“Una fotografía de intensa expresión –escribió- percibida correctamente tanto formal como sensorialmente, tensada sobre sí misma, tiene vida propia”. (Gotthard Schuh)

Apreciados por los historiadores de la fotografía y perfectos desconocidos para el gran público, las poéticas fotografías de la estadounidense Francesca Woodman (1958-1981) y del suizo Gotthard Schuh (1897-1969) son un regalo para la vista y las emociones del que por primera vez se puede disfrutar en España. La Fábrica Galería y la fundación Mapfre ofrecen sendas exposiciones de estos infatigables buscadores de la belleza separados por varias generaciones y unidos por su afán poético. Dos fotógrafos casi secretos cuya singular y sensual obra no deja de ganar enteros e influencia en las generaciones que les sucedieron.
La corta y atormentada vida de Woodman, que con 22 años se arrojó al vacío desde su apartamento en Nueva York, se refleja en sus inquietantes imágenes. Siempre en blanco y negro, su obra se resume en ocho centenares de instantáneas de un ambiguo lirismo. La exposición -en cartel hasta el 21 de enero – recorre todo su legado, desde la primera foto que tomó a los 13 años hasta las de sus últimos y desesperados días neoyorquinos. Un vida reflejada en el documental ‘The woodmans’ estrenado el año pasado.

Woodman exploró el cuerpo y la identidad a través de su propia anatomía y su complejo yo. Su obra, de marcado carácter autobiográfico, íntima y directa, se desarrolla a través de descarnados autorretratos que capta en escenarios melancólicos; habitaciones en las que imperan la soledad, el olvido y los estragos del tiempo. Muestra Woodman su frágil figura en esos interiores destartalados, con cierto aire gótico, entre la sensualidad y la inocencia.
Treinta años después de su muerte, La Fábrica Galería -Alameda 9, en Madrid- ha logrado reunir 20 fotografías, la mitad inéditas, que demuestran la singularidad de la estética de esta poeta de la imagen y de su inusual y precoz talento. No es ni un artista madura ni una criatura inocente, aunque tenga algo de ambas. Su trabajo se compara con el de fotógrafas contemporáneas como Ana Mendieta y Hannah Wike y conecta con el de Cindy Sherman, Sarah Lucas, Nan Goldin and Karen Finley, tanto por su diálogo con el yo como por la representación del cuerpo femenino.

Dos mundos

Nacida en 1958 en Denver y abruptamente fallecida en Nueva York en 1981, Francesca Woodman creció en un ambiente artístico. Hija de ceramista y pintor, vivió su infancia a caballo entre Europa y América, entre las montañas de Colorado y las planicies de la Toscana. Formada entre Rhode Island y Roma, donde expuso por primera vez, instalada en Nueva York a finales de los setenta, realizó una residencia artística en la colonia MacDowell en New Hampshire.

Durante años la obra de Francesca Woodman ha sido un tesoro para iniciados. Su primera gran exposición tuvo lugar cinco años después de su muerte en el Wellesley College. Una muestra que recorrió la liga de museos universitarios y catapultó póstumamente a Woodman. Sus fotos generaron una atención poco común para una artista tan joven y oscura. A finales de los noventa su trabajo recaló en la Fundación Cartier de París, el Kunsthall de Rotterdam o la Photographers Gallery de Londres. Su obra está en las colecciones del Metropolitan Museum, el Whitney Museum, el MoMA y la Fundación Cartier. El museo de Arte modero de San Francisco (SFMoMA) exhibe en estas fechas una retrospetiva que se verá en el Guggenheim de Nueva York este año.

Pulso vital

El suizo Gotthard Schuh es uno de los grandes fotógrafos del siglo XX, por más que su reconocimiento fuera tardío. De inusual intensidad poética, retrata en blanco y negro un mundo que se desvanece mediante unas imágenes devenidas en símbolos de la búsqueda de la belleza.

La Fundación Mapfre en sus salas de Azca -Av. General Perón 40- reúne hasta el 19 de febrero casi un centenar de imágenes del fotógrafo suizo. Dotado de una gran sensibilidad, Schuh triunfó como pintor, pero pronto cambió los pinceles por las lentes al constatar el enorme potencial creativo de la fotografía.
En los años treinta se sumó a la revolución estética de la ‘nueva visión’ y halló en el emergente fotoperiodismo un campo abonado para desarrollar sus inquietudes plásticas. Desde las páginas de la revista suiza ‘Zürcher Illustrierte’ renovó la narrativa del reportaje documental. Huye de la convención y de la rigidez impuestas por la ‘nueva visión’ y aprovecha sus estancia en París para labrase un camino propio en el ‘realismo poético’.
La expresividad y una honda sensibilidad psicológica marcan la obra de Schuh, que retrata la noche y sus sensuales personajes: mujeres, parejas y grupos a través de los cuales toma el pulso a la vida en imágenes.
Schuh viajó por toda Europa antes de saltar al lejano Oriente, por encargo de ‘Zürcher Illustrierte’, y recorrer durante casi un año Singapur, Java, Sumatra y Bali. Fruto de ese periplo es una de sus grandes obras, ‘Islas de los dioses’ (1941) un clásico de la fotografía de viajes que mezcal realidad y fantasía. Rinde Schuh homenaje a la naturaleza el paisaje y a las etnias que visita, retratando su vida cotidiana, su laboreo, fiestas y rituales religiosos en unas imágenes que son hoy símbolos de la búsqueda de la belleza y de la armonía. “Una fotografía de intensa expresión –escribió- percibida correctamente tanto formal como sensorialmente, tensada sobre sí misma, tiene vida propia”.
Amigo y valedor de Robert Frank, en los años cincuenta cofundó el ‘Kollegium Schweizerischer Photographen’, influyente institución que sentará las bases de la fotografía como medio subjetivo de expresión artística. En sus últimos años, sin abandonar nunca la cámara, retornó la pintura aplicando la misma exigencia que en su amado oficio de mirar.

Fuente: (colpisa.com, Miguel Lorenci)

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Hoy se realizará la premiación del Concurso “APECO, Blanco y Negro” en  la

sede del  Vice-ministerio  de  Cultura  ubicado  en  el  Palacio Consistorial de

Santiago de los Caballeros.

Un desborde de obras, en cantidad y calidad, han  sido  evaluados, valorados,

seleccionados

De seguro ganarán las mejores.

El  blanco  y  negro,   guardando  los  extremos  de  luces  y  sombras ,  lleva

también  implícito   los  matices grizaceos de transición, como la vida misma.

Mis palabras,  además  de animar a la participación presente y futura, con la

presencia   y   apoyo  a  estas  competencias,  son  una  pincelada  para  el

distinguido   jurado  y  los  jurados   de   los  demás  concursos  fotográficos

nacionales  a  mantener  el  nivel de valoración de la ética y estética, tal como

hasta  el   momento   ha    ocurrido,  salvo  casos  aislados  y  humanamente

entendibles.

APECO   (Natilio  Augusto  Puras  Penzo),  a  cuyo  nombre y memoria  está

dedicado   este   certamen  fotográfico,  recordaba   que   siempre  detrás de

toda   competencia    existía    un    ingrediente  nocivo  con-natural  a  la

condición humana: el ego.

El ego destruye  el campo de asombro puro y simple, arrastra a valoraciones

fuera  del  campo  de  la  imagen misma y desnaturaliza la expresión artística.

Amenazados por una creciente ola de tecnología y tecnicismos, aplicaciones

y  programas,  además  de  un grado superlativo de competencia pública, los

artístas visuales tienen el considerable reto de sortear estos obstáculos para

acercarse   completa   o   parcialmente   a   una   expresión   visual  lo  más

alejada de contaminaciones posibles.

En  su  vida  y  con  su  vida,  presencia  y  práctica  APECO  nos  mostró  un

accionar  humilde que lo ayudó silentemente  a acercarse a captar el interior

de  los  individuos  sujetos  de  sus  retratos.  Hoy  día  muchas  personas me

muestran  las   fotos  realizadas por  APECO como reliquias de las memorias

de  su   vida  familiar.  Y  es  que  APECO  está  todo allí  en  cada  una  de sus

imágenes,  sin   fronteras   posibles   de   percibir   en  el  arco mágico  de  la

comunicación visual: fotógrafo-sujeto.

En ese orden, desear un crecimiento en la calidad y trato de temas y sujetos,

no es una aspiración   inalcansable  cuando se tiene como referente a un ser

humano, artista, como APECO.

Ojalá el espíritu de su   gracia visual  alimente  a  jurados, a participantes, en

ésta y las versiones por venir   de APECO, Blanco   y   Negro  en  el ejercicio

conjunto de captar y  valorar instantes.

Si así resultase, entonces será un justo y permanente homenaje.

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La Fnac expone 25 imágenes que resumen la intensa actividad que el autor de ‘Pedro Páramo’ desarrolló en paralelo a su obra literaria

“No son recuerdos, dijo Pedro Páramo. Solo son imágenes. No conservo en la memoria sino llamaradas que se han quedado asentadas como cimientos, como granos de arena, que solamente se remueven cuando se nos voltea nuestro destino”. Que nadie trate de buscar este párrafo en la obra del escritor mexicano Juan Rulfo porque lo descartó del texto final. Según Víctor Jiménez, director de la Fundación Juan Rulfo, porque “tiene un carácter ensayístico que siempre evitó en su creación literaria”. En todo caso, afirma Jiménez, viene muy a cuento para introducir la faceta menos conocida de Rulfo, la intensa actividad como fotógrafo que desarrolló -que se sepa- a partir de la década de los cuarenta, y por eso lo ha elegido como título de la exposición que hasta el 22 de mayo puede verse en la Fnac Callao: Solo son imágenes: 25 fotografías de Juan Rulfo.

El archivo del autor cuenta con 6.000 negativos, la mitad arquitectónicos

La imagen más antigua es un autorretrato realizado hacia 1940

Pertrechado con su Rolleiflex, Rulfo retrató con altísima calidad técnica edificios, pueblos y paisajes de México. La fotografía más antigua del archivo de negativos del autor -6.000- es un autorretrato realizado hacia 1940 en San Gabriel, el pueblo del Estado de Jalisco donde fue a vivir con su abuela tras la muerte de sus padres.

Nunca fue un secreto que Rulfo era también fotógrafo. A partir de 1949 publicó imágenes en la revista literaria América y en los cincuenta y sesenta en publicaciones como Mexico This Month o Sucesos para todos. “Para él no era una actividad secundaria, sino simultánea a la literatura”, señala Jiménez. La biblioteca personal del autor de El Llano en llamas sumaba 15.000 volúmenes, de los cuales 700 eran de fotografía. Los más antiguos databan de la década de los treinta y, según los expertos, entre ellos había auténticas rarezas: “Conocía a todos los fotógrafos clásicos. Organizaba en carpetas recortes de revistas, por ejemplo, de Steichen, y llegó a acumular una enorme cantidad de imágenes”. Es posible que Rulfo fuera fotógrafo antes que escritor, sospecha Jiménez.

Los cuentos de El Llano en llamas no se publicaron hasta 1953 y Pedro Páramo -la obra que Álvaro Mutis entregó a Gabriel García Márquez un día y que le dejó sin dormir esa noche hasta que terminó su segunda lectura- apareció en 1955. En 1958 terminó El gallo de oro, su segunda novela. Hacia 1960, sin embargo, su trabajo literario y fotográfico quedó apartado a favor de la labor editorial que desarrolló Rulfo en el Instituto Nacional Indigenista hasta su muerte en 1986.

La exposición ha sido comisariada por Andrew Dempsey y Daniele de Luigi que, tras sumergirse en los negativos, seleccionaron un centenar para el libro 100 fotografías de Juan Rulfo, editado a finales del pasado año. Las 25 imágenes de la muestra están incluidas en ese trabajo. Los comisarios han querido que estuvieran presentes los géneros que más interesaron al Rulfo fotógrafo: los edificios de México, los paisajes del país, la vida de los pueblos y los retratos que realizó a artistas, escritores, amigos y familiares.

Abundan las imágenes arquitectónicas, una predilección que confirma el hecho de que la mitad de los 6.000 negativos pertenece a esta temática. Jiménez recuerda cómo siendo recién licenciado en Arquitectura, Rulfo le encargó el proyecto de su casa: “Un día apareció por el estudio con una caja de zapatos llena de negativos de edificios. Me di cuenta de que tenía ojo para fotografiar arquitectura, que tiene sus dificultades; por ejemplo, que no se deformen los edificios, que no se junten las fugas…”.

Además del libro y la exposición, la fundación ha querido recordar el 25º aniversario de la muerte de Juan Rulfo con la reedición de un libro que reúne El Llano en llamas, Pedro Páramo y el cuento Castillo de Teayo, con los textos introductorios que publicaron en ediciones anteriores García Márquez, Borges y Susan Sontag. También se ha publicado un texto revisado de El gallo de oro, la novela corta que en 1965 adaptaron para el cine García Márquez y Carlos Fuentes.

(Fuente: elpais)

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El Museo Internacional de Cine y Fotografía. Casa de George Eastman, es el sitio donde se exhiben las imágenes con motivo del 150 aniversario del inicio de la Guerra Civil estadunidense.  

El museo, elegido por ser parte importante en la historia del arte, albergará hasta junio próximo, una serie de fotografías inéditas que datan del siglo XIX, imágenes contemporáneas de los sitios de guerra y una colección de los filmes más representativos del conflicto bélico.  

Además en abril, será homenajeado el director de cine independiente Jonas Mekas, a quien se le entregará el título ‘George Eastman Honorary Scholar’.  

Hijo de María Kilbourn y George Washington Eastman, George nació el 12 de julio de 1854, en la aldea de Waterville, Nueva York; a los ocho años perdió a su padre, lo que ocasionó que la familia atravesara por momentos difíciles y penurias económicas, que lo obligaron a dejar sus estudios a los 14 años.  

Según sus biógrafos, el chico juró entonces, con sombría determinación, sacar a su familia de las dificultades financieras y ayudar a su hogar.  

Fue así que se colocó como mensajero en una compañía de seguros, donde acabó haciéndose cargo del archivo de pólizas, pero el sueldo era insuficiente, lo que lo llevó a buscar una oportunidad en el banco local, ingresos que le permitieron ahorrar para iniciarse en el negocio fotográfico.  

Su afición por la fotografía nació a los 24 años cuando pensó en tomar unas vacaciones y un compañero le sugirió capturar imágenes de recuerdo. Eastman compró su equipo y tomó unas lecciones, y aunque nunca viajó a Santo Domingo, a partir de entonces se dedicó a buscar la manera de simplificar el proceso de este arte.  

Al principio, quería simplificar la fotografía para su propio placer, pero pronto empezó a ver posibilidades de fabricar placas secas para el mercado, así que mientras trabajaba de día en el banco, por las noches experimentaba en la cocina de su madre, mezclando emulsiones.  

Los primeros tres años de sus experimentos fotográficos fueron los más duros e inclementes de su dura vida de trabajo, sin embargo, para abril de 1880, George Eastman alquiló el tercer piso de un edificio en la calle State de Rochester y empezó a fabricar placas secas para la venta.  

En 1879 patentó en Inglaterra una máquina que aplicaba el gelatino-bromuro de forma homogénea, sobre las placas de cristal, pero fue hasta 1884, que tras varios experimentos, logró sustituir el soporte de la fotografía y patenta la primera película en forma de carrete que empezó a ser práctica.  

Para llegar al público en general, Eastman decidió fabricar un nuevo tipo de cámara, la primera Kodak, que es introducida al mercado en junio de 1888.  

Se trataba de una cámara, de tipo de cajón, ligera y de tamaño pequeño, cargada con un rollo de película desplegable, y con suficiente longitud para tomar 100 exposiciones.  

El precio de la cámara ya cargada era de 25 dólares e incluía su estuche y una correa para el hombro; después de haber expuesto el rollo, la cámara se enviaba a Rochester, donde se sacaba la película, se revelaba, se imprimían las copias y se cargaba con un nuevo rollo por 10 dólares.  

En agosto de 1889 se lanzaron al mercado los primeros rollos de película transparente de Eastman, que logró fabricarlos extendiendo una solución de nitrocelulosa sobre una mesa de cristal de 200 pies de largo por 42 pulgadas de ancho, que una vez seca recubría con un sub-estrato de silicato de sosa, para hacer que adhiriera la emulsión, y después recubría con la emulsión de gelatina.  

Era transparente y sin grano y podía durar como soporte permanente para el negativo, con lo cual se hizo innecesaria la operación de despegue, además podía producirse en tiras de 200 pies de largo.  

Esta película flexible y transparente de George Eastman, unida al aparato construido de manera simultánea por Thomas Alva Edison, haría posible después el cinematógrafo.  

Uno más de sus logros, en 1891, fue una nueva mejoría más para la película transparente para aficionados, que al colocarla en carretes, permitía cargar la cámara a plena luz del día.  

En 1892 fundó la compañía Eastman Kodak Company, en Rochester, Nueva York, lo que fue un cambio radical en fotografía, la cámara Kodak crea un nuevo mercado y convierte en fotógrafos a personas que no tenían conocimientos especiales del asunto y cuyo único móvil era el deseo de tomar fotografías.  

Ahora, la cámara ya no tenía que enviarse a Rochester para ser cargada nuevamente; los rollos de película podían comprarse ya casi en cualquier parte y las cámaras para la nueva película seguían simplificándose más.  

En 1895 se puso en el mercado una cámara de cajón de tamaño de bolsillo. Ese aparato estaba dotado de un fuelle que la hacía plegadizo; y en 1900 se lanza la primera “Brownie”, diseñada para niños, a la venta por sólo un dólar.  

Eastman siempre estaba ansioso de alcanzar un progreso similar en la fotografía a color, ordenó que se hicieran trabajos sobre muchos procesos, hasta que logró hacer posible que cualquiera pudiera tomar fotografía de cine a color en película de 16 mm.  

No obstante todo lo anterior, Eastman no era presuntuoso, era un hombre modesto. Además de ser inventor, era tecnólogo, un organizador y un ejecutivo con visión, un ciudadano patriota y un filántropo.  

De lo que obtuvo a cambio de sus grandes dones, entregó más de 75 millones de dólares a diversos proyectos, entre ellos a la educación medicinal, fundación de la Escuela Eastman de Música y a colegios afroamericanos, entre otros.  

En 2006 fue reimpresa una nueva edición del libro “George Eastman: A Biography”, el cual tuvo su primer lanzamiento en 1996; la narración es un trabajo documental de Betsy Brayer, quien por más de 16 años se dedicó a rescatar archivos del fotógrafo.  

George Eastman se quitó la vida el 14 de marzo de 1932, en Rochester, Nueva York, dejando una nota que decía: “Mi trabajo está hecho, ¿por qué esperar?”.  

Actualmente, la fundación que lleva su nombre apoya a todos los estudiantes que estén interesados en convertirse en retratistas, con visitas guiadas a laboratorios fotográficos para que conozcan todo el proceso.

Fuente: informador.com

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La memoria es un campo de maravillas donde las imágenes, como un perfecto caleidoscopio, se van sucediendo y suplantando la una a la anterior; en ocasiones con una notable tendencia a la repetición y fijación final de las bellas, tiernas y memorables.
Hoy, buscando en negativos, vistas fijas, impresiones y en el ordenador, alguna de las fotografías tomadas durante más de dos décadas de amistad con un grupo de personas de incalculable valor humano, entre las que se encontraba nuestro hermano Jesús Natalio Puras Penzo –APECO, encontré esta foto.
Además de APECO y otros que vinieron después, entre los miembros de este grupo puedo mencionar a Carlos Acevedo, Mercedes Padilla de Acevedo, Sixto Paz Wells, Gertrudis Eli, Daysi y Johnny Luciano, Xiomara Núñez, Demetrio Almonte, Moisés Cruz, Patricia Martínez de Cruz, Jaqueline y Juan Luis Hadad, Mali Fermín, Bienvenido Hernández, Juanito Rodríguez, Luis Rodríguez, Leovigildo Díaz, Ingrid Ureña y otros cuyos nombres la briza ondulante del tiempo se ha llevado a otros planos: La inolvidable Milagros Beras (profesora, pianista y concertista), Don Juan Erickson padre de Edgar Erickson y Cesar Rodríguez Barroso (este ultimo de San Francisco de Macorís, a mi entender, uno de los seres humanos que fue más amado por APECO), Natalio y Cesar tenían la afinidad de la imagen duplicada en los cristales de la sensibilidad, humanidad y sencillez: del mismo origen, textura y brillo.
La fotografía memoriza una sección de la sala del apartamento donde vivía APECO, el tejido de la mecedora me recuerda la figura de Doña Gloria Penzo (madre de APECO), su eterna, clásica y delicada elegancia, a veces allí sentada. Las sandalias caseras de nuestro amigo y el espacio; testigo silente de tantas confidencias, polémicas, consultas, planes, puerta a conversaciones sobre arte, artistas, música, maestros, la vida, el devenir, la imagen, los instantes, Dios, la nada, el color, el dolor.
Allí tuvo lugar nuestra última conversación.
Aunque quizá no fue la última………
Santiago de los Caballeros, República Dominicana, 17 de Enero, 2010.

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Fotografia: El Pais
Reportaje de Isabel Lafont, El Pais, Madrid, 29/12/2010
Si hubiera que clasificar las fotografías de Jean-Luc Maylayne (Marquise, 1946) según el tiempo que tardaron en obtenerse, ocuparía sin duda el final de una escala que tendría su punto de partida en el fotoperiodismo. Lo suyo es la contemplación, la paciencia del cazador que espera en su puesto el paso de una pieza. Maylayne puede observar durante meses los hábitos de un gorrión, un estornino o un carbonero a la espera de la luz, el encuadre y el enfoque perfecto. Así ha elaborado unas 500 fotografías a lo largo de 32 años. Son copias únicas en color, de gran formato y, hasta el 4 de abril, el palacio de Velázquez (más conocido como palacio de Cristal) acoge una muestra de las mismas, en la primera retrospectiva de este artista que se presenta en España.
“Son fotografías que no tienen nada que ver con el instante decisivo del que hablaba Cartier-Bresson”, explicaba Manuel Borja-Villel, director del Museo Reina Sofía -responsable de este espacio expositivo-, durante la presente la presentación de esta muestra. “Son imágenes en las que hay algo de verdadero y algo de construido, de artificial. Hay un tiempo humano y un tiempo geológico porque la naturaleza está presente, no una visión romántica de la misma, sino una visión basada en el silencio”, añadía Borja-Villel. Maylayne no pretende documentar la naturaleza que observa, a pesar de que los títulos de sus imágenes recojan un número de inventario seguido del tiempo que tardó en tomarlas. “La totalidad de la obra está muy comprometida con la metafísica y hay que prestar a esto tanta atención como a los detalles concretos”, ha explicado la subdirectora del Museo Reina Sofía. Lynne Cooke. Maylayne no fotografía una naturaleza salvaje, sino espacios como ranchos o granjas de Francia o Estados Unidos en los que existe un diálogo entre seres humanos y animales. “El artista no solo diseña el espacio, sino la puesta en escena: siempre sabe dónde va a estar el pájaro en la imagen”, señala Cooke. Pero, como subraya el escritor y crítico de arte Javier Montes, autor de uno de los textos que figuran en el catálogo de la exposición, “ni siquiera son los pájaros el asunto principal de su trabajo, hasta cierto punto funcionan como pretexto de un subtexto denso y complejo de conceptos relacionados con la mecánica de la percepción visual, espacial y temporal. Al final, de ellos acaba por desprenderse todo un sistema filosófico”. Todo un cuerpo de reflexiones sobre asuntos como el ciclo de vida y muerte, el desgaste de los recursos naturales o la interdependencia del hombre y la naturaleza.

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Conocí­ a Pedro Martínez unos años atrás.  De temperamento un tanto introvertido, por lo menos en su ambiente de trabajo que es donde más le conocemos.

Quienes nos dedicamos a la fotografía comercial hemos tenido en Pedro siempre una mano presta para servir, sugerir y ayudar. Es que Pedro dirige el área técnica de la matriz de Magnacolor en Santiago de los Caballeros y esa posición ayuda a sacarnos de apuros de vez en cuando.

Pertenece al Grupo Fotográfico de Santiago (GRUFOS) y posee amplia visión de la técnica fotográfica.

En lo personal guardo un gran respeto por este novel fotógrafo Santiaguense. Tome algunas imágenes de su boda, el realizo las fotografías de la boda de mi hija Roxanna.

El pasado martes en la Cámara de Comercio y Producción de Santiago fue la premiación del concurso anual que con motivo de la celebración de la feria Expo Cibao organiza esa institución. Un primer y tercer lugar para Pedro Martínez fue parte del resultado. Imágenes plenas de sensibilidad y sentido de la expresión del momento y ritmo fotográficos, además de un uso prudente de la técnica de post-producción.

Este sábado pasaba a recoger una orden de impresión y fue  grande mi  alegría cuando supe que Pedro había obtenido el 2do. lugar en el Concurso APECO, en blanco y negro, promovido por la Sub-Secretaria de Estado de Cultura.

La obra de este segundo lugar es un tema inacabable que muestra en signos y de un solo tirón, los afanes de la mujer y del hombre en la procura de sostener con dignidad su familia. La ropa secando al sol, las tayotas recogidas resultado del esfuerzo labrando  la tierra y los hijos como presencia del amor y aquella humilde vivienda que por humilde no deja de ser el centro del conjunto visual como laboratorio físico del quehacer de la totalidad humana, conforman un blanco y negro sin desperdicio alguno.

Estamos ante la presencia de un artista que crece y participa, que muestra su interpretación, acomodando con justicia sus principios éticos y visuales al ritmo de las imágenes que capta con firmeza y carácter, Pedro Martínez es ya un exponente que enriquece la expresión de la fotografía dominicana.

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45 años atrás empuñó un fusil

para defender,  junto al pueblo,

sus convicciones.

Nos acompañó y le acompañamos

riendo con él, llorando con él.

Freddy Beras Goico se caracterizó

por la magia de su humor, pero además

fue un dominicano con grandes dotes de

humanismo.

Polémico, denunciante, solidario  y

respetuoso de los valores tradicionales.

Un amigo dice que se muere de muerte,

Pienso que Freddy muere de vida,

simplemente porque no se va.

Su ausencia física no significa

ausencia de su magia, de su “gordo”,

de su “punto”.

Será, como ya lo ha sido, un referente

para varias generaciones.

Ojalá y tengamos algún día muchos Freddys

que llenen el espacio físico

del que se ausenta,

quien además de su humor

nos ayudó a ser mejores dominicanos.

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La armadura de Juan Guzmán captura instantes, atrapa congojas, eterniza miradas y graba para siempre históricas tomas al pie del altar.

Es un artista del lente que se confiesa hijo de los platanales mocanos donde se hizo amante gratuito del monte, el amanecer, el rocío lluvioso y los “echadías” del campo.

Echando un vistazo al pasado, recuerda que hasta la secundaria estuvo en grupos juveniles, movimientos estudiantiles y nidos culturales.

En casa crió palomas, conejos y junto a su padre aprendió a reparar taquitos de zapatos, utilizar el martillo, machete y a reparar las primeras motocicletas Honda que llegaron a su campo.

Con cédula y acreditación universitaria en administración de empresas, economía y publicidad, Guzmán trabajó en hospitales, bancos, industrias. Fue profesor de secundaria y universitario.

También aprendió fotografía. “En algunos lugares obtuve conciencia de orden, disciplina, aprecio por la belleza y el color; en otros fui testigo de la alegría y el dolor humano”, confiesa.

Recorrido el camino universitario, la enseñanza y las gerencias, decidió andar sin hojas de cálculo para abrazar el iris del lente fotográfico.

“Con la fotografía soy cantor y ciudadano voluntario.

Con las imágenes vibran en mí las mismas fibras de la guitarra, la herramienta de trabajo y el olor exquisito de una novia en su día de bodas”, declara mientras intenta domar el bigote desordenado que se resiste a rasurar.

Trabajo social Como
voluntario registra los programas sociales y de salud de Misión ILAC de Liceo al Medio; el Instituto Dominicano para la Prevención y Asistencia a la Depresión y Suicidio, la Fundacion SSM, Seminario San Pío X y las premiaciones anuales de la Asociación Cibao de Ahorros y Préstamos. Esa labor le hincha las venas de regocijo.

Con cámara al hombro y botines mete las narices y las pupilas en el campo para captar la asistencia sanitaria y educativa que luego ilustrará catálogos de instituciones de servicio.

“Lo más interesante es la gente, en la sierra o en el llano; en las lomas de Villa Trina, Henequén o Pedro García. Él ser humano es el fin y razón de mi accionar fotográfico, ese vínculo me nutre y le da razón a mi vocación hacia la imagen”, recalca.

A través de la fotografía, herramienta que le permite contar y descifrar historias, Juan se ha vuelto indispensable en uniones matrimoniales.

Y así, en oasis de flores y gente impecable, se mueve de forma prudente para hurtar con su lente lo planeado e inesperado de las celebraciones.

De tanto cabalgar entre velos de novia y novios impacientes, guarda múltiples crónicas. Cuenta que el día de la boda, las novias pasan por un stress muy fuerte, por aquello del manicure, maquillaje y un largo etcétera. “Es increíble como no las dejan tranquilas”. Sobre el consorte, asegura que los muchachos de hoy se involucran en la organización. “El hombre de hoy es tan caballeroso y delicado como el de otros tiempos.

Les gusta lucir elegante, ‘en control’, aunque uno sabe que también tienen sus nervios”.

http://www2.listindiario.com/el-norte/2010/6/10/145667/Mochilero-del-campo-y-la-fotografia

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Ejemplar del libro APECO
La semana recién transcurrida nos trajo la muestra (feria) anual Expo-Cibao. Una cita obligada de los habitantes de la ciudad corazón (Santiago), engalanada este año con el lema “Dominicanos a exportar”.
Las variedades artesanales, comerciales, industriales y artísticas de nuestra región expuestas durante 4 días y cinco noches para todos los públicos.
Agradable y emocionante fue encontrar que, en su módulo, la Cámara de Diputados de la República Dominicana obsequió un número considerable de ejemplares del libro
que esa institución publicara, sobre nuestro amigo Jesús Natalio Puras Penzo mejor conocido como APECO.
Imágenes de indudable valor histórico, artístico y documental envueltas en un serio esquema de presentación literaria que nos adentra en el personaje, en
sus experiencias y vivencias para dejarnos de momento a momento con la fuerza de uno y otro y otro manojo de imágenes creadas por la lente de APECO.
Muy temprano se agotaron los volúmenes de obsequio, aquellos que lograron obtener este documento se que disfrutaran de exquisitas memorias, una excepcional prosa de referencia y más que todo
tendrán en sus manos la oportunidad de asomarse de vez en cuando, a través de sus hendijas (páginas) a la vida y obra de un gran artista.

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LA DICTADURA NO DIO TREGUA A LA FAMILIA DEL ‘TÍO JUAN’. ESO NO AMILANÓ A ‘MILAGRITOS’
Capacidad. La inteligencia, el tesón y la habilidad para comunicar han sido claves en la trayectoria de la mujer que más altos puestos políticos ha ocupado en el país.
Etapas cumplidas. Luego de una vida político-partidaria llena de logros, la doctora Ortiz Bosch decidió dejar el camino para que otros intenten llegar a la presidencia.
Al día. La ex vicepresidenta se mantiene actualizada con las tecnologías.
Sencillez. Sigue viviendo en el apartamento de siempre, 39 años después, y todavía paga al banco las cuotas para que sea suyo.
Ortiz Bosch recuerda su infancia y su vínculo con Juan Bosch.

SANTO DOMINGO.- Ese apellido Bosch ha tenido un peso extraordinario en la vida de Milagros. Desde que era una niñita escuchaba en la casa mencionar casi en susurro el nombre del tío Juan, que fue creciendo en ella como personaje de leyenda, admirado hasta la idolatría por la familia, por sus abuelos, por sus padres, por sus tíos, por sus amigos… Pero odiado y temido por Trujillo y sus agüizotes.

Era una especie ó el tío Juan para Milagrosó del Robinson Crusoe de los ingleses del l700 o de Supermán para los americanos de mediados del siglo pasado. Era un héroe o algo más para los primos que se criaron junto a ella conociendo óa veces a hurtadillas, por temor a la represión trujillistaó la historia del hombre que había adquirido fama en la literatura y en la política por desafiar a la tiranía.

Milagros Ortiz Bosch siempre ha estado orgullosa del apellido materno, de origen catalán, y reconoce que ha sido su tío Juan Bosch Gaviño el más respetado, brillante y sobresaliente miembro de la familia. Orgullo de sus descendientes, pero también de su ascendencia.

Una vida fuera de lo común
La familia de Milagros vivió siempre acosada por la dictadura. Frente a la casa desfilaban los calieses con total desparpajo, y el paletero de la esquina o el limpiabotas de los sábados era siempre un confidente de los servicios de inteligencia del régimen. Su tío Pepito era llamado a cada rato para ser interrogado por el SIM (Servicio de Inteligencia Militar) y fueron muchas las ocasiones en que paró en la cárcel por ser enemigo del gobierno y hermano del tío Juan.

En el colegio Santa Teresita, donde estudió, Milagros tuvo la suerte de que la mayoría de los profesores adversaran al régimen de Trujillo. Entre ellos estaban los profesores Maricusa Ornes, Carmen Natalia Domínguez, Ligia Echavarría y Poncio Sabater. El Santa Teresita era un colegio seglar y estaba muy influenciado por la escuela del humanista Eugenio María de Hostos y, por vía de consecuencia, casi todos los maestros conocían por referencia o eran amigos de Juan Bosch.

Esa fue una época muy difícil para la familia. Algunos vecinos fueron perseguidos porque trabaron amistad con los Bosch. Los abuelos maternos de Milagros partieron al exilio luego de buscar protección diplomática en su condición de ciudadanos extranjeros; Doña Angelita, la madre de Milagros y hermana del tío Juan, era perseguida al igual que su esposo y el resto de la familia.

En una ocasión, ya siendo una joven adolescente, Milagros fue llamada por la madre de una amiga que celebraría en esos días la fiesta de sus l5 años. Le dijo que ella, Milagros, no podía ir a la fiesta de su hija porque Angelita Trujillo había confirmado que asistiría. Pero eso no la humilló ni la entristeció. A fin de cuentas, Milagros ya se había acostumbrado a ese tipo de desplante por parte de amigos o defensores de la familia Trujillo o de personas que simplemente querían cuidarse de no caer en desgracia con el jefe, porque desde niña tanto los padres como los abuelos le habían advertido que la familia completa era tipificada como desafecta al régimen, por lo que las discriminaciones de ese tipo eran comunes contra Milagros y sus primos, y en particular contra el propio hijo del tío Juan, León Bosch, que para la época era también un joven y se había criado con sus abuelos.

El seno familiar
Milagros se crió en un círculo familiar muy íntimo. Josefina, la hermana mayor del tío Juan, tenía cuatro hijos contemporáneos de Milagros: José Oscar, Osvaldo, Virgilio y Fernando Arturo Orsini Bosch. Además, estaban los primos del lado materno, Josefina y Arturo Pérez Gaviño. Josefina Pérez Gaviño es la esposa del doctor Franklyn Almeyda, y Fico Orsini es un legendario comandante constitucionalista que sobresalió por su valor en la guerra patria del 65.

En las familias Bosch, Gaviño, Pérez, Orsini y otros allegados se vivieron tiempos borrascosos en esa época de miedo y terror. La propia Milagros, con apenas l6 años, fue llamada e interrogada por el Departamento Nacional de Investigaciones cuando intentó matricularse en la escuela de Derecho de la Universidad de Santo Domingo. Le preguntaron insistentemente por el tío Juan, si hablaban por teléfono, si se escribían, quiénes eran sus amigosÖ

Respondió todas esas preguntas exactamente de acuerdo al guión que tantas veces había ensayado. Los muchachos habían sido instruidos para que respondieran a ese tipo de pregunta, pues siempre eran las mismas y casi todas se relacionaban a los vínculos familiares con Juan Bosch quien, mientras tanto, sobresalía en el exilio como literato y dirigente político. Ya había sido fundado en La Habana el Partido Revolucionario Dominicano y el profesor Bosch emergía como el líder del exilio antitrujillista.

Cae la dictadura
El 30 de mayo de l961 sorprendió a Milagros y a toda la familia en franca conspiración. La juventud no aguantaba más y se rebelaron grupos universitarios. Doña Angelita, su madre, aún se recuperaba de un infarto sufrido un año antes al enterarse de la muerte de las hermanas Mirabal, con quienes la familia Bosch había estrechado amistad. Doña Angelita no resistió el tormento que le provocó el que un reconocido oficial del SIN, César Villeta, lanzara toda suerte de improperios contra las jóvenes hermanas asesinadas horas antes por agentes de la tiranía. Villeta vivía frente a su casa.

La celebración de la muerte del tirano y el júbilo de aquel acontecimiento no podía ser mayor, pero había que observar prudencia, pues los organismos de seguridad desataron su furia como nunca antes contra la resistencia de la dictadura. Muchos se ocultaron, no así Milagros, quien combatió como pudo la remanencia trujillista hasta el 5 de julio, 36 días después del tiranicidio, cuando arribó por el aeropuerto de Punta Caucedo la avanzada del Partido Revolucionario Dominicano, el partido del tío Juan, el héroe nacional, el escritor famoso, el líder del partido, el orgullo de la familia, el de las historietas fantásticas de la niñez…

Y aunque el tío Juan no llegó en persona, uno de los enviados, Ángel Miolán, trajo para “Milagritos” un regalo muy especial: el libro “Cuento de Navidad”, dedicado por el maestro a su querida sobrina. Fue entonces cuando Milagros vio por primera vez las letras del tío Juan. Pero ardía en deseos por conocerlo personalmente…

El primer encuentro
Milagros llegó aquella mañana de principios del l962 cargada de emoción a San Isidro de Coronado, en Costa Rica, a participar en un curso de formación política junto a más de 70 dominicanos y tres ecuatorianosóentre estos últimos Rodrigo Borja, luego presidente del Ecuador. Ella había quedado rezagada porque una compañera, Asela Morel, había confrontado dificultad con sus papeles de viaje. La emoción de Milagros era mayor que la de todos los demás: Iba a conocer finalmente al tío Juan, profesor de aquel curso, y quien organizaba ya su retorno a la patria como líder del PRD.

Cuando llegó al salón de clases, Milagros quedó sorprendida ante la elegancia y personalidad de aquel hombre. Tenía 52 años, de pelo completamente blanco, apuesto, un tipo extraordinariamente buenmozo, a decir de las mujeres. Él estaba en la mesa principal, al lado de Jimmy Durán, Washington de Peña, Eduardo Tavárez, Antonio Canto, José Andrés Aybar Sánchez, Arnaldo Sención y… quien no podía faltar, José Francisco Peña Gómez.

El sueño se hacía realidad. El abrazo del tío Juan fue memorable. La hija de su hermana Angelita era ya toda una mujer… Inteligente, bella, culta y… más que todo eso, su admiradora política.

Junto a Peña Gómez y Rodrigo Borja, Milagros fue la mejor del curso, para orgullo de su tío y líder.

El rompimiento
Desde aquel encuentro en Costa Rica, Milagros llegaría a ser una de las figuras más importantes en la vida política de Juan Bosch, su asistente personal, y estuvo a su lado en todas las circunstancias de la vida. La salida de don Juan del PRD encontró a Milagros en Nueva York, donde andaba con su hijo Juan al hombro, buscando afanosamente sanación a su enfermedad. Regresó al país ante el llamado del líder y de inmediato se integró a los trabajos de formación del nuevo partido, el PLD. Don Juan la encargó del departamento de educación y luego le confió la tarea de organización.

Así pasaron los primeros cinco años, en un largo proceso que provocó muchas incomprensiones y algunas deserciones del naciente PLD. Milagros se mantuvo al lado del líder, pero en algún momento comenzó a darse cuenta que iba perdiendo su propia identidad política y profesional, que su vida giraba alrededor, no ya del líder, sino del tío. Comenzaron a pesar más los vínculos familiares que los políticos y partidarios.

Sin siquiera darse cuenta de lo que estaba ocurriendo en su interior, Milagros de pronto se percató que necesitaba espacio para su propia vida. Eso quedó evidenciado a partir de los resultados electorales de l978. Milagros no estaba de acuerdo con la propuesta de Bosch óformulada al país el mismo l7 de mayo de ese año al estallar la crisis por el intento de los jefes militares de desconocer los resultados de las eleccionesó de que se formara un gobierno de unidad nacional.

Los meses habrían de determinar, a partir de entonces, su salida del PLD y su alejamiento político, y para siempre, del tío Juan. El proceso fue difícil y doloroso. Milagros reunió a los familiares más allegados y les informó sobre su decisión irreversible. ¡La suerte estaba echada!

No hubo mayores explicaciones. No era necesario. Muchos meses después Milagros inició carrera propia en su viejo partido, en su partido de siempre. Y echó a andar. Como quien hace pininos y luego da sus primeros pasos… hasta que aprendió a correr con sus propios pies. ¡Y corrió… mucho!

Eso sí… Nunca ha pronunciado una sola palabra irrespetuosa o irreverente contra su querido tío Juan. No lo hizo mientras vivió… Y mucho menos después de muerto. Porque para ella la memoria del tío Juan siempre será sagrada.

No más intentos de llegar a Palacio
Milagros ha dado un paso al costado en su carrera hacia el poder. Su dignidad de política y mujer de principios no le permite vivir de derrota en derrota. Sabe que otras fuerzas internas en su partido le han sacado gabela, y como la miseria no anida en su alma, ¡pues que avancen los demás! Ninguna otra mujer en la isla óy podemos incluir a Haitíó ha llegado tan lejos en la vida pública, y pocas como ella han hecho tantos aportes a la democracia de su pueblo.

Fue vicepresidenta de la República por cuatro años, elegida por la mayoría de sus conciudadanos, y paralelamente ocupó el ministerio de Educación, dejando su impronta en una gestión que brilla por su transparencia. Anteriormente fue senadora de la República y en tal condición integró el primer Consejo Nacional de la Magistratura que le dio forma y vida a la actual Corte Suprema que al mismo tiempo ha compuesto el resto del aparato judicial.

Pero su historia legislativa no se queda ahí. Desde su curul senatorial Milagros impulsó importantes iniciativas para institucionalizar la República, como la Ley de Reforma Judicial, la Ley de Reforma Educativa, Ley de la Mujer… y paro de contar. Porque no se trata de una rendición de cuentas sino de algunas de las tantas cosas que esta mujer dejó a su paso por el Congreso Nacional en su representación capitaleña de cuatro años.

Ya antes había estado en el Congreso, en una de las oportunidades en que su partido tuvo mayoría en la Cámara de Diputados, en la cual fue asesora del presidente, mientras recorría medio mundo junto a Peña Gómez trabajando estrechamente a su lado y montando el programa de televisión “Los Dirigentes”, que cada semana iba de país en país entrevistando a los principales líderes del mundo. Milagros aún conserva los originales de esos programas, que hoy constituyen valiosas piezas de museo.

Hoja de servicio
La vida pública más reciente de esta singular mujer es materia conocida. Después de ocupar la Vicepresidencia de la República en el período 2000-2004, se opuso inicialmente a los propósitos reeleccionistas de Hipólito Mejía, aunque terminó apoyando ócon alguna timidezó la candidatura de su partido en los comicios presidenciales que marcaron el retorno al poder de Leonel Fernández. Para las elecciones del 2008 compitió por la candidatura presidencial perredeísta, pero perdió la contienda interna del ingeniero Miguel Vargas. Tras esa derrota se incorporó a la candidatura de Vargas en las elecciones del 2008, donde se impuso la candidatura reeleccionista de Fernández.

Después de los comicios del año pasado, Milagros se ha mantenido activa en la vicepresidencia del PRD, pero alejada de la pugnacidad interna. Se ha reincorporado, eso sí, a los trabajos en los medios de comunicación, de los que se había alejado ya que la brega partidaria no le daba tiempo para otra cosa. Porque Milagros siempre ha sido gran comunicadora y se ha vinculado a los medios desde que era muy joven. Como empresaria fue durante años representante en el exterior de los medios escritos del Grupo Corripio, llegando a multiplicar en el extranjero la circulación y el pulgadaje publicitario de los periódicos El Nacional y Hoy.

Y en los medios electrónicos no sólo fue la productora del programa Los Dirigentes, de Peña Gómez, sino que ha producido sus propios espacios televisivos. Actualmente está en la radio vespertina con un espacio diario en la Z-101.

A un costado
Milagros ya se cansó de la lucha intrapartidaria. Ha dejado a sus miles de seguidores, dentro y fuera del PRD, a su libre albedrío. A todos agradece su confianza –algunos se resisten a marcharse de su lado, pero ella entiende que ha llegado el momento de decir adiós a unas aspiraciones que nunca antes habían llevado tan lejos a una mujer, ni dentro ni fuera del sistema de partidos en la República Dominicana. Ninguna mujer anteriormente había ocupado la Vicepresidencia de la República, y jamás se le había presentado la oportunidad a un partido mayoritario de elegir a una dama a la Presidencia. Milagros fue precandidata presidencial en 2008 y también aspiró a encabezar la boleta de su partido ocho años antes. En el 2000 disputó la candidatura a Hipólito Mejía, y éste luego la seleccionó como su compañera de fórmula. Pero también en 2004 Milagros aspiró a la candidatura perredeísta y declinó a favor de Fello Suberví, quien en la contienda interna fue derrotado por el entonces Presidente Mejía.

Es decir, que el Partido Revolucionario tuvo tres oportunidades de escoger a Milagros como la primera mujer que encabezaría la boleta de un partido mayoritario. En las tres oportunidades Milagros falló en ese propósito, aunque en por lo menos dos ocasiones recibió el respaldo de amplios sectores de la sociedad dominicana y por momentos llegó a marcar las más altas puntuaciones en las encuestas independientes. Su respaldo popular siempre estuvo concentrado mayormente en la población que –aún simpatizando con el PRD– no estaba inscrita ni era militante de esa organización política.

No tiene riquezas
Milagros no tiene riquezas materiales. Ni falta que le hace. Le sobra el reconocimiento del pueblo y el amor de su hijo Juan, excelente profesional, artista, ser humano. Ni siquiera ha podido terminar de pagar su casa, aquel apartamento de siempre, en el tercer piso de la Independencia casi con Doctor Delgado. Ahí lleva viviendo 39 años y seis meses, pero todavía debe al banco parte de él.

Ha dedicado su vida al servicio público. Y desde que tiene uso de razón ha estado en el filo de la navaja. Sus años han sido casi todos de muchas dificultades y recuerda con tristeza “el tiempo inacabable” en que su hijo Juan coqueteó de cerca con la muerte cuando se le descubrió una enfermedad en la sangre que en un principio se le diagnosticó de incurable. Para entonces Juan era un niñito y Milagros una mujer bella, “bien casada” y viviendo sus mejores años de juventud y realizaciones. Un médico norteamericano llegó a la familia como enviado por Dios, y curó para siempre a Juan Basanta, hoy convertido en todo un señor director cinematográfico exitoso, de renombre internacional.

¿Por qué no tuvo Milagros más hijos, siendo para ese tiempo una mujer saludable y con un matrimonio estable? Dios así lo dispuso. El segundo hijo nunca llegó. Pero de todos modos Milagros necesitaba tiempo para trotar por el mundo con su hijo al hombro, buscándole sanación a una enfermedad entonces tipificada como mortal.

Y entonces… ¿Cuándo tendremos una mujer presidenta?

No se desesperen. Detrás de ella vendrán otras que recogerán su ejemplo de lucha con dignidad, y que, como ella, también sabrán recogerse a tiempo para no hacer el ridículo cayendo de derrota en derrota.

Porque a pesar de no haber llegado a la Presidencia, en todas las facetas de la vida Milagros ha sido una mujer exitosa. ¡Si lo sabrá la historia…!

Fuente: Listin Diario
Realizacion: Cesar Medina

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Se trata de la exposición fotográfica más importante presentada en el país hasta el momento. Fot: Centro León.
Para mucha gente Wifredo García era, hasta ahora, un buen fotógrafo del pico Duarte.
Y un activista que ofreció las primeras clases de fotografía a nivel universitario,.
Para otros puede que haya sido, un activista de la fotografía mediante encuentros, exposiciones y talleres en Casa de Teatro.
García es mucho más que todo eso junto.
A los 20 años de su fallecimiento, Wifredo García acaba de ser redescubierto gracias al programa La Huella Catalana en el Caribe, del Centro León, la Casa América Catalunya y el Instituto Ramón Llull.
García el padre de la fotografía moderna de República Dominicana.
Era un ser extraordinario que excede la impresión que produce su trabajo como retratista social y medioambiental dominicano.
Era un profundo pensador social.
Era un creador de corrientes y misiones.
Al recorrer anoche las 180 fotografías de la exposición Wifredo García, Peculiares obsesiones, la sensación que queda se resume en una pregunta que se clava en la garganta

¿Por qué no había tenido este hombre el reconocimiento nacional e internacional a partir de una obra Fotográfica y social de excepción? Para seleccionar estas imágenes, las curadores examinaron 12 mil negativos.

Wifredo García es un pensador profundo que medita en el papel de la fotografía como reflejo de la realidad, se proclama como una negación al simplismo del arte figurativo y que muestra las miserias del ser humano, las injusticias sociales, las incongruencias socio-económicas, los retorcimientos sociales, las ironías del destino, el humor negro, la alegría vital de quienes han amado o trabajado desde los guettos de la ciudad o en el más lejano pueblo de la frontera (en uno de esos en los cuales Trujillo mandó a instalar hidrantes pese a no existir acueductos).
La exposición hay que ir a verla. La fotografía no se puede contar.
fuente:josersosa.com

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Martha Rosler (Brooklin, Nueva York, 1942) saluda y saca una cámara de fotos. Ha inmortalizado a todos los periodistas que la han entrevistado. “Es para mi archivo personal”. Sonríe con ironía, quién sabe si la imagen acabará en alguna de sus obras. Ella es, o dice ser, “subversiva”. Las creaciones de esta estadounidense, considerada un referente imprescindible del arte feminista, está unida desde los años sesenta a temáticas con fuerte carga política y social, en gran parte relacionadas con la representación de la mujer en la sociedad, pero no sólo. Menuda y afable, se niega a decir su edad y es tan diferente a otros artistas neoyorquinos que incluso conseguir una cita con ella es un proceso atípico. “¿Quieres quedar la próxima semana? Imposible. Yo no sé ni dónde estaré mañana. Llámame cuando a ti te venga bien y quedamos al día siguiente”. Una respuesta poco común en una ciudad donde las citas se sellan con meses de antelación.

Pero Rosler, al igual que su obra, está muy lejos de las convenciones. Tanto que pese a ser una de las artistas más respetadas de su generación, hasta los noventa no se preocupó en tener una galería o ganar dinero con sus obras. “Fue una decisión política a la que tuve que renunciar porque en los años ochenta Estados Unidos eliminó todo el sector del arte no comercial y ya no había forma de mostrar tu obra si no era en galerías o museos. Yo no quería ser una mártir o convertirme en alguien invisible. Fui forzada a entrar en el circuito”.

Conversamos en su restaurante favorito, un bullicioso local de comida china en el West Village neoyorquino, horas antes de que se suba al avión que la llevará a Granada, la ciudad que acoge, en el Centro José Guerrero, una exposición que, con el título La casa, la calle, la cocina, abarca parte de su producción de los setenta, los ochenta y los noventa.

“Son obras que se centran en la representación de la mujer en la vida cotidiana, en la cocina, en la casa y en la calle, que son los espacios con los que el comisario Juan Vicente Aliaga ha decidido acotar la selección y que en cierto modo recorren toda mi obra”. El nombre de Rosler no puede disociarse del concepto de arte feminista, una conexión que ella acepta sin reparos -”que se haya demonizado la palabra feminismo no significa que el concepto que encierra haya perdido el sentido”-, pero que considera acertado sólo para definir en parte su producción. Sin embargo, en esta muestra se incide particularmente en las obras que la convirtieron en un referente del arte más reivindicativo hecho por mujeres artistas que, como ella, se rebelaron en los sesenta y setenta ante el papel que su género tenía asignado en la sociedad.

Entre las obras que podrán verse en el Centro José Guerrero destacan algunos de sus clásicos, como los fotomontajes de la serie Beauty knows no pain (1966-1972), que mezclaban imágenes de cuerpos desnudos de mujer sobre neveras y objetos de cocina, subrayando la cosificación de la carne femenina, algo que en cierto modo no ha cambiado mucho, afirma: “Mira estas fotos, ¿tú crees que hemos avanzado?”. Rosler saca de su bolso el diario The New York Times, cuya portada de la sección cultural está dedicada a alabar una exposición sobre la fotografía de moda. “Las fotos pueden ser bonitas estéticamente (se ven dos mujeres vestidas con ropa muy rara y con aire etéreo), pero si miras más allá de la imagen en la fotografía de moda se encuentra el máximo exponente de los clichés con los que se degrada a la mujer desde hace décadas. El estereotipo es siempre el mismo: disponibilidad sexual y narcisismo. Después del impacto que tuvo el feminismo en los setenta, creía que íbamos a haber avanzado mucho más, pero no. Aunque la culpa también es de las mujeres: mientras sigamos sometidas a la dictadura del tacón y a esa ropa incomodísima, la cosificación va a seguir ahí”.

En la misma época, Rosler también realizó su polémica serie de fotomontajes Bringing the war home, una serie en la que sobre fotografías publicitarias de hogares ideales, con su correspondiente ama de casa dentro, se superponían imágenes pertenecientes a la guerra de Vietnam, mezclando así la reflexión en torno al espacio asignado a la mujer con el mensaje pacifista. Rosler, que se considera una “productora de arte”, con lo que pretende la máxima divulgación de su obra, dio a conocer esta serie a través de folletos y algunos periódicos minoritarios.

En el año 2004 reinterpretó aquella serie, pero esta vez con referencias a la guerra de Irak, y en lugar de amas de casa utilizó modelos despampanantes de revista, la imagen más cotidiana en la publicidad de hoy. “Nunca pensé en volver a utilizar el fotomontaje, pero quería manifestarme contra la guerra y creo que ese lenguaje transmite muy bien el mensaje. Lo que he tratado de hacer en los últimos años ha sido precisamente contribuir a luchar contra el conflicto y conseguir un cambio de gobierno”. Obama le permitirá ahora “indagar en otro tipo de conceptos”.

La serie Bringing the war home, dedicada a Irak, no se mostrará en la Fundación Guerrero, pero sí en una exposición en la galería Salvador Díaz de Madrid el mes próximo. Tanto en aquélla como en la serie dedicada a Vietnam, la ironía es clave, puesto que Rosler, como buena judía neoyorquina, no puede evitar que el humor se cuele en su obra. “Es parte de mi cultura; además, la vida es divertida, siempre te lleva al límite, así que lo mejor que puedes hacer es reírte porque puedes morir en cualquier momento. El humor atraviesa tus defensas, te hace humilde y tiene la capacidad de dirigir la conversación hacia puntos diferentes”.

Creció soñando con ser “criminal” y “robar bancos” porque era la única alternativa a la vida de oficinista que sus ojos de niña podían imaginarse. Pero en lugar de emular a Faye Dunaway en Bonnie and Clyde, se hizo artista, “que en los sesenta, siendo mujer, era casi como ser criminal”. En aquella época, el expresionismo abstracto imperaba, y ella lo abrazó. “Pero con Andy Warhol entendí que buscar un estilo auténtico es una estupidez, que el estilo es una cuestión de elección y por eso decidí dejar la pintura. Compaginé la fotografía y el vídeo hasta que vi que los temas que yo quería explorar, que tienen mucho que ver con la representación del poder, no tenían salida a través del lienzo, así que lo abandoné”.

Su obra A conversation with the parents (1977) tocaba la anorexia cuando la sociedad ni siquiera sabía lo que significaba la palabra. Era un vídeo en el que dos padres discuten sobre la muerte de su hija, pero también se hacían referencias a presos políticos en huelga de hambre. “He trabajado alrededor de la comida, la ropa y la casa porque son cosas que todos compartimos. En particular he tocado la relación de las mujeres con la comida, ya sea como consumidoras o productoras, porque es una necesidad básica que se ve transformada completamente por nuestra vida social y cultural. Es una forma de micropolítica que se puede leer como macropolítica”.

En ese sentido también destaca el trabajo que realizó entre los setenta y los ochenta como respuesta a la fotografía documental neoyorquina (Walker Evans o Robert Frank), con el que denunciaba la situación de los sin casa, pero al mismo tiempo “su utilización mediática, ya que la gente que no tiene nada tampoco puede controlar la forma en que son representados por los medios de comunicación”.

La crisis actual vuelve a poner de relieve tanto la casa como la alimentación, dos de los problemas que se han acuciado, particularmente en Estados Unidos, y a los que Rosler quiere volver a mirar. Pero la sacudida económica que también está sufriendo el mundo del arte probablemente obligue a muchos creadores a replantearse su lugar en el mundo, y sobre todo a preguntarse por qué o para qué escogieron el camino del arte. “Creo que sobre todo va a afectar a los jóvenes”, afirma Rosler. Si ya no va a ser posible encontrar coleccionistas o inversores dispuestos a comprar de todo, quizá esos jóvenes tengan que replantearse qué les mueve a permanecer en ese universo si el dinero ya no puede ser el objetivo. Rosler, que enseña en la Rutgers University de Nueva Jersey, convive a diario con ellos y piensa que aunque pueda ser doloroso para el estómago, al menos en el puro ámbito de la creación la crisis tiene algún tinte positivo para el alma. “Los creadores de mi generación éramos más rebeldes porque era imposible ganar dinero con nuestras obras. Pero los estudiantes de arte de hoy llegan a la universidad con timidez, sienten la presión de tener que crear un producto vendible y si no lo consiguen, se sienten fracasados. Se olvidan de que el arte, en su esencia, es una ventana a la imaginación que permite tener un horizonte de sueños y que sirve para abrir una caja donde el resultado no es predecible. El dinero no importa”. -

Martha Rosler. La casa, la calle, la cocina. Centro José Guerrero. Oficios, 8. Granada. Hasta el 12 de abril.

Fuente: El Pais

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Joan Colom (Barcelona, 1921) se las ingenió para fotografiar clandestinamente el entorno callejero de las zonas desfavorecidas de su ciudad natal en 1958, cuando se inició en el mundo de la fotografía. Sin mirar por el visor, con la cámara semioculta en la mano y disparando por debajo de la cintura fue capaz de realizar instantáneas de bella y original factura.

Una muestra de las mismas se podrá apreciar en la exposición Fotografías de Barcelona, 1958-1964 que albergará el Photomuseum de Zarautz, desde mañana hasta el 1 de marzo. Testimonios gráficos que evidencian que el Barrio Chino barcelonés vio nacer a un fotógrafo que en 2002 mereció el Premio Nacional de Fotografía, aunque él siempre se ha considerado un aficionado, tal y como señala Ramón Serras, uno de los fundadores del museo guipuzcoano.

La exposición está estructurada en tres partes que responden a tres puntos clave de la geografía urbana de la Barcelona contemporánea y su historia reciente: el centro histórico del antiguo Barrio Chino y hoy Raval, el mercado del Born, y el frente litoral de la zona de Poble Nou-Besòs.

tres apartados El primer apartado y el de mayor peso en la muestra, La Calle. 1958-1961. Un paseo por el Barrio Chino, ofrece una lectura visual que repasa la vida en la calle. Colom se encargó de congelar a los niños, los personajes de la calle, el entorno de la prostitución y su protocolo desde los primeros contactos hasta la entrada en la pensión.

fines de semana Respecto a sus inicios en el Barrio Chino, el autor, que lo visitó todos los fines de semana durante dos años, escribe lo siguiente: “Me fascinó su diversidad, su riqueza social. Me sentí profundamente atraído por la calidad humana de los personajes. Cuando me planteé que tenía que hacer aquel trabajo, como necesidad imperiosa, me tuve que inventar un sistema para poder fotografiar en aquel entorno. Había tres factores fundamentales a tener en cuenta: la espontaneidad, la integridad y la continuidad”.

Por aquel entonces, en torno a 1959, Colom compaginó su trabajo fotográfico en el Barrio Chino con el uso de una cámara de ocho milímetros. La tarea no fue menos ardua que la fotográfica, ya que filmaba escondiendo la cámara bajo la axila. El material le sirvió para firmar un filme de 29 minutos, aunque la muestra de Zarautz se centra en las instantáneas que firmó el catalán.

No obstante, sus comentarios sobre esta práctica delatan que las condiciones de rodaje no eran fáciles. “En el momento en que lo hacía no pensaba en nada en absoluto. Ya tenía suficiente trabajo escondiéndome la cámara bajo la axila, dándole cuerda cuando tocaba y procurando encuadrar correctamente las cosas que filmaba. Me limitaba a captar imágenes igual que con la cámara fotográfica”.

Colom reconoce las ventajas del cine respecto a la fotografía, pero siempre ha estado rendido a ésta última. “El cine tiene más capacidad de expresión que la fotografía, que depende mucho de un solo momento decisivo. Si no coges el momento preciso, al cabo de un segundo la situación se ha transformado en algo intrascendente. A pesar de todo, yo sigo amando y prefiriendo la fotografía”, proclama.

Las otras dos partes de la exposición son de menor escala, aunque ambas son relativamente inéditas.

La segunda parte, denominadaEl Born. 1963. La vida cotidiana en el mercado , retrata el entorno del trabajo y los oficios. Para este cometido contó en buena parte con la colaboración de Ignasi Marroyo, colaborador profesional de Colom en 1963 y 1964 y miembro del grupo El Mussol. El material expuesto es una pequeña serie que forma parte de un trabajo más amplio que Marroyo ha continuado hasta hoy.

fotografía social La última parte, El Somorrostro. 1964. Los límites de la ciudad , se centra en el reportaje que realizó por encargo de un diario catalán sobre la llegada del paseo Marítimo a la zona de barracas de Somorrostro, habitada por población mayoritariamente gitana y célebre por su pobreza.

“Yo no sabía que estaba haciendo fotografía social en aquel momento. Yo sólo hacía fotografía y buscaba imágenes que me emocionasen. A veces he empleado este término para definir mi trabajo, pero para mí quiere decir simplemente que no hago paisajes o bodegones. Yo hago la calle. Con mis fotografías yo busco ser una especie de notario de una época”, ha manifestado el autor.

El trabajo de Colom siempre ha estado ligado a su Barcelona natal, donde siempre ha vivido y trabajado. Todo su trabajo ha estado guiado por la voluntad de atrapar la realidad, con especial sensibilidad por el mundo marginal y desfavorecido.

Fuente: noticiasdegipuzkoa.com

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Berlín reúne la más ambiciosa retrospectiva de Richard Avedon, el hombre que elevó la fotografía a categoría de arte y que fue la mirada más valorada por la moda, los famosos y los poderosos.

Marilyn Monroe. richard avedon

ITZIAR REYERO. BERLÍN. Marilyn Monroe, Audrey Hepburn y Marlene Dietrich son algunas de las estrellas del firmamento hollywoodiense que pasaron por el estudio de Avedon, muchas de cuyas imágenes se convirtieron en iconos de su tiempo.
Su serie Family retrata a los máximos representantes de la jet set estadounidense, como los poderosos políticos de la talla de Nixon, George Bush, Gerald Ford y los Kennedy o intelectuales como Susan Sontag y Salman Rushdie.
Bob Dylan, Janis Joplin, los cuatro Beatles, el escritor Samuel Beckett, el poeta Ezra Pound, el director de cine Jean Renoir o el artista Francis Bacon son otros de los que posaron ante él.
Pero, el fotógrafo, comprometido en la lucha contra los derechos civiles, no hizo diferencias de clase y junto a estos grandes nombres de la sociedad norteamericana retrató a las caras anónimas y figuras trágicas de los núcleos más deprimidos del país.
A este último grupo pertenece su serie In the American West, en la que presenta con crudeza a obreros, granjeros, camareras de bares de mala muerte que miran a la cámara sin tapujos y mineros que acaban de salir de la gruta embadurnados de hollín.
Hombres retratados -con independencia de su condición social- al natural y sobre un fondo blanco por Avedon que en su condición de antropocentrista
-su interés por los paisajes es escaso- colocó al hombre en el centro de la creación.
La cámara del genio neoyorquino logró inmortalizar las intimidades del retratado o, según sus propias palabras, captar los “contenidos inexplorados del rostro humano”.
El director del Martin-Gropius, Gereon Sievernich, subrayó en la rueda de prensa de presentación de la retrospectiva que la exposición -la “más bonita” realizada por el museo hasta la fecha- constituye una invitación “a mirar a la Historia de la Fotografía” de la mano de Avedon.
“Su obra es impactante, sus retratos conmueven. Un fotógrafo que logra eso, quizá no tiene la verdad, pero sí está cerca”, señaló el responsable del museo tras advertir que, aunque normalmente se le conoce como un fotógrafo de la moda, “hay otro Avedon”.
La directora de la Fundación Richard Avedon, Norma Stevens, calificó al fotógrafo como “genio apasionado y entusiasta” y “amante de la perfección”.
La exhibición, dividida en ocho salas, supone un recorrido cronológico a las obras más influyentes del estadounidense, entre las que destaca el retrato en grupo de Andy Warhol and Members of the Factory, un altar de diez metros de largo por tres de ancho.
En esta imponente composición aparecen, de pie, vestidos o desnudos, algunos de los habituales del Factory, uno de los lugares donde empezó a fraguarse la revolución artística y sexual de los años sesenta.
Entre sus primeras obras destaca su majestuosa instantánea de la modelo Dovima entre unos enormes elefantes, una imagen que atraparía toda la atención de la habitación, si no fuera porque comparte espacio con otras grandes de la pasarela como Suzy Parker y Twiggy, que visten elegantes trajes de Dior, Cardin y Balenciaga.
Especialmente celebrado es su retrato a una frágil Monroe -cuya mirada parece anunciar su suicidio- o la fotografía a Charles Chaplin, quien despide la era McCarthy haciendo un gesto de demonio, como si quisiera mandarlo al mismísimo.
Sobresalen también sus fotos de la última noche de 1989, año de la caída del Muro, en la que retrata el contraste entre el júbilo de los berlineses y su angustia por un futuro incierto.
La exposición Richard Avedon: fotografía 1946-2004, que se abrirá al público este domingo, es fruto de la colaboración de Louisiana y la fundación que lleva su nombre y está previsto que el año que viene visite Amsterdam y San Francisco.

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Líderes mundiales y figuras literarias han estado rindiendo homenaje al escritor ruso y Premio Nobel de Literatura Alexander Solzhenitsyn, quien falleció este domingo a los 89 años en su casa cerca de Moscú.

El presidente ruso, Dimitri Medvedev, presentó sus condolencias a la familia del autor quien a través de sus novelas expuso el sistema carcelario estalinista, convirtiéndose desde el exilio en uno de los más influyentes disidentes soviéticos.

El último líder de la Unión Soviética, Mijaíl Gorbachov, cuyas reformas llevaron al fin del comunismo en el país, dijo que Solzhenitsyn desempeñó un papel clave en socavar el régimen totalitario de Stalin.

Sus obras “cambiaron la conciencia de millones de personas”, dijo Gorbachov.

Por su parte, el ex presidente y actual primer ministro ruso Vladimir Putin lamentó la enorme perdida que representa la muerte del escritor para Rusia.

“Estamos orgullosos de que Alexander Isayevich Solzhenitsyn hay sido nuestro compatriota y contemporáneo. Lo recordaremos como un persona fuerte, valiente y con una enorme dignidad”, indicó Putin.

Lea: En sus propias palabras

Prisión, exilio y regreso

“Un día en la vida de Iván Denisovich” y “El Archipiélago Gulag” fueron libros en los que Solzhenitsyn denunció las prisiones de trabajo forzado en Siberia, obras que lo hicieron famoso en todo el mundo.

Fue uno de los primeros en hablar del régimen inhumano de Stalin
Mijaíl Gorbachov, ex líder soviético

El autor recibió en 1970 el Premio Nobel de Literatura.

En 1974 fue arrestado por presuntas actividades antisoviéticas y posteriormente fue expulsado del país.

El escritor se trasladó entonces a Estados Unidos.

Sin embargo, Solzhenitsyn regresó a Rusia en 1994. Tras la caída del bloque soviético y bajo una nueva Rusia, el Kremlin le confirió en 2007 uno de los más grandes honores al otorgarle el Premio Estatal de Rusia por su labor en el ámbito humanitario.

El novelista y crítico ruso, Andrei Bitov, señaló a la BBC que el fallecido autor fue un producto y una víctima del sistema soviético.

“Solzhenitsyn fue el reflejo de la trágica, irónica historia rusa…pasar por todas esas tribulaciones para terminar siendo casi aceptado oficialmente por la pandilla que estuvo en el origen de sus más fuertes denuncias”.

Mientras estuvo en Estados Unidos también se pronunció en contra de lo que consideraba la corrupción moral de Occidente.

Durante una entrevista en 2006, el escritor dijo que la democracia occidental estaba atravesando una grave crisis.

En esa entrevista concedida al periódico Novedades de Moscú, acusó a la Organización del Tratado del Atlántico Norte (OTAN) de tratar de subyugar a Rusia.

El autor nació en diciembre de 1918, estudió física y matemáticas en la Universidad de Rostov y sirvió en el Ejército Rojo tras la invasión de Hitler en 1941.

En 1945 fue condecorado por su coraje, pero fue denunciado por haber escrito una carta en la que criticaba a José Stalin, hombre que dominó los destinos de la Unión Soviética por casi 30 años.

Por ello, pasó ocho años en el sistema de prisiones soviético conocido como Gulag, antes de ser trasladado a un campo especial en la ciudad de Ekibastuz, en Kazajistán, donde un recibió tratamiento exitoso para curar un tumor maligno en el estómago.

Según el corresponsal de la BBC, Chris Jones, el autor fue un nacionalista apasionado que fue marginado progresivamente desde su regreso a Rusia en 1994.

Sin embargo, señala Jones, Alexander Solzhenitzyn aseguró su lugar en la historia como héroe, profeta y probablemente como el más grande escritor ruso del siglo XX.

El presidente francés, Nicolas Sarkozy, señaló que “su intransigencia, sus ideales y su larga vida llena de incidentes hacen de Solzhenitsyn un héroe de novela, un heredero de Dostoyevksy”.

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Luis Beiro –

“MI ESTILO SE LLAMA COMO YO, GUILLO PÉREZ, Y NO SE PARECE AL DE NINGÚN OTRO”
Guillo Pérez, maestro de la pintura dominicana e internacional.

SANTO DOMINGO.- Su esposa actual, Amalia, es una mujer que respira altura no sólo por su elegancia al vestir ni por el esmerado trato al visitante. Ella sabe descubrir en la intensidad de los pequeños ojos azules del maestro, el rigor de su decir.

Ella no sólo es la madre de sus cuatro últimos hijos, sino también su colaboradora más cercana. En los últimos años lo ha visto mancharse una y otra vez en taller como aquel muchacho que por los años cincuenta pintaba la imagen de las Águilas Cibaeñas en banderolas, cartulinas y maderos para ganarse la vida. Ella, además de esposa, es su confidente y amiga. Ella es la mejor anfitriona y la que hizo posible este encuentro.

Guillermo Esteban Pérez Chicón, mocano de nacimiento, primo y alumno de Yoryi Morell, me esperaba con su guayabera azul y su rostro curtido por el rigor de una lejana juventud llena de incertidumbre que le obligó a carestías y sacrificios personales con tal de abrirse una ruta por sí mismo.

Infancia y adolescencia
Guillo Pérez, el único varón de una familia de ocho hermanos, aprendió el arte de su padre, Francisco Guillermo Pérez Tavárez (Fan) un trabajador eventual que se las ingeniaba durante los doce meses del año en “inventárselas” para sobrevivir.

Guillo Pérez muestra sus obras al asesinado presidente chileno Salvador Allende, en Santiago de Chile.

“No me puedo olvidar que él convirtió mi casa en un pequeño taller y tenía como compañero de oficio a un carpintero llamado Antonio Rodríguez. Ellos me enseñaron a hacer objetos de madera que luego yo llenaba de colores con pintura de aceite y los llevaba a vender por las calles de Santiago de los Caballeros. Pero antes de esa experiencia, mi padre instaló en mi casa una fábrica de dulces caseros gracias a la cual mantuvo a la familia por varios años”.

Su padre también era aficionado a la música y entre sus artistas favoritos estaba el compositor santiaguez Gabriel del Orbe quien años más tarde se convertiría en su maestro.

De esa experiencia Guillo aprendió el valor del “picoteo” para poder vivir con cierto decoro una sociedad donde los empleados tienen sueldos de miseria. Vive convencido que “Aquí, el que no vive del “picoteo”, se muere”, .

Mientras me habla de su infancia en Santiago, Republica Dominicana, de manos de su madre vendiendo todo tipo de objetos, pintando en letreros, carteles y pegando anuncios y propaganda comercial en las paredes, no puedo ocultar mi respeto hacia ese hombre que a pesar de ser un triunfador no ha perdido su aire campesino, como tampoco lo perdió su pintura.

El artista
Guillo Pérez mira a los ojos de su interlocutor tal y como lo hacen las personas que no tienen nada de que arrepentirse. Y mientras me confiesa de su formación autodidacta descubro en él el orgullo por cada una de sus obras realizadas:

“Mi primer cuadro lo vendí a la Galería Auffant en Santo Domingo por cuatro pesos. Esa institución después se convirtió en mi representante y a ella le guardo eterna gratitud por haber confiado en mi. Yo soy de la galería Aufant. Allí conocí a Justo Liberato, quien desinteresadamente me acredita en el mercado del arte y me hacía los contactos para que yo pudiera vender mis cuadros cuando yo venía a la capital los fines de semana. Hoy mis cuadros tienen un precio estándar de 300 mil pesos, según el tamaño. Yo no he dejado de pintar nunca, hay cuadros que se me han complicado en terminar y se han demorado más tiempo del debido, eso es común en el arte, pero como promedio yo terminaba unos 3 cuadros al mes. Hoy tengo mi galería y mi escuela, la cual atiende mi hijo Willy Pérez que salió pintor como yo. Con el paso de los años, he dejado la docencia, pero a mi me gustó dar clases porque a pesar de ser autodidacta en materia de pintura, siempre fui profesor, primero en la Escuela Nacional de Arte y después en mi propio centro docente. Me encanta enseñar. Creo que trasmitir a los demás lo que uno sabe es la mayor satisfacción de un artista. Me gradué en Santiago en nivel básico y medio, así como de la Academia de Yoryi Morel. En 1942 fui al seminario Padre Fantino, en el Santo Cerro de La Vega, pero abandoné esos estudios porque mi verdadera vocación era la pintura”.

Un pueblo heróico
El maestro Guillo Pérez tocando el violín.

Guillo Pérez vive orgullo del coraje de su pueblo: “Este es un pueblo luchador, de temple y de dignidad, no hay otro pueblo como este”. Me relató su experiencia en la Guerra de Abril, cuando vivía en la entonces en la calle Santomé 136, en plena zona constitucionalista. Su fusil entonces seguía siendo el pincel, pero salía todos los días a vivir la experiencia de ver a su pueblo resistir heroicamente: “Eso fue tremendo. Nadie se imagina lo que pasó allí Vi mucha muerte y destrucción. Andaba de un lugar a otro y de todo lo más me llamó la atención era el optimismo de la gente, y después, la forma en que enfrentaban a las tropas invasoras. Vi a un pueblo valiente, desgarrado, sufrido, sin un centavo. Yo estaba en la guerra de curioso. Yo no fui guerrillero, ni soy guapo, ni soy matón. Yo andaba por ahí, por el malecón, viendo los horrores de la guerra y los expresaba con mis dibujos, con mis pinceles y mis colores. Fui siempre un gran espectador de la vida para poder contar los momentos en que he compartido con mi pueblo y con las gentes importantes”.

Me habla con el mismo acento con que saludó al precedente Salvador Allende en el Palacio de La Moneda. Ahora sus ojos me recuerdan la ciudad de La Habana, donde fue recibido “como un príncipe” y donde pudo almorzar con Mariano Rodríguez, otro grande la pintura caribeña que, como él, trabajó el tema de los gallos. En ese viaje, sostuvo un encuentro con el presidente cubano Fidel Castro, quien fue hasta donde él estaba y lo felicitó. Le dijo que le había caído muy bien, que le gustaban sus cuadros y su cara se correspondía con la de un poeta y le dijo que él se sentiría muy orgulloso si hubiera sido un artista de su categoría.

“Los gallos son un elemento que se incorporan después a mi pintura, pero no es el tema central. Mi verdadero eje temático es la caña de azúcar con el ingenio y todo lo que tiene que ver con la zafra. Mi raíz como artista es campesina y está en el mundo azucarero. Tengo ese universo de sabiduría del campo cibaeño dominicano que ensayé después con Yoryi Morell. Aunque yo era un autodidacta, nunca dejé de estudiar”.

Y en realidad no miente. Lo que pasa es que en determinada etapa de su carrera, tal vez la que inició su despunte internacional estuvo marcada por su magia creativa alrededor de la figura del gallo. Sin embargo, el grueso de sus símbolos se encuentran entre los elementos del cañaveral. Ahí, el maestro es mucho más distintivo y electrizante. Lo mismo que en las palmas y paisajes agrestes. Guillo Pérez no es un pintor urbano a pesar de que en su obra se reflejan ciertas experiencias de las calles y casas de Santo Domingo. Pero lo más importante y creativo se relaciona con el mundo campesino, ese que le sale por cada poro de la piel con fuerza entrañable.

Padre de familia
Violinista, jugador de baloncesto y, sobre todo, amante de vivir intensamente el mundo de la creación artística, el maestro Guillo Pérez se siente orgulloso por haber procreado tres familias, las cuales ha mantenido y mantiene de manera decorosa gracias a la venta de sus cuadros: “A los 17 años contraigo matrimonio con Rosa García, con quien tuve una hija llamada Rosa Albeni. Después, me casé con Ana Rojas con quien procreé 4 hijos, Willy, Miguelina, Fanny y Angela, y actualmente mi compañera es Amalia Linares con quien tengo 4 hijos, Guillermo, Miguel, Francisco y Amalia”.

No bebe, ni fuma, ni va a teatros ni a conciertos musicales. Su hobby es pintar y “visionar cosas” como el mismo le llama al arte de pasar sus horas libres mirando fotos de pinturas universales o leyendo libros de su interés.

Su vida ha sido una espiral de transparencia que no se ha ensombrecido ni moral ni humanamente. Hombre en todas las circunstancias de la vida, ha sabido venir de abajo sin pensar demasiado en las piedras interpuestas en su camino. Como todo artista, ha tenido sus temporadas buenas y malas, pero siempre con la frente en alto y con tremenda fe en los demás. Ha logrado lo más difícil, triunfar en su país.

Vive agradecido a los coleccionistas de arte y empresarios de Santo Domingo y Santiago que generosamente han invertido, tanto en su obra y en la obra de los pintores dominicanos: “Gracias a los Grullón, a los Espaillat y a muchos otros los pintores dominicanos hemos vivido con dignidad y hemos podido realizar nuestra obra, por eso siempre les guardo mucha gratitud. Yo me he sentido siempre y me considero el Goya dominicano”.

MEMORIAS
“Yo he vivido de piropo en piropo entre los grandes maestros y críticos de arte. Jaime Colson cada vez que me veía se deshacía en elogios. Abil Peralta, Cándido Gerón y Marianne de Tolentino han escrito maravillas sobre mi obra.

Quiero mucho a mis compañeros, a Elsa Núñez, a Bidó, a Dionisio Blanco a Rosa Tavárez y a otros más que yo admiro. Este respiro artístico y filosófico que yo tengo y que me viene de herencia, ese calor nacional histórico, me hace decir que los dominicanos somos los artistas más grande que hay en América. Este pueblo dominicano me ha querido desde que yo nací”.

“En uno de mis viajes de Santiago a Santo Domingo Justo Liberato queda impresionado por uno de mis cuadros y me lleva ante Gilberto Hernández Ortega para que se incluya en una bienal.

Entonces él me dice una frase que no podré olvidar jamás: Cuánto talento hay aquí, cuánta inquietud.. .. Y al conocerme me dijo: Se ha dado talentoso ese muchacho… sigue por ese camino”.

“Yo comencé pintando en una mesa cualquiera, en un patio, sin hora fija, pero después fui adquiriendo la disciplina, hacía los bocetos. Fui el primer dominicano que exhibió en tierra santa fui yo, y me fui solo para una montaña a las seis de la tarde para respirar allá la sabiduría de Cristo”.

“Yo dejé la pintura abstracta por razones económicas. Los pintores abstractos de mi etapa éramos Peña Defilló, Silvano Lora y yo. Después mi pintura se volvió “abstractizante. Pero yo he dejado nada, yo he seguido siendo Guillo Pérez en cada etapa de mi carrera”.

“Fui pintor abstracto y muy elogiado, por cierto. Tuve una etapa en que experimenté en la pintura abstracta con mucha constancia porque como artista nunca deseché ninguna forma. También fui fotógrafo y muralista”.

(fuente: Listin Diario)

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El Centro León de Santiago de los Caballeros, Republica Dominicana rinde desde este junio un gran homenaje al fotógrafo dominicano Wifredo García a los 20 años de su fallecimiento. Este tributo, que se extenderá hasta el año 2009, incluirá numerosas actividades y exposiciones entorno a la figura del que ha sido denominado el padre de la fotografía dominicana.

Actividades incluidas en la programación:

1. Entre los meses de junio y agosto se realizarán tres eventos, a modo de conversatorios y tertulias, que abordarán la figura de Wifredo García desde tres tópicos diferentes:

Wifredo García: El ser humano

TERTULIA :El universo humano de Wifredo García es explorado a través de los testimonios de aquellos que compartieron la intimidad del artista.

Facilitadores: Los hijos del artista y otras personas que hayan estado cerca de Wifredo García, el ser humano, el amigo, el padre.

Objetivo: Mostrar a Wifredo García desde la perspectiva del ser humano, haciéndose énfasis en su origen, su niñez en España, su traslado al país, su permanencia en la República Dominicana, sus pasiones y otros aspectos de su vida familiar e íntima.

Wifredo García: El gestor, el multiplicador

CONVERSATORIO : Fundadores de los grupos fotográficos Jueves 68 y Fotogrupo y de La Casa Fotográfica de Wifredo García en Republica Dominicana ofrecen su visión del artista como gestor de importantes núcleos fotográficos dominicanos.

Facilitadores: Miembros y ex miembros de los grupos fotográficos Jueves 68 y Fotogrupo y de La Casa Fotográfica de Wifredo García.

El universo humano de Wifredo García es explorado a través de los testimonios de aquellos que compartieron la intimidad del artista.

Objetivo: Analizar la labor de Wifredo García como gestor de importantes núcleos fotográficos dominicanos.

Wifredo García: El maestro (desde España a Santo Domingo)

TERTULIA:Artistas pertenecientes a diferentes generaciones de la fotografía dominicana evalúan la labor docente y multiplicadora de Wifredo García y la influencia del artista en sus carreras.

Facilitadores: Alumnos, artistas que se formaron con Wifredo García, artistas de las nuevas generaciones de la fotografía dominicana.

Objetivos: Analizar la encomiable labor docente de Wifredo García en diferentes escenarios educativos y artísticos de República Dominicana.

Analizar la influencia de Wifredo García en las carreras de otros artistas fotógrafos dominicanos.

2. Semana Wifredo García en el Centro León de Santiago de los Caballeros / Septiembre de 2008

Propuesta de Programa

En septiembre, el mes de la fotografía, el Centro León realizará una semana en la que celebrará y dialogará sobre la vida y obra de Wifredo García.
* Miércoles 3 de septiembre, 6:00 p.m.
Acto de presentación de la puesta en valor del archivo Wifredo García en la Mediateca del Centro León.
En esta actividad se presentará al público y a la prensa nacional la incorporación de las obras, objetos, materiales bibliográficos, etc., de la colección Wifredo García a los fondos catalogados que ofrece la Mediateca.
* Jueves 4 de septiembre, 7:00 p.m.
Proyección comentada de entrevistas de Wifredo García
Esta actividad contará con la presentación de una selección de fragmentos de entrevistas (como la de Erwin Cott perteneciente a la colección bibliográfica del Centro León) que abrirán un diálogo moderado por un especialista.
* Viernes 5 y sábado 6 de septiembre:
Seminario Wifredo García
Este seminario se desarrollará en dos días y se estructurará en una conferencia, un panel y la presentación del proyecto expositivo retrospectivo de Wifredo García en el Centro León en febrero de 2009.
* Viernes 5 de septiembre, 7:00 p.m.
Conferencia
La conferencia será dictada por un curador internacional, quien hará un análisis de la obra de Wifredo García para ubicarla en el contexto de la historia de la fotografía.
* Sábado 6 de septiembre,
o Sesión de la mañana
Panel
Wifredo García: El Creador
Wifredo García: El artista como escritor y productor de conocimientos
o Sesión de la tarde
Anuncio y presentación del proyecto expositivo retrospectivo de Wifredo García en febrero de 2009.
Esta actividad se realizará a manera de panel donde se expondrán todas las características del proyecto expositivo. Se presentarán las características de la investigación, el concepto curatorial, las posibilidades de montaje y las posibles actividades de carácter formativo, todo esto acompañado por una proyección volumétrica.
o Conclusiones y Clausura

3. Exposición Wifredo García en el Centro León / Febrero de 2009
4. Exposición Wifredo García en Casa América Catalunya / 2010

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