenRD

Calle Arzobispo Meriño #464
esquina Vicente Celestino Duarte
Santo Domingo, Repúbica Dominicana
Tels: 1 809.682.6172

Email: info@centrodelaimagen.org

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El Martes 27 de Septiembre del 2011. a las 7:00 de la noche, el Centro León, con motivo del mes de la fotografía y además, del XV aniversario del Grupo Fotográfico de Santiago (GRUFOS), se sostendrá un Conversatorio sobre el papel de los colectivos fotográficos y artistas del lente en el desarrollo de la fotografía dominicana. También se presentará la exposición virtual “Una mirada a Santiago”.
En esa misma fecha serán puestos en valor unos 7,000 nuevos registros del Fondo Fotográfico de Wilfredo García.

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Respecto a la exposición “identidad”, de nuestro admirado y mutuo amigo Pedro Genaro Rodríguez,  le solicité al cineasta Juan Delancer  escribir , a modo de colaboración con fotografiadominicana.com,  algunos párrafos  refiriéndose a la propuesta “identidad” que se expone en el Museo de las Casas Reales hasta el 30 de Septiqmbre próximo.A continuación las palabras de Juan Delancer acerca de “identidad”.

——

Texto: Juan Delancer, Fotografía: Juan Guzmán

Rara vez una muestra tiene la poderosa capacidad de explicar y resumir todo lo que somos, lo que hemos perdido y lo que está amenazado con desaparecer como la que exhibe el más reciente trabajo fotográfico de Pedro Genaro Rodríguez.

Nadie ha de llamarse a engaño, si nos enganchamos a la premisa cierta de que el autor de “Identidad” no fotografía por mero placer, y que por lo tanto su obra entraña un manifiesto de defensa y a la vez de proclama, de resistencia y de grito desmesurado por lo que nos toca preservar como signo vital para reconocernos.

Lo que ha colgado Pedro Genaro en las paredes del Museo de las Casas Reales son 27 expresiones tras cuya depurada composición, perfiles inconfundibles y dominio de la luz, puede leerse entre sus múltiples lecturas un desahogo entre la bruma de la incertidumbre por lo que hemos sido y debemos ser.

A través de gallos, pescadores, viandantes, enmascarados o músicos, Pedro Genaro hace  filtrar, con esa extravagante incandescencia de su fotografía que hace a su estilo propio y único, un rosario manierista de figuraciones muy caras a nosotros, pero que también nos hacen cuestionar hasta dónde somos y si lo que somos ha de ser

En esos compartimentos estancos pletóricos de momentos en que a ratos nos sentimos retratados y en otros nos queda apenas la nostalgia difuminada de  lo que pudo ser y no fue, el autor parece consentir en que debemos ser algo más que una marca-país. Primero tenemos que ser-sentirnos-un verdadero país. La realidad que en 27 fotogramas ensoñadores, pero sin concesiones, Pedro Genaro parece sustentar que somos una amalgama de pequeños países, distintos colores que nadie combina, diferentes niveles del que unos pocos se aprovechan, diversidad de voces que se empecinan en vociferar sin una idea común de engrandecimiento que nos mantenga enlazados. Estamos juntos, pero también “reburujaos”.

Con su nueva exposición, el maestro nos obliga a referenciar el imaginario y revisar a golpes de trazos de un esplendor crudo, lo que nos imaginamos ser como nación fragmentada que porta una cédula de identidad desvahída

La identidad estética, emocional y solidaria de este artista prodigioso y socialmente comprometido nos ayuda a procurar afanosos un eslabón indispensable que nos sirva de argamasa fundamental para reencontrarnos, para cohesionarnos. Para refundarnos.
Con Identidad, Pedro Genaro nos invita a reconocernos sin apuros modelados, nos convoca a mirarnos y devolver, con la misma mirada, un gesto que se antoja urgente por la advertencia apocalíptica que esa expo entraña al reflejar la incapacidad nacional de poder cohesionar un sentimiento gregario que se nos va entre los dedos. Las imágenes de Pedro Genaro nos entregan un registro disperso de lo que somos que aun requiere de un sello de ciudadanía única que en este momento no es.

——

Felizmente esta publicación coincide con la exihibición en HBO latino de la película de Juan Delancer “Trópico de Sangre” (Rains os injustice), sobre las Hermanas Mirabal.

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“Me atrevo a decir, que estos tres artistas del lente nos dan un testimonio de su amor, nos evangelizan, nos conmueven, nos indican que una familia que retrata unida, es el más bello canto que pueda escucharse en esta confusa humanidad.” (Freddy Ginebra)
Palabras de Don Freddy Ginebra, Director de Casa de Arte en la inauguración de la exposición
3Alberti en fotografía.

Pienso que “en fotografía” ya que el apellido Alberti a regado con su gracia diversos ámbitos del
arte dominicano. Sólo basta recordar a nuestro laureado Luís Alberi gloria de la música criolla.
Por su parte Pedro Genaro Rodríguez curador de este propuesta (quien por estos dias nos ofrece
su cuarta individual “identidad”en el museo de las casas reales), expresó:
“más que tres muestras individuales, yo veo en esta exposición un triálogo, tres discursos que tienen mucho en común y al mismo tiempo tienen distintos matices.”

3Alberti en Fotografía en Casa de Teatro fue una idea que surgió hace alrededor de un año y es ahora una realidad. Es una muestra de unión entre los integrantes de una familia que busca demostrar que los valores familiares aun existen. Don Herminio Alberti León y sus hijos Anadel y José Ml. Alberti Sadhalá.

Con este motivante motivo Anadel escribió en su mur de Facebook la siguiente nota:

Cada minuto en la vida es diferente al que ya pasó. El ser humano en general trata de compensar los minutos malos con aquellos buenos y así llegar a tratar de sentirse pleno.

Ayer Lunes, 5 de Septiembre del 2011 fue un día en que cada minuto vivido fue MARAVILLOSO. Fue uno de esos días en que me di más cuenta aun de lo GRANDE que es DIOS y de lo inigualable que es tener una familia como la que tengo.

Desde hace días me venían preguntando si estaba nerviosa o acelerada por la exposición de fotografía que iba a tener con mi hermano y mi padre…mi respuesta “mi papá creo que es el que está acelerado por los tres!!” Sin embargo, cuando llegó la hora de la verdad les confieso que el sentimiento vivido fue ESPECTACULAR. Desde poder tener a toda mi familia unida, hasta ver caras de muchas personas que tenía tiempo sin ver, hasta sentir el cariño de tantas personas que han estado junto a nosotros desde que tengo uso de razón, hasta recibir mensajes especiales de personas que por una razón u otra no iban a estar presentes, hasta el maravilloso mensaje transmitido por mi hermana.

Quiero agradecer a todos aquellos que de una forma u otro estuvieron presentes y han estado presentes en el proceso de la organización de este proyecto que nunca olvidaré “3- Alberti en Fotografía en Casa de Teatro.” El Maestro Pedro Genaro, NO HAY PALABRAS; Félix, Kutty, Domingo – siempre han sido una inspiración y un apoyo incondicional para nosotros; Freddy Ginebra y a todos en Casa de Teatro por sus palabras y por prestarnos un espacio del hogar de muchos grandes artistas; y gracias a todos los patrocinadores por apoyar esta iniciativa tan especial para nosotros.

A mi madre, por ser la paciencia personificada, a mi hermana, por expresar sus más puros sentimientos con tanto orgullo; a mi padre por ser el ejemplo que es, y a mi hermano por ser el mejor de los hermanos. A nuestros amigos que han sido parte importante de este proyecto, y sobretodo a DIOS, por darme la oportunidad de expresarme a través de la fotografía y sobretodo por darnos la oportunidad de presentar este proyecto como FAMILIA.

Puede que a algunos les guste una que otra foto, puede que a otros no les parezcan “la gran cosa,” lo cual se les respeta; pero al final del día no hay NADA como la satisfacción de poder haberme parado junto a cuatro de las personas más maravillosas que conozco y de las cuales me
siento orgullosa de llamar familia para presentar nuestro preciado proyecto.

De Nuevo gracias a cada uno de los que nos han apoyado y nos siguen apoyando y gracias a MI FAMILIA por ser la familia Imperfecta y Perfecta que día a día me mantiene en Pie.

Ayer Lunes 5 de Septiembre del 2011 puedo decir con mucho orgullo que me sentí FELIZ y PLENA.
————
3Alberti en fotografía estará abierta hasta el 30 de Septiembre en la sala Paul Giudecelli de Casa de Teatro. Durante este mes veremos muchas imágenes y propuestas. Esta tiene un toque único y sin presendentes: La fuerza de la sangre que a la ves es fuerza de amor ycompromiso ilimitado.
fotografiadominicana.com se hace eco de este quehacer al mismo tiempo que agradecemos a Anadel Alberti por su colaboración.

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PHotoEspaña y OjodePez han premiado al fotógrafo checo por la serie Swimmers with a disability (Nadadores con discapacidad) en la cuarta edición del certamen.

PHotoEspaña y la revista de fotografía documental OjodePez hacen público el ganador del IV Premio PHotoEspaña OjodePez de Valores Humanos, con el que reconocen un trabajo de fotografía documental que destaque los valores de solidaridad, ética, justicia o esfuerzo.

El ganador de la cuarta edición del premio es el fotógrafo checo Jan Cága por su serie Swimmers with a disability (Nadadores con discapacidad). El premio está dotado con 3.000 euros, la posibilidad de participar en una exposición y la publicación de la serie ganadora en el número especial de otoño de la revista OjodePez.

En la serie Swimmers with a disability, el fotógrafo checo retrata a un grupo de discapacitados físicos en una piscina, un lugar excelente para sentirse libres. El trabajo se realizó en junio de 2010 durante las pruebas de 100 metros del Campeonato Nacional de Natación para discapacitados en República Checa.

Jan Cága recuerda con su trabajo Swimmers with a Disability, que las aparentes limitaciones de los discapacitados no tienen por qué ser un impedimento para llevar una existencia plena.

El agua es el elemento idóneo para experimentar un vacío casi perfecto en el que este grupo de personas ignoran por unos instantes el mundo y sienten que con el movimiento de un solo dedo podrían desencadenar una reacción impredecible que lo cambiase todo. Y con ese sentimiento, explica Cagá, podemos hacerlo todo. «Las barreras y los muros son tan altos como nosotros mismos los construyamos. Solo los que quieren luchar, ganan», afirma Cagá.

El jurado encargado de conceder el Premio PHotoEspaña OjodePez de Valores Humanos 2011 ha estado compuesto por Frédérique Babin, redactora y editora de fotografía de la publicación francesa Le Monde Magazine; Caroline Hunter, editora gráfica que en la actualidad trabaja en The Guardian Weekend Magazine, de Londres; Nissan Pérez, comisario de fotografía del Museo de Israel, y Arianna Rinaldo, directora de la revista OjodePez.

Jan Cága
Nacido en el pequeño pueblo de Hodonin, en República Checa en 1976. Después de graduarse en Diseño de Arte en la Universidad VUT, trabajó como freelance en una revista, convirtiéndose posteriormente en fotógrafo de la agencia de fotografía ISIFA. Su trabajo aborda y documenta eventos, asuntos sociales y medioambientales, desastres naturales, derechos humanos y animales, comunidades con discapacidades mentales o físicas junto con estudios de exposición a largo plazo del hombre y la sociedad contemporánea. En la actualidad está centrado en proyectos documentales de larga duración.

Jan ha recibido numerosos premios de fotoperiodismo tales como Czech Press Photo y el premio a la Excelencia en la 68 edición del certamen internacional de Pictures of the Year. En la actualidad vive en la ciudad checa de Brno, Czech Republic, con su mujer Veronika y sus dos hijos, Jachym y Matej.

fuente : www.phe.es

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Aunque la inauguración oficial del certamen de fotografía tendrá lugar el próximo 1 de junio, ambas muestras suponen un avance de lo que será esta nueva edición de PhotoEspaña, cuyo tema será el retrato como portador de la identidad.

Así, la exposición “Retratos de Fayum+Adrían Paci: sin futuro visible”, que abre sus puertas mañana en el Museo Arqueológico Nacional de Madrid con trece retratos procedentes del British Museum de Londres, será una de las más radicales de PhotoEspaña 2011 que, bajo el lema “Interfaces. Retrato y comunicación”, prestará especial atención al retrato como portador de la identidad del individuo.

Por su parte, la Fundación Telefónica presenta la muestra “1000 caras/ 0 caras/ 1 rostro” en la que se reúne a dos de los referentes más importantes del arte actual, cuya obra gira en torno a la representación del individuo y sus variantes polisémicas.

Los retratos de Cindy Sherman, alejados de los cánones tradicionales para abrazar un espacio de crítica, y las fotografías de rostros asépticos y sin artificios de Thomas Ruff, se muestran junto con los trabajos de un artista desconocido, el fotógrafo mexicano de finales del XIX y principios del XX, Frank Montero Collado, cuyas fotografías se exponen por primera vez.

Con sesenta y ocho exposiciones, más de sesenta actividades y 370 artistas de cincuenta y cinco nacionalidades, PhotoEspaña celebrará su XIV edición del 1 de junio al 24 de julio.

Según explicó durante la presentación de PhotoEspaña, Gerardo Mosquera, comisario general durante los próximos tres años, el certamen se verá en esta edición ampliado con la entrada del vídeo, la pintura y otros lenguajes “que tienen la fotografía como base de la imagen”.

La internacionalización del certamen es otra de las prioridades de los organizadores, que han querido desplazar el foco de atención hacia otras zonas poco representadas en PhotoEspaña, con especial atención a Asia.

Además, se pretende también dar un sentido más contemporáneo al certamen con artistas más jóvenes y emergentes que permitan llegar a un público más amplio.

La gran exposición colectiva del festival será “Face Contact”, que se celebrará en el madrileño Teatro Fernán Gómez y estará patrocinada por el Banco de Santander.

En ella se mostrará la obra de 31 artistas que han trabajado con el retrato como elemento de identificación y comunicación desde mediados de los 60 hasta la actualidad, desde la fotografía clásica hasta trabajos en la red, como Hans-Peter Feldmann, Shilpa Gupta, Mona Hatoum o Cristina Lucas.

El Círculo de Bellas Artes y la sala Loewe, que se incorpora por primera vez al festival, acogerán la muestra “Ron Galella. Paparazzo Extraordinaire”, exposición antológica con más de cien imágenes del “paparazzo” más famoso y controvertido del siglo XX.

Como una de las exposiciones más innovadoras se presenta “El poder de la duda”, organizada en el Museo Colecciones ICO y comisariada por Hou Hanru, que incluye más de 50 obras entre fotografías y vídeo instalaciones de 16 artistas de once nacionalidades, la mayoría de China y de Europa del Este.

Además de las 21 exposiciones de la Sección Oficial, se organizarán cinco en el programa OpenPHoto, diez en otras salas y 32 en el Festival Off, con la participación de un total de 61 sedes entre museos, galerías, centros de arte y salas de exposiciones.
Fuente: EFE

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Frederic Emam-Zade, Catherine Florentino, Victoria Thomen, Amanda Tatiana Forteza y Hector Mota (Motika)

La Fundación Global Democracia y Desarrollo (FUNGLODE), a través de su Centro de Estudio de la Cultura dejó inaugurada, el pasado miércoles 6 de abril, la exposición fotográfica “Patrimonio Nuestro”, una muestra colectiva donde participan los fotógrafos: Héctor E. Mota Portes, Victoria Thomen y Amanda Tatiana Forteza Collado.

El lanzamiento de la exposición tuvo lugar en la Galería de Arte de FUNGLODE. Catherine Florentino, Directora de la Galería expresó que la misma estará abierta al público hasta el 29 de abril.

La actividad contó con la presencia de reconocidos fotógrafos y artistas de las artes plásticas en la República Dominicana junto a algunos directivos de FUNGLODE que acompañaron a los familiares y amigos de los expositores en este evento de presentación formal de su trabajo.

Héctor E. Mota fue quien dirigió las palabras a los presentes y manifestó su agradecimiento por el apoyo recibido de parte de todas las instituciones que hicieron posible la presentación de esta exposición fotográfica.

Mota expresó que con esta muestra los artistas del lente buscan presentar al publico imágenes de lugares que muy pocos dominicanos conocen, primero con la finalidad de mostrar que nuestros recursos naturales van mucho mas allá de rio y playa. Segundo pata destacar la importancia de fortalecer el sistema nacional de áreas protegidas y tercero para motivar al publico a salir de sus zona de confort y aventurarse a conocer las más de 50 reservas naturales en todos nuestro país.

El artista de la fotografía reconoció el trabajo que viene realizando el Ministerio de Medio Ambiente con la adecuación de áreas para facilitar la visita de los excursionistas, han habilitado senderos, miradores y casetas que en algunos casos incluso le permiten a los visitantes pernotar en el lugar.

“Nos toca a nosotros como ciudadanos contribuir con el turismo de aventura, ya sea ecológico o rural, ya que esto se traduce en el desarrollo de las comunidades que están en las zonas de impacto de las áreas protegidas. Esto trae como consecuencia un sistema de hostelería que aleja a los habitantes de estas comunidades de las intenciones de depredación y les motiva a proteger los recursos naturales que les sirven de sustento”, dijo.

El artista terminó su discurso motivando a los presentes a iniciar un peregrinaje por todas nuestras áreas protegidas, “que tengan el privilegio de bañarse en la gélidas aguas del salto de aguas blancas, o contemplar con paciencia el crecimiento de las estalactitas en el sistema de cavernas de los Haitises, a sentir la brisa marina mientras observan las garzas que se posan en los manglares de los humedales de nigua, o disfrutar de los jacuzzis naturales de la Posa de la Reina o simplemente les invitamos a viajar en los túneles del tiempo en las Cuevas del Pomier para contemplar las historias místicas contadas hace casi mil años por los chamanes taínos, que fueron los primeros habitantes de nuestra isla ”
Los artistas

Héctor E. Mota Portes, a.k.a. Motika, es informático de profesión y oficio, escritor de cuentos y poesía, tejedor de sueños, ambientalista, fotógrafo, buzo, chef y golfista. Como fotógrafo ha participado en varias exposiciones colectivas, tiene participación activa dentro de los principales gremios de fotógrafos de República Dominicana y ha organizado decenas de “safaris fotográficos”.

Victoria Thomen es egresada de la carrera de arquitectura y del postgrado de gerencia de proyectos de la Universidad Nacional Pedro Henriquez Ureña (UNPHU), posteriormente realizó estudios en Barcelona donde obtuvo un postgrado en urbanismo y una maestría en diseño de interiores. Actualmente se desempeña como arquitecto de proyectos de la empresa Servicios Científicos y Técnicos (SERCITEC) y es miembro activo del grupo de fotografía “Manso Fotogrú”.

Amanda Tatiana Forteza Collado es abogada graduada Magna Cum Laude de la Universidad Iberoamericana con estudios en dirección de marketing de la Escuela de Alta Dirección y Administración de Barcelona. Ha participado en colectivas tanto en el país como en Estados Unidos. En el año 2010 obtuvo el primer premio en la categoría en blanco y negro en el Concurso Internacional de Fotografía “Wilfredo García” auspiciado por Casa de Teatro, y el primer lugar del concurso “Yo soy green” auspiciado por Manuel Matos Brea & Asociados.
(Fuente: Funglode)

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‘Juicio Final’, obra de Pablo Genovés.- PABLO GENOVÉS

La forma que cada artista tiene de enfrentarse a la fotografía es muy diferente. Varían los planteamientos, el tema que abordan en su objetivo, la realización. En común tienen el dar al espectador una visión propia de un entorno que comparten con la pintura. La galería Marlborough exhibe hasta el 20 de abril la exposición Zoom, una colectiva en la que participan 13 artistas españoles y extranjeros de diferentes tendencias y edades: Luis Gordillo, José Manuel Ballester, Jean Pagliuso, Sergio Belinchón, Alberto Corazón, Pablo Genovés o Isabel Muñoz, son algunos de los participantes.

‘Poultry Suite: White 23′, obra de Jean Pagliuso.- JEAN PAGLIUSO

De José Manuel Ballester se exponen tres grandes fotografías de la China postolímpica en la que se ve como la naturaleza va quedando en un segundo plano según se multiplican las grandes construcciones; son heridas que la mano del hombre no deja de ejecutar sobre el paisaje y cuya contemplación constituye todo un aviso.

De Luis Gordillo todo el mundo conoce su obra pictórica. Su “Segunda serie labil” tomada a principios de los 70 muestra ochenta rostros caricaturizados sobre un panel de 203 por 105 centímetros.

Jean Pagliuso es famosa por sus fotografías de moda y sus trabajos para el cine. Aquí expone una serie dedicada a uno de sus temas favoritos: las aves. La media docena que aquí muestra , realizadas en 2009, han sido tratadas como las más exigentes modelos de las pasarelas. Antes de la sesión, Pagliuso convive con las ave, acicala su plumaje y las mima hasta que están listas para el desfile. El resultado es todo un espectáculo.

‘Natural Fashion’, obra de Hans Silvester.- HANS SILVESTER

Sergio Belinchón es uno de los más jóvenes fotógrafos participantes en la muestra. Conocido, sobre todo, por su recreación de “El bueno, el feo y el malo”, expone aquí unas sorprendentes imágenes de Dubai en las que sobre los paisajes desérticos se imitan los motivos arquitéctonicos más tópicos del mundo occidental.

Belén Herrera ha comisariado la exposición con la intención de mostrar que es lo más interesante que está ocurriendo ahora en el mundo de la fotografía artística. Muy pocos de los participantes pertenecen a la galería. “El objetivo no es solo vender, sino dar a conocer lo mejor que se hace en todas partes”.

Fuente : elpais.com

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El jueves 10 de marzo, a las 19 horas, habrá una conferencia sobre su trabajo con Jeroen de Vries, curador; Frank Ortmanns, productor; Louis Zaal, director de la agencia Hollandse Hoogte, y Kadir van Lohuizen, discípulo de Wessing.

A los 69 años, y tras una larga enfermedad, Wessing falleció el 2 de febrero pasado en su casa de Amsterdam. Desde hace meses supervisaba el proceso de recuperación y ampliación de estas imágenes junto al curador Jeroen de Vries y la productora Paradox, que organiza la exhibición en el Centro Gabriela Mistral. Dado su mal estado de salud, Wessing había descartado viajar a Santiago, pero tenía gran interés en la exhibición de su trabajo en Chile.

El fotógrafo viajó a Santiago en 1973 apenas se enteró del golpe militar. Cambió sus tradicionales jeans desgastados y ese aspecto hippie que lo caracterizaba por un terno gris, se cortó el pelo y se afeitó. Con el traje pasaba desapercibido, e incluso podía parecer un adepto al nuevo régimen, por lo que pudo circular por la ciudad sin ser cuestionado ni apresado. Así logró, con una pequeña cámara Leica, fotografiar la situación en la capital, incluido el campo de prisioneros instalado en el Estadio Nacional, donde logró darles cigarros a algunos detenidos.

Luego, se aseguró de que los militares no le quitaran los negativos, enviándolos con una azafata amiga. Al regresar a Holanda publicó inmediatamente el libro Chili, September 1973, que, con 25 imágenes y un armado casi artesanal, se convirtió en un ensayo visual clásico de la fotografía contemporánea y en uno de los mejores testimonios de la represión en Chile. Hoy, uno de esos ejemplares cuesta unos US$ 2.500.

La muestra en el GAM incluye todas las imágenes del libro y otras tomas recuperadas de los negativos originales, además de un documental en el que Wessing conversa con el cineasta holandés Kees Hin sobre su vida como fotógrafo, que lo hizo recorrer el mundo con un espíritu aventurero y con fe en que mostrar la opresión y el abuso de poder es una vía para el cambio social.

También se incluyen sus célebres fotos captadas en Nicaragua en 1978, en plena revolución sandinista, y en El Salvador en 1980, tras el asesinato de monseñor Romero. La honestidad y despojo de sus fotos, que expresan al mismo tiempo horror y dignidad, ofrecen un impacto de verdad “en pleno rostro”, como escribió a propósito de su trabajo el crítico francés Roland Barthes en el libro canónico La cámara lúcida.

Algunas imágenes de la exposición serán donadas al Museo de la Memoria de Santiago; el resto de las obras se incorporarán al catálogo del Centro Nacional del Patrimonio Fotográfico, y en abril editorial LOM publicará un libro con las fotos.

Fuente: Letralia.com

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En tres salas de la galería podrá verse ‘Ida Kar: fotógrafa bohemia’, que recoge las bellas fotos en blanco y negro de pintores, actores y escritores que la artista tomó en El Cairo, Moscú, París y Londres en los años 50 y 60 del siglo pasado, cuando los movimientos de vanguardia estaban en su apogeo.

Nacida en Rusia de familia armenia, Kar fue clave para que la fotografía se aceptara como parte de las bellas artes, y en 1960 se convirtió en el primer fotógrafo al que se dedicó una retrospectiva en Londres, en la Whitechapel Gallery.

Kar estudió en París en 1928 y en 1933 estableció su primer estudio, ‘Idabel’, en El Cairo, con su primer esposo, Edmond Belali. En 1945 se trasladó a Londres con su segundo marido, el artista Victor Musgrave, quien abrió la Gallery One.

Fue en esta galería donde Kar expuso ‘Cuarenta artistas de París y Londres’, que incluían retratos del pintor Tsugouharu Foujita, el escultor Alberto Giacometti o el escultor Le Corbusier y con la que consolidó su prestigio y logró elevar la fotografía a la categoría de arte.

En la exposición que se inaugura este jueves hay imágenes de sus primeros años como profesional, de sus viajes a países como Cuba y Armenia -que se publicaron en revistas como Tatler- y de su vida en el Reino Unido, donde capturó en su ambiente a escultores como Henry Moore o Barbara Hepworth y a actrices como Maggie Smith.

En 1964 fue invitada a Cuba a tomar imágenes de la revolución, que se conservan en hojas de contacto, lo que demostraría su interés por la política y su voluntad de internacionalizar su trabajo.

Otros retratos que pueden verse en la muestra londinense son de escritores como Jean-Paul Sartre, Iris Murdoch, Doris Lessing y TS Eliot, pintores como George Braque o Yves Klein o una bonita imagen de 1953 de la actriz británica Sylvia Syms.

También hay documentos del archivo de Kar adquiridos por la National Portrait Gallery, que incluyen cartas, diarios, copias antiguas de las fotos y hasta 10.000 negativos.

Kar siguió haciendo fotografías esporádicamente hasta el final de su vida y, un mes antes de morir -en 1974 en Londres-, había empezado un proyecto de desnudos.

Fuente: elmundo.es

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Hay quien dice que en esta edición de Arco ha habido menos fotografía. Posiblemente sea así, pero referido principalmente a las sofisticadas y enormes fotografías de los artistas contemporáneos que tanto proliferaron hace unos años. Por lo que se refiere a los clásicos, siguen allí. El blanco y negro como valor seguro tanto de autores históricos como de fotógrafos que se han ganado su plaza en el arte sin renunciar a los elementos básicos de la disciplina.
En la galería Jorge Mara-La Ruche, de Buenos Aires, destacan las fotografías de Grete Stern (Alemania, 1904-Argentina, 1999) y del que fuera su marido en los años treinta, Horacio Coppola, (Buenos Aires, 1906), longevo fotógrafo del que hace unos años pudo verse una amplia retrospectiva. De la primera se exhibe una amplia selección de los fotomontajes que realizó entre 1948 y 1951 para una revista femenina y que tituló Los sueños (son edición moderna y valen unos 1.800 euros). De él, diversas copias de época de los años treinta de Buenos Aires de gran poder evocador (12.000 euros).

En la Elvira González se presentan fotografías de Mapplethorpe, del que tendrá una exposición este verano en su sala madrileña, y que es uno de los artistas más omnipresentes en la feria. En La Fábrica pueden verse obras de Diane Arbus y Francesca Woodman y en la galería Levy destaca un apartado dedicado al surrealismo con obras de Man Ray y otros artistas de la época. En Guillermo de Osma se presentan fotografías de los años treinta y cuarenta de Josep Alemany (1895-1951), cuyo archivo ha adquirido la galería, y en la sala Elba Benítez pueden comprarse por unos 5.500 euros fotografías del sudafricano David Goldblatt realizadas en 1975. O, más actual, en la Juana de Aizpuru, como siempre, no faltan las fotografías de Alberto García-Alix y Cristina García Rodero.

Clasicismo

Son casi todas ellas obras que atraen la mirada por su clasicismo en una feria que, aunque muy moderada en esta edición, suele estar plagada de estridencias coloristas. Lo que ya no es tan sencillo es saber exactamente el origen y la técnica de estas fotografías. Pep Belloch, que ha dejado la dirección de la histórica galería Visor después de 28 años para dedicarse al estudio de la fotografía desde la Universidad Politécnica de Valencia, es muy crítico con la manera de presentar la fotografía en Arco. Aunque podría decirse lo mismo del resto de formatos ya que si algo no abunda en esta feria es la información clara al visitante. “Es importante que se daten las obras, que se explique bien la técnica y si es copia de época o no”, señala Belloch. “Tanto si es para el visitante como para el comprador, que tiene derecho a saber exactamente lo que adquiere”. En opinión de Belloch, hay fotografías de autores históricos de los que no se informa que son copias actuales. “Son cosas importantes para clarificar la situación de la fotografía”, afirma.

Belloch confirma la abundancia de fotografía histórica en la feria y lo considera un dato importante de la normalización de la disciplina, que en subastas está adquiriendo cada vez más cotización. “Son valores seguros que los coleccionistas conocen bien, pero insisto en que falta más información sobre lo que se vende. Es un vacío que tenemos en España, en donde no abundan los estudios sobre nuestros autores y tampoco hay una producción teórica importante”, señala. Desde la universidad, indica, ha creado un máster de investigación y puesto en marcha un trabajo para crear una base de datos de colecciones y fondos de fotografía española.
Fuente: (El Pais.com)

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En esta semana el Centro León realiza la apertura de la exposición ¿Qué es el arte moderno para ti?, que será exhibida en la sala de exposiciones temporales de la institución cultural desde el 18 de febrero de 2011, en colaboración con la Fundación Cisneros y la Colección Patricia Phelps de Cisneros.

¿Qué es el arte moderno para ti? es una exposición totalmente innovadora basada en la iniciativa educativa Piensa en arte, metodología desarrollada por la Fundación Cisneros y la Colección Patricia Phelps de Cisneros. La muestra está concebida en su totalidad como propuesta educativa y laboratorio de pensamiento, a través del cual se busca propiciar diálogos entre el público y las obras expuestas.

Basada en cuestionamientos sobre lo moderno, el arte moderno, la representación del movimiento, la realidad y el lenguaje, esta muestra expositiva incluye 49 obras de diversas colecciones privadas y entre ellas se destacan artistas modernos como Pablo Picasso, Alexander Calder, Joan Miró, Joaquín Torres-García, Mira Schendel, Henri Matisse, y René Magritte, entre otros, así como obras de artistas dominicanos, tales como Paul Giudicelli y Darío Suro.

Conversatorio

Fecha: miércoles 16 de febrero
Hora: 7:00 p.m.
Lugar: Auditorio del Museo de Arte Moderno de Santo Domingo

A propósito de la exposición ¿Qué es el arte moderno para ti?, el reconocido artista Luis Camnitzer propondrá vías para ver una obra de arte como el resultado de un proceso de pensamiento y problematización.

En coordinación con la Fundación Cisneros y la Colección Patricia Phelps de Cisneros.

Apertura de exposición ¿Qué es el arte moderno para ti?

Fecha: viernes 18 de febrero
Hora: 10:00 a.m.
Lugar: Sala de exposiciones temporales del Centro León

Una exposición excepcional, concebida en su totalidad como propuesta educativa y laboratorio de pensamiento para provocar diálogos e interactividad entre los visitantes y las obras de artistas modernos como Pablo Picasso, Joan Miró, Alexander Calder, entre otros.

En coordinación con la Fundación Cisneros y la Colección Patricia Phelps de Cisneros.

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Este 10 de Febrero se inaugura en el Antiguo Edificio de Tabacalera en Madrid la muestra Laberinto de miradas. Un recorrido por la fotografía documental en Iberoamérica, un proyecto expositivo y editorial de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID) y de Casa América Catalunya presentándolo por primera vez en nuestro país tras un prolongado recorrido por Iberoamérica.

El proyecto incluye tres exposiciones itinerantes que han viajado durante casi tres años por 18 países de América de la mano de la Red de Centros Culturales de España de la AECID, presentando miradas cruzadas de autores que trabajan en el ámbito documental en Iberoamérica, España y Portugal, todos ellos comprometidos con temas de contenido social.

Tres exposiciones, un continente

La primera exposición, Identidades y fronteras, se inauguró en el Centro Cultural de España de México D.F. en julio de 2008 y desde entonces ha viajado a más de 10 países; Fricciones y conflictos se presentó el 7 de octubre de 2008 en el Centro Cultural de España en Lima (Perú) y tras su paso por ocho ciudades llegó a Montevideo en diciembre de 2009; y la tercera, Colectivos fotográficos iberoamericanos, se inauguró el día 10 de diciembre de 2008 en la Galería Olido en São Paulo (Brasil) y viajó por siete países. En el mes de julio de 2010 se presentaron por primera vez todas las muestras juntas en el Centro Cultural de España en México y en octubre viajaron a Valparaíso (Chile) en el marco del tercer Fórum Universal de las Culturas.

Laberinto de miradas, la exposición que se presenta ahora en Madrid, permanecerá abierta al público hasta el 15 de mayo e incluye la obra de 76 artistas y 16 colectivos fotográficos seleccionados por su comisario, Claudi Carreras. En total, más de 500 fotografías documentales de Iberoamérica, España y Portugal.

Más allá de los clichés foráneos

La fotografía ha servido, la mayoría de las veces, como herramienta de denuncia en la lucha por la libertad y defensa de los derechos humanos en una América Latina azotada por diversas plagas. Los procesos de creación surgen en plena efervescencia política, económica y social. El complejo entramado de culturas que compone el continente americano y las heridas abiertas de una historia que se repite cíclicamente hace que muchos autores utilicen la fotografía para investigar sobre su propia identidad y representar lo que sucede en su entorno.

Tal y como afirma Claudi Carreras, “los nexos históricos y los puntos en común entre Latinoamérica y la Península Ibérica son innegables, sin embargo el proceso de globalización imperante potencia la visualización y la reproducción de clichés foráneos, sobre todo anglosajones. Pese a coincidencias temáticas y estructurales, las producciones fotográficas de estos países son casi desconocidas más allá de sus fronteras internas”.

Generar reflexión

Carrera considera que en estos momentos en que la imagen ha tomado un papel predominante en nuestra cultura y en el que se fotografía más que nunca, paradójicamente esta imagen fotográfica se ha trivializado y “cada vez es más difícil acceder a trabajos que generen reflexión”. La masificación de imágenes genera estereotipos y los fotógrafos se enfrentan a la necesidad de generar nuevos modelos de representación capaces de destacar sus imágenes entre millones.

Los géneros fotográficos tradicionales se deconstruyen, los modelos de representación se agotan y los esquemas sobre los que se sustentaba el documental se han roto. Laberinto de miradas pretende, en palabras de su comisario, “dar una dimensión global del estado de la fotografía documental en Iberoamérica hoy, presentando miradas multidireccionales de autores que trabajan en estos países explorando nuevos lenguajes creativos y profundizando en la realidad del entorno que les rodea”.
(fuente: hoyesarte.com)

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Reconocidas galerías y artistas latinoamericanos se dan cita desde este jueves en Art Basel Miami Beach, la mayor muestra de arte contemporáneo en Estados Unidos, donde representantes de la región buscarán captar la atención de inversionistas que llegan de todo el mundo.

Unas 20 galerías latinoamericanas fueron seleccionadas para participar en la exhibición, que congrega un total de 200 compañías exponentes, la mitad de ellas de Estados Unidos y gran parte europeas.

Obras de Salvador Dalí, Joan Miró, Man Ray, Andy Warhol, Henri Matisse, Pablo Picasso y Le Corbusier, entre cientos de otros, se mezclan con consagradas firmas latinoamericanas como Jesús Soto, Joaquín Torres García y con figuras emergentes.

La muestra, que se caracteriza por la oferta de alto nivel artístico y gran volumen de negocios, ofrece obras de museo de los maestros internacionales, valuadas en varios millones de dólares, pero también piezas de artistas nuevos con precios accesibles de cientos de dólares.

“Apostamos al arte latinoamericano porque creemos que tiene gran calidad y una enorme proyección internacional”, dijo a la AFP el venezolano Henrique Faría, uno de los directores de la galería Faría Fábrega, de Caracas, la primera de ese país en participar de Art Basel.

Este año, Brasil es el país de América Latina con mayor presencia en Art Basel, con 11 galerías. Nara Roesler, dueña de la galería del mismo nombre, de San Paulo, dijo que “el buen momento económico que atraviesa Brasil permite a los artistas salir y mostrarse internacionalmente”.

“Para vender arte hay que salir a buscar a quien lo compre porque los grandes coleccionistas no van a ir a mirar a Brasil, vienen a estos sitios“, comentó.

Con la economía global en un mal momento muchos inversionistas ven en la crisis una oportunidad para la compra de arte a mejores precios.

Jorge Mara, de la galería Mara La Ruche, de Buenos Aires, dijo que este año ofrece “opciones para todos los bolsillos” y cree que muchos coleccionistas que están más retraídos por la crisis encuentran en el arte latinoamericano “una muy buena opción por la excelente relación calidad-precio”.

Se espera que unas 40.000 personas visiten la exposición, que se desarrolla hasta el domingo y que cuenta con representantes de 29 países que desplegarán sus obras en varios puntos de la ciudad, según anunciaron los organizadores el miércoles en la pre-apertura para la prensa y coleccionistas VIP.

La monumental exhibición tiene su núcleo en el Centro de Convenciones de Miami Beach donde, en distintos espacios, se exponen pinturas, dibujos, esculturas, instalaciones, fotografía y videos.

Pero la muestra se extiende a otras partes de Miami Beach con programas como el Oceanfront Night (un espacio abierto frente a la playa), en el que este año se representa el arte –cine, música, video y otras disciplinas– de cuatro ciudades, una de ellas Ciudad de México.

Además, esculturas e instalaciones de muchos artistas internacionales se exponen en parques y espacios públicos, en el programa Art Public, curado por el mexicano Patrick Charpenel.

Los artistas locales, la mayor parte concentrados en el llamado distrito Wynwood, cercano al centro de Miami, tienen sus estudios abiertos para visitas guiadas diarias mientras dura la exposición.

Al mismo tiempo que Art Basel funcionan otras quince muestras de arte, que invaden Miami estos días como satélites de la gran exhibición internacional, y que intentan atraer a parte de los visitantes en busca de oportunidades.

Una de esas muestras, Design Miami, inauguró la exhibición el martes con muy buenas ventas, lo que alentó a los expertos a creer que podrían verse este año señales de recuperación en el mercado de arte.

Fuente: Juan Castro Olivera / AFP | Elespectador.com

-Obra ‘Valquira 2009′ del brasileño Gustavo Rezende exhibida Art Basel Miami Beach 2010.

-Obra ‘BrainTrack 2010′ del estadounidense Richard Williams exhibida en Art Basel Miami Beach 2010.

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Afiche promocional de la exposición individual de Luis Nova

Recientemente el museo de Arte Moderno de Medellí­n (MAMM) escogió para relanzar sus nuevas instalaciones la obra del autor de Lánge de la métamorphose (el Angel de la metamorfosis): el Belga Jan Fabré, un artista controversial que en  su obra busca la defensa de la vulnerabilidad del cuerpo humano y que difiere de los medios masivos en los que muchas veces se presenta un cuerpo que no sangra, que no suda, no huele, no orina. Para reafirmarlo, en épocas pasadas utilizó fluidos del cuerpo (sangre, lágrimas.) en algunos de sus performances. Y allí está con su Lánge de la métamorphose en los salones del Louvre.

Y este atisbo de Fabré me ha dado pie para admirar, de antemano, una de las exposiciones fotográficas que dentro del contexto del mes de Septiembre, el de la fotografí­a en la República Dominicana (Photoimagen 2010) se abrirá al público el próximo dí­a 15 de Septiembre en la galerí­a District & Co. de Santo Domingo a las 8:00 p.m.

Luis Nova Exposición Individual (LUISA 3D) y cuyo texto de motivación reza:

“La energí­a de vida corre a través de fluidos. Estos se mueven y deforman constantemente. No pueden resistirse al cambio, y se mimetizan con la forma de quien los alberga. Son variados, impredecibles y son í­conos de libertad y vida, aunque son capaces de anunciar la muerte. Se traducen en colores, matrices e imágenes furtivas, que nos arrastran a un laberinto donde ignoramos si nuestro destino será un baño de luz o acaso nuestra destrucción misma. Serí­a inútil resistirlo?  Son fantasmas y lazarillos. Son nuestra luz y nuestra sombra. Son nuestra suerte y nuestra desgracia”.

A seguidas Luis Nova confiesa:

“Inquietudes como estas -eternas, constantes, irresolutas- las ventilo en mi obra, con la esperanza de develarlas, desenmascararlas o al menos descargarlas de mis sentidos”.

Y nos deja ver el artista el alcance de su afán:

“En esta muestra predominan no sólo los lí­quidos, colores, texturas y objetos que exudan y colectan vida, sino también aquellos órganos que fungen como arterias para conservar el proceso en su desarrollo constante”.

Definitivamente para los que conocemos la trayectoria de trabajo y creatividad de Luí­s Nova no es sorpresa alguna su exposición y tema. Toda su obra fotográfica: retratos, cocina, comerciales, fine art, bodas, define a un artista acabado y con la capacidad de generar las más exigentes expectativas en el público que ama la fotografí­a y la creatividad fotográfica.

Luis Nova es Luis y Fabré es Fabré, aún así­ en un destello de tiempo y espacio circundante se entre cruzan sus perspectivas de creación y dan ambos vida a su obrar en manifestaciones visuales de diferente origen técnico, pero con un fino hilo de vinculación existencial.

Espero que los fluidos de Luí­s no sean tan controversiales como los de Fabré, pero que si encienda con su exposición individual (LUISA 3D) un poco de luz en el laberinto personal de cada uno de los que admiraremos su creación.

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El MOMA recorre el siglo XX a través de la cámara de Cartier-Bresson

1. • Nueva York rinde tributo al artista con la mayor retrospectiva en Estados Unidos en tres décadas
2. • La muestra expone 300 imágenes, muchas inéditas, tomadas por el fotógrafo francés entre 1929 y 1989

HISTORIA VISUAL. Una mujer mira en el MOMA la foto de Cartier-Bresson ‘Funeral por las víctimas de Charonne, París’, de 1962. Debajo, ‘Shanghái, China 1948-1949’, y los Sanfermines de 1952 (izquierda). Foto: AFP / STAN HONDA

IDOYA NOAIN

Todo fluye, se mueve, se transforma y solo algunos son capaces de, en un solo gesto, apretando el disparador de una cámara, capturar y a la vez escribir la historia, con mayúsculas, esa que hacen tanto grandes acontecimientos y personajes famosos como pequeños gestos y seres anónimos. Pocos en el siglo XX alcanzaron tal genialidad en esa tarea como Henri Cartier-Bresson, viajero infatigable, curioso insaciable, al que el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA) rinde tributo con la mayor retrospectiva de su trabajo en tres décadas en Estados Unidos.
Solo la entrada a la exposición, abierta hasta el 28 de junio, es una advertencia para el visitante. Los enormes mapas tienen trazados los viajes del fotógrafo, que empezó a recorrer el mundo a los 22 años y solo a mediados de la década de los 70 dio prioridad a lápices y pinceles sobre su inseparable Leica. España, Portugal, su Francia natal, Italia, Suiza, México y EEUU, el Sáhara, Egipto, India, China, Indonesia… «Cartier-Bresson decía que te conviertes en quien eres a través de las experiencias», explicaba el martes Peter Galassi, responsable de fotografía del MOMA y comisario de la muestra, entre las paredes blancas y grises en las que se han colgado 300 imágenes en blanco y negro, más de una quinta parte nunca antes expuestas al público. «Le interesaba no solamente hacer buenas fotos, sino descubrir el mundo, porque creía que es la mejor forma de descubrirse a uno mismo».

PERFECCIÓN / En el recorrido por El siglo moderno, como se ha bautizado la exposición, queda en evidencia que, por más que Cartier-Bresson no gastara tiempo mirando sus propias imágenes y prefiriera pensar en su próximo destino y en la gente que encontraría allí, por más que descartara desde temprano pasar tiempo en el cuarto oscuro puliendo su trabajo, tomó decenas de fotografías que hacen pensar en la perfección.
Con la mayoría de imágenes llegadas desde la propia fundación que le animó a crear su ahora viuda, Martine Franck, y con fondos del MOMA y algunos originales de revistas como Life y Harper’s Bazaar, que publicaron sus fotos, la muestra recorre desde 1929 hasta 1989 a través de 13 separaciones temáticas.

FOTOPERIODISMO / Solo los dos bloques iniciales siguen un orden cronológico. Primero están sus primeras fotos, en las que aún late el Cartier-Bresson más artista y más influido por el surrealismo, ese que recorría las calles «decidido a atrapar la vida, a preservar la vida en el acto de ser vivida». Después llega la brutal entrada en el fotoperiodismo del hombre que fundaría la mítica agencia Magnum junto a sus amigos Robert Capa (al que siempre llamaba André), David Chim Seymour y George Rodger.
A partir de ese momento, Galessi ha decidido crear sus propias divisiones temáticas: por ejemplo, dos bloques con dos ensayos que Cartier-Bresson realizó en China (retratando, bajo estricto control de las autoridades, la industrialización forzosa de Mao) y en Estados Unidos (en un trabajo encargado por una corporación). También ha agrupado las instantáneas de los viejos mundos del Este, el Oeste, y de Francia, donde a través de las imágenes Cartier-Bresson retrata con cierta nostalgia romántica sociedades premodernas; y los nuevos mundos de EEUU y de la URSS (donde fue el primer fotógrafo occidental al que se permitió la entrada tras la muerte de Stalin.
Fuente : elperiodico.com

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Un cumplimiento estricto de hecho observable indica que Ismael Checo cae por completo fuera de los límites del arte moderno sin embargo, su pincel y la técnica se relacionan su arte a muchos de los aspectos más avanzados de la pintura contemporánea. A pesar de su aparente naturalidad, su trabajo se debe tanto a artificios como a la naturaleza – con el pasado, si se quiere, tanto como hasta el presente, un principio central de la doctrina post-modernista. Su genio se manifiesta en la riqueza variada de su pincelada espontánea pero controlada, el refinamiento sutil de su paleta (recordando la labor de Darío Suro, e incluso José Vela Zanetti), la agudeza de su notable memoria visual, y, sobre todo, una firme la negativa a alinearse con ninguna forma particular en el arte o el tipo de comisión, sin embargo, que podría ser ventajoso para su bienestar o la fortuna crítica.

Ismael Checo es un pintor con la habilidad de encontrar belleza donde otras personas han pasado por alto. Aunque sus temas son extraídos del mundo, la política y la sociología problemas complejos no son lo que está a la captura, su terreno es de naturaleza distinta, impulsado por cerca de ver las cosas que deleitan a él. Él es, por su propia descripción, un “perfeccionista”, prefiriendo abordar el omnipresente, las cosas familiares y accesibles. Él es un maestro de toda la verdad acerca de la pequeña luz en particular de un determinado lugar, una determinada calidad de una sola cosa. En sus manos, la corriente se transforma en algo más fino y más duradero. Pacheco es un realista que trabaja siempre de la observación directa? Ción. Es fácil admirar la observación exigente del artista y la laboriosidad en la prestación de lo que ve. Él tiene un buen ojo para lo que el mundo aparece, para el reconocimiento y reproducción de detalles suficientes para convencer, no tanto como para abrumar. Él sabe cómo mantener los detalles en su lugar, permitiendo que la forma de existir como presencias sin aristas, los cielos de fusión con la tierra, las cifras que se disuelve en el fondo. Ismael Checo tiene una disciplinada atención al campo organizado de la pintura. Uno se acuerda del impresionismo en su más pura encarnación del siglo XIX, pero el impresionismo como una estructura cuidadosamente construido. Algo calculado para los intereses o mantener el ojo. Esta atención a las preocupaciones formales – la composición, aplicación de pintura y texturas de superficie – recuerda el impresionismo sin embargo, estas preocupaciones son absorbidos sin comprometer la atención primaria de la artista a la materia reconocible.

Alexis Mendoza / Curador

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‘España Diversa’, exposición fotográfica que exhibe la diversidad cultural de la nación europea y conjuga su tradición con el empuje de la modernidad, abrió sus galas en Santiago (norte), apadrinada por la Agencia Efe y el Centro Cultural de España en Santo Domingo.
La muestra, que estará en exhibición durante un mes en el Centro Español de Santiago, aglutina 50 imágenes tomadas por fotógrafos de Efe que reflexionan sobre la diversidad española a partir de los paisajes, la arquitectura, la gastronomía y las fiestas regionales como hilo conductor.
El vicepresidente del Centro Español de Santiago, Rafael Méndez Núñez, dijo que la actividad se enmarca dentro de las actividades que organiza ese organismo como parte de las fiestas del Apóstol Santiago que se celebran en esta ciudad.
Méndez Núñez destacó que ‘España Diversa’ refleja la riqueza y la variedad cultural, social y geográfica de la España actual.
Sus palabras expresaron agradecimiento a la Agencia Española de Cooperación, al Centro Cultural de España y a la Agencia Efe por inaugurar esta muestra en el Centro Español de Santiago de los Caballeros, la segunda ciudad del país.
En ese contexto, Méndez Núñez declaró que una de los propósitos principales del Centro Español es expandir en el país, principalmente en Santiago, la cultura española.
“Gracias a instituciones como éstas podemos traer estas muestras y ojalá que en el futuro podamos mostrar más, pero por el momento estamos muy agradecidos”, expuso.
Contrastes geográficos como el de Las Hurdes, en la provincia de Cáceres frente a los pueblos del sur de España; tradiciones variopintas como la ‘Tomatina’ de Buñol, en Valencia, la ‘Tamborrada’ de San Sebastián, en el País Vasco, y los ‘Castellers’ de Cataluña están presentes en la muestra.
‘España Diversa’ trata de ofrecer “una definición de la identidad española por medio de una selección de fotos que conjugan la fuerza de la tradición con el empuje de la modernidad”, según el director del Centro Cultural de España de Santo Domingo, Fernando Rueda.
También están recogidas en esta muestra otras facetas de la realidad española como la arquitectónica, reflejada por los tradicionales hórreos gallegos, donde se almacenaban las cosechas, y por mezquitas como la de Córdoba, agregó Rueda.
La muestra, que se trasladará posteriormente a la capital dominicana, es la segunda exposición de fotografía que Efe y el Centro Cultural de España organizan en el país caribeño, donde el año pasado se exhibió la muestra ‘De Gaudí a Calatrava’, con fotos de la Agencia sobre arquitectura.
De la inauguración participaron artistas plásticos y del lente, miembros de organizaciones culturales de Santiago, el cónsul honorario de la ciudad, Francisco Núñez, y el de Israel, Enrique Rodríguez, entre otros.
Fuente: EFE 2009.

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