“Una fotografía de intensa expresión –escribió- percibida correctamente tanto formal como sensorialmente, tensada sobre sí misma, tiene vida propia”. (Gotthard Schuh)

Apreciados por los historiadores de la fotografía y perfectos desconocidos para el gran público, las poéticas fotografías de la estadounidense Francesca Woodman (1958-1981) y del suizo Gotthard Schuh (1897-1969) son un regalo para la vista y las emociones del que por primera vez se puede disfrutar en España. La Fábrica Galería y la fundación Mapfre ofrecen sendas exposiciones de estos infatigables buscadores de la belleza separados por varias generaciones y unidos por su afán poético. Dos fotógrafos casi secretos cuya singular y sensual obra no deja de ganar enteros e influencia en las generaciones que les sucedieron.
La corta y atormentada vida de Woodman, que con 22 años se arrojó al vacío desde su apartamento en Nueva York, se refleja en sus inquietantes imágenes. Siempre en blanco y negro, su obra se resume en ocho centenares de instantáneas de un ambiguo lirismo. La exposición -en cartel hasta el 21 de enero – recorre todo su legado, desde la primera foto que tomó a los 13 años hasta las de sus últimos y desesperados días neoyorquinos. Un vida reflejada en el documental ‘The woodmans’ estrenado el año pasado.

Woodman exploró el cuerpo y la identidad a través de su propia anatomía y su complejo yo. Su obra, de marcado carácter autobiográfico, íntima y directa, se desarrolla a través de descarnados autorretratos que capta en escenarios melancólicos; habitaciones en las que imperan la soledad, el olvido y los estragos del tiempo. Muestra Woodman su frágil figura en esos interiores destartalados, con cierto aire gótico, entre la sensualidad y la inocencia.
Treinta años después de su muerte, La Fábrica Galería -Alameda 9, en Madrid- ha logrado reunir 20 fotografías, la mitad inéditas, que demuestran la singularidad de la estética de esta poeta de la imagen y de su inusual y precoz talento. No es ni un artista madura ni una criatura inocente, aunque tenga algo de ambas. Su trabajo se compara con el de fotógrafas contemporáneas como Ana Mendieta y Hannah Wike y conecta con el de Cindy Sherman, Sarah Lucas, Nan Goldin and Karen Finley, tanto por su diálogo con el yo como por la representación del cuerpo femenino.

Dos mundos

Nacida en 1958 en Denver y abruptamente fallecida en Nueva York en 1981, Francesca Woodman creció en un ambiente artístico. Hija de ceramista y pintor, vivió su infancia a caballo entre Europa y América, entre las montañas de Colorado y las planicies de la Toscana. Formada entre Rhode Island y Roma, donde expuso por primera vez, instalada en Nueva York a finales de los setenta, realizó una residencia artística en la colonia MacDowell en New Hampshire.

Durante años la obra de Francesca Woodman ha sido un tesoro para iniciados. Su primera gran exposición tuvo lugar cinco años después de su muerte en el Wellesley College. Una muestra que recorrió la liga de museos universitarios y catapultó póstumamente a Woodman. Sus fotos generaron una atención poco común para una artista tan joven y oscura. A finales de los noventa su trabajo recaló en la Fundación Cartier de París, el Kunsthall de Rotterdam o la Photographers Gallery de Londres. Su obra está en las colecciones del Metropolitan Museum, el Whitney Museum, el MoMA y la Fundación Cartier. El museo de Arte modero de San Francisco (SFMoMA) exhibe en estas fechas una retrospetiva que se verá en el Guggenheim de Nueva York este año.

Pulso vital

El suizo Gotthard Schuh es uno de los grandes fotógrafos del siglo XX, por más que su reconocimiento fuera tardío. De inusual intensidad poética, retrata en blanco y negro un mundo que se desvanece mediante unas imágenes devenidas en símbolos de la búsqueda de la belleza.

La Fundación Mapfre en sus salas de Azca -Av. General Perón 40- reúne hasta el 19 de febrero casi un centenar de imágenes del fotógrafo suizo. Dotado de una gran sensibilidad, Schuh triunfó como pintor, pero pronto cambió los pinceles por las lentes al constatar el enorme potencial creativo de la fotografía.
En los años treinta se sumó a la revolución estética de la ‘nueva visión’ y halló en el emergente fotoperiodismo un campo abonado para desarrollar sus inquietudes plásticas. Desde las páginas de la revista suiza ‘Zürcher Illustrierte’ renovó la narrativa del reportaje documental. Huye de la convención y de la rigidez impuestas por la ‘nueva visión’ y aprovecha sus estancia en París para labrase un camino propio en el ‘realismo poético’.
La expresividad y una honda sensibilidad psicológica marcan la obra de Schuh, que retrata la noche y sus sensuales personajes: mujeres, parejas y grupos a través de los cuales toma el pulso a la vida en imágenes.
Schuh viajó por toda Europa antes de saltar al lejano Oriente, por encargo de ‘Zürcher Illustrierte’, y recorrer durante casi un año Singapur, Java, Sumatra y Bali. Fruto de ese periplo es una de sus grandes obras, ‘Islas de los dioses’ (1941) un clásico de la fotografía de viajes que mezcal realidad y fantasía. Rinde Schuh homenaje a la naturaleza el paisaje y a las etnias que visita, retratando su vida cotidiana, su laboreo, fiestas y rituales religiosos en unas imágenes que son hoy símbolos de la búsqueda de la belleza y de la armonía. “Una fotografía de intensa expresión –escribió- percibida correctamente tanto formal como sensorialmente, tensada sobre sí misma, tiene vida propia”.
Amigo y valedor de Robert Frank, en los años cincuenta cofundó el ‘Kollegium Schweizerischer Photographen’, influyente institución que sentará las bases de la fotografía como medio subjetivo de expresión artística. En sus últimos años, sin abandonar nunca la cámara, retornó la pintura aplicando la misma exigencia que en su amado oficio de mirar.

Fuente: (colpisa.com, Miguel Lorenci)

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La iluminación es un factor que puede elevar o deprimir el nivel de un espectáculo, de una presentación, de una ponencia, de un evento familiar.
Por eso el luminotecnico tiene que ser artista con el artista que va a iluminar, hacer suya la obra.
Movimientos, éxtasis musical, silencios….. una variedad de matices expresivos pueden ser embellecidos con la iluminación adecuada.
Recuerdo que una tarde se presentaría Felle Vega en La Casa Club del Centro Español. A mi me tocaba la imagen de circuito cerrado.
Subido en una escalera, aquel joven, delicadamente cuadraba las intensidades luminosas desde un banco de “par de 14″.
El evento fue un éxito.
Con el tiempo lo conocí mejor se trataba de Yino Hernández.
Una persona de apariencia tranquila, siempre dispuesto a ayudar en lo que se le solicita.
“Ruedala a la derecha Yino”….ok!!, ok!!
“Yino, necesito un ambiente de tranquilidad detrás del primer plano”….Eso lleva el color……!
Yino conoce de luces y conoce de servicio, el es una persona servicial.
Me decía Felle que a el no le gusta posar. Con esa mente inquieta que tiene Felle no es raro que en algunos momentos su expresión facial cambie, pero cuando le tome esta foto con Yino, Felle solo reía.
Es que Felle y Yino son amigos. Grandes amigos. O algo más allá de amigos, bordeando la frontera de la hermandad.
Que bueno encontrar a Yino y a Felle juntos porque entre música y luces crean un complemento que comenzó mucho tiempo atrás,
desde las raices de una gran amistad. Una amistad con música iluminada.

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Podría haber estado pensando en los misteriosos y bellos retratos del Fayum, los retratos de momias, que eran una de sus obsesiones. “Resplandecientes con la llama de la eternidad”, dijo de esas pinturas funerarias de hace dos milenios en las que artistas anónimos preservaron una conmovedora galería de rostros del Egipto romano, hombres, mujeres y niños, los primeros retratos auténticos, representaciones reales de personas que existieron, que se conservan. Un conjunto de 13 de ellos, procedentes del British Museum, se presentan ahora en una exposición en el Museo Arqueológico Nacional de Madrid en el marco de PhotoEspaña -se los propone como antecedentes de la fotografía, y es verdad que tienen algo ¡de fotos de carné!- y junto a un vídeo del reconocido artista albanés Adrian Paci.

A Malraux, como también le ha sucedido a Giacometti o a John Berger, le fascinaban esas miradas hipnóticas, esas turbadoras presencias evadidas de la muerte. En un viaje oficial a Egipto, Malraux desapareció durante la privilegiada visita que le habían organizado al Museo Egipcio de El Cairo y, tras mucho buscar, lo encontraron en la recóndita y polvorienta sala dedicada a las pinturas del Fayum absorto ante uno de los retratos cuya mirada lacerante, decía, le perseguía desde su anterior visita diez años antes.

Cualquiera que haya repetido la experiencia de Malraux -salvando las distancias- en el pequeño espacio de la primera planta del museo cairota (tan cerca y a la vez tan lejos de los rutilantes tesoros de Tutankamón) o en cualquiera de los numerosos museos que poseen alguno de esos retratos -hay un millar repartidos por todo el mundo- se habrá visto atrapado de la misma manera. El tiempo parece detenerse cuando te enfrentas a un rostro del Fayum suspendido en su presente eterno, mientras tratas de entender por qué te apela de esa manera, de descifrar su enigma y su arcana melancolía. Muertos de mirada viva, parafraseando al poeta Miquel Martí i Pol. Sueños de una sombra. Vivos en la muerte, según Jean-Christophe Bailly (véase su sugerente monografía La llamada muda, Akal, 2001).

En realidad ignoramos mucho de las circunstancias de su creación. Los retratos, en encáustica -pigmentos mezclados con cera que proporcionan un aspecto similar al óleo- o en témpera -mezclados con clara de huevo o goma arábiga que otorga un resultado parecido a la acuarela-, fueron realizados en los siglos I al IV después de Cristo y han aparecido en todo Egipto, aunque las mayores concentraciones de hallazgos proceden de la zona fértil del Fayum, y especialmente de er-Rubayat (la antigua Filadelfia) y Hawara (Arsinoe, la capital provincial) -estos últimos son de mucha mayor calidad pictórica-. Están pintados en su mayoría sobre delgadas planchas de madera (también a veces en sudarios) que se colocaban sobre la momia a la altura del rostro, confiriéndole identidad individual. Representan en general a gente acomodada, de la élite provincial romana, aunque los nombres -algunas momias lo llevan inscrito, incluso su profesión: “Hermione gramatiké”, institutriz; desconcertantemente briosa es la anotación que acompaña a otra: “Makros Antinos empsuchi”, ¡ánimo!- muestran a menudo que son de ascendencia griega. Los peinados, las joyas y otros elementos nos revelan datos de los personajes: la época concreta, el rango (la estrella de siete brazos de la diadema revela a un sacerdote de Serapis; el sagum, la capa militar, a un oficial del ejército). La vida de los retratados, cruce de tres civilizaciones, se debía parecer a la expresada en los papiros de Oxirrinco (véase La ciudad del pez elefante, de Peter Parsons, Debate, 2009). La calidad artística es muy variada: desde verdaderas obras de arte, dignas del pincel de los maestros de la historia de la pintura (tondo de los dos hermanos de Antinoópolis, la joven de los labios dorados, la niña de Demos, la joven del Louvre), a producciones muy sencillas, de un naif entrañable. Todas, sin embargo, con el común denominador de una pose bastante estándar, frontales, observándonos con grandes ojos -pavesianos: “Vendrá la muerte y tendrá tus ojos”, nunca mejor dicho- y una expresión seria, de ensombrecida distancia, tristeza incluso, en la que es imposible no proyectar (vista la procedencia) fúnebres meditaciones existenciales y el rimbaudiano “quoi?, l’eternité”.

Está claro, vista la variedad, la definición expresiva y el hecho de que los análisis anatómicos y algunas reconstrucciones faciales modernas de las momias han arrojado indiscutibles parecidos con las pinturas, que se trata de verdaderos retratos. Se discute si se pintaban con el modelo vivo o no. Si los futuros muertos posaron, si lo hicieron conscientemente para ese fin (pero ¿y los niños?). Algunos retratos se utilizaron sin duda primero como cuadros antes de insertarlos en la momia. Hay quien sostiene que lo que se colocaba eran copias de pinturas domésticas hechas con anterioridad al sujeto.

Hasta 1887 eran casi desconocidos. Entonces, un coleccionista austriaco poco escrupuloso, Theodor von Graf, que había adquirido varias docenas, excavados en se ignora qué circunstancias, los presentó en Europa y América, donde causaron asombro por su insólita mezcla de elementos egipcios, griegos y romanos (hoy mismo no se sabe muy bien dónde colocarlos en los museos). Al año siguiente, Flinders Petrie halló más en sus excavaciones de Hawara. Aparecieron agrupadas en pozos en la arena, sin sarcófagos. El gran egiptólogo creía que se exhibían durante años y eran objeto de culto de las familias antes del entierro.
Fuente: (elpais.com)

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En el tiempo, han florecido hipótesis bastante fantasiosas sobre quién fuese la gentil doncella protagonista a su pesar del retrato más famoso, analizado y viviseccionado de siempre: hubo quienes pensaban reconocer el rostro de Isabel d’Este, que, según los documentos de la época, había pedido con insistencia un autorretrato al Maestro. Otros estaban convencidos de que se trataba de una tal Gualanda, amante de Giuliano de’Medici, entonces Señor de la ciudad. Otros -más maliciosos- difundieron la creencia de que la Mona Lisa fuera el mismo Leonardo disfrazado de mujer, en una velada alusión a su homosexualidad. Se trata de especulaciones posteriores, que hasta ahora parecen infundadas. Los más fiables, por supuesto, son los testigos contemporáneos al pintor e inventor florentino, como Giorgio Vasari (1511-1574), pintor, arquitecto, historiador del arte de renombre e inigualable insider de aquel vivero cultural que fue la Florencia renacentista.

Vasari, en sus biografías de los artistas escritas a mediados del siglo XVI, cuenta que Leonardo sudó la gota gorda durante cuatro años (1503-1506) pintando un retrato de Lisa Gherardini, esposa de Francesco del Giocondo, delfín de una de las más importantes familias florentinas, enriquecida con el comercio de seda entre Italia y Francia. El autor conocía y frecuentaba personalmente la casa de Gherardini y su atribución no debería dejar lugar a duda.

Por si no fuera bastante, hace dos años, se encontró en Heidelberg (Alemania) un incunable firmado por un tal Agostino Vespucci, colaborador de Machiavelo, que se había anotado la misma versión: Leonardo, cual nuevo Apeles, pintó el rostro de Lisa del Giocondo”.

Esta Mona Lisa (es decir, Doña Lisa) había nacido en 1479 y en 1538, tras la muerte del marido, se encerró en el convento de Santa Úrsula, a dos pasos de su casa. Allí murió al cabo de cuatro años y es probable que allí mismo fuera enterrada. Por eso, la tarea de búsqueda empezará en el antiguo convento, donde un reciente reconocimiento con técnicas de georradar ha permitido localizar una cripta escondida bajo una de sus dos iglesias, lugar en el que se cree que podrían hallarse sepulturas del siglo XVI, entre ellas la de Lisa Gherardini. Los investigadores italianos pretenden así realizar las pruebas de ADN a los cuerpos que encuentren, para después contrastarlas con las de los restos de dos hijos de la Gioconda que se encuentran sepultados en la iglesia de la Santísima Anunciación de Florencia. El hallazgo afortunado sería el del cráneo de la mujer: de esa forma, el equipo podría reconstruir su rostro y trazar un modelo tridimensional, como aquello, por ejemplo, de Tutankhamon.

Uno de los cold cases más intrigantes de la historia del arte, la identidad de la Monna Lisa, estaría entonces a punto de solucionarse. Tras el cristal del museo parisino y en las miles de reproducciones en libros y camisetas, ¿seguirá su sonrisa provocando la misma fascinación cautivadora e inexplicable? ¿O, al revés, aclarar el misterio, otorgarle un nombre y un apellido cierto, humanizarla, va a banalizar su poder secular? Quizás a veces sea mejor no saberlo todo. Dan Brown docet.

(Fuente: elpais)

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Florencia expone las influencias y encuentros entre los tres artistas

Picasso apareció en la escena artística en la primera década del siglo XX, Miró en la década de 1910, y Dalí a comienzos de los años veinte. La modernidad fueron ellos. Les separaba la edad, pero les unían muchas cosas. Sobre todas, la idea de que el arte genuinamente moderno no puede renunciar a las raíces y a la tierra. Picasso y Dalí vivieron su etapa madrileña. Y aunque Miró fue quizá el más catalán, los otros también se empaparon de ese aroma. Picasso fue maestro, pionero; Miró y Dalí le siguieron por los ismos y vanguardias hasta el más allá, los sueños y el surrealismo. Los tres fueron grandes buscadores de lenguajes nuevos. Sus encuentros e influencias cruzadas, a menudo invisibles o inconscientes, son el centro de la exposición Picasso, Miró, Dalí: tres jóvenes airados y los orígenes de la modernidad, que se puede ver en el palacio Strozzi de Florencia desde el sábado próximo hasta el 17 de julio.

La interacción entre los tres artistas españoles se explica a través de más de 60 pinturas de los tres protagonistas y más de 100 dibujos de Picasso. La exposición ha requerido dos años de trabajo, y se detiene sobre todo en las producciones juveniles de Picasso, Miró y Dalí para explicar cómo contribuyeron a la transformación creativa de su tiempo.

Joan Miró, Still Life with Knife [Nature morte au couteau], 1916. Switzerland, Nahmad Collection.-
Eugenio Carmona, catedrático de la Universidad de Málaga, ha preparado la muestra con el suizo Christof Vitali, y sitúa la entrada definitiva de Picasso en la modernidad en 1907. La de Miró a partir de 1923. Y la de Dalí en 1929. Con anterioridad, sus “búsquedas, hallazgos y experimentaciones fueron continuas y comunes”, explicaba ayer el comisario durante una visita con periodistas españoles. “Necesitaron muchas veces dar un paso atrás para luego dar el gran salto hacia delante”.

La exposición comienza en abril de 1926 y luego va retrocediendo en el tiempo salteada en cuatro ideas, episodios o pensamientos. El primer acto final detiene el tiempo en el año en que Dalí viaja a París y visita a Picasso en su casa, o al menos eso contó en su biografía La vida secreta de Salvador Dalí. Ese encuentro real o supuesto, que Carmona define como psicomaquia, muestra las obras de un Dalí mestizo, neoclásico, neocubista y freudiano, que acaba de dejar atrás el clasicismo y se debate entre dos mundos, el vicio de lo clásico y la virtud de lo moderno que luchan en Composición con tres figuras. Academia neocubista .

Salvador Dalí, Neocubist Academy (Composition with Three Figures. The Sailor) [Acadèmia neocubista.(Composició amb tres figures. El marinero)], 1926, oil on canvas, 90 x 200 cm, Museu de Montserrat, Donated by Josefina Cusí, R. N. 201.390
Dalí es aún muy joven -nació en 1904- pero ya refelxiona sobre Picasso y habla de Miró, que andan todavía en sus propias luchas. El segundo pensamiento se titula Miró-Dalí, genius loci, y resume la vivencia madrileña-catalana-parisina de los dos pintores catalanes entre 1915 y 1924. Épocas de ismos, de paisajes, retratos y bodegones (entre ellos, dos magníficas naturalezas muertas de Miró), en las que ambos, según Cardona, reflexionan sobre “la exigencia de la identidad, la pervivencia del clasicismo, el arte figurativo y la relación entre el arte nuevo y el arte de los museos”.

Pablo Picasso, Study for Girl with Raised Arms: Nudes with Raised Arms, Full-frontal Cahier 7, May-June 1907 pen and ink on paper, 220 x 170 mm Malaga, Collection of the Pablo Ruiz Picasso Foundation – Birthplace Museum, FPCN: 2037, c. 11r-
El penúltimo salto atrás se llama “Cuando Miró se cruzó con Picasso. Barcelona, 1917″. El genio malagueño ha vuelto de un viaje a Roma, Nápoles y Florencia impresionado por las esculturas de Miguel Ángel en la Capilla de los Medici de la capital toscana, y se dispone a hacer la escenografía para Parade, de Los ballets rusos de Dhiagilev. Picasso tiene 36 años, y Miró 24. El primero es cubista y neoclásico a la vez; Miró está empezando a ser, pero pinta su Autorretrato y unos estupendos paisajes catalanes.

El cuarto pensiero se decía al joven Picasso y tiene dos partes. La primera muestra el Álbum 7, con los bocetos para Les demoiselles d’Avignon procedentes de la colección de la Fundación Picasso de Málaga. La segunda son quince pinturas adolescentes que muestran su evolución desde que tenía 14 años hasta el año 1906.

Fuente: elpais.com

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Hay quien dice que en esta edición de Arco ha habido menos fotografía. Posiblemente sea así, pero referido principalmente a las sofisticadas y enormes fotografías de los artistas contemporáneos que tanto proliferaron hace unos años. Por lo que se refiere a los clásicos, siguen allí. El blanco y negro como valor seguro tanto de autores históricos como de fotógrafos que se han ganado su plaza en el arte sin renunciar a los elementos básicos de la disciplina.
En la galería Jorge Mara-La Ruche, de Buenos Aires, destacan las fotografías de Grete Stern (Alemania, 1904-Argentina, 1999) y del que fuera su marido en los años treinta, Horacio Coppola, (Buenos Aires, 1906), longevo fotógrafo del que hace unos años pudo verse una amplia retrospectiva. De la primera se exhibe una amplia selección de los fotomontajes que realizó entre 1948 y 1951 para una revista femenina y que tituló Los sueños (son edición moderna y valen unos 1.800 euros). De él, diversas copias de época de los años treinta de Buenos Aires de gran poder evocador (12.000 euros).

En la Elvira González se presentan fotografías de Mapplethorpe, del que tendrá una exposición este verano en su sala madrileña, y que es uno de los artistas más omnipresentes en la feria. En La Fábrica pueden verse obras de Diane Arbus y Francesca Woodman y en la galería Levy destaca un apartado dedicado al surrealismo con obras de Man Ray y otros artistas de la época. En Guillermo de Osma se presentan fotografías de los años treinta y cuarenta de Josep Alemany (1895-1951), cuyo archivo ha adquirido la galería, y en la sala Elba Benítez pueden comprarse por unos 5.500 euros fotografías del sudafricano David Goldblatt realizadas en 1975. O, más actual, en la Juana de Aizpuru, como siempre, no faltan las fotografías de Alberto García-Alix y Cristina García Rodero.

Clasicismo

Son casi todas ellas obras que atraen la mirada por su clasicismo en una feria que, aunque muy moderada en esta edición, suele estar plagada de estridencias coloristas. Lo que ya no es tan sencillo es saber exactamente el origen y la técnica de estas fotografías. Pep Belloch, que ha dejado la dirección de la histórica galería Visor después de 28 años para dedicarse al estudio de la fotografía desde la Universidad Politécnica de Valencia, es muy crítico con la manera de presentar la fotografía en Arco. Aunque podría decirse lo mismo del resto de formatos ya que si algo no abunda en esta feria es la información clara al visitante. “Es importante que se daten las obras, que se explique bien la técnica y si es copia de época o no”, señala Belloch. “Tanto si es para el visitante como para el comprador, que tiene derecho a saber exactamente lo que adquiere”. En opinión de Belloch, hay fotografías de autores históricos de los que no se informa que son copias actuales. “Son cosas importantes para clarificar la situación de la fotografía”, afirma.

Belloch confirma la abundancia de fotografía histórica en la feria y lo considera un dato importante de la normalización de la disciplina, que en subastas está adquiriendo cada vez más cotización. “Son valores seguros que los coleccionistas conocen bien, pero insisto en que falta más información sobre lo que se vende. Es un vacío que tenemos en España, en donde no abundan los estudios sobre nuestros autores y tampoco hay una producción teórica importante”, señala. Desde la universidad, indica, ha creado un máster de investigación y puesto en marcha un trabajo para crear una base de datos de colecciones y fondos de fotografía española.
Fuente: (El Pais.com)

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En esta semana el Centro León realiza la apertura de la exposición ¿Qué es el arte moderno para ti?, que será exhibida en la sala de exposiciones temporales de la institución cultural desde el 18 de febrero de 2011, en colaboración con la Fundación Cisneros y la Colección Patricia Phelps de Cisneros.

¿Qué es el arte moderno para ti? es una exposición totalmente innovadora basada en la iniciativa educativa Piensa en arte, metodología desarrollada por la Fundación Cisneros y la Colección Patricia Phelps de Cisneros. La muestra está concebida en su totalidad como propuesta educativa y laboratorio de pensamiento, a través del cual se busca propiciar diálogos entre el público y las obras expuestas.

Basada en cuestionamientos sobre lo moderno, el arte moderno, la representación del movimiento, la realidad y el lenguaje, esta muestra expositiva incluye 49 obras de diversas colecciones privadas y entre ellas se destacan artistas modernos como Pablo Picasso, Alexander Calder, Joan Miró, Joaquín Torres-García, Mira Schendel, Henri Matisse, y René Magritte, entre otros, así como obras de artistas dominicanos, tales como Paul Giudicelli y Darío Suro.

Conversatorio

Fecha: miércoles 16 de febrero
Hora: 7:00 p.m.
Lugar: Auditorio del Museo de Arte Moderno de Santo Domingo

A propósito de la exposición ¿Qué es el arte moderno para ti?, el reconocido artista Luis Camnitzer propondrá vías para ver una obra de arte como el resultado de un proceso de pensamiento y problematización.

En coordinación con la Fundación Cisneros y la Colección Patricia Phelps de Cisneros.

Apertura de exposición ¿Qué es el arte moderno para ti?

Fecha: viernes 18 de febrero
Hora: 10:00 a.m.
Lugar: Sala de exposiciones temporales del Centro León

Una exposición excepcional, concebida en su totalidad como propuesta educativa y laboratorio de pensamiento para provocar diálogos e interactividad entre los visitantes y las obras de artistas modernos como Pablo Picasso, Joan Miró, Alexander Calder, entre otros.

En coordinación con la Fundación Cisneros y la Colección Patricia Phelps de Cisneros.

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Reconocidas galerías y artistas latinoamericanos se dan cita desde este jueves en Art Basel Miami Beach, la mayor muestra de arte contemporáneo en Estados Unidos, donde representantes de la región buscarán captar la atención de inversionistas que llegan de todo el mundo.

Unas 20 galerías latinoamericanas fueron seleccionadas para participar en la exhibición, que congrega un total de 200 compañías exponentes, la mitad de ellas de Estados Unidos y gran parte europeas.

Obras de Salvador Dalí, Joan Miró, Man Ray, Andy Warhol, Henri Matisse, Pablo Picasso y Le Corbusier, entre cientos de otros, se mezclan con consagradas firmas latinoamericanas como Jesús Soto, Joaquín Torres García y con figuras emergentes.

La muestra, que se caracteriza por la oferta de alto nivel artístico y gran volumen de negocios, ofrece obras de museo de los maestros internacionales, valuadas en varios millones de dólares, pero también piezas de artistas nuevos con precios accesibles de cientos de dólares.

“Apostamos al arte latinoamericano porque creemos que tiene gran calidad y una enorme proyección internacional”, dijo a la AFP el venezolano Henrique Faría, uno de los directores de la galería Faría Fábrega, de Caracas, la primera de ese país en participar de Art Basel.

Este año, Brasil es el país de América Latina con mayor presencia en Art Basel, con 11 galerías. Nara Roesler, dueña de la galería del mismo nombre, de San Paulo, dijo que “el buen momento económico que atraviesa Brasil permite a los artistas salir y mostrarse internacionalmente”.

“Para vender arte hay que salir a buscar a quien lo compre porque los grandes coleccionistas no van a ir a mirar a Brasil, vienen a estos sitios“, comentó.

Con la economía global en un mal momento muchos inversionistas ven en la crisis una oportunidad para la compra de arte a mejores precios.

Jorge Mara, de la galería Mara La Ruche, de Buenos Aires, dijo que este año ofrece “opciones para todos los bolsillos” y cree que muchos coleccionistas que están más retraídos por la crisis encuentran en el arte latinoamericano “una muy buena opción por la excelente relación calidad-precio”.

Se espera que unas 40.000 personas visiten la exposición, que se desarrolla hasta el domingo y que cuenta con representantes de 29 países que desplegarán sus obras en varios puntos de la ciudad, según anunciaron los organizadores el miércoles en la pre-apertura para la prensa y coleccionistas VIP.

La monumental exhibición tiene su núcleo en el Centro de Convenciones de Miami Beach donde, en distintos espacios, se exponen pinturas, dibujos, esculturas, instalaciones, fotografía y videos.

Pero la muestra se extiende a otras partes de Miami Beach con programas como el Oceanfront Night (un espacio abierto frente a la playa), en el que este año se representa el arte –cine, música, video y otras disciplinas– de cuatro ciudades, una de ellas Ciudad de México.

Además, esculturas e instalaciones de muchos artistas internacionales se exponen en parques y espacios públicos, en el programa Art Public, curado por el mexicano Patrick Charpenel.

Los artistas locales, la mayor parte concentrados en el llamado distrito Wynwood, cercano al centro de Miami, tienen sus estudios abiertos para visitas guiadas diarias mientras dura la exposición.

Al mismo tiempo que Art Basel funcionan otras quince muestras de arte, que invaden Miami estos días como satélites de la gran exhibición internacional, y que intentan atraer a parte de los visitantes en busca de oportunidades.

Una de esas muestras, Design Miami, inauguró la exhibición el martes con muy buenas ventas, lo que alentó a los expertos a creer que podrían verse este año señales de recuperación en el mercado de arte.

Fuente: Juan Castro Olivera / AFP | Elespectador.com

-Obra ‘Valquira 2009′ del brasileño Gustavo Rezende exhibida Art Basel Miami Beach 2010.

-Obra ‘BrainTrack 2010′ del estadounidense Richard Williams exhibida en Art Basel Miami Beach 2010.

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Quinta Dominica cinco veces centenaria presenta el próximo 20 Julio, la Exposición Fotográfica, Arte Digital “Sueños Azules” del artista dominicano Mariojosé Angeles.

“En el 1991, Mariojosé se apropió del Paraguas como símbolo, traduciéndolo en signo, poética, discurso y fuente receptora de sus especulaciones estilísticas, técnicas, estéticas y conceptuales. El Paraguas evolucionó en sus manos. Se tradujo en metáfora de una resonancia simbólica y sutil, hasta proponer nomenclaturas visuales próximas a la geometrización del tiempo, el espacio y el objeto en su obra”: Abil Peralta, Poeta, Ensayista y Crítico de Arte, Santo Domingo.

El artista al referirse a su obra fotográfica nos dice lo siguiente:
“El experimento fotográfico que estamos haciendo hace casi una década, ha venido encontrando su origen. Las pupilas están abiertas y receptivas a las señales que captan nuestro archivo mental que tiene ya definida los grados de belleza, la escala de colores, los contrastes y la incandescencia que irradian los cuerpos y los objetos. Un mundo mágico y un lenguaje surrealista nos atraen y nos envuelve hacia la modernidad y contemporaneidad de imágenes recogidas en el fondo de una cámara oscura que luego son transformadas e intervenidas por la tecnología de un ordenador”.

“Mariojosé Ángeles, un “artista” multimedia, es también mucho más que un pintor. Un arquitecto de formación que es muy sensible a las tres dimensiones. El tema del paraguas, abrigo y protección, constituye una mancha de color y un punto de referencia que aclara composiciones ofreciendo el deseo de conocer y compartir. Porque este es precisamente el aspecto esencial de su obra, este impulso creativo que lleva al artista a convertirse en un ciudadano de un mundo unido en una integración unánime, de los valores y las señales de todas partes y de siempre”. : Pierre-Jean Foulon curador del Museo Real de Mariemont, Bélgica.

Quinta Dominica, es una casa construida a principios del Siglo XVI, en Santo Domingo de Guzmán, la ciudad mas antigua del Nuevo Mundo, la que durante sus orígenes formó parte del Monasterio del Convento de los Dominicos, convirtiéndose más tarde en aulas de la Universidad Santo Tomás de Aquino, Primera Universidad del Nuevo Continente.

Con la firme intención de recuperar un inmueble de valor altamente histórico, esta casa fue adquirida durante el año 1994 iniciando así un ambicioso proyecto decididamente llamado a apoyar la Cultura, la Historia, el Arte y la Educación, pretendiendo convertirse en herramienta de apoyo al crecimiento y desarrollo integral de la sociedad.

Mariojosé, trabaja simultáneamente varias disciplinas del arte: Pintura, Fotografía, Instalación, Escultura, Arte digital y Diseño Gráfico. Del año 2000 al 2004 ocupó la función de Agregado Cultural de la Embajada de la República Dominicana ante el Reino de Bélgica, el Reino de los Países Bajos y la Comunidad Europea. Residió por 9 años en la ciudad de Bruselas, logrando presentar sus obras en exposiciones en varios países del continente europeo. Actualmente vive y trabaja en la República Dominicana.

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La identidad como concepto efectivo, el paso de lo particular a lo global, el lugar del artísta en una comunidad en expansión.
Estos y otros interesantes temas este Jueves 1ro. de Julio a las 8:30 en Centro Leon: DIALOGO ENTRE ARTISTAS.(Las prácticas artísticas contemporaneas.

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La primera retrospectiva barcelonesa del fotógrafo Wilfredo García se inauguro el 9 de Febrero del presente año

La primera retrospectiva que se dedica al fotógrafo Wilfredo García Domènech (Barcelona, 1935-Santo Domingo, 1988) en su ciudad natal se inauguraro en el Palau Moja de Barcelona, donde se puede visitar hasta el 23 de marzo.

Considerado el padre de la fotografía moderna de la República Dominicana, García consiguió el nivel de celebridad, aunque en España siempre hubo mucho desconocimiento acerca de su obra.

La muestra ‘Wilfredo García: Peculiars obsessions’ está dentro del programa ‘La petjada catalana al Carib’, impulsado por la Fundación Casa Amèrica Catalunya, y que proseguio el 10 de febrero con la mesa redonda ‘De Wilfredo García a Juan Bosch: Referents catalans a la cultura dominicana.

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Un cumplimiento estricto de hecho observable indica que Ismael Checo cae por completo fuera de los límites del arte moderno sin embargo, su pincel y la técnica se relacionan su arte a muchos de los aspectos más avanzados de la pintura contemporánea. A pesar de su aparente naturalidad, su trabajo se debe tanto a artificios como a la naturaleza – con el pasado, si se quiere, tanto como hasta el presente, un principio central de la doctrina post-modernista. Su genio se manifiesta en la riqueza variada de su pincelada espontánea pero controlada, el refinamiento sutil de su paleta (recordando la labor de Darío Suro, e incluso José Vela Zanetti), la agudeza de su notable memoria visual, y, sobre todo, una firme la negativa a alinearse con ninguna forma particular en el arte o el tipo de comisión, sin embargo, que podría ser ventajoso para su bienestar o la fortuna crítica.

Ismael Checo es un pintor con la habilidad de encontrar belleza donde otras personas han pasado por alto. Aunque sus temas son extraídos del mundo, la política y la sociología problemas complejos no son lo que está a la captura, su terreno es de naturaleza distinta, impulsado por cerca de ver las cosas que deleitan a él. Él es, por su propia descripción, un “perfeccionista”, prefiriendo abordar el omnipresente, las cosas familiares y accesibles. Él es un maestro de toda la verdad acerca de la pequeña luz en particular de un determinado lugar, una determinada calidad de una sola cosa. En sus manos, la corriente se transforma en algo más fino y más duradero. Pacheco es un realista que trabaja siempre de la observación directa? Ción. Es fácil admirar la observación exigente del artista y la laboriosidad en la prestación de lo que ve. Él tiene un buen ojo para lo que el mundo aparece, para el reconocimiento y reproducción de detalles suficientes para convencer, no tanto como para abrumar. Él sabe cómo mantener los detalles en su lugar, permitiendo que la forma de existir como presencias sin aristas, los cielos de fusión con la tierra, las cifras que se disuelve en el fondo. Ismael Checo tiene una disciplinada atención al campo organizado de la pintura. Uno se acuerda del impresionismo en su más pura encarnación del siglo XIX, pero el impresionismo como una estructura cuidadosamente construido. Algo calculado para los intereses o mantener el ojo. Esta atención a las preocupaciones formales – la composición, aplicación de pintura y texturas de superficie – recuerda el impresionismo sin embargo, estas preocupaciones son absorbidos sin comprometer la atención primaria de la artista a la materia reconocible.

Alexis Mendoza / Curador

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Inauguración. Domingo 16 de agosto a las 7:00 de la noche en el MAM
La Secretaría de Cultura y el Museo de Arte Moderno convocan a todos los artistas interesados a participar en la 25 Bienal Nacional de Artes Visuales. La Bienal estará basada en la exposición y concurso de las obras seleccionadas de artistas nacionales, residentes o no en el país y artistas extranjeros residentes en la República Dominicana por un mínimo de cinco años.

La gran fiesta de la bellas artes consistirá en una exposición central con las obras seleccionadas por el jurado y en una serie de eventos paralelos: exposiciones, coloquios, visitas guiadas, encuentros y talleres.

Establece la importancia de propiciar la creatividad y la diversidad de lenguajes, en beneficio de los artistas y todos los sectores de la sociedad.

Se otorgarán los siguientes premios, los cuales no podrán ser fraccionados: Gran Premio/Diploma de Honor RD$500,000.00 (quinientos mil pesos, moneda nacional). Este no es acumulable con otro premio. Ocho Premios Igualitarios sin distinción de categoría de RD$250,000.00.

La fecha límite para la entrega de las obras de los participantes residentes en el país y para los residentes en el extranjero será el 1 de julio, hasta las 8:00 p.m. Para la presente convocatoria no habrá prórroga. Esta decisión es inapelable. El Jurado de Premiación dará a conocer en un acto público las obras premiadas dentro del plazo de quince días laborables subsiguientes a la inauguración. Su decisión será inapelable.

Cada obra enviada a la Bienal deberá estar acompañada de un formulario que tendrá las generales del participante y una ficha técnica de la obra. Al momento de la entrega, cada artista deberá proporcionar un CD conteniendo un resumen de su currículo actualizado en formato Word.

Derecho del artista

Cada artista tendrá derecho a participar simultáneamente en cualquiera de las categorías establecidas y podrá concurrir con tres (3) obras en total, las cuales serán depositadas en el Museo de Arte Moderno.

Sólo se recibirán obras inéditas. Que no hayan sido presentadas en exhibiciones públicas o concursos anteriores, públicos o privados.

Requisitos

Los artistas podrán participar en las categorías siguientes: Pintura, Escultura, Dibujo, Obra gráfica, Fotografía, Video y/o multimedia, Cerámica, Instalación, Acciones plásticas, visuales, sonoras y performáticas. Todo participante –individual o colectivamente-debe reunir al menos dos (2) de las siguientes condiciones: 1. Titulado de la Escuela Nacional de Bellas Artes o centros de estudios artísticos reconocidos por el Estado Dominicano. 2. Titulado en escuelas nacionales y extranjeras o instituciones equivalentes a la Escuela Nacional de Bellas Artes y universidades también reconocidas.
fuente: Hoy digital

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La historia documentada del flamenco no es mucho más vieja que la de la fotografía. Casi todo lo que se sabe sobre lo jondo -que es mucho menos de lo que algunos propugnan-, está fotografiado. Y hay un paralelismo crucial entre ambas artes que ha facilitado a los investigadores la construcción del croquis flamenco: la estética de la foto se corresponde casi siempre con la estética del género cabal en la fecha en la que fue tomado el retrato. Las fotos que a lo largo de casi dos siglos han mostrado imágenes flamencas arrojan mucha más información que la meramente artística o emocional. Dicho de manera más definitiva: las fotos de flamenco cantan.
Por eso la exposición que se celebra en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo hasta el próximo 30 de agosto tiene una sonoridad inexplicable. «Prohibido el cante» es una muestra de cariz excepcional, pero no sólo por la cantidad de fotografías y de fotógrafos de primer nivel que ha logrado reunir en torno a lo jondo, sino porque es un símbolo de la rebeldía flamenca. Canta en silencio para esquivar la proscripción a la que legendariamente ha estado sometida la queja andaluza hasta que logró convertirse en un arte universal de alta alcurnia. Porque «Prohibido el cante. Flamenco y Fotografía», cuyo comisario es el propio director del CAAC, José Lebrero, reúne en el Monasterio de la Cartuja más de 200 imágenes de 80 autores internacionales. Nombres tan célebres para la historia de la fotografía como Ortiz Echagüe, Pierre Verger, Brassai, Martin Parr, Harcourt o el mítico Robert Capa aportan obras a la muestra. Se trata de imágenes que tomaron mientras trabajaban en otros asuntos, pero esos encuentros esporádicos con el flamenco están cargados de significación, pues, en su mayoría, ofrecen una perspectiva del género desde sus afueras. Todo lo contrario de lo que ocurre con otros autores como Colita, Carlos Saura, Carlos Arbelos, Pepe Lamarca o Paco Sánchez, que aportan obras a la exposición que están realizadas desde las propias entrañas de este arte. Buena prueba de ello es la pieza de Pablo Juliá en la que aparece Camarón a pecho descubierto. Esto es: la frontera que los propios flamencos colocan para permitir o denegar el acceso a quienes se arriman a este mundo está perfectamente perfilada en esta exposición. Y hay más: la fotografía más antigua fue tomada por el francés Gustave de Beaucorps en Granada en 1858. Se trata de un daguerrotipo en el que aparece un gitano asido a una guitarra con actitud sedentaria.
Man Ray, Inge Morath o Cartier-Bresson son otros de los grandes fotógrafos que firman obras de esta muestra
Y apenas unas décadas después, una de las primeras mujeres en ponerse tras la cámara, Dora Philippine Kallmus, conocida como Madame d´Ora, fotografía en su estudio de París a Antonia Mercé La Argentina para componer una obra en la que el movimiento empieza a vislumbrarse tras la pose. Otro dato se infiere, por tanto, de la contemplación de ambas piezas: en Granada, el flamenco del siglo XIX era estático; en París, apenas unos años después, todo se movía.
Porque desde el mayestatismo de Beaucorps al de Ruvén Afanador, que regresa a Sevilla después de su paso por la Bienal con una foto de Falete, hay dos siglos de movimiento. El flamenco huye del inmovilismo en la imagen que Bettmann recogió de Los Beatles a su llegada a Londres tras su gira por España en 1965 -Lennon haciendo un desplante con sombrero cordobés-, al tiempo que se aferra a sus raíces en la fotografía que Gyenes hizo a las manos de Carmen Amaya. Todo está mezclado en esta muestra que pone en el escaparate dos siglos de jondura y de fotografía, de Argentina, Farruco y Juan Valderrama frente a Capa, Cartier-Bresson, Emilio Beauchy, Gilles Larrain, Inge Morath, René Robert, Emile Zolá o el gran Man Ray.
Y no hay que olvidar un último dato crucial: no se expone la historia del flamenco en su totalidad, ni la de la fotografía, pero sí se exhiben historias jondas y fotográficas que hasta ahora estaban perdidas en los archivos. El caso de Som Cerezo y su imagen titulada «Ozú, qué mala sombra» lo demuestra. Una gitana reza ante un muro que está invadido por la sombra de un guardia civil. La foto es de principios de los sesenta y no sólo perfila la situación de lo jondo en ese tiempo, sino de España. Pero el fotógrafo, pese a tan magistral obra, no era conocido hasta que el comisario, Lebrero, se empeñó en rescatarlo. Porque ésa es la clave de la muestra: rescatar quejíos que valen más que mil imágenes e imágenes que valen más que mil quejíos
ALBERTO GARCÍA REYES/ABC.es

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Decenas de jóvenes y adultos de todo el país y del extranjero se dieron un abrazo de solidaridad durante los 4 días de este evento.

Lanzando flores al mar, en señal de la llegada de la primavera.
Santo Domingo.- El arte comprometido tuvo su gran fiesta de cuatro días… o de un día de 86 horas, como se le bautizó informalmente. La llegada de la primavera resultó ser la excusa perfecta para que artistas, jóvenes y activistas de distintas agrupaciones dominicanas y extranjeras se encontraran en los dominios de la Universidad Autónoma de Santo Domingo (UASD) dentro del undécimo encuentro internacional de la organización Justicia Global, “Arte y Revolución”.

Otros espacios fueron también sede de esta primavera revolucionaria. La sala de teatro Guloya en la Ciudad Colonial, el Archivo General de la Nación, en donde el coro feminista MUSE de Cincinatti se presentó, y el liceo Eladio Peña de la Rosa, en Herrera, también sirvieron de sede a distintas actividades del encuentro.

Actividades
Paneles, talleres, conferencias, espacios de discusión y conciertos fueron las actividades principales, en que la caricatura, el grafiti, muralismo, hip hop y canción de autor se dieron la mano.

Y la forma de culminar este recibimiento a la estación más poética y florida del año no pudo ser más simbólica: frente a las aguas del mar Caribe, leyendo la declaración final, y lanzando flores al mar, en los arrecifes próximos a Malecón Center.

Esto fue explicado por el coordinador general de la organización, Ángel Pichardo Almonte, en el sentido de que con la acción se celebraba la llegada de la primavera “y porque es un símbolo, que une a todos los pueblos, en vez de dividirnos”.

“Arte y Revolución” unió a distintas generaciones y nacionalidades bajo una sola bandera: la de la lucha y la solidaridad a través del arte.

Como señala la declaración final del evento: “Este encuentro ha permitido el fortalecimiento de los vínculos con otras organizaciones, hacia las cuales hacemos constar un profundo sentido de agradecimiento”.

Logros
Como uno de los logros a mediano plazo, durante la realización de este encuentro, se decidió retomar la Bienal Marginal como espacio y práctica desde el movimiento artístico revolucionario, en homenaje al extinto artista plástico Silvano Lora y con el propósito de lograr el reconocimiento de las producciones cotidianas del pueblo como obras de arte.

‘Todo un éxito’
Para Ingrid Luciano, coordinadora general de este encuentro internacional, el mismo fue “todo un éxito” al compartir espacios de debate, como los paneles que se tuvieron, “en los cuales se profundizó principalmente sobre el sindicalismo y el rol de las y los artistas en dichos movimientos”. Reseña, entre otros temas debatidos, el arte en el movimiento de los pobres de Estados Unidos; y también “qué es el arte y quiénes son artistas”.

Sobre este último aspecto, Luciano, quien también presentó la pieza teatral “Por qué no” durante el festival de teatro breve del encuentro, resalta la discusión desarrollada en el marco del panel de Arte Revolucionario, el sábado 21 en la mañana, con la participación de Luis Britto García y Roldán Mármol, donde participantes y artistas del canto de trabajo campesino y los palos se identificaron como tales: como artistas, negando la concepción elitista de la persona artista que la ubica sólo como alguien que presenta en teatros y museos.

Resalta también el hecho de que se tuvieron espacios de presentaciones artísticas, desde la inauguración del evento, además del exitoso festival de teatro breve y poesía que se realizó simultáneamente en el Teatro Guloya y la sala de teatro de la Facultad de Artes de la UASD, también el Gran Concierto que se realizó el viernes 20 y demás espacios de presentaciones informales durante todo el evento.

+) ALTERNATIVAS DEL ARTE ANTE LA CRISIS
Ingrid Luciano manifiesta que el encuentro llena a Justicia Global “de fuerzas y esperanza” para desarrollar un movimiento artísticocultural “que retome la denuncia, la protesta, la propuesta y la movilización como su bandera de creatividad y lucha”.

Por eso surge la propuesta de fortalecer el teatro popular, la música de protesta y toda expresión artística que pueda tomar “la realidad de injusticia en la que estamos” y transformarla a través de la creatividad y la organización.
(Fuente: Listin Diario)

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El pasado 9 de marzo se cumplieron 20 años de la muerte del símbolo de la revolución homosexual de los setenta y ochenta neoyorkinos, el fotógrafo Robert Mapplethorpe (Nueva York, 1946-1989). Considerado como uno de los ejemplos clave de la posmodernidad, ha sido tan criticado como alabado debido a sus imágenes transgresoras, eróticas y explícitamente sexuales, que retrataron el mundo homosexual con total sinceridad en plena liberación sexual de los setenta.

Sus instantáneas fueron calificadas de escandalosas e incluso de perversas en los círculos más conservadores de EE.UU., coincidiendo, además, con un momento de gran homofobia en la sociedad por la irrupción de los primeros casos de sida, enfermedad que le causó la muerte a los 42 años.

Mapplethorpe, gran admirador de Man Ray y Duchamp, inicia su pasión por la fotografía utilizándola como medio para crear collages con sus propias imágenes sin necesidad de acudir a revistas y libros. Después, comienza a retratar a sus amigos, conocidos, estrellas del cine pornográfico, artistas, músicos -como los famosos retratos de Patti Smith- y otras celebridades con su máquina polaroid, a través de la cual aprende a mirar fotográficamente.

Obsesión por el cuerpo y la perfección

El artista, fascinado por la belleza y el erotismo de los cuerpos desnudos, explora su propia identidad sexual a través de sus primeras fotografías. El cuerpo humano como el lugar donde se unen placer y dolor. Obsesionado por la perfección, Mapplethorpe representa el cuerpo desnudo a la manera de la estatuaria clásica. Él mismo define la fotografía como “la forma perfecta de hacer una escultura”.

Ha sido comparado con Rafael y Miguel Ángel por su estilo, la simetría y las composiciones rigurosas, e incluso con el manierismo en una fase posterior en la que, alargando las formas, se aleja de tanta perfección. Algunos de sus retratados posan apoyados en columnas o pedestales intensificando así, la sensación clásica.

El equilibrio visual de sus obras se ve reforzado por el difuminado de sus fondos, la excelente calidad de la luz y la capacidad para mostrar diferentes texturas. La piel de los cuerpos es reproducida con la delicadeza del mármol. Además de los retratos y los cuerpos desnudos, Mapplethorpe representa el erotismo a través de la serie de las flores de una manera más alegórica pero manteniendo la tan buscada perfección técnica.

Repercusión

Su huella la podemos encontrar en artistas actuales españoles como Isabel Muñoz y Alberto García-Alix o internacionales como Antoine D’Agata, Nobuyoshi Araki, Nan Golding o Paoli Ardizzoni. La obra de este artista considerado como uno de los fotógrafos más influyentes de la segunda mitad del siglo XX es expuesta en galerías y museos de todo el mundo provocando, aún en la actualidad, críticas adversas desde los sectores más conservadores.

Mapplethorpe, que bajo sus temáticas eróticas y homosexuales y sus personajes de distintas razas busca la igualdad social, creó en 1988 la Fundación Robert Mapplethorpe, dedicada a la lucha contra el sida y a promover la fotografía y el legado del propio artista.

(Fuente:ERIKA GOYARROLA. hoyesarte.com)

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El fotógrafo recorre la exposición
Imágenes saturadas de color con temáticas de cultura popular, guerra y religión se alinean en las paredes de piedra de un antiguo colegio jesuita en la primera exposición en Ciudad de México del fotógrafo estadounidense de culto David LaChapelle.
Este artista surrealista, que comenzó su carrera trabajando con el maestro del pop-art Andy Warhol, es célebre por sus imágenes de celebridades en inusuales puestas en escena, por sus numerosos vídeos de estética pop, así como por el documental sobre danza ‘Rize’.
Mientras aumenta el impacto de la capital mexicana sobre el escenario del arte contemporáneo, el trabajo de LaChapelle se une al de algunos de los muralistas latinoamericanos más renombrados, como Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros, en el Antiguo Colegio de San Ildefonso, ubicado en el centro histórico de la extensa ciudad. “Es enormemente excitante para mí estar aquí en México. Estar en un museo con alguien que me inspiró tanto como Diego Rivera es increíble”, dijo LaChapelle en una conferencia de prensa previa a la muestra de cuatro meses que se inaugura este martes.
“Marca su obra un nuevo estilo de hacer fotografia”, señaló a la AFP la directora del museo, Paloma Porraz. “Su estilo es totalmente distinto en relación al edificio pero hay que atraer al gran público”, agregó.
LaChapelle señaló que se estaba tomando un descanso de su habitual trabajo con celebridades en Estados Unidos, tras realizar un vídeo de la cantante Madonna, cuando fue invitado a exponer en México, en una muestra que reúne 64 de sus obras realizadas entre 1995 y 2008.
La exposición, titulada ‘Delirio de la razón’, incluye imágenes que exploran la cultura de la celebridad y el consumo, así como personajes contemporáneos caracterizados con un estilo religioso renacentista, que podrían molestar a la influyente iglesia Católica en México. “La idea de la religión organizada me interesa, y los fundamentalistas y la forma como ellos han pervertido esas ideas”, dijo LaChapelle.
Fuente” AFP

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